diff --git "a/align-10/es_ten_test_es_to_es.jsonl" "b/align-10/es_ten_test_es_to_es.jsonl" new file mode 100644--- /dev/null +++ "b/align-10/es_ten_test_es_to_es.jsonl" @@ -0,0 +1,740 @@ +{"id": 0, "title": "Venus de Milo", "en_title": "Venus de Milo", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "reference": "Afrodita de Milo , más conocida como Venus de Milo, es una de las estatuas más representativas del periodo helenístico de la escultura griega, y una de las más famosas esculturas de la antigua Grecia. Fue creada en algún momento entre los años 130 a. C. y 100 a. C., y se cree que representa a Afrodita , diosa del amor y la belleza; mide, aproximadamente, 2,11 m de alto.Esta estatua fue encontrada en Milo —Cícladas—, desenterrada por un campesino y vendida a Francia entre 1819 y 1820. El precio que el campesino pedía por la escultura era demasiado alto, y Dumont d'Urville —viajero que realizó una parada en este lugar—, no llevaba el dinero suficiente, por lo que recurrió a un embajador francés en Constantinopla, quien accedió a comprarla. Sin embargo, anteriormente el campesino había acordado venderla a los turcos, lo que inició un conflicto por la posesión de la estatua. escultura fue hecha en mármol blanco, en varios bloques cuyas uniones no son visibles, en un tamaño ligeramente superior al natural. Se desconoce su autor, pero se ha sugerido que pudiera ser obra de Alejandro de Antioquía. Esta escultura posee un estilo característico del final de la época helenística, que retoma el interés por los temas clásicos al tiempo que los renueva. El aspecto clasicista de sus formas hacen suponer que su autor se inspiró en la estatua del de Lisipo, la Afrodita de Capua.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Venus de Milo y explora la Resumen.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Afrodita", "Alejandro de Antioquía", "Antioquía", "Constantinopla", "Cícladas", "Francia", "Grecia", "Lisipo", "Milo"]} +{"id": 1, "title": "Venus de Milo", "en_title": "Venus de Milo", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "reference": "Afrodita de Milo , más conocida como Venus de Milo, es una de las estatuas más representativas del periodo helenístico de la escultura griega, y una de las más famosas esculturas de la antigua Grecia. 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Se ha llegado a atribuir incluso a Scopas, escultor clásico del siglo IV a. C., aunque en ella no se detecta el pathos característico de este autor.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Venus de Milo y explora la Ejecuciónyautoría.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Antioquía", "Fidias", "Praxíteles"]} +{"id": 5, "title": "Venus de Milo", "en_title": "Venus de Milo", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "reference": "obra fue creada en algún momento entre los años 130 a. C. y 100 a. C. 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En 1815 Francia había perdido la Venus de Médici, considerada como una de las esculturas clásicas más finas en la historia, que había sido saqueada de Italia por Napoleón Bonaparte. Tras la caída de Napoleón, la Venus medicea había sido devuelta a los italianos. Así que los franceses promovieron conscientemente la Venus de Milo como un tesoro más grande que el que ellos habían perdido recientemente, siendo alabada debidamente por artistas y críticos, que la consideraron como el paradigma de la belleza femenina elegante.Después de la llegada de la estatua a Francia, se propuso una restauración que debía incluir completar la nariz, el pie izquierdo y los brazos. Sin embargo, surgieron opiniones en contra de la restauración de los brazos debido a que se desconocía la posición que podían tener, por lo que el trabajo consistió en añadir un zócalo rectangular, la nariz, el pie izquierdo y el dedo gordo del pie derecho. También se taparon algunos agujeros de la superficie. Es posible que en esta restauración se recortara también el brazo derecho. En 1870, momento del asedio de París por las tropas prusianas, el director del museo del Louvre decidió el traslado de la Venus fuera de la ciudad y para facilitar el traslado se desmontó la estatua. Se aprovechó para hacer una segunda restauración y limpieza. Durante un viaje en barco a Japón, en 1964, la estatua sufrió algunos desperfectos debido a que no se había desmontado para el traslado y algunos marmolistas del Louvre tuvieron que trasladarse urgentemente a Japón para reparar los daños. Entre noviembre de 2009 y abril de 2010 se llevó a cabo una nueva restauración en la que se eliminaron los añadidos de yeso y se limpió la superficie. Bajo uno de estos añadidos de yeso se descubrió un papel que ponía Restaurée le 5 avril 1936 par Libeau / Marbrier- Louvre. Esta restauración, que no está documentada, quizá incluyó la retirada del pie de yeso que había sido añadido en la primera restauración. En julio de 2010 la escultura reapareció en el Museo del Louvre con una nueva ubicación.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Venus de Milo y explora la Famayrestauración.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Francia", "Italia", "Japón", "Milo", "Museo del Louvre", "Napoleón Bonaparte", "París", "Venus de Médici"]} +{"id": 9, "title": "Venus de Milo", "en_title": "Venus de Milo", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "reference": "Venus de Milo aparece representada en muchas obras pictóricas a partir de su descubrimiento, como en El Tiempo mostrando las ruinas que causa y las obras maestras que saca a la luz, obra de nota descubierta en 2009/2010 sobre la restauración de 1936. gran fama de la estatua en el no era simplemente el resultado de su reconocida belleza, sino también en gran parte debido a un mayor esfuerzo de propaganda por parte de las autoridades francesas. 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En 1815 Francia había perdido la Venus de Médici, considerada como una de las esculturas clásicas más finas en la historia, que había sido saqueada de Italia por Napoleón Bonaparte. Tras la caída de Napoleón, la Venus medicea había sido devuelta a los italianos. Así que los franceses promovieron conscientemente la Venus de Milo como un tesoro más grande que el que ellos habían perdido recientemente, siendo alabada debidamente por artistas y críticos, que la consideraron como el paradigma de la belleza femenina elegante.Después de la llegada de la estatua a Francia, se propuso una restauración que debía incluir completar la nariz, el pie izquierdo y los brazos. Sin embargo, surgieron opiniones en contra de la restauración de los brazos debido a que se desconocía la posición que podían tener, por lo que el trabajo consistió en añadir un zócalo rectangular, la nariz, el pie izquierdo y el dedo gordo del pie derecho. También se taparon algunos agujeros de la superficie. Es posible que en esta restauración se recortara también el brazo derecho. En 1870, momento del asedio de París por las tropas prusianas, el director del museo del Louvre decidió el traslado de la Venus fuera de la ciudad y para facilitar el traslado se desmontó la estatua. Se aprovechó para hacer una segunda restauración y limpieza. Durante un viaje en barco a Japón, en 1964, la estatua sufrió algunos desperfectos debido a que no se había desmontado para el traslado y algunos marmolistas del Louvre tuvieron que trasladarse urgentemente a Japón para reparar los daños. Entre noviembre de 2009 y abril de 2010 se llevó a cabo una nueva restauración en la que se eliminaron los añadidos de yeso y se limpió la superficie. Bajo uno de estos añadidos de yeso se descubrió un papel que ponía Restaurée le 5 avril 1936 par Libeau / Marbrier- Louvre. Esta restauración, que no está documentada, quizá incluyó la retirada del pie de yeso que había sido añadido en la primera restauración. En julio de 2010 la escultura reapareció en el Museo del Louvre con una nueva ubicación.", "entry": "section", "prompt": "¿Cómo aclara Venus de Milo su Famayrestauración?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Francia", "Italia", "Japón", "Milo", "Museo del Louvre", "Napoleón Bonaparte", "París", "Venus de Médici"]} +{"id": 11, "title": "Venus de Milo", "en_title": "Venus de Milo", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "reference": "Venus de Milo aparece representada en muchas obras pictóricas a partir de su descubrimiento, como en El Tiempo mostrando las ruinas que causa y las obras maestras que saca a la luz, obra de nota descubierta en 2009/2010 sobre la restauración de 1936. gran fama de la estatua en el no era simplemente el resultado de su reconocida belleza, sino también en gran parte debido a un mayor esfuerzo de propaganda por parte de las autoridades francesas. En 1815 Francia había perdido la Venus de Médici, considerada como una de las esculturas clásicas más finas en la historia, que había sido saqueada de Italia por Napoleón Bonaparte. Tras la caída de Napoleón, la Venus medicea había sido devuelta a los italianos. Así que los franceses promovieron conscientemente la Venus de Milo como un tesoro más grande que el que ellos habían perdido recientemente, siendo alabada debidamente por artistas y críticos, que la consideraron como el paradigma de la belleza femenina elegante.Después de la llegada de la estatua a Francia, se propuso una restauración que debía incluir completar la nariz, el pie izquierdo y los brazos. Sin embargo, surgieron opiniones en contra de la restauración de los brazos debido a que se desconocía la posición que podían tener, por lo que el trabajo consistió en añadir un zócalo rectangular, la nariz, el pie izquierdo y el dedo gordo del pie derecho. También se taparon algunos agujeros de la superficie. Es posible que en esta restauración se recortara también el brazo derecho. En 1870, momento del asedio de París por las tropas prusianas, el director del museo del Louvre decidió el traslado de la Venus fuera de la ciudad y para facilitar el traslado se desmontó la estatua. Se aprovechó para hacer una segunda restauración y limpieza. Durante un viaje en barco a Japón, en 1964, la estatua sufrió algunos desperfectos debido a que no se había desmontado para el traslado y algunos marmolistas del Louvre tuvieron que trasladarse urgentemente a Japón para reparar los daños. Entre noviembre de 2009 y abril de 2010 se llevó a cabo una nueva restauración en la que se eliminaron los añadidos de yeso y se limpió la superficie. Bajo uno de estos añadidos de yeso se descubrió un papel que ponía Restaurée le 5 avril 1936 par Libeau / Marbrier- Louvre. Esta restauración, que no está documentada, quizá incluyó la retirada del pie de yeso que había sido añadido en la primera restauración. En julio de 2010 la escultura reapareció en el Museo del Louvre con una nueva ubicación.", "entry": "section", "prompt": "En Venus de Milo, ¿Cómo se discute la Famayrestauración?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Francia", "Italia", "Japón", "Milo", "Museo del Louvre", "Napoleón Bonaparte", "París", "Venus de Médici"]} +{"id": 12, "title": "Venus de Milo", "en_title": "Venus de Milo", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "reference": "estatua se encontró semienterrada, en dos pedazos, el 8 de abril de 1820 en la isla egea de Melos, llamada también Milo, por un campesino llamado Yórgos Kendrotás. Lo cierto es que no está claro si los brazos pudieron perderse después del hallazgo moderno de la escultura: Yórgos dejó una mitad de la Venus en el mismo lugar donde la había encontrado por no poder desenterrarla, pues su peso es de al menos 900 kilos, y la otra mitad la llevó al establo, ofreciendo en primer lugar la venta de la estatua a un clérigo ortodoxo.En aquellos momentos, Grecia se encontraba aún bajo dominio del imperio otomano, y el clérigo griego contactó, para eludir a las autoridades turcas, con un oficial naval francés Jules Dumont D'Urville, quien enseguida reconoció el valor de la estatua y presuntamente arregló con el clérigo una oscura compra del embajador francés en Constantinopla, el Marqués de Riviere. Finalmente, el Rey la entregó al Museo del Louvre en París, donde todavía se muestra hoy a la admiración pública.Durante la Segunda Guerra Mundial, la estatua permaneció en el castillo de Valençay. En 1960, una comisión de arqueólogos turcos presentó ante André Malraux una petición en la que reclamaba la devolución de la Venus de Milo. Este pedido se basaba en un informe del jurista Ahmed Rechim, quien acusaba a los franceses de haber robado la estatua y decía que esta pertenecía al imperio otomano.Malraux declaró la idea como un «chantaje cultural» y se negó a devolverla,", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de Venus de Milo, explora la Descubrimiento y null.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Ahmed Rechim", "André Malraux", "Constantinopla", "Grecia", "Jules Dumont D'Urville", "Marqués de Riviere", "Milo", "Museo del Louvre", "París", "Segunda Guerra Mundial"]} +{"id": 13, "title": "Venus de Milo", "en_title": "Venus de Milo", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "reference": "estatua se encontró semienterrada, en dos pedazos, el 8 de abril de 1820 en la isla egea de Melos, llamada también Milo, por un campesino llamado Yórgos Kendrotás. 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En 1960, una comisión de arqueólogos turcos presentó ante André Malraux una petición en la que reclamaba la devolución de la Venus de Milo. Este pedido se basaba en un informe del jurista Ahmed Rechim, quien acusaba a los franceses de haber robado la estatua y decía que esta pertenecía al imperio otomano.Malraux declaró la idea como un «chantaje cultural» y se negó a devolverla,", "entry": "subsection", "prompt": "Explora la Descubrimiento sobre la null de esta obra de arte, Venus de Milo.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Ahmed Rechim", "André Malraux", "Constantinopla", "Grecia", "Jules Dumont D'Urville", "Marqués de Riviere", "Milo", "Museo del Louvre", "París", "Segunda Guerra Mundial"]} +{"id": 14, "title": "Venus de Milo", "en_title": "Venus de Milo", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "reference": "estatua se encontró semienterrada, en dos pedazos, el 8 de abril de 1820 en la isla egea de Melos, llamada también Milo, por un campesino llamado Yórgos Kendrotás. 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En 1960, una comisión de arqueólogos turcos presentó ante André Malraux una petición en la que reclamaba la devolución de la Venus de Milo. Este pedido se basaba en un informe del jurista Ahmed Rechim, quien acusaba a los franceses de haber robado la estatua y decía que esta pertenecía al imperio otomano.Malraux declaró la idea como un «chantaje cultural» y se negó a devolverla,", "entry": "subsection", "prompt": "En Venus de Milo, ¿Cómo se aclara la Descubrimiento de la null?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Ahmed Rechim", "André Malraux", "Constantinopla", "Grecia", "Jules Dumont D'Urville", "Marqués de Riviere", "Milo", "Museo del Louvre", "París", "Segunda Guerra Mundial"]} +{"id": 15, "title": "Venus de Milo", "en_title": "Venus de Milo", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "reference": "estatua se encontró semienterrada, en dos pedazos, el 8 de abril de 1820 en la isla egea de Melos, llamada también Milo, por un campesino llamado Yórgos Kendrotás. 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En 1960, una comisión de arqueólogos turcos presentó ante André Malraux una petición en la que reclamaba la devolución de la Venus de Milo. 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En esta etapa, la herencia de la cultura helénica de la Grecia clásica fue recibida por los propios griegos a través de la hegemonía y supremacía de Macedonia, primero con la persona de Alejandro Magno, y después de su muerte, con los diádocos o sucesores, los reyes de las tres grandes dinastías: Ptolemaica, Seléucida y Antigónida.Esta etapa suele ser considerada como un periodo de transición entre el declive de la época clásica griega y el ascenso del poder romano. Sin embargo, el esplendor de ciudades como Alejandría, Antioquía o Pérgamo, la importancia de los cambios económicos, el mestizaje cultural, y el papel dominante del idioma griego y su difusión, son factores que modificaron profundamente el Oriente Medio antiguo en esta etapa. Esta herencia cultural será asimilada por el mundo romano, surgiendo así con la fusión de estas dos culturas lo que se conoce como cultura clásica, fundamento de la civilización occidental. El término helenístico fue utilizado por primera vez por el historiador alemán Johann Gustav Droysen en Geschichte des Hellenismus , a partir de un criterio lingüístico y cultural, es decir, la difusión de la cultura propia de las regiones en las que se hablaba el griego , o directamente relacionadas con la Hélade, a través del propio idioma, un fenómeno alentado por las clases gobernantes de origen heleno de aquellos territorios que nunca tuvieron relación directa con Grecia, como pudo ser el caso de Egipto, Bactriana o los territorios del Imperio seléucida. Este proceso de helenización de los pueblos orientales, y la fusión o asimilación de rasgos culturales orientales y griegos, tuvo continuidad, como se ha mencionado, bajo el Imperio romano.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de Venus de Milo, explora la GreciaduranteelHelenismo y null.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Afrodita", "Alejandro Magno", "Alejandría", "Antioquía", "Bactriana", "Cleopatra", "Egipto", "Grecia", "Grecia clásica", "Imperio romano", "Imperio seléucida", "Johann Gustav Droysen", "Marco Antonio", "Oriente Medio", "Pérgamo"]} +{"id": 17, "title": "Venus de Milo", "en_title": "Venus de Milo", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "reference": "Busto de mármol de Afrodita encontrado en el El periodo helenístico o alejandrino es una etapa histórica de la Antigüedad, cuyos límites cronológicos vienen marcados por dos importantes acontecimientos políticos: la muerte de Alejandro Magno y el suicidio de la última soberana helenística, Cleopatra VII de Egipto, y su amante Marco Antonio, tras su derrota en la batalla de Actium . 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En esta etapa, la herencia de la cultura helénica de la Grecia clásica fue recibida por los propios griegos a través de la hegemonía y supremacía de Macedonia, primero con la persona de Alejandro Magno, y después de su muerte, con los diádocos o sucesores, los reyes de las tres grandes dinastías: Ptolemaica, Seléucida y Antigónida.Esta etapa suele ser considerada como un periodo de transición entre el declive de la época clásica griega y el ascenso del poder romano. Sin embargo, el esplendor de ciudades como Alejandría, Antioquía o Pérgamo, la importancia de los cambios económicos, el mestizaje cultural, y el papel dominante del idioma griego y su difusión, son factores que modificaron profundamente el Oriente Medio antiguo en esta etapa. Esta herencia cultural será asimilada por el mundo romano, surgiendo así con la fusión de estas dos culturas lo que se conoce como cultura clásica, fundamento de la civilización occidental. El término helenístico fue utilizado por primera vez por el historiador alemán Johann Gustav Droysen en Geschichte des Hellenismus , a partir de un criterio lingüístico y cultural, es decir, la difusión de la cultura propia de las regiones en las que se hablaba el griego , o directamente relacionadas con la Hélade, a través del propio idioma, un fenómeno alentado por las clases gobernantes de origen heleno de aquellos territorios que nunca tuvieron relación directa con Grecia, como pudo ser el caso de Egipto, Bactriana o los territorios del Imperio seléucida. 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En esta etapa, la herencia de la cultura helénica de la Grecia clásica fue recibida por los propios griegos a través de la hegemonía y supremacía de Macedonia, primero con la persona de Alejandro Magno, y después de su muerte, con los diádocos o sucesores, los reyes de las tres grandes dinastías: Ptolemaica, Seléucida y Antigónida.Esta etapa suele ser considerada como un periodo de transición entre el declive de la época clásica griega y el ascenso del poder romano. Sin embargo, el esplendor de ciudades como Alejandría, Antioquía o Pérgamo, la importancia de los cambios económicos, el mestizaje cultural, y el papel dominante del idioma griego y su difusión, son factores que modificaron profundamente el Oriente Medio antiguo en esta etapa. Esta herencia cultural será asimilada por el mundo romano, surgiendo así con la fusión de estas dos culturas lo que se conoce como cultura clásica, fundamento de la civilización occidental. El término helenístico fue utilizado por primera vez por el historiador alemán Johann Gustav Droysen en Geschichte des Hellenismus , a partir de un criterio lingüístico y cultural, es decir, la difusión de la cultura propia de las regiones en las que se hablaba el griego , o directamente relacionadas con la Hélade, a través del propio idioma, un fenómeno alentado por las clases gobernantes de origen heleno de aquellos territorios que nunca tuvieron relación directa con Grecia, como pudo ser el caso de Egipto, Bactriana o los territorios del Imperio seléucida. Este proceso de helenización de los pueblos orientales, y la fusión o asimilación de rasgos culturales orientales y griegos, tuvo continuidad, como se ha mencionado, bajo el Imperio romano.", "entry": "subsection", "prompt": "Describe las características de la GreciaduranteelHelenismo en la null de Venus de Milo.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Afrodita", "Alejandro Magno", "Alejandría", "Antioquía", "Bactriana", "Cleopatra", "Egipto", "Grecia", "Grecia clásica", "Imperio romano", "Imperio seléucida", "Johann Gustav Droysen", "Marco Antonio", "Oriente Medio", "Pérgamo"]} +{"id": 20, "title": "Venus de Milo", "en_title": "Venus de Milo", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "reference": "El contexto histórico en el que se realiza el hallazgo de la Venus de Milo, Francia se encontraba gobernada por Luis XVIII. Durante este periodo Selim III y Mahmud II , se encontraban reformando el Imperio Otomano. Lo principal de su esfuerzo iba dedicado a purificar, eliminando la corrupción y el nepotismo en la administración. Además crearon unas fuerzas militares totalmente nuevas, llamadas Nizam-i Cedid, cuando los continuos reveses militares demostraron la supremacía europea. Dejaron intactos los antiguos cuerpos, muy hostiles a esta creación, por lo que ambos sultanes se vieron obligados a limitar su número, por eficientes que llegaran a ser.Durante el reinado de Luis XVIII se formó un nuevo gobierno radical encabezado por el Conde de Villèle que sin embargo se mostró luego tan cauteloso como su Rey y, en tanto Luis XVIII vivió, las políticas reaccionarias fueron mantenidas bajo mínimos. Durante esta etapa, en la que se descubrió la Venus, sucedieron gran cantidad de cambios en el mundo, pero sobre todo en Europa pues, por primera vez, se abolía la Inquisición de manera definitiva por parte de los liberales el 9 de marzo de 1820. Asimismo, el día siguiente, Fernando VII de España juraba respetar la Constitución de Cádiz.Mientras tanto, en territorio turco, Selim y Mahmud se vieron desviados de su tarea por los continuos peligros militares que tenían frente a sí. Francia se transformó en nación enemiga cuando Napoleón Bonaparte invadió Egipto y Siria en 1798 —razón por la que los turcos sentían aborrecimiento por los franceses. Solo cuando los franceses fueron arrojados de Egipto en 1802 pudieron ser restablecidas las relaciones normales entre ambos Estados. Rusia y Austria constituían una amenaza constante en los Balcanes, y como resultado de su intervención surgieron revueltas nacionales contra el sultán en Serbia, en 1804, y en Grecia, en 1821, que temporalmente supusieron la autonomía e independencia de ambas.s fechas en la que la Venus de Milo pudo ser hallada varían en demasía; algunas fuentes apuntan a que fue el 19 de abril, mientras que otras indican el 8 de este mes. obra fue adquirida, sin algunos segmentos, por Francia, cuando ya los turcos la habían comprado a Yórgos, pero este se retractó y decidió vendérsela al país europeo. Los turcos calificaron tal acto de atroz durante la dirigencia de Marcellus, y acusaron de conspiradores a Rivière y al propio monarca Luis XVIII. Al mismo tiempo, argumentaban que la estatua era patrimonio turco. Por tal razón, en años posteriores, pidieron la devolución de la obra, cosa a la que Francia se negó; pero en particular el Museo del Louvre.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de Venus de Milo, explora la Periplodela''VenusdeMilo'' y null.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Austria", "Egipto", "España", "Fernando VII de España", "Francia", "Grecia", "Inquisición", "Milo", "Museo del Louvre", "Napoleón Bonaparte", "Rusia", "Selim III", "Serbia", "Siria"]} +{"id": 21, "title": "Venus de Milo", "en_title": "Venus de Milo", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "reference": "El contexto histórico en el que se realiza el hallazgo de la Venus de Milo, Francia se encontraba gobernada por Luis XVIII. Durante este periodo Selim III y Mahmud II , se encontraban reformando el Imperio Otomano. Lo principal de su esfuerzo iba dedicado a purificar, eliminando la corrupción y el nepotismo en la administración. Además crearon unas fuerzas militares totalmente nuevas, llamadas Nizam-i Cedid, cuando los continuos reveses militares demostraron la supremacía europea. Dejaron intactos los antiguos cuerpos, muy hostiles a esta creación, por lo que ambos sultanes se vieron obligados a limitar su número, por eficientes que llegaran a ser.Durante el reinado de Luis XVIII se formó un nuevo gobierno radical encabezado por el Conde de Villèle que sin embargo se mostró luego tan cauteloso como su Rey y, en tanto Luis XVIII vivió, las políticas reaccionarias fueron mantenidas bajo mínimos. 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Rusia y Austria constituían una amenaza constante en los Balcanes, y como resultado de su intervención surgieron revueltas nacionales contra el sultán en Serbia, en 1804, y en Grecia, en 1821, que temporalmente supusieron la autonomía e independencia de ambas.s fechas en la que la Venus de Milo pudo ser hallada varían en demasía; algunas fuentes apuntan a que fue el 19 de abril, mientras que otras indican el 8 de este mes. obra fue adquirida, sin algunos segmentos, por Francia, cuando ya los turcos la habían comprado a Yórgos, pero este se retractó y decidió vendérsela al país europeo. Los turcos calificaron tal acto de atroz durante la dirigencia de Marcellus, y acusaron de conspiradores a Rivière y al propio monarca Luis XVIII. Al mismo tiempo, argumentaban que la estatua era patrimonio turco. Por tal razón, en años posteriores, pidieron la devolución de la obra, cosa a la que Francia se negó; pero en particular el Museo del Louvre.", "entry": "subsection", "prompt": "Explora la Periplodela''VenusdeMilo'' sobre la null de esta obra de arte, Venus de Milo.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Austria", "Egipto", "España", "Fernando VII de España", "Francia", "Grecia", "Inquisición", "Milo", "Museo del Louvre", "Napoleón Bonaparte", "Rusia", "Selim III", "Serbia", "Siria"]} +{"id": 22, "title": "Venus de Milo", "en_title": "Venus de Milo", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "reference": "El contexto histórico en el que se realiza el hallazgo de la Venus de Milo, Francia se encontraba gobernada por Luis XVIII. 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Durante esta etapa, en la que se descubrió la Venus, sucedieron gran cantidad de cambios en el mundo, pero sobre todo en Europa pues, por primera vez, se abolía la Inquisición de manera definitiva por parte de los liberales el 9 de marzo de 1820. Asimismo, el día siguiente, Fernando VII de España juraba respetar la Constitución de Cádiz.Mientras tanto, en territorio turco, Selim y Mahmud se vieron desviados de su tarea por los continuos peligros militares que tenían frente a sí. Francia se transformó en nación enemiga cuando Napoleón Bonaparte invadió Egipto y Siria en 1798 —razón por la que los turcos sentían aborrecimiento por los franceses. Solo cuando los franceses fueron arrojados de Egipto en 1802 pudieron ser restablecidas las relaciones normales entre ambos Estados. Rusia y Austria constituían una amenaza constante en los Balcanes, y como resultado de su intervención surgieron revueltas nacionales contra el sultán en Serbia, en 1804, y en Grecia, en 1821, que temporalmente supusieron la autonomía e independencia de ambas.s fechas en la que la Venus de Milo pudo ser hallada varían en demasía; algunas fuentes apuntan a que fue el 19 de abril, mientras que otras indican el 8 de este mes. obra fue adquirida, sin algunos segmentos, por Francia, cuando ya los turcos la habían comprado a Yórgos, pero este se retractó y decidió vendérsela al país europeo. Los turcos calificaron tal acto de atroz durante la dirigencia de Marcellus, y acusaron de conspiradores a Rivière y al propio monarca Luis XVIII. Al mismo tiempo, argumentaban que la estatua era patrimonio turco. 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Durante esta etapa, en la que se descubrió la Venus, sucedieron gran cantidad de cambios en el mundo, pero sobre todo en Europa pues, por primera vez, se abolía la Inquisición de manera definitiva por parte de los liberales el 9 de marzo de 1820. Asimismo, el día siguiente, Fernando VII de España juraba respetar la Constitución de Cádiz.Mientras tanto, en territorio turco, Selim y Mahmud se vieron desviados de su tarea por los continuos peligros militares que tenían frente a sí. Francia se transformó en nación enemiga cuando Napoleón Bonaparte invadió Egipto y Siria en 1798 —razón por la que los turcos sentían aborrecimiento por los franceses. Solo cuando los franceses fueron arrojados de Egipto en 1802 pudieron ser restablecidas las relaciones normales entre ambos Estados. Rusia y Austria constituían una amenaza constante en los Balcanes, y como resultado de su intervención surgieron revueltas nacionales contra el sultán en Serbia, en 1804, y en Grecia, en 1821, que temporalmente supusieron la autonomía e independencia de ambas.s fechas en la que la Venus de Milo pudo ser hallada varían en demasía; algunas fuentes apuntan a que fue el 19 de abril, mientras que otras indican el 8 de este mes. obra fue adquirida, sin algunos segmentos, por Francia, cuando ya los turcos la habían comprado a Yórgos, pero este se retractó y decidió vendérsela al país europeo. Los turcos calificaron tal acto de atroz durante la dirigencia de Marcellus, y acusaron de conspiradores a Rivière y al propio monarca Luis XVIII. Al mismo tiempo, argumentaban que la estatua era patrimonio turco. 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Un elemento fundamental que da mayor movimiento a la estatua es el contrapposto, pues de la base parte un desequilibrio que afecta a toda la estatua. pierna derecha sostiene el cuerpo dejando libre de esta manera a la pierna izquierda del peso corporal, lo que da una mayor sensación de profundidad. ruptura de la frontalidad se produce también debido a la colocación de su brazo izquierdo, aunque ya perdido, que se cruza ligeramente ante la silueta, situando esta hacia la izquierda. Además, la musculatura reflejada en el hombro izquierdo también sugiere que el brazo estaba alzado. Por último, el rostro es situado hacia la izquierda, lo que rompe aún más la frontalidad de la obra.En cuanto a las líneas, las que aparecen en la escultura son líneas verticales que parten de la cabeza y llegan al pedestal, Debido a que la luz predomina en la obra, hay una mayor sensación de tranquilidad y serenidad.El movimiento predomina dando sensación de realismo, debido a la utilización de la curva praxiteliana por parte del escultor. Además, hay otros elementos claves en la escultura, como el drapeado; factores fundamentales para las representaciones de las venus que constituían los cánones de belleza en la época.Algunas partes de la escultura se han perdido, como los brazos, y existen diversas hipótesis sobre este asunto. El cuerpo de la Venus está perfectamente realizado, pues el escultor talló de forma excepcional los pechos al igual que la zona abdominal, pues los escultores creían que al representar los cuerpos con una mayor perfección aumentaba la belleza de la escultura. El rostro de la Venus expresa pasividad pues está colocado de perfil, y el pelo está realizado de una forma simple, con leve trabajo al trépano, pues aparece recogido.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de Venus de Milo, explora la Análisisformal y Ejecuciónyautoría.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Milo"]} +{"id": 25, "title": "Venus de Milo", "en_title": "Venus de Milo", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "reference": "Venus de Milo es una escultura tridimensional, ya que además de tener volumen puede ser vista desde diferentes perspectivas. 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El rostro de la Venus expresa pasividad pues está colocado de perfil, y el pelo está realizado de una forma simple, con leve trabajo al trépano, pues aparece recogido.", "entry": "subsection", "prompt": "Describe las características de la Análisisformal en la Ejecuciónyautoría de Venus de Milo.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Milo"]} +{"id": 28, "title": "Venus de Milo", "en_title": "Venus de Milo", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "reference": "Climent Carbó, Antonio. Venus de Milo. 'Obra de Historia y Patrimonio Histórico'; 2008. España. Versión digital de 7 páginas. Frers, Ernesto. Hamiaux, Marianne, Les Sculptures grecques 2, París, 1998, Edición número 52, p. 41-44 Pasquier, Alain, Vénus de Milo et les Aphrodites du Louvre, edición de la reunión de los museos nacional, 1985 ISBN 2-7118-0256-6 Rubio, Rebeca. Grecia Helenística. Editorial Alianza, Madrid]], España. Publicado en 2000.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de Venus de Milo, explora la Bibliografía y Famayrestauración.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["España", "Grecia", "ISBN", "Madrid", "Milo", "París"]} +{"id": 29, "title": "Venus de Milo", "en_title": "Venus de Milo", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "reference": "Climent Carbó, Antonio. Venus de Milo. 'Obra de Historia y Patrimonio Histórico'; 2008. España. Versión digital de 7 páginas. Frers, Ernesto. 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Publicado en 2000.", "entry": "subsection", "prompt": "En Venus de Milo, ¿Cómo se aclara la Bibliografía de la Famayrestauración?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["España", "Grecia", "ISBN", "Madrid", "Milo", "París"]} +{"id": 31, "title": "Venus de Milo", "en_title": "Venus de Milo", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "reference": "Climent Carbó, Antonio. Venus de Milo. 'Obra de Historia y Patrimonio Histórico'; 2008. España. Versión digital de 7 páginas. Frers, Ernesto. 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También se ha supuesto que podría haber estado apoyada sobre un pilar, o sosteniendo una corona, un espejo o un escudo. Otras posibilidades que se han sugerido son que la estatua no representara a Afrodita sino a Artemisa sosteniendo un arco, a una danaide sosteniendo un ánfora o a Anfítrite sosteniendo un tridente. Esta última era una divinidad especialmente adorada en la isla de Milos.", "entry": "subsubsection", "prompt": "Concentrándote en la Periplodela''VenusdeMilo'' de Venus de Milo, explora la Temática sobre la Ejecuciónyautoría.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Afrodita", "Artemisa", "Milo"]} +{"id": 33, "title": "Venus de Milo", "en_title": "Venus de Milo", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "reference": "religión griega es una religión politeísta, cosa que vendría determinando su arte, tanto arquitectónico como escultórico y pictórico. carencia de los brazos de la estatua ha sido un elemento que ha dificultado la identificación del personaje representado. opinión mayoritaria supone que la Venus de Milo representa a Afrodita, diosa de la belleza y del amor, por la sensualidad y femineidad que desprende y por estar semidesnuda. 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Un factor muy importante que da lugar a todas esas sensaciones es el pulido que el escultor realizó en la obra; pues se trataba de un pulido muy apurado, con el cual Carbó argumenta que «se evitan las irregularidades y se aumenta el realismo», asimismo, que la sensación de calma es trasmitida por su «postura de pasividad». Sin embargo, Carbó también argumenta que el rostro de la escultura trasmite tristeza, como si el autor quisiera reflejar en la obra una situación de malestar producida por la lucha por el poder tras la muerte de Alejandro Magno. postura de la venus es descrita como un efecto de realismo, ya que se encuentra medio doblada, dando una imagen de pasividad muy bien reflejada en su rostro y su mirada que está perdida. No se desarrolla plenamente el sentido frontal dado que tiene un brazo que le cruza ligeramente la silueta y esta se muestra ligeramente escorada hacia la izquierda, todo ello culmina con la leve inclinación de cabeza hacia el lado izquierdo que ayuda a dar esa imagen de ruptura de la frontalidad.", "entry": "subsubsection", "prompt": "Concentrándote en la Periplodela''VenusdeMilo'' de Venus de Milo, explora la Expresión sobre la Ejecuciónyautoría.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Alejandro Magno", "Antonio Climent Carbó"]} +{"id": 37, "title": "Venus de Milo", "en_title": "Venus de Milo", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg/170px-V%C3%A9nus_de_Milo_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_AGER_LL_299_%3B_N_527_%3B_Ma_399.jpg", "reference": "escultura, debido a la disposición del cuerpo, según el escritor Antonio Climent Carbó, «transmite una sensación de calma, realismo, naturalismo, tristeza, y una sensación táctil muy especial». 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Fue adquirida por el rey Francisco I de Francia a comienzos del y desde entonces es propiedad del Estado francés. Se halla expuesta en el Museo del Louvre de París, siendo, sin duda, la «joya» de sus colecciones.Su nombre, Gioconda , deriva de la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo: la esposa de Francesco Bartolomeo de Giocondo, que realmente se llamaba Lisa Gherardini, de donde viene su otro nombre: Monna Lisa. El Museo del Louvre acepta el título completo indicado al principio como el título original de la obra, aunque no reconoce la identidad de la modelo y tan solo la acepta como una hipótesis. y retocado varias veces por el autor. Se considera el ejemplo más logrado de sfumato, técnica muy característica de Leonardo, si bien actualmente su colorido original es menos perceptible por el oscurecimiento de los barnices. El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado a temperatura estable para su preservación óptima. Es revisado constantemente para verificar y prevenir su deterioro.Por medio de estudios históricos se ha determinado que la modelo podría ser una vecina de Leonardo, que podrían conocerse sus descendientes y que la modelo podría haber estado embarazada, por la forma de esconder que tienen sus manos. Pese a todas las suposiciones, las respuestas en firme a los varios interrogantes en torno a la obra de arte resultan francamente insuficientes, lo cual genera más curiosidad entre los admiradores del cuadro. fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino también en los misterios que la rodean. Además, el robo que sufrió en 1911, las reproducciones realizadas, las múltiples obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las parodias existentes contribuyen a convertir a Gioconda en el cuadro más famoso del mundo, visitado por millones de personas anualmente.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en La Gioconda y explora la Resumen.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Francia", "Francisco I de Francia", "Leonardo da Vinci", "Lisa Gherardini", "Museo del Louvre", "Museo del Louvre", "París", "Renacimiento", "Renacimiento italiano", "Vinci"]} +{"id": 41, "title": "La Gioconda", "en_title": "Mona Lisa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "reference": "estilo = Renacimiento italiano técnica = Pintura al óleo sobre tabla de álamolongitud = 79 cmanchura = 53 cm}}El retrato de Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo, más conocido como Gioconda o Monna Lisa, es una obra pictórica del polímata renacentista italiano Leonardo da Vinci. Fue adquirida por el rey Francisco I de Francia a comienzos del y desde entonces es propiedad del Estado francés. Se halla expuesta en el Museo del Louvre de París, siendo, sin duda, la «joya» de sus colecciones.Su nombre, Gioconda , deriva de la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo: la esposa de Francesco Bartolomeo de Giocondo, que realmente se llamaba Lisa Gherardini, de donde viene su otro nombre: Monna Lisa. El Museo del Louvre acepta el título completo indicado al principio como el título original de la obra, aunque no reconoce la identidad de la modelo y tan solo la acepta como una hipótesis. y retocado varias veces por el autor. Se considera el ejemplo más logrado de sfumato, técnica muy característica de Leonardo, si bien actualmente su colorido original es menos perceptible por el oscurecimiento de los barnices. El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado a temperatura estable para su preservación óptima. Es revisado constantemente para verificar y prevenir su deterioro.Por medio de estudios históricos se ha determinado que la modelo podría ser una vecina de Leonardo, que podrían conocerse sus descendientes y que la modelo podría haber estado embarazada, por la forma de esconder que tienen sus manos. Pese a todas las suposiciones, las respuestas en firme a los varios interrogantes en torno a la obra de arte resultan francamente insuficientes, lo cual genera más curiosidad entre los admiradores del cuadro. fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino también en los misterios que la rodean. 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Fue fruto de la relación ilegítima del notario ser Piero y de su sirvienta, Catarina Vacca. A los 14 años entró en el prestigioso taller del pintor florentino Andrea Verrocchio, donde se formó como artista junto a Sandro Botticelli y Perugino. Desarrolló el estudio de las matemáticas, la geometría, la arquitectura, la perspectiva y todas las ciencias de la observación del medio natural, Leonardo fue un humanista renacentista, destacado en múltiples disciplinas. Sirvió a personas tan distintas e influyentes como a Lorenzo de Médici, al duque de Sforza, a los soberanos de Mantua y al rey Francisco I de Francia.Debido a la minuciosidad de su técnica y también a sus muchas otras ocupaciones como inventor y diseñador, la producción pictórica de Leonardo es extremadamente escasa: los expertos reducen las obras de autoría relativamente segura a apenas una veintena, y de ellas muy pocas cuentan con pruebas documentales concluyentes. Entre sus pinturas más destacadas están Virgen de las Rocas, dama del armiño, el mural de última cena y, la más famosa de todas: Gioconda o Mona Lisa.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en La Gioconda y explora la Autor.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Anchiano", "Catarina Vacca", "Francia", "Francisco I de Francia", "Italia", "Leonardo da Vinci", "Lorenzo de Médici", "Mantua", "Sandro Botticelli", "Vinci"]} +{"id": 45, "title": "La Gioconda", "en_title": "Mona Lisa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "reference": "thumbnailleftAutorretrato de Leonardo da Vinci nació en el caserío de Anchiano del municipio de Vinci, en Italia. 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Gioconda ha sido considerada como el cuadro más famoso del mundo. Se sabe que pasó a manos del rey francés Francisco I, quien la habría comprado por un importe de 12 000 francos , aunque no está claro si fue en 1517, antes de la muerte del artista, o con posterioridad a su fallecimiento en 1519.Tras la muerte del rey, la obra pasó a Fontainebleau, luego a París y más tarde al palacio de Versalles. Con la Revolución francesa llegó al Museo del Louvre, lugar donde se trasladó en 1797. En 1800, el entonces primer cónsul Napoleón Bonaparte, orden�� sacar el cuadro del museo y colocarlo en su dormitorio del palacio de las Tullerías hasta que lo devolvió al museo en 1804. Allí se alojó definitivamente, salvo un breve paréntesis durante la Segunda Guerra Mundial, cuando el cuadro fue custodiado en el castillo de Amboise y posteriormente en la abadía de Loc-Dieu.Hasta 2005 se ubicó en la Sala Rosa del Louvre, y desde entonces se encuentra en el Salón de los Estados.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en La Gioconda y explora la Historia.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Francia", "Francisco I de Francia", "Museo del Louvre", "Museo del Louvre", "Napoleón Bonaparte", "París", "Revolución francesa", "Segunda Guerra Mundial"]} +{"id": 49, "title": "La Gioconda", "en_title": "Mona Lisa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "reference": "thumbnailEl rey Francisco I de Francia, quien poseyó el cuadro por algún tiempo. 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Se conserva en una urna de cristal de 40mm de espesor a prueba de balas, pintura tiene una grieta vertical de 12 centímetros en la mitad superior, tal vez debida a la eliminación del marco original, si bien un estudio actual con rayos infrarrojos revela que la grieta puede ser tan antigua como la misma tabla. Dicha grieta fue reparada entre mediados del y principios del XIX mediante dos piezas metálicas en forma de mariposa fijadas por el reverso.Sin embargo, para descartar cualquier peligro, en 2004 se constituyó un equipo de curadores franceses, que vigilan permanentemente el estado de la pintura, previniendo cualquier alteración provocada por el tiempo.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en La Gioconda y explora la Técnica.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 53, "title": "La Gioconda", "en_title": "Mona Lisa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "reference": "Leonardo dibujó el esbozo del cuadro y después aplicó el óleo diluido en aceite esencial. técnica empleada, conocida con el término italiano de sfumato, consiste en prescindir de los contornos netos y precisos típicos del quattrocento y envolverlo todo en una especie de niebla que difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión total en la atmósfera, lo que da a la figura una sensación tridimensional.El cuadro se pintó sobre una tabla de madera de álamo recubierta por varias capas de enlucido. Se conserva en una urna de cristal de 40mm de espesor a prueba de balas, pintura tiene una grieta vertical de 12 centímetros en la mitad superior, tal vez debida a la eliminación del marco original, si bien un estudio actual con rayos infrarrojos revela que la grieta puede ser tan antigua como la misma tabla. Dicha grieta fue reparada entre mediados del y principios del XIX mediante dos piezas metálicas en forma de mariposa fijadas por el reverso.Sin embargo, para descartar cualquier peligro, en 2004 se constituyó un equipo de curadores franceses, que vigilan permanentemente el estado de la pintura, previniendo cualquier alteración provocada por el tiempo.", "entry": "section", "prompt": "Explora la Técnica de esta obra de arte, La Gioconda.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 54, "title": "La Gioconda", "en_title": "Mona Lisa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "reference": "Leonardo dibujó el esbozo del cuadro y después aplicó el óleo diluido en aceite esencial. técnica empleada, conocida con el término italiano de sfumato, consiste en prescindir de los contornos netos y precisos típicos del quattrocento y envolverlo todo en una especie de niebla que difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión total en la atmósfera, lo que da a la figura una sensación tridimensional.El cuadro se pintó sobre una tabla de madera de álamo recubierta por varias capas de enlucido. Se conserva en una urna de cristal de 40mm de espesor a prueba de balas, pintura tiene una grieta vertical de 12 centímetros en la mitad superior, tal vez debida a la eliminación del marco original, si bien un estudio actual con rayos infrarrojos revela que la grieta puede ser tan antigua como la misma tabla. Dicha grieta fue reparada entre mediados del y principios del XIX mediante dos piezas metálicas en forma de mariposa fijadas por el reverso.Sin embargo, para descartar cualquier peligro, en 2004 se constituyó un equipo de curadores franceses, que vigilan permanentemente el estado de la pintura, previniendo cualquier alteración provocada por el tiempo.", "entry": "section", "prompt": "¿Cómo aclara La Gioconda su Técnica?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 55, "title": "La Gioconda", "en_title": "Mona Lisa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "reference": "Leonardo dibujó el esbozo del cuadro y después aplicó el óleo diluido en aceite esencial. técnica empleada, conocida con el término italiano de sfumato, consiste en prescindir de los contornos netos y precisos típicos del quattrocento y envolverlo todo en una especie de niebla que difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión total en la atmósfera, lo que da a la figura una sensación tridimensional.El cuadro se pintó sobre una tabla de madera de álamo recubierta por varias capas de enlucido. Se conserva en una urna de cristal de 40mm de espesor a prueba de balas, pintura tiene una grieta vertical de 12 centímetros en la mitad superior, tal vez debida a la eliminación del marco original, si bien un estudio actual con rayos infrarrojos revela que la grieta puede ser tan antigua como la misma tabla. Dicha grieta fue reparada entre mediados del y principios del XIX mediante dos piezas metálicas en forma de mariposa fijadas por el reverso.Sin embargo, para descartar cualquier peligro, en 2004 se constituyó un equipo de curadores franceses, que vigilan permanentemente el estado de la pintura, previniendo cualquier alteración provocada por el tiempo.", "entry": "section", "prompt": "En La Gioconda, ¿Cómo se discute la Técnica?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 56, "title": "La Gioconda", "en_title": "Mona Lisa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "reference": "Durante varios siglos los interrogantes sin respuesta acerca de la obra de Leonardo han ido creciendo, originando apasionadas polémicas en muchos autores e investigadores. Frente a la gran cantidad de preguntas, las respuestas no suelen ser demasiado convincentes, por lo que los debates siguen abiertos. Especialmente durante los siglos y , las teorías acerca del origen de la modelo, la expresión de su rostro, la inspiración del autor y otras tantas, han tomado gran protagonismo y obligan a un análisis histórico y científico profundo.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en La Gioconda y explora la Enigmas.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 57, "title": "La Gioconda", "en_title": "Mona Lisa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "reference": "Durante varios siglos los interrogantes sin respuesta acerca de la obra de Leonardo han ido creciendo, originando apasionadas polémicas en muchos autores e investigadores. 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A continuación salió del museo con el cuadro escondido bajo su ropa, que colocó posteriormente en una valija. Cuando poco después el pintor Louis Béroud entró a la sala para ver el cuadro, notó su ausencia y avisó de inmediato a la policía. El museo permaneció cerrado durante una semana para proceder a la investigación.Unos años antes el museo había sufrido el robo de otras varias piezas, lo cual hizo suponer a la policía que ambos acontecimientos estaban relacionados. Guillaume Apollinaire y Pablo Picasso se convirtieron en sospechosos puesto que se los había relacionado con la desaparición de unas piezas de escultura del museo, además de por unas declaraciones en las que Apollinaire apoyaba la propuesta formulada por el futurista Marinetti de quemar los museos para dejar paso al nuevo arte. Posteriormente se demostró que ambos eran inocentes. El detenido intentó vender el cuadro original al director de la Galleria degli Uffizi de Florencia, Alfredo Geri, quien se hizo acompañar de la policía. Peruggia alegó que su intención era devolver la obra a su verdadera patria, y que él solo era víctima de un estafador; los tribunales de justicia lo condenaron a un año y quince días de prisión que luego redujeron a siete meses y nueve días.En 1932, el periodista Karl Decker publicó una información según la cual el autor intelectual del robo habría sido un comerciante argentino llamado Eduardo Valfierno, que habría fallecido en 1931, con el fin de vender seis copias falsas, e incluso proporcionó los nombres de los presuntos coleccionistas estafados, pero la veracidad de este relato no pudo ser probada.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en La Gioconda y explora la Elrobo.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Eduardo Valfierno", "Florencia", "Guillaume Apollinaire", "Louis Béroud", "Museo del Louvre", "Museo del Louvre", "Pablo Picasso", "Vincenzo Peruggia"]} +{"id": 61, "title": "La Gioconda", "en_title": "Mona Lisa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "reference": "El 21 de agosto de 1911, el carpintero italiano Vincenzo Peruggia llegó al Museo del Louvre a las 7 de la mañana, vestido con un blusón de trabajo blanco como los utilizados por el personal de mantenimiento del museo, descolgó el cuadro y a continuación, en la escalera Visconti, separó la tabla de su marco, abandonando este último. 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A continuación salió del museo con el cuadro escondido bajo su ropa, que colocó posteriormente en una valija. Cuando poco después el pintor Louis Béroud entró a la sala para ver el cuadro, notó su ausencia y avisó de inmediato a la policía. El museo permaneció cerrado durante una semana para proceder a la investigación.Unos años antes el museo había sufrido el robo de otras varias piezas, lo cual hizo suponer a la policía que ambos acontecimientos estaban relacionados. Guillaume Apollinaire y Pablo Picasso se convirtieron en sospechosos puesto que se los había relacionado con la desaparición de unas piezas de escultura del museo, además de por unas declaraciones en las que Apollinaire apoyaba la propuesta formulada por el futurista Marinetti de quemar los museos para dejar paso al nuevo arte. Posteriormente se demostró que ambos eran inocentes. El detenido intentó vender el cuadro original al director de la Galleria degli Uffizi de Florencia, Alfredo Geri, quien se hizo acompañar de la policía. Peruggia alegó que su intención era devolver la obra a su verdadera patria, y que él solo era víctima de un estafador; los tribunales de justicia lo condenaron a un año y quince días de prisión que luego redujeron a siete meses y nueve días.En 1932, el periodista Karl Decker publicó una información según la cual el autor intelectual del robo habría sido un comerciante argentino llamado Eduardo Valfierno, que habría fallecido en 1931, con el fin de vender seis copias falsas, e incluso proporcionó los nombres de los presuntos coleccionistas estafados, pero la veracidad de este relato no pudo ser probada.", "entry": "section", "prompt": "¿Cómo aclara La Gioconda su Elrobo?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Eduardo Valfierno", "Florencia", "Guillaume Apollinaire", "Louis Béroud", "Museo del Louvre", "Museo del Louvre", "Pablo Picasso", "Vincenzo Peruggia"]} +{"id": 63, "title": "La Gioconda", "en_title": "Mona Lisa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "reference": "El 21 de agosto de 1911, el carpintero italiano Vincenzo Peruggia llegó al Museo del Louvre a las 7 de la mañana, vestido con un blusón de trabajo blanco como los utilizados por el personal de mantenimiento del museo, descolgó el cuadro y a continuación, en la escalera Visconti, separó la tabla de su marco, abandonando este último. 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Lo hizo con tanta fuerza, que destrozó la vitrina, y desprendió un trozo de pigmento del codo izquierdo. pintura estaba protegida por un cristal, ya que pocos años antes, un hombre que declaró estar enamorado de la misma, la había cortado con una cuchilla y la había intentado robar. Desde entonces, se instaló un cristal a prueba de balas para proteger a la pintura de nuevos ataques.Posteriormente hubo otros incidentes. El 21 de abril de 1974, mientras el cuadro estaba expuesto en el Museo Nacional de Tokio, una mujer le arrojó pintura roja, como protesta por la ausencia de accesos al museo para personas discapacitadas. Y el 2 de agosto de 2009, una mujer rusa, aturdida por la denegación de su solicitud de ciudadanía francesa, arrojó una taza de cerámica comprada en la tienda del Louvre, haciéndose añicos contra el cristal. Afortunadamente, el cuadro no sufrió desperfectos en ambos casos.El 29 de mayo de 2022, un hombre en silla de ruedas con peluca le lanzó una tarta. El cuadro no sufrió daños.El 28 de enero de 2024, dos activistas arrojaron sopa enlatada sobre el cristal que protegía el cuadro. obra no sufrió daños.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en La Gioconda y explora la Vandalismo.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Museo Nacional de Tokio"]} +{"id": 65, "title": "La Gioconda", "en_title": "Mona Lisa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "reference": "El 30 de diciembre de 1956, el boliviano Ugo Ungaza Villegas arrojó una piedra contra la Mona Lisa durante una exhibición en el Louvre. 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El cuadro no sufrió daños.El 28 de enero de 2024, dos activistas arrojaron sopa enlatada sobre el cristal que protegía el cuadro. obra no sufrió daños.", "entry": "section", "prompt": "¿Cómo aclara La Gioconda su Vandalismo?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Museo Nacional de Tokio"]} +{"id": 67, "title": "La Gioconda", "en_title": "Mona Lisa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "reference": "El 30 de diciembre de 1956, el boliviano Ugo Ungaza Villegas arrojó una piedra contra la Mona Lisa durante una exhibición en el Louvre. Lo hizo con tanta fuerza, que destrozó la vitrina, y desprendió un trozo de pigmento del codo izquierdo. pintura estaba protegida por un cristal, ya que pocos años antes, un hombre que declaró estar enamorado de la misma, la había cortado con una cuchilla y la había intentado robar. Desde entonces, se instaló un cristal a prueba de balas para proteger a la pintura de nuevos ataques.Posteriormente hubo otros incidentes. El 21 de abril de 1974, mientras el cuadro estaba expuesto en el Museo Nacional de Tokio, una mujer le arrojó pintura roja, como protesta por la ausencia de accesos al museo para personas discapacitadas. Y el 2 de agosto de 2009, una mujer rusa, aturdida por la denegación de su solicitud de ciudadanía francesa, arrojó una taza de cerámica comprada en la tienda del Louvre, haciéndose añicos contra el cristal. Afortunadamente, el cuadro no sufrió desperfectos en ambos casos.El 29 de mayo de 2022, un hombre en silla de ruedas con peluca le lanzó una tarta. El cuadro no sufrió daños.El 28 de enero de 2024, dos activistas arrojaron sopa enlatada sobre el cristal que protegía el cuadro. obra no sufrió daños.", "entry": "section", "prompt": "En La Gioconda, ¿Cómo se discute la Vandalismo?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Museo Nacional de Tokio"]} +{"id": 68, "title": "La Gioconda", "en_title": "Mona Lisa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "reference": "deimagen Monna Vanna, que se atribuye, con dudas, a Mona Lisa ha adquirido un estatus de icono cultural. Son numerosas sus reproducciones y utilización en la publicidad, objetos cotidianos y también como referencia cultural. Aunque algunos investigadores habían propuesto como posibles autores de esta tabla al alemán Hans Holbein el Joven y al español Fernando Yáñez de la Almedina, e incluso al propio Leonardo, tras la restauración, la autoría se divide entre dos de los alumnos más próximos al maestro: Andrea Salai y Francesco Melzi. Dicha pintura es propiedad de un consorcio que creó una fundación en el año 2010 con sede en Suiza que es la que gestiona los derechos de la obra. reproducción libre de Rafael, la cual se exhibe en el mismo museo que la obra de Leonardo. Salvador Dalí pintó su retrato sobre el paisaje de fondo de la obra de Leonardo, a manera de ridiculización. Samuel Clemens reprodujo Gioconda a base de pigmentos oscuros sobre una lona de 40x60 pies en Oregón.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en La Gioconda y explora la Reproduccionesyparodias.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Fernando Yáñez de la Almedina", "Francesco Melzi", "Salai", "Hans Holbein el Joven", "Oregón", "Salai", "Salvador Dalí"]} +{"id": 69, "title": "La Gioconda", "en_title": "Mona Lisa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "reference": "deimagen Monna Vanna, que se atribuye, con dudas, a Mona Lisa ha adquirido un estatus de icono cultural. 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Samuel Clemens reprodujo Gioconda a base de pigmentos oscuros sobre una lona de 40x60 pies en Oregón.", "entry": "section", "prompt": "Explora la Reproduccionesyparodias de esta obra de arte, La Gioconda.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Fernando Yáñez de la Almedina", "Francesco Melzi", "Salai", "Hans Holbein el Joven", "Oregón", "Salai", "Salvador Dalí"]} +{"id": 70, "title": "La Gioconda", "en_title": "Mona Lisa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "reference": "deimagen Monna Vanna, que se atribuye, con dudas, a Mona Lisa ha adquirido un estatus de icono cultural. 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En sus manos y sus ojos puede verse un ejemplo característico del color y del juego que el pintor hace con la luz y la sombra para dar sensación de volumen.Aparece sentada en una galería, viéndose a los lados, cortadas, las bases de unas columnas.thumbnailleftDetalle del lado izquierdo del paisaje.thumbnailDetalle del lado derecho del paisaje. galería se abre a un paisaje tal vez inspirado en las vistas que Leonardo pudo divisar en los Alpes, durante su viaje a Milán, aunque una última investigación reveló que el fondo podría corresponder a la ciudad de Bobbio, en la región de Emilia-Romaña. Anteriormente, se pensaba que el paisaje, que posee una atmósfera húmeda y que parece rodear a la modelo, estaba en Arno o en una porción del lago de Como, sin haber llegado a conclusiones definitivas.Se ha intentado muchas veces compaginar las dos mitades del paisaje que aparece tras la modelo, pero la discordancia entre ambos lados es tan grande que no permite diseñar una imagen continuada. El lado izquierdo parece estar más bajo que el derecho, entrando en conflicto con la física, puesto que el agua no puede permanecer quieta si existe desnivel en el terreno. A este respecto el historiador de arte E.H. Gombrich escribe:thumbnailDetalle de la mirada de la modelo. modelo carece de cejas y pestañas, posiblemente por una restauración demasiado agresiva en siglos pasados, en la cual se habrían eliminado las veladuras o leves trazos con que se pintaron. Vasari, en efecto, sí habla de cejas: «En las cejas se apreciaba el modo en que los pelos surgen de la carne, más o menos abundantes y girados según los poros de la piel; no podían ser más reales». o Leonardo evitó pintar las cejas y las pestañas para dejar su expresión más ambigua, o tal vez porque nunca llegó a terminar la obra. dama dirige la mirada ligeramente a su izquierda y muestra una sonrisa considerada enigmática. Cuenta Vasari que: Sobre la cabeza lleva un velo, signo de castidad y atributo frecuente en los retratos de esposas. donde los colores tienden al azulado y la transparencia, aumentando la sensación de profundidad.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de La Gioconda, explora la Descripcióndelaobra y Técnica.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Alpes", "Arno", "Bobbio", "Emilia-Romaña", "Milán", "Roma"]} +{"id": 77, "title": "La Gioconda", "en_title": "Mona Lisa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "reference": "En este retrato la dama está sentada en un sillón y posa sus brazos en los brazos del asiento. 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Esta grieta se mantiene estable y no es previsible que empeore, gracias a que la obra se conserva en un espacio climatizado. deficiencia de conservación más criticada es la suciedad que enmascara los colores; la pintura está tapada por capas de barniz que han amarilleado con el tiempo, efecto habitual en las sustancias de origen natural. En siglos pasados, cuando no existían los disolventes, la opacidad de las pinturas antiguas se paliaba o disimulaba aplicando nuevas capas de barniz. El cuadro de Leonardo acumula varias, y los responsables del Louvre se resisten a eliminarlas por miedo a alterar el aspecto de la obra. hipótesis de una próxima restauración de Gioconda se ve ahora todavía más remota, tras una polémica suscitada en 2011 por la limpieza de otra obra del artista en el Louvre, Virgen, el Niño Jesús y Santa Ana, una intervención considerada abusiva por algunos expertos y que provocó la dimisión de dos técnicos contrarios a ella.Mediante un programa informático se ha recreado el colorido que debería tener la obra si se eliminasen las capas de suciedad. restauración en 2011-2012 de la copia conservada en el Museo del Prado , pintada simultáneamente en el taller del maestro, puede ayudar a imaginar el aspecto que originalmente tuvo la obra del Louvre.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de La Gioconda, explora la Estadodeconservación y Técnica.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Museo del Prado"]} +{"id": 81, "title": "La Gioconda", "en_title": "Mona Lisa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "reference": "conservación de la obra es mediana, con un craquelado bastante evidente en toda la superficie y una fisura bastante importante que, desde el borde superior, desciende en vertical sobre la cabeza del personaje. Esta grieta se mantiene estable y no es previsible que empeore, gracias a que la obra se conserva en un espacio climatizado. deficiencia de conservación más criticada es la suciedad que enmascara los colores; la pintura está tapada por capas de barniz que han amarilleado con el tiempo, efecto habitual en las sustancias de origen natural. En siglos pasados, cuando no existían los disolventes, la opacidad de las pinturas antiguas se paliaba o disimulaba aplicando nuevas capas de barniz. El cuadro de Leonardo acumula varias, y los responsables del Louvre se resisten a eliminarlas por miedo a alterar el aspecto de la obra. hipótesis de una próxima restauración de Gioconda se ve ahora todavía más remota, tras una polémica suscitada en 2011 por la limpieza de otra obra del artista en el Louvre, Virgen, el Niño Jesús y Santa Ana, una intervención considerada abusiva por algunos expertos y que provocó la dimisión de dos técnicos contrarios a ella.Mediante un programa informático se ha recreado el colorido que debería tener la obra si se eliminasen las capas de suciedad. restauración en 2011-2012 de la copia conservada en el Museo del Prado , pintada simultáneamente en el taller del maestro, puede ayudar a imaginar el aspecto que originalmente tuvo la obra del Louvre.", "entry": "subsection", "prompt": "Explora la Estadodeconservación sobre la Técnica de esta obra de arte, La Gioconda.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Museo del Prado"]} +{"id": 82, "title": "La Gioconda", "en_title": "Mona Lisa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "reference": "conservación de la obra es mediana, con un craquelado bastante evidente en toda la superficie y una fisura bastante importante que, desde el borde superior, desciende en vertical sobre la cabeza del personaje. 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El cuadro de Leonardo acumula varias, y los responsables del Louvre se resisten a eliminarlas por miedo a alterar el aspecto de la obra. hipótesis de una próxima restauración de Gioconda se ve ahora todavía más remota, tras una polémica suscitada en 2011 por la limpieza de otra obra del artista en el Louvre, Virgen, el Niño Jesús y Santa Ana, una intervención considerada abusiva por algunos expertos y que provocó la dimisión de dos técnicos contrarios a ella.Mediante un programa informático se ha recreado el colorido que debería tener la obra si se eliminasen las capas de suciedad. restauración en 2011-2012 de la copia conservada en el Museo del Prado , pintada simultáneamente en el taller del maestro, puede ayudar a imaginar el aspecto que originalmente tuvo la obra del Louvre.", "entry": "subsection", "prompt": "En La Gioconda, ¿Cómo se aclara la Estadodeconservación de la Técnica?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Museo del Prado"]} +{"id": 83, "title": "La Gioconda", "en_title": "Mona Lisa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "reference": "conservación de la obra es mediana, con un craquelado bastante evidente en toda la superficie y una fisura bastante importante que, desde el borde superior, desciende en vertical sobre la cabeza del personaje. 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Livingstone recalca que los artistas llevan mucho más tiempo estudiando la percepción visual humana que los mismos médicos especialistas en el tema. Leonardo pintó la sonrisa de Mona Lisa usando unas sombras que se ven mejor con la visión periférica.En otro orden de cosas muy diferente, y tratando de averiguar el estado de ánimo de la modelo durante el posado, se utilizó un software especializado en la \"medición de emociones\", el cual fue aplicado a la pintura para obtener datos relevantes acerca de su expresión. conclusión alcanzada por el programa, es que Mona Lisa está un 83 % feliz, un 9 % disgustada, un 6 % temerosa y un 2 % enfadada. El software trabaja sobre la base de analizar rasgos tales como la curvatura de los labios o las arrugas producidas alrededor de los ojos. Tras obtener las mediciones, las compara con una base de datos de expresiones faciales femeninas, de la que obtiene una expresión promedio.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de La Gioconda, explora la Lasonrisa y Enigmas.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Leonardo da Vinci", "Vinci"]} +{"id": 85, "title": "La Gioconda", "en_title": "Mona Lisa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "reference": "En el Leonardo da Vinci pintó a Mona Lisa buscando el efecto de que la sonrisa desapareciera al mirarla directamente y reapareciera solo cuando la vista se fija en otras partes del cuadro.thumbnailleft300pxDetalle de la sonrisa de Mona Lisa.Margaret Livingstone, experta en percepción visual, desveló en el Congreso Europeo de Percepción Visual que se celebró en 2005 en Coruña, que la enigmática sonrisa es «una ilusión que aparece y desaparece debido a la peculiar manera en que el ojo humano procesa las imágenes». Livingstone recalca que los artistas llevan mucho más tiempo estudiando la percepción visual humana que los mismos médicos especialistas en el tema. Leonardo pintó la sonrisa de Mona Lisa usando unas sombras que se ven mejor con la visión periférica.En otro orden de cosas muy diferente, y tratando de averiguar el estado de ánimo de la modelo durante el posado, se utilizó un software especializado en la \"medición de emociones\", el cual fue aplicado a la pintura para obtener datos relevantes acerca de su expresión. conclusión alcanzada por el programa, es que Mona Lisa está un 83 % feliz, un 9 % disgustada, un 6 % temerosa y un 2 % enfadada. El software trabaja sobre la base de analizar rasgos tales como la curvatura de los labios o las arrugas producidas alrededor de los ojos. 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Han opinado que el velo de gasa fina y transparente, enganchado al cuello de la blusa, era una prenda que solían llevar las mujeres embarazadas o que habían dado a luz recientemente. Entre sus peculiares conclusiones, el estudio consideró que el peso de la modelo era de 63 kilos y su estatura de 1,68 metros así como que llevaba el pelo recogido en un moño cubierto por un bonete detrás de la cabeza, y que no aparece ningún mensaje secreto en ninguna de las capas de la pintura, como se contaba en la novela El código Da Vinci.Por su parte, Julio Cruz Hermida, de la Universidad Complutense de Madrid, afirma que la modelo padecía bruxismo , alopecia y principios de la enfermedad de Parkinson.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de La Gioconda, explora la Supuestoembarazoycondiciónfísica y Enigmas.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Madrid", "Universidad Complutense de Madrid", "Vinci"]} +{"id": 89, "title": "La Gioconda", "en_title": "Mona Lisa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "reference": "thumbnail250pxDetalle de las manos.Un grupo de investigadores del Consejo Nacional de Investigaciones de Canadá que examinó la obra en 2004 utilizó un escáner de infrarrojos en tres dimensiones, cuyos resultados, de escasa entidad, fueron publicados el 26 de septiembre de 2006.El uso de dicha técnica, que permite una resolución 10 veces más fina que el cabello humano, permitió a los investigadores apreciar detalles hasta ahora desconocidos. 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El actual Catálogo Razonado de Leonardo da Vinci identifica a Lisa Gherardini como candidata probable y solo a Isabel de Este como alternativa plausible.El pintor y biógrafo Giorgio Vasari escribió en 1550:En 1625, Cassiano dal Pozzo vio la obra en Fontainebleau y escribió sobre ella:Tomando como base estos testimonios se ha identificado a la modelo con Lisa Gherardini, la esposa del acaudalado comerciante Francesco del Giocondo.Sin embargo, en 1517, antes del escrito de Vasari, Antonio de Beatis visitó a Leonardo en el castillo de Cloux y mencionó tres cuadros suyos, uno de ellos de una dama florentina hecho del natural a petición de Juliano II de Médicis.Aunque Antonio de Beatis podría haber visto una tabla distinta, este testimonio parece discrepar de los de Vasari y Cassiano del Pozzo, por lo que algunos han supuesto que la modelo fue en realidad una amiga o amante de Juliano II de Médicis.Otras propuestas han sido que la modelo pudo ser una amante del propio Leonardo, un adolescente vestido de mujer, o incluso, una simple mujer imaginaria. A este respecto, Sigmund Freud sugirió que la pintura reflejaba una preocupante masculinidad. Estudios que apoyan la teoría de la identidad masculina del modelo lo identifican como Gian Giacomo Caprotti, conocido como Il Salai.Hay estudiosos que creen que el tema de la pintura es la madre de Leonardo, Caterina. Según esta teoría, en el momento en que Leonardo pintó el retrato de su madre, a la que adoraba, ella no estaba entre los vivos. Murió en 1495. idea es que estaba viva en la imaginación de Leonardo. El trabajo de Lisa Gherardini consistía únicamente en ser la modelo.En 2005, Armin Schlechter descubrió una nota de Agostino Vespucci en el margen de un libro de la colección de la biblioteca de la Universidad de Heidelberg, que confirmaba con certeza la creencia tradicional de que la modelo del retrato era Lisa. En esta acotación, Vespucci, quien era un amigo cercano de Leonardo da Vinci, compara a Apeles, gran pintor de la Antigüedad, con Leonardo, y hace referencia a tres obras en las que estaba trabajando en esas fechas: el retrato de Lisa del Giocondo, otro de Santa Ana y el mural de batalla de Anghiari. Esta pequeña anotación data de octubre de 1503, aproximadamente 47 años antes de las referencias realizadas por Giorgio Vasari. Además, el libro donde se realizó el comentario sobre “Mona Lisa” pertenece al autor Marco Tulio Cicerón, y particularmente esta edición fue publicada en 1477.Por otra parte, en los archivos de impuestos de 1480 puede verificarse la identidad, paradero y lugar de nacimiento de la modelo. Según el historiador Giuseppe Pallanti, que trata el tema en su libro historia de Mona Lisa, Gherardini ingresó en el convento cuatro años después de quedar viuda, donde ya era monja su hija Marietta.Unido a dichos elementos, documentos oficiales del censo de la época confirman que el padre de Leonardo da Vinci vivía exactamente enfrente de la familia de Gherardini.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de La Gioconda, explora la Identidaddelamodelo y Enigmas.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Agostino Vespucci", "Antonio de Beatis", "Apeles", "Armin Schlechter", "Cassiano dal Pozzo", "Salai", "Giorgio Vasari", "Giuseppe Pallanti", "Isabel de Este", "Juliano II de Médicis", "Leonardo da Vinci", "Lisa Gherardini", "Cicerón", "Salai", "Sigmund Freud", "Universidad de Heidelberg", "Vinci"]} +{"id": 93, "title": "La Gioconda", "en_title": "Mona Lisa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "reference": "deimagenizquierdaDiversas hipótesis se han generado en torno a la identidad de la modelo. El actual Catálogo Razonado de Leonardo da Vinci identifica a Lisa Gherardini como candidata probable y solo a Isabel de Este como alternativa plausible.El pintor y biógrafo Giorgio Vasari escribió en 1550:En 1625, Cassiano dal Pozzo vio la obra en Fontainebleau y escribió sobre ella:Tomando como base estos testimonios se ha identificado a la modelo con Lisa Gherardini, la esposa del acaudalado comerciante Francesco del Giocondo.Sin embargo, en 1517, antes del escrito de Vasari, Antonio de Beatis visitó a Leonardo en el castillo de Cloux y mencionó tres cuadros suyos, uno de ellos de una dama florentina hecho del natural a petición de Juliano II de Médicis.Aunque Antonio de Beatis podría haber visto una tabla distinta, este testimonio parece discrepar de los de Vasari y Cassiano del Pozzo, por lo que algunos han supuesto que la modelo fue en realidad una amiga o amante de Juliano II de Médicis.Otras propuestas han sido que la modelo pudo ser una amante del propio Leonardo, un adolescente vestido de mujer, o incluso, una simple mujer imaginaria. A este respecto, Sigmund Freud sugirió que la pintura reflejaba una preocupante masculinidad. Estudios que apoyan la teoría de la identidad masculina del modelo lo identifican como Gian Giacomo Caprotti, conocido como Il Salai.Hay estudiosos que creen que el tema de la pintura es la madre de Leonardo, Caterina. Según esta teoría, en el momento en que Leonardo pintó el retrato de su madre, a la que adoraba, ella no estaba entre los vivos. Murió en 1495. idea es que estaba viva en la imaginación de Leonardo. El trabajo de Lisa Gherardini consistía únicamente en ser la modelo.En 2005, Armin Schlechter descubrió una nota de Agostino Vespucci en el margen de un libro de la colección de la biblioteca de la Universidad de Heidelberg, que confirmaba con certeza la creencia tradicional de que la modelo del retrato era Lisa. En esta acotación, Vespucci, quien era un amigo cercano de Leonardo da Vinci, compara a Apeles, gran pintor de la Antigüedad, con Leonardo, y hace referencia a tres obras en las que estaba trabajando en esas fechas: el retrato de Lisa del Giocondo, otro de Santa Ana y el mural de batalla de Anghiari. Esta pequeña anotación data de octubre de 1503, aproximadamente 47 años antes de las referencias realizadas por Giorgio Vasari. Además, el libro donde se realizó el comentario sobre “Mona Lisa” pertenece al autor Marco Tulio Cicerón, y particularmente esta edición fue publicada en 1477.Por otra parte, en los archivos de impuestos de 1480 puede verificarse la identidad, paradero y lugar de nacimiento de la modelo. Según el historiador Giuseppe Pallanti, que trata el tema en su libro historia de Mona Lisa, Gherardini ingresó en el convento cuatro años después de quedar viuda, donde ya era monja su hija Marietta.Unido a dichos elementos, documentos oficiales del censo de la época confirman que el padre de Leonardo da Vinci vivía exactamente enfrente de la familia de Gherardini.", "entry": "subsection", "prompt": "Explora la Identidaddelamodelo sobre la Enigmas de esta obra de arte, La Gioconda.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Agostino Vespucci", "Antonio de Beatis", "Apeles", "Armin Schlechter", "Cassiano dal Pozzo", "Salai", "Giorgio Vasari", "Giuseppe Pallanti", "Isabel de Este", "Juliano II de Médicis", "Leonardo da Vinci", "Lisa Gherardini", "Cicerón", "Salai", "Sigmund Freud", "Universidad de Heidelberg", "Vinci"]} +{"id": 94, "title": "La Gioconda", "en_title": "Mona Lisa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "reference": "deimagenizquierdaDiversas hipótesis se han generado en torno a la identidad de la modelo. 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A este respecto, Sigmund Freud sugirió que la pintura reflejaba una preocupante masculinidad. Estudios que apoyan la teoría de la identidad masculina del modelo lo identifican como Gian Giacomo Caprotti, conocido como Il Salai.Hay estudiosos que creen que el tema de la pintura es la madre de Leonardo, Caterina. Según esta teoría, en el momento en que Leonardo pintó el retrato de su madre, a la que adoraba, ella no estaba entre los vivos. Murió en 1495. idea es que estaba viva en la imaginación de Leonardo. El trabajo de Lisa Gherardini consistía únicamente en ser la modelo.En 2005, Armin Schlechter descubrió una nota de Agostino Vespucci en el margen de un libro de la colección de la biblioteca de la Universidad de Heidelberg, que confirmaba con certeza la creencia tradicional de que la modelo del retrato era Lisa. En esta acotación, Vespucci, quien era un amigo cercano de Leonardo da Vinci, compara a Apeles, gran pintor de la Antigüedad, con Leonardo, y hace referencia a tres obras en las que estaba trabajando en esas fechas: el retrato de Lisa del Giocondo, otro de Santa Ana y el mural de batalla de Anghiari. Esta pequeña anotación data de octubre de 1503, aproximadamente 47 años antes de las referencias realizadas por Giorgio Vasari. Además, el libro donde se realizó el comentario sobre “Mona Lisa” pertenece al autor Marco Tulio Cicerón, y particularmente esta edición fue publicada en 1477.Por otra parte, en los archivos de impuestos de 1480 puede verificarse la identidad, paradero y lugar de nacimiento de la modelo. Según el historiador Giuseppe Pallanti, que trata el tema en su libro historia de Mona Lisa, Gherardini ingresó en el convento cuatro años después de quedar viuda, donde ya era monja su hija Marietta.Unido a dichos elementos, documentos oficiales del censo de la época confirman que el padre de Leonardo da Vinci vivía exactamente enfrente de la familia de Gherardini.", "entry": "subsection", "prompt": "En La Gioconda, ¿Cómo se aclara la Identidaddelamodelo de la Enigmas?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Agostino Vespucci", "Antonio de Beatis", "Apeles", "Armin Schlechter", "Cassiano dal Pozzo", "Salai", "Giorgio Vasari", "Giuseppe Pallanti", "Isabel de Este", "Juliano II de Médicis", "Leonardo da Vinci", "Lisa Gherardini", "Cicerón", "Salai", "Sigmund Freud", "Universidad de Heidelberg", "Vinci"]} +{"id": 95, "title": "La Gioconda", "en_title": "Mona Lisa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "reference": "deimagenizquierdaDiversas hipótesis se han generado en torno a la identidad de la modelo. 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A este respecto, Sigmund Freud sugirió que la pintura reflejaba una preocupante masculinidad. Estudios que apoyan la teoría de la identidad masculina del modelo lo identifican como Gian Giacomo Caprotti, conocido como Il Salai.Hay estudiosos que creen que el tema de la pintura es la madre de Leonardo, Caterina. Según esta teoría, en el momento en que Leonardo pintó el retrato de su madre, a la que adoraba, ella no estaba entre los vivos. Murió en 1495. idea es que estaba viva en la imaginación de Leonardo. El trabajo de Lisa Gherardini consistía únicamente en ser la modelo.En 2005, Armin Schlechter descubrió una nota de Agostino Vespucci en el margen de un libro de la colección de la biblioteca de la Universidad de Heidelberg, que confirmaba con certeza la creencia tradicional de que la modelo del retrato era Lisa. En esta acotación, Vespucci, quien era un amigo cercano de Leonardo da Vinci, compara a Apeles, gran pintor de la Antigüedad, con Leonardo, y hace referencia a tres obras en las que estaba trabajando en esas fechas: el retrato de Lisa del Giocondo, otro de Santa Ana y el mural de batalla de Anghiari. Esta pequeña anotación data de octubre de 1503, aproximadamente 47 años antes de las referencias realizadas por Giorgio Vasari. Además, el libro donde se realizó el comentario sobre “Mona Lisa” pertenece al autor Marco Tulio Cicerón, y particularmente esta edición fue publicada en 1477.Por otra parte, en los archivos de impuestos de 1480 puede verificarse la identidad, paradero y lugar de nacimiento de la modelo. Según el historiador Giuseppe Pallanti, que trata el tema en su libro historia de Mona Lisa, Gherardini ingresó en el convento cuatro años después de quedar viuda, donde ya era monja su hija Marietta.Unido a dichos elementos, documentos oficiales del censo de la época confirman que el padre de Leonardo da Vinci vivía exactamente enfrente de la familia de Gherardini.", "entry": "subsection", "prompt": "Describe las características de la Identidaddelamodelo en la Enigmas de La Gioconda.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Agostino Vespucci", "Antonio de Beatis", "Apeles", "Armin Schlechter", "Cassiano dal Pozzo", "Salai", "Giorgio Vasari", "Giuseppe Pallanti", "Isabel de Este", "Juliano II de Médicis", "Leonardo da Vinci", "Lisa Gherardini", "Cicerón", "Salai", "Sigmund Freud", "Universidad de Heidelberg", "Vinci"]} +{"id": 96, "title": "La Gioconda", "en_title": "Mona Lisa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "reference": "El título oficial de la obra, según el Museo del Louvre, es Retrato de Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo, aunque el cuadro es más conocido como Gioconda o Mona Lisa.Este título aparece documentado por primera vez mucho después de la muerte de su autor. Con respecto al nombre de Mona Lisa, más usado en fuentes anglosajonas, Monna es el diminutivo en italiano de Madonna, que quiere decir Señora.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de La Gioconda, explora la Eltítulodelcuadro y Enigmas.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Lisa Gherardini", "Museo del Louvre", "Museo del Louvre"]} +{"id": 97, "title": "La Gioconda", "en_title": "Mona Lisa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/220px-Mona_Lisa%2C_by_Leonardo_da_Vinci%2C_from_C2RMF_retouched.jpg", "reference": "El título oficial de la obra, según el Museo del Louvre, es Retrato de Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo, aunque el cuadro es más conocido como Gioconda o Mona Lisa.Este título aparece documentado por primera vez mucho después de la muerte de su autor. 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Para 1830 ya existía un salón en el cual se exponían las obras de aquellos artistas que no cumplían con los puntos a destacar por parte de los jurados, sin embargo fue justamente esto lo que provocó una revuelta entre los parisinos artistas ya que en 1863 fueron rechazadas más de 3 000 obras, sobrepasando el índice de rechazos en exposiciones pasadas. Al ver esta inconformidad por parte de los artistas, Napoleón III tomó la decisión de crear un espacio anexo al Salón donde las obras fueran aceptadas, por lo que toma el nombre del Salón de los rechazados o más conocido como Salón des Refusés. Al ser así las cosas, muchos críticos de arte sacaron a la luz sus opiniones sobre tal acto y más sobre aquellos que exponen dentro de este espacio, haciendo hincapié en el mismo nombre que los caracteriza, “rechazados”, sin embargo esto abrió paso a nuevas corrientes artísticas.Con el paso del tiempo y gracias a la importancia que fue tomando, se organizaron otros Salons des Refusés en París en los años 1874, 1875 y 1886. Este momento de la historia se puso de parte de estos artistas ya que para entonces el Salón de París comenzó a perder popularidad.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Salon des Refusés y explora la Resumen.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["París", "Salón de París"]} +{"id": 101, "title": "Salon des Refusés", "en_title": "Salon des Refusés", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "El Salon des Refusés hace referencia a un espacio que se determinó para la exposición de las obras rechazadas por el jurado oficial del Salón de París de 1863.El Salón des Refusés da inicio a dos acontecimientos importantes en la historia del arte: el nacimiento del impresionismo y el advenimiento de la modernidad, además de la creación del salón de los independientes. 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Al ser así las cosas, muchos críticos de arte sacaron a la luz sus opiniones sobre tal acto y más sobre aquellos que exponen dentro de este espacio, haciendo hincapié en el mismo nombre que los caracteriza, “rechazados”, sin embargo esto abrió paso a nuevas corrientes artísticas.Con el paso del tiempo y gracias a la importancia que fue tomando, se organizaron otros Salons des Refusés en París en los años 1874, 1875 y 1886. 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a la Academia Francesa y su exposición anual.El Salón de París fue adquiriendo tanta importancia que los artistas que querían estar dentro de él comenzaron a incrementar, pero entre más popularidad iba ganado el Salón, más difícil era entrar ya que los requisitos eran cada vez más estrictos, puesto que la sociedad se regía por cierto convencionalismo y cualquier obra que estuviera fuera de estas convenciones era desaprobada por la academia.Debido a la cifra tan elevada de artistas rechazados, Napoleón III optó porque los artistas que fueran rechazados tuvieran la oportunidad de ser expuestos en un salón anexo al oficial y es, a partir de esta decisión, que se escribe un nuevo capítulo en la historia del arte.Creció tanta la fama del El Salon des Refusés y gracias a la motivación de Manet, a partir de 1874 se llevó a cabo la apertura de otros Salones que contenían el mismo fin, justo en estos momentos de la historia en los años 1875 y 1886, la fama del Salón de París estaba en decadencia.En este salón se encontraban pinturas que actualmente son reconocidas a pesar del lugar en el que se expusieron; como lo son las obras del artista Édouard Manet, James McNeill Whistler, Courbet, Cézanne.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Salon des Refusés y explora la ContextoHistórico.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Academia Francesa", "James McNeill Whistler", "París", "Salón de París", "Édouard Manet"]} +{"id": 105, "title": "Salon des Refusés", "en_title": "Salon des Refusés", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "Durante el , los artistas que trabajaban en París buscaban una carrera artística que los hiciera ser reconocidos, tratando de ser elegidos para que sus obras se expusieron en el Salón de París gracias a la Academia Francesa y su exposición anual.El Salón de París fue adquiriendo tanta importancia que los artistas que querían estar dentro de él comenzaron a incrementar, pero entre más popularidad iba ganado el Salón, más difícil era entrar ya que los requisitos eran cada vez más estrictos, puesto que la sociedad se regía por cierto convencionalismo y cualquier obra que estuviera fuera de estas convenciones era desaprobada por la academia.Debido a la cifra tan elevada de artistas rechazados, Napoleón III optó porque los artistas que fueran rechazados tuvieran la oportunidad de ser expuestos en un salón anexo al oficial y es, a partir de esta decisión, que se escribe un nuevo capítulo en la historia del arte.Creció tanta la fama del El Salon des Refusés y gracias a la motivación de Manet, a partir de 1874 se llevó a cabo la apertura de otros Salones que contenían el mismo fin, justo en estos momentos de la historia en los años 1875 y 1886, la fama del Salón de París estaba en decadencia.En este salón se encontraban pinturas que actualmente son reconocidas a pesar del lugar en el que se expusieron; como lo son las obras del artista Édouard Manet, James McNeill Whistler, Courbet, Cézanne.", "entry": "section", "prompt": "Explora la ContextoHistórico de esta obra de arte, Salon des Refusés.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Academia Francesa", "James McNeill Whistler", "París", "Salón de París", "Édouard Manet"]} +{"id": 106, "title": "Salon des Refusés", "en_title": "Salon des Refusés", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": 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fuera de estas convenciones era desaprobada por la academia.Debido a la cifra tan elevada de artistas rechazados, Napoleón III optó porque los artistas que fueran rechazados tuvieran la oportunidad de ser expuestos en un salón anexo al oficial y es, a partir de esta decisión, que se escribe un nuevo capítulo en la historia del arte.Creció tanta la fama del El Salon des Refusés y gracias a la motivación de Manet, a partir de 1874 se llevó a cabo la apertura de otros Salones que contenían el mismo fin, justo en estos momentos de la historia en los años 1875 y 1886, la fama del Salón de París estaba en decadencia.En este salón se encontraban pinturas que actualmente son reconocidas a pesar del lugar en el que se expusieron; como lo son las obras del artista Édouard Manet, James McNeill Whistler, Courbet, Cézanne.", "entry": "section", "prompt": "En Salon des Refusés, ¿Cómo se discute la ContextoHistórico?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Academia Francesa", "James 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Edouard Manet: Rebel in a Frock Coat. Boston: Little, Brown.Hauptman, William . \"Juries, Protests, and Counter-Exhibitions Before 1850.\" The Art Bulletin 67 : 97-107.Mainardi, Patricia . Art and Politics of the Second Empire: The Universal Expositions of 1855 and 1867. New Haven: Yale U Pr.King, Ross . \"The Judgement of Paris: The Revolutionary Decade That Gave the World Impressionism\" Bond Street Books, Canadá", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Salon des Refusés y explora la Bibliografía.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 113, "title": "Salon des Refusés", "en_title": "Salon des Refusés", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "Brombert, Beth Archer . Edouard Manet: Rebel in a Frock Coat. 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Se familiarizo con el arte desde pequeño y una vez alcanzado la madurez se vuelve alumno de Thomas Couture en su taller, a pesar de que su padre quería que estudiara leyes. Fue su alumno por casi 6 años hasta que en 1856 deja su taller y se va en busca de nuevas formas de aprendizaje. Tuvo la oportunidad de tener un gran acercamiento a obras de artistas importantes como; Goya, Delacroix, Courbet y Daumier.En 1863 lleva a cabo la creación de su cuadro Le Déjeuner sur l'Herbe el cual es rechazado en el Salón de París, posterior a esto es aceptado en el Salón des Refusés, siendo esta su primera pintura expuesta en este lugar. El cuadro Desayuno sobre la hierba obtuvo bastantes críticas por parte del jurado debido al contraste del desnudo de la mujer y los dos hombres que la acompañan. Considerado el precursor del movimiento impresionista, su obra refleja pinceladas rápidas y directas.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de Salon des Refusés, explora la ÉdouardManet y ContextoHistórico.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["París", "Salón de París", "Thomas Couture"]} +{"id": 117, "title": "Salon des Refusés", "en_title": "Salon des Refusés", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "Nació en París, Francia el 23 de enero de 1832. 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Cuando Napoleón III hace la apertura del Salon des Refusés, una de sus obras junto con la de Manet, es exhibida causando una polémica fuerte entre la sociedad artística y no, que asistía al lugar a observar las obras. Esta obra es dama de blanco, el cual fue rechazado en la Academia Real de Londres. En la obra se puede observar en primer plano una mujer de cuerpo completo, en su mano lleva un lirio. Se encuentra parada sobre una piel de lobo, el fondo aparece cubierto por una cortina blanca. paleta de colores del cuadro son muy blancos. Se dice que la modelo era su amante. Y a pesar de que el nombre del cuadro era originalmente dama blanca, Whistler empezó después a llamarlo Sinfonía en blanco, nº 1, intentando con esto enfatizar su filosofía del arte por el arte. El cuadro ha sido interpretado por la crítica del arte como una alegoría acerca del momento de la pérdida de la inocencia y también como una alusión religiosa a la Virgen María.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de Salon des Refusés, explora la JamesMcNeillWhistler y ContextoHistórico.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 121, "title": "Salon des Refusés", "en_title": "Salon des Refusés", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "deimagenSu nombre de nacimiento era James Abbott McNeill Whistler, nació en Lowell, Estados Unidos, el 10 de julio de 1834. 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El cuadro ha sido interpretado por la crítica del arte como una alegoría acerca del momento de la pérdida de la inocencia y también como una alusión religiosa a la Virgen María.", "entry": "subsection", "prompt": "En Salon des Refusés, ¿Cómo se aclara la JamesMcNeillWhistler de la ContextoHistórico?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 123, "title": "Salon des Refusés", "en_title": "Salon des Refusés", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "deimagenSu nombre de nacimiento era James Abbott McNeill Whistler, nació en Lowell, Estados Unidos, el 10 de julio de 1834. Cuando Napoleón III hace la apertura del Salon des Refusés, una de sus obras junto con la de Manet, es exhibida causando una polémica fuerte entre la sociedad artística y no, que asistía al lugar a observar las obras. Esta obra es dama de blanco, el cual fue rechazado en la Academia Real de Londres. En la obra se puede observar en primer plano una mujer de cuerpo completo, en su mano lleva un lirio. Se encuentra parada sobre una piel de lobo, el fondo aparece cubierto por una cortina blanca. paleta de colores del cuadro son muy blancos. Se dice que la modelo era su amante. Y a pesar de que el nombre del cuadro era originalmente dama blanca, Whistler empezó después a llamarlo Sinfonía en blanco, nº 1, intentando con esto enfatizar su filosofía del arte por el arte. El cuadro ha sido interpretado por la crítica del arte como una alegoría acerca del momento de la pérdida de la inocencia y también como una alusión religiosa a la Virgen María.", "entry": "subsection", "prompt": "Describe las características de la JamesMcNeillWhistler en la ContextoHistórico de Salon des Refusés.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 124, "title": "Salon des Refusés", "en_title": "Salon des Refusés", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "Nació en Ornans,Francia, 10 de junio de 1819. Se le considera que es un pintor francés, el cual es fundador del movimiento del realismo.izquierdadeimagenSu realismo tuvo fuerte influencia en los ambientes donde se movía, ambientes revolucionarios del , estaba en contra de la pintura academicista y los ideales tan exuberantes que eran parte del Romanticismo. Esto lo llevó a ser reconocido como un “Revolucionario peligroso”. Sus primeras exposiciones se llevaron a cabo en el Palacio de las Artes dentro de la exposición universal de París, sin embargo tuvo rechazo por parte de los jurados, lo que lo incitó a gestionar su propia exposición y no solo eso, sino que también lo llevó a formar parte del Salón des Refusés.Una de sus obras más destacadas es la El taller del pintor, obra en la que plasmó a todas aquellas personas que fueron de máxima importancia en su vida. Este cuadro fue rechazado por su gran tamaño sin embargo es considerado la apertura al realismo. Vemos al artista en el centro, junto a la alegoría que representa la Realidad o Verdad despojada de sus ropas. A la derecha hay gente de clase alta, intelectuales y artistas. A la izquierda, personajes marginales, de la pobreza y la miseria, de la dura realidad social que denuncia el movimiento. Courbet pinta con «furia» y en sus obras pueden verse los golpes de las pinceladas. A su vez desprecia el «acabado», se deja llevar por la intuición y prefiere quedar desprolijo o errar en cuestiones de perspectiva o de proporciones antes que someterse a reglas académicas.deimagen", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de Salon des Refusés, explora la Courbet y ContextoHistórico.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["El taller del pintor", "París", "Romanticismo"]} +{"id": 125, "title": "Salon des Refusés", "en_title": "Salon des Refusés", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "Nació en Ornans,Francia, 10 de junio de 1819. 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Vemos al artista en el centro, junto a la alegoría que representa la Realidad o Verdad despojada de sus ropas. A la derecha hay gente de clase alta, intelectuales y artistas. A la izquierda, personajes marginales, de la pobreza y la miseria, de la dura realidad social que denuncia el movimiento. Courbet pinta con «furia» y en sus obras pueden verse los golpes de las pinceladas. A su vez desprecia el «acabado», se deja llevar por la intuición y prefiere quedar desprolijo o errar en cuestiones de perspectiva o de proporciones antes que someterse a reglas académicas.deimagen", "entry": "subsection", "prompt": "Explora la Courbet sobre la ContextoHistórico de esta obra de arte, Salon des Refusés.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["El taller del pintor", "París", "Romanticismo"]} +{"id": 126, "title": "Salon des Refusés", "en_title": "Salon des Refusés", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "Nació en Ornans,Francia, 10 de junio de 1819. 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Vemos al artista en el centro, junto a la alegoría que representa la Realidad o Verdad despojada de sus ropas. A la derecha hay gente de clase alta, intelectuales y artistas. A la izquierda, personajes marginales, de la pobreza y la miseria, de la dura realidad social que denuncia el movimiento. Courbet pinta con «furia» y en sus obras pueden verse los golpes de las pinceladas. 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Vemos al artista en el centro, junto a la alegoría que representa la Realidad o Verdad despojada de sus ropas. A la derecha hay gente de clase alta, intelectuales y artistas. A la izquierda, personajes marginales, de la pobreza y la miseria, de la dura realidad social que denuncia el movimiento. Courbet pinta con «furia» y en sus obras pueden verse los golpes de las pinceladas. 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Se le conoce como pintor postimpresionista y es considerado el padre de la pintura moderna, a pesar de esto él al igual que muchos otros grandes pintores, no fueron reconocidos hasta después de su muerte.Su visita al Museo del Louvre lo hizo conocer a Caravaggio al igual que a Velázquez, los cuales fueron de suma importancia en su trabajo artístico. A lo largo de su vida tuvo relación con muchos pintores de la época como lo fueron, Courbet y Manet. Cézanne presentó una serie de obras al Salón de París las cuales fueron rechazadas y fue en 1870 cuando presenta su obra, Retrato de Achille Emperaire, la cual no fue aceptada, juzgando como una obra de arte que estaba en el límite de lo grotesco, por lo que posteriormente fue admitida en el Salón des Refusés.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de Salon des Refusés, explora la Cézanne y ContextoHistórico.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Caravaggio", "Museo del Louvre", "París", "Paul Cézanne", "Salón de París"]} +{"id": 129, "title": "Salon des Refusés", "en_title": "Salon des Refusés", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "Paul Cézanne nació en Aix-en-Provence, Reino de Francia, el 19 de enero de 1839. 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Este último había suprimido el parlamento por decreto y tenía la intención de restringir la libertad de prensa. Los disturbios se convirtieron en un levantamiento que desembocó en una revuelta de ciudadanos franceses. No existió un cabecilla; el interés por la revuelta fue de clase, en la medida en que la burguesía se veía beneficiada del movimiento. Sin embargo, Delacroix representa a la Libertad como guía que conduce al pueblo, el cual es mostrado como multiforme, es decir, con miembros de las clases sociales media y baja. Así, la Libertad es alegorizada como una mujer de suma belleza. El espectador solo tiene dos posibilidades, el unirse a la masa, o el ser arrasado por ella. El pueblo es la unión de clases: se representa al burgués con su sombrero de copa y empuñando el fusil, al lado un andrajoso y un herido que pide clemencia a Francia. Al fondo aparecen brumas y humos de la batalla que diluyen un barrio francés bastante realista. A los pies de la Libertad un moribundo la mira fijo indicándonos que ha valido la pena morir por ella. escena que representa el cuadro, se ubica en el acceso sur, desde el puente de Arcole, a la plaza del ayuntamiento parisino. Al fondo, a la derecha, se ven las torres de la catedral de París.El cuadro fue comprado por el Estado francés en 1831, pero ante las críticas recibidas parece ser que fue devuelto al autor en 1839. Sin embargo, en 1848 el director de los museos nacionales lo reclamó, siendo entregado por el autor al año siguiente. Cuando se instauró el Segundo Imperio la tela pasó a formar parte de la reserva del Louvre, hasta que quedó expuesto en 1863, después de la muerte del autor. obra se ha convertido en un icono universal de la lucha por la libertad.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en La Libertad guiando al pueblo y explora la Resumen.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Carlos X de Francia", "Francia", "Eugène Delacroix", "Francia", "Libertad", "Museo del Louvre", "Museo del Louvre", "París", "Revolución de 1830"]} +{"id": 133, "title": "La Libertad guiando al pueblo", "en_title": "Liberty Leading the People", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "reference": "}} Libertad guiando al pueblo es un cuadro pintado por Eugène Delacroix en 1830 y conservado en el Museo del Louvre de París y uno de los más famosos de la historia.El lienzo simboliza la Revolución de 1830 del día 28 de julio, una escena en la que el pueblo de París se levanta en armas contra el rey Carlos X de Francia. 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A los pies de la Libertad un moribundo la mira fijo indicándonos que ha valido la pena morir por ella. escena que representa el cuadro, se ubica en el acceso sur, desde el puente de Arcole, a la plaza del ayuntamiento parisino. Al fondo, a la derecha, se ven las torres de la catedral de París.El cuadro fue comprado por el Estado francés en 1831, pero ante las críticas recibidas parece ser que fue devuelto al autor en 1839. Sin embargo, en 1848 el director de los museos nacionales lo reclamó, siendo entregado por el autor al año siguiente. Cuando se instauró el Segundo Imperio la tela pasó a formar parte de la reserva del Louvre, hasta que quedó expuesto en 1863, después de la muerte del autor. obra se ha convertido en un icono universal de la lucha por la libertad.", "entry": "section", "prompt": "¿Cómo aclara La Libertad guiando al pueblo su Resumen?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Carlos X de Francia", "Francia", "Eugène Delacroix", "Francia", "Libertad", "Museo del Louvre", "Museo del Louvre", "París", "Revolución de 1830"]} +{"id": 135, "title": "La Libertad guiando al pueblo", "en_title": "Liberty Leading the People", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "reference": "}} Libertad guiando al pueblo es un cuadro pintado por Eugène Delacroix en 1830 y conservado en el Museo del Louvre de París y uno de los más famosos de la historia.El lienzo simboliza la Revolución de 1830 del día 28 de julio, una escena en la que el pueblo de París se levanta en armas contra el rey Carlos X de Francia. Este último había suprimido el parlamento por decreto y tenía la intención de restringir la libertad de prensa. Los disturbios se convirtieron en un levantamiento que desembocó en una revuelta de ciudadanos franceses. No existió un cabecilla; el interés por la revuelta fue de clase, en la medida en que la burguesía se veía beneficiada del movimiento. Sin embargo, Delacroix representa a la Libertad como guía que conduce al pueblo, el cual es mostrado como multiforme, es decir, con miembros de las clases sociales media y baja. Así, la Libertad es alegorizada como una mujer de suma belleza. El espectador solo tiene dos posibilidades, el unirse a la masa, o el ser arrasado por ella. El pueblo es la unión de clases: se representa al burgués con su sombrero de copa y empuñando el fusil, al lado un andrajoso y un herido que pide clemencia a Francia. Al fondo aparecen brumas y humos de la batalla que diluyen un barrio francés bastante realista. A los pies de la Libertad un moribundo la mira fijo indicándonos que ha valido la pena morir por ella. escena que representa el cuadro, se ubica en el acceso sur, desde el puente de Arcole, a la plaza del ayuntamiento parisino. Al fondo, a la derecha, se ven las torres de la catedral de París.El cuadro fue comprado por el Estado francés en 1831, pero ante las críticas recibidas parece ser que fue devuelto al autor en 1839. Sin embargo, en 1848 el director de los museos nacionales lo reclamó, siendo entregado por el autor al año siguiente. Cuando se instauró el Segundo Imperio la tela pasó a formar parte de la reserva del Louvre, hasta que quedó expuesto en 1863, después de la muerte del autor. obra se ha convertido en un icono universal de la lucha por la libertad.", "entry": "section", "prompt": "En La Libertad guiando al pueblo, ¿Cómo se discute la Resumen?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Carlos X de Francia", "Francia", "Eugène Delacroix", "Francia", "Libertad", "Museo del Louvre", "Museo del Louvre", "París", "Revolución de 1830"]} +{"id": 136, "title": "La Libertad guiando al pueblo", "en_title": "Liberty Leading the People", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "reference": "El tema de la obra es la insurrección burguesa que tuvo lugar los días 27, 28 y 29 de julio de 1830 . Es una de las revoluciones burguesas, la que puso fin al terror blanco tras los dieciséis años de restaurada la monarquía borbónica, encarnada en el ultraconservador Carlos X, expulsado del trono y sustituido por Luis Felipe de Orleans, el Rey burgués, con lo que se consumó el acceso al poder de la burguesía liberal, aunque no se instauró la república. Delacroix estuvo del lado de los revolucionarios, él mismo se ha representado en el cuadro como quien lleva el sombrero de copa negro y que se encuentra entre los combatientes, en primera fila. revuelta se inició el 27 de julio como protesta contra una serie de ordenanzas que restringían libertades ciudadanas. En esa noche jóvenes republicanos se pusieron al frente de la insurrección y de día se elevaron barricadas . El 29, los revolucionarios eran dueños de la ciudad. revuelta rebasó las fronteras de Francia y dio lugar a levantamientos similares, de lucha contra los monarcas reaccionarios o de liberación nacional , en varios países europeos. Según G. C. Argan nos encontramos ante el primer cuadro político de la pintura moderna, pues en su opinión la historia contemporánea es la lucha política por la libertad. Libertad que, según este autor, estaba ligada en aquella época al concepto de Patria. De ahí que la figura central de la mujer, que es alegoría de la libertad, lo sea también de la nación. Hemos de recordar que la lucha por la libertad y por la nación es una constante en los románticos. El mismo autor trata idéntico tema en obras como matanza de Quíos y Grecia sobre las ruinas de Missolonghi, cuadro en el que la nación aparece representada por otra mujer.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en La Libertad guiando al pueblo y explora la Cuadro.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Francia", "Francia", "Libertad"]} +{"id": 137, "title": "La Libertad guiando al pueblo", "en_title": "Liberty Leading the People", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "reference": "El tema de la obra es la insurrección burguesa que tuvo lugar los días 27, 28 y 29 de julio de 1830 . 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El 29, los revolucionarios eran dueños de la ciudad. revuelta rebasó las fronteras de Francia y dio lugar a levantamientos similares, de lucha contra los monarcas reaccionarios o de liberación nacional , en varios países europeos. Según G. C. Argan nos encontramos ante el primer cuadro político de la pintura moderna, pues en su opinión la historia contemporánea es la lucha política por la libertad. Libertad que, según este autor, estaba ligada en aquella época al concepto de Patria. De ahí que la figura central de la mujer, que es alegoría de la libertad, lo sea también de la nación. Hemos de recordar que la lucha por la libertad y por la nación es una constante en los románticos. El mismo autor trata idéntico tema en obras como matanza de Quíos y Grecia sobre las ruinas de Missolonghi, cuadro en el que la nación aparece representada por otra mujer.", "entry": "section", "prompt": "Explora la Cuadro de esta obra de arte, La Libertad guiando al pueblo.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Francia", "Francia", "Libertad"]} +{"id": 138, "title": "La Libertad guiando al pueblo", "en_title": "Liberty Leading the People", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "reference": "El tema de la obra es la insurrección burguesa que tuvo lugar los días 27, 28 y 29 de julio de 1830 . Es una de las revoluciones burguesas, la que puso fin al terror blanco tras los dieciséis años de restaurada la monarquía borbónica, encarnada en el ultraconservador Carlos X, expulsado del trono y sustituido por Luis Felipe de Orleans, el Rey burgués, con lo que se consumó el acceso al poder de la burguesía liberal, aunque no se instauró la república. Delacroix estuvo del lado de los revolucionarios, él mismo se ha representado en el cuadro como quien lleva el sombrero de copa negro y que se encuentra entre los combatientes, en primera fila. revuelta se inició el 27 de julio como protesta contra una serie de ordenanzas que restringían libertades ciudadanas. En esa noche jóvenes republicanos se pusieron al frente de la insurrección y de día se elevaron barricadas . El 29, los revolucionarios eran dueños de la ciudad. revuelta rebasó las fronteras de Francia y dio lugar a levantamientos similares, de lucha contra los monarcas reaccionarios o de liberación nacional , en varios países europeos. Según G. C. Argan nos encontramos ante el primer cuadro político de la pintura moderna, pues en su opinión la historia contemporánea es la lucha política por la libertad. Libertad que, según este autor, estaba ligada en aquella época al concepto de Patria. De ahí que la figura central de la mujer, que es alegoría de la libertad, lo sea también de la nación. Hemos de recordar que la lucha por la libertad y por la nación es una constante en los románticos. El mismo autor trata idéntico tema en obras como matanza de Quíos y Grecia sobre las ruinas de Missolonghi, cuadro en el que la nación aparece representada por otra mujer.", "entry": "section", "prompt": "¿Cómo aclara La Libertad guiando al pueblo su Cuadro?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Francia", "Francia", "Libertad"]} +{"id": 139, "title": "La Libertad guiando al pueblo", "en_title": "Liberty Leading the People", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "reference": "El tema de la obra es la insurrección burguesa que tuvo lugar los días 27, 28 y 29 de julio de 1830 . 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El 29, los revolucionarios eran dueños de la ciudad. revuelta rebasó las fronteras de Francia y dio lugar a levantamientos similares, de lucha contra los monarcas reaccionarios o de liberación nacional , en varios países europeos. Según G. C. Argan nos encontramos ante el primer cuadro político de la pintura moderna, pues en su opinión la historia contemporánea es la lucha política por la libertad. Libertad que, según este autor, estaba ligada en aquella época al concepto de Patria. De ahí que la figura central de la mujer, que es alegoría de la libertad, lo sea también de la nación. Hemos de recordar que la lucha por la libertad y por la nación es una constante en los románticos. 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El ligero pincel de Delacroix y la fuerza luminosa de sus colores exaltan la vitalidad de sus cuadros. Para aumentar la tensión y el movimiento añadió contrastes complementarios junto a la oposición de los claroscuros. El color para Delacroix no solo tenía un valor de representación, sino un significado emocional propio, con el que intentaba plasmar sobre el lienzo el sentimiento y la disposición de ánimo de las personas. De fondo se ve el cielo de París tormentoso . Utiliza colores pálidos con tonos ocres y con pinceladas sueltas destacando el azul, el rojo y el blanco de la bandera.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en La Libertad guiando al pueblo y explora la Tema.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Francia", "Francia", "Libertad", "París"]} +{"id": 141, "title": "La Libertad guiando al pueblo", "en_title": "Liberty Leading the People", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "reference": "Se ve una estructura en posición de pirámide con los muertos por la Libertad en la base y ésta en la cima una mujer sosteniendo en la mano derecha la bandera de Francia y en la extremidad opuesta un fusil. 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El ligero pincel de Delacroix y la fuerza luminosa de sus colores exaltan la vitalidad de sus cuadros. Para aumentar la tensión y el movimiento añadió contrastes complementarios junto a la oposición de los claroscuros. El color para Delacroix no solo tenía un valor de representación, sino un significado emocional propio, con el que intentaba plasmar sobre el lienzo el sentimiento y la disposición de ánimo de las personas. De fondo se ve el cielo de París tormentoso . 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El 7 de febrero de 2013, el cuadro fue vandalizado por un visitante. Una mujer no identificada de 28 años escribió supuestamente la inscripción Architects & Engineers for 9/11 Truth sobre la pintura. mujer fue arrestada inmediatamente por un vigilante de seguridad y un visitante. Poco tiempo después, la dirección del Louvre y su sucursal de Pas-de-Calais publicaron un comunicado de prensa, indicando que «a primera vista, la inscripción es superficial y puede eliminarse fácilmente». Los funcionarios del Louvre anunciaron al día siguiente que un restaurador había limpiado la escritura en menos de dos horas sin dañar la pintura, la cual pudo volver a exponerse durante esa misma mañana.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en La Libertad guiando al pueblo y explora la Vandalismo.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Museo Louvre-Lens"]} +{"id": 145, "title": "La Libertad guiando al pueblo", "en_title": "Liberty Leading the People", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "reference": "En 2012, el cuadro se trasladó al nuevo Museo Louvre-Lens de Lens , como avanzadilla del primer tramo de pinturas de la colección del Louvre que será reinstalada. El 7 de febrero de 2013, el cuadro fue vandalizado por un visitante. Una mujer no identificada de 28 años escribió supuestamente la inscripción Architects & Engineers for 9/11 Truth sobre la pintura. mujer fue arrestada inmediatamente por un vigilante de seguridad y un visitante. Poco tiempo después, la dirección del Louvre y su sucursal de Pas-de-Calais publicaron un comunicado de prensa, indicando que «a primera vista, la inscripción es superficial y puede eliminarse fácilmente». Los funcionarios del Louvre anunciaron al día siguiente que un restaurador había limpiado la escritura en menos de dos horas sin dañar la pintura, la cual pudo volver a exponerse durante esa misma mañana.", "entry": "section", "prompt": "Explora la Vandalismo de esta obra de arte, La Libertad guiando al pueblo.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Museo Louvre-Lens"]} +{"id": 146, "title": "La Libertad guiando al pueblo", "en_title": "Liberty Leading the People", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "reference": "En 2012, el cuadro se trasladó al nuevo Museo Louvre-Lens de Lens , como avanzadilla del primer tramo de pinturas de la colección del Louvre que será reinstalada. El 7 de febrero de 2013, el cuadro fue vandalizado por un visitante. Una mujer no identificada de 28 años escribió supuestamente la inscripción Architects & Engineers for 9/11 Truth sobre la pintura. mujer fue arrestada inmediatamente por un vigilante de seguridad y un visitante. Poco tiempo después, la dirección del Louvre y su sucursal de Pas-de-Calais publicaron un comunicado de prensa, indicando que «a primera vista, la inscripción es superficial y puede eliminarse fácilmente». Los funcionarios del Louvre anunciaron al día siguiente que un restaurador había limpiado la escritura en menos de dos horas sin dañar la pintura, la cual pudo volver a exponerse durante esa misma mañana.", "entry": "section", "prompt": "¿Cómo aclara La Libertad guiando al pueblo su Vandalismo?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Museo Louvre-Lens"]} +{"id": 147, "title": "La Libertad guiando al pueblo", "en_title": "Liberty Leading the People", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "reference": "En 2012, el cuadro se trasladó al nuevo Museo Louvre-Lens de Lens , como avanzadilla del primer tramo de pinturas de la colección del Louvre que será reinstalada. El 7 de febrero de 2013, el cuadro fue vandalizado por un visitante. Una mujer no identificada de 28 años escribió supuestamente la inscripción Architects & Engineers for 9/11 Truth sobre la pintura. mujer fue arrestada inmediatamente por un vigilante de seguridad y un visitante. Poco tiempo después, la dirección del Louvre y su sucursal de Pas-de-Calais publicaron un comunicado de prensa, indicando que «a primera vista, la inscripción es superficial y puede eliminarse fácilmente». Los funcionarios del Louvre anunciaron al día siguiente que un restaurador había limpiado la escritura en menos de dos horas sin dañar la pintura, la cual pudo volver a exponerse durante esa misma mañana.", "entry": "section", "prompt": "En La Libertad guiando al pueblo, ¿Cómo se discute la Vandalismo?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Museo Louvre-Lens"]} +{"id": 148, "title": "La Libertad guiando al pueblo", "en_title": "Liberty Leading the People", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "reference": "El personaje del sombrero es un burgués, en el que se autorretrata Delacroix a pesar de que no participó en los hechos. En una carta fechada el 18 de octubre de 1830 escribió a su hermano: \"He comenzado un cuadro de tema moderno, una barricada... y, si no he luchado por la patria, por lo menos pintaré para ella\". Aunque, como era habitual en los románticos, Delacroix criticaba a la pequeña burguesía por su estrechez de miras, él mismo procedía de una familia de la alta burguesía y frecuentaba los salones y los ambientes de las altas esferas burguesas. Por otra parte, así como fue revolucionario en 1830, adoptó una postura contrarrevolucionaria en 1848, en la que comienza a emerger la clase obrera . En cualquier caso como ocurrió con David, fue un autor políticamente comprometido. figura de la Libertad porta dos símbolos revolucionarios: el gorro frigio y la bandera tricolor, que el nuevo régimen -a pesar de ser monárquico- adoptó nuevamente. En segundo plano, a la derecha del espectador, encontramos Notre-Dame de París, en una de cuyas torres ondea la bandera revolucionaria, quizás para afirmar el sometimiento de la iglesia, que había sido uno de los apoyos de la restauración borbónica. Esta figura se ha convertido en una de las primeras representaciones de la Marianne francesa más famosas.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de La Libertad guiando al pueblo, explora la Personajes y Tema.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Libertad", "Marianne", "París"]} +{"id": 149, "title": "La Libertad guiando al pueblo", "en_title": "Liberty Leading the People", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "reference": "El personaje del sombrero es un burgués, en el que se autorretrata Delacroix a pesar de que no participó en los hechos. En una carta fechada el 18 de octubre de 1830 escribió a su hermano: \"He comenzado un cuadro de tema moderno, una barricada... y, si no he luchado por la patria, por lo menos pintaré para ella\". Aunque, como era habitual en los románticos, Delacroix criticaba a la pequeña burguesía por su estrechez de miras, él mismo procedía de una familia de la alta burguesía y frecuentaba los salones y los ambientes de las altas esferas burguesas. Por otra parte, así como fue revolucionario en 1830, adoptó una postura contrarrevolucionaria en 1848, en la que comienza a emerger la clase obrera . En cualquier caso como ocurrió con David, fue un autor políticamente comprometido. figura de la Libertad porta dos símbolos revolucionarios: el gorro frigio y la bandera tricolor, que el nuevo régimen -a pesar de ser monárquico- adoptó nuevamente. En segundo plano, a la derecha del espectador, encontramos Notre-Dame de París, en una de cuyas torres ondea la bandera revolucionaria, quizás para afirmar el sometimiento de la iglesia, que había sido uno de los apoyos de la restauración borbónica. Esta figura se ha convertido en una de las primeras representaciones de la Marianne francesa más famosas.", "entry": "subsection", "prompt": "Explora la Personajes sobre la Tema de esta obra de arte, La Libertad guiando al pueblo.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Libertad", "Marianne", "París"]} +{"id": 150, "title": "La Libertad guiando al pueblo", "en_title": "Liberty Leading the People", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "reference": "El personaje del sombrero es un burgués, en el que se autorretrata Delacroix a pesar de que no participó en los hechos. En una carta fechada el 18 de octubre de 1830 escribió a su hermano: \"He comenzado un cuadro de tema moderno, una barricada... y, si no he luchado por la patria, por lo menos pintaré para ella\". Aunque, como era habitual en los románticos, Delacroix criticaba a la pequeña burguesía por su estrechez de miras, él mismo procedía de una familia de la alta burguesía y frecuentaba los salones y los ambientes de las altas esferas burguesas. Por otra parte, así como fue revolucionario en 1830, adoptó una postura contrarrevolucionaria en 1848, en la que comienza a emerger la clase obrera . En cualquier caso como ocurrió con David, fue un autor políticamente comprometido. figura de la Libertad porta dos símbolos revolucionarios: el gorro frigio y la bandera tricolor, que el nuevo régimen -a pesar de ser monárquico- adoptó nuevamente. En segundo plano, a la derecha del espectador, encontramos Notre-Dame de París, en una de cuyas torres ondea la bandera revolucionaria, quizás para afirmar el sometimiento de la iglesia, que había sido uno de los apoyos de la restauración borbónica. Esta figura se ha convertido en una de las primeras representaciones de la Marianne francesa más famosas.", "entry": "subsection", "prompt": "En La Libertad guiando al pueblo, ¿Cómo se aclara la Personajes de la Tema?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Libertad", "Marianne", "París"]} +{"id": 151, "title": "La Libertad guiando al pueblo", "en_title": "Liberty Leading the People", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "reference": "El personaje del sombrero es un burgués, en el que se autorretrata Delacroix a pesar de que no participó en los hechos. En una carta fechada el 18 de octubre de 1830 escribió a su hermano: \"He comenzado un cuadro de tema moderno, una barricada... y, si no he luchado por la patria, por lo menos pintaré para ella\". Aunque, como era habitual en los románticos, Delacroix criticaba a la pequeña burguesía por su estrechez de miras, él mismo procedía de una familia de la alta burguesía y frecuentaba los salones y los ambientes de las altas esferas burguesas. Por otra parte, así como fue revolucionario en 1830, adoptó una postura contrarrevolucionaria en 1848, en la que comienza a emerger la clase obrera . En cualquier caso como ocurrió con David, fue un autor políticamente comprometido. figura de la Libertad porta dos símbolos revolucionarios: el gorro frigio y la bandera tricolor, que el nuevo régimen -a pesar de ser monárquico- adoptó nuevamente. En segundo plano, a la derecha del espectador, encontramos Notre-Dame de París, en una de cuyas torres ondea la bandera revolucionaria, quizás para afirmar el sometimiento de la iglesia, que había sido uno de los apoyos de la restauración borbónica. Esta figura se ha convertido en una de las primeras representaciones de la Marianne francesa más famosas.", "entry": "subsection", "prompt": "Describe las características de la Personajes en la Tema de La Libertad guiando al pueblo.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Libertad", "Marianne", "París"]} +{"id": 152, "title": "La Libertad guiando al pueblo", "en_title": "Liberty Leading the People", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "reference": "composición del cuadro es claramente piramidal, presentando muchas coincidencias con Balsa de Medusa de Géricault, obra en la que tal vez se inspira. Delacroix ha señalado que al igual que en la balsa, «el plano de apoyo es inestable, construido con vigas inestables , y de esta inestabilidad nace y se desarrolla in crescendo el movimiento de la composición» que acaba culminando en una persona que agita algo, en el caso de la balsa un harapo y en este una bandera. Los dos muertos en primer término también guardan un cierto paralelismo con los cuerpos sin vida en primer plano de la obra de Géricault. Incluso, las piernas alzadas del difunto de la izquierda parecen inspirarse en las del muerto del lado opuesto de Balsa. No obstante, este mismo autor señala que aunque hay similitudes, también hay diferencias, y así en mientras que en la obra de Géricault el movimiento es de delante hacia atrás, en la Libertad es todo lo contrario . Cuadros de Goya como carga de los mamelucos o Los fusilamientos del 3 de mayo, parecen también haber influido en esta obra, por las asimetrías, las diagonales y los estallidos de color. Características formales Forma abierta. sensación de perspectiva está presente en la obra gracias a los edificios del fondo y a la multitud, que se va alejando y reduciendo en tamaño al fondo del lienzo. línea del horizonte es algo inestable, sería la línea imaginaria entre las cabezas de la multitud al fondo del cuadro, que se difuminan con el humo y los edificios del fondo del lienzo. Los tres elementos forman una línea recta imaginaria que forma un eje central. s figuras principales se enmarcan dentro de una pirámide que asciende en el vértice de la cual el eje central es la Libertad y los dos muertos en primer término cierran el triángulo. luz del cuadro es irreal, ilumina la Libertad con la bandera tricolor, una parte del cuerpo del niño que hay a su lado, al moribundo de la chaqueta azul, al muerto del margen inferior izquierdo y las manos y media del hombre del sombrero de copa. En este caso la luz y el color tienen un objetivo en común: potenciar el movimiento. s pinceladas muestran una gran desenvoltura y ondulación. El rojo y el azul de la bandera, de la vestimenta del herido que se alza delante de la Libertad, y de la camisa del muerto de la izquierda resaltan por encima de todo el predominio de las tonalidades ocres y grises del conjunto.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de La Libertad guiando al pueblo, explora la Composición y Tema.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Libertad"]} +{"id": 153, "title": "La Libertad guiando al pueblo", "en_title": "Liberty Leading the People", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "reference": "composición del cuadro es claramente piramidal, presentando muchas coincidencias con Balsa de Medusa de Géricault, obra en la que tal vez se inspira. Delacroix ha señalado que al igual que en la balsa, «el plano de apoyo es inestable, construido con vigas inestables , y de esta inestabilidad nace y se desarrolla in crescendo el movimiento de la composición» que acaba culminando en una persona que agita algo, en el caso de la balsa un harapo y en este una bandera. Los dos muertos en primer término también guardan un cierto paralelismo con los cuerpos sin vida en primer plano de la obra de Géricault. Incluso, las piernas alzadas del difunto de la izquierda parecen inspirarse en las del muerto del lado opuesto de Balsa. No obstante, este mismo autor señala que aunque hay similitudes, también hay diferencias, y así en mientras que en la obra de Géricault el movimiento es de delante hacia atrás, en la Libertad es todo lo contrario . Cuadros de Goya como carga de los mamelucos o Los fusilamientos del 3 de mayo, parecen también haber influido en esta obra, por las asimetrías, las diagonales y los estallidos de color. Características formales Forma abierta. sensación de perspectiva está presente en la obra gracias a los edificios del fondo y a la multitud, que se va alejando y reduciendo en tamaño al fondo del lienzo. línea del horizonte es algo inestable, sería la línea imaginaria entre las cabezas de la multitud al fondo del cuadro, que se difuminan con el humo y los edificios del fondo del lienzo. Los tres elementos forman una línea recta imaginaria que forma un eje central. s figuras principales se enmarcan dentro de una pirámide que asciende en el vértice de la cual el eje central es la Libertad y los dos muertos en primer término cierran el triángulo. luz del cuadro es irreal, ilumina la Libertad con la bandera tricolor, una parte del cuerpo del niño que hay a su lado, al moribundo de la chaqueta azul, al muerto del margen inferior izquierdo y las manos y media del hombre del sombrero de copa. 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Delacroix ha señalado que al igual que en la balsa, «el plano de apoyo es inestable, construido con vigas inestables , y de esta inestabilidad nace y se desarrolla in crescendo el movimiento de la composición» que acaba culminando en una persona que agita algo, en el caso de la balsa un harapo y en este una bandera. Los dos muertos en primer término también guardan un cierto paralelismo con los cuerpos sin vida en primer plano de la obra de Géricault. Incluso, las piernas alzadas del difunto de la izquierda parecen inspirarse en las del muerto del lado opuesto de Balsa. No obstante, este mismo autor señala que aunque hay similitudes, también hay diferencias, y así en mientras que en la obra de Géricault el movimiento es de delante hacia atrás, en la Libertad es todo lo contrario . Cuadros de Goya como carga de los mamelucos o Los fusilamientos del 3 de mayo, parecen también haber influido en esta obra, por las asimetrías, las diagonales y los estallidos de color. Características formales Forma abierta. sensación de perspectiva está presente en la obra gracias a los edificios del fondo y a la multitud, que se va alejando y reduciendo en tamaño al fondo del lienzo. línea del horizonte es algo inestable, sería la línea imaginaria entre las cabezas de la multitud al fondo del cuadro, que se difuminan con el humo y los edificios del fondo del lienzo. Los tres elementos forman una línea recta imaginaria que forma un eje central. s figuras principales se enmarcan dentro de una pirámide que asciende en el vértice de la cual el eje central es la Libertad y los dos muertos en primer término cierran el triángulo. luz del cuadro es irreal, ilumina la Libertad con la bandera tricolor, una parte del cuerpo del niño que hay a su lado, al moribundo de la chaqueta azul, al muerto del margen inferior izquierdo y las manos y media del hombre del sombrero de copa. En este caso la luz y el color tienen un objetivo en común: potenciar el movimiento. s pinceladas muestran una gran desenvoltura y ondulación. El rojo y el azul de la bandera, de la vestimenta del herido que se alza delante de la Libertad, y de la camisa del muerto de la izquierda resaltan por encima de todo el predominio de las tonalidades ocres y grises del conjunto.", "entry": "subsection", "prompt": "En La Libertad guiando al pueblo, ¿Cómo se aclara la Composición de la Tema?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Libertad"]} +{"id": 155, "title": "La Libertad guiando al pueblo", "en_title": "Liberty Leading the People", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "reference": "composición del cuadro es claramente piramidal, presentando muchas coincidencias con Balsa de Medusa de Géricault, obra en la que tal vez se inspira. Delacroix ha señalado que al igual que en la balsa, «el plano de apoyo es inestable, construido con vigas inestables , y de esta inestabilidad nace y se desarrolla in crescendo el movimiento de la composición» que acaba culminando en una persona que agita algo, en el caso de la balsa un harapo y en este una bandera. Los dos muertos en primer término también guardan un cierto paralelismo con los cuerpos sin vida en primer plano de la obra de Géricault. Incluso, las piernas alzadas del difunto de la izquierda parecen inspirarse en las del muerto del lado opuesto de Balsa. No obstante, este mismo autor señala que aunque hay similitudes, también hay diferencias, y así en mientras que en la obra de Géricault el movimiento es de delante hacia atrás, en la Libertad es todo lo contrario . Cuadros de Goya como carga de los mamelucos o Los fusilamientos del 3 de mayo, parecen también haber influido en esta obra, por las asimetrías, las diagonales y los estallidos de color. Características formales Forma abierta. sensación de perspectiva está presente en la obra gracias a los edificios del fondo y a la multitud, que se va alejando y reduciendo en tamaño al fondo del lienzo. línea del horizonte es algo inestable, sería la línea imaginaria entre las cabezas de la multitud al fondo del cuadro, que se difuminan con el humo y los edificios del fondo del lienzo. Los tres elementos forman una línea recta imaginaria que forma un eje central. s figuras principales se enmarcan dentro de una pirámide que asciende en el vértice de la cual el eje central es la Libertad y los dos muertos en primer término cierran el triángulo. luz del cuadro es irreal, ilumina la Libertad con la bandera tricolor, una parte del cuerpo del niño que hay a su lado, al moribundo de la chaqueta azul, al muerto del margen inferior izquierdo y las manos y media del hombre del sombrero de copa. En este caso la luz y el color tienen un objetivo en común: potenciar el movimiento. s pinceladas muestran una gran desenvoltura y ondulación. El rojo y el azul de la bandera, de la vestimenta del herido que se alza delante de la Libertad, y de la camisa del muerto de la izquierda resaltan por encima de todo el predominio de las tonalidades ocres y grises del conjunto.", "entry": "subsection", "prompt": "Describe las características de la Composición en la Tema de La Libertad guiando al pueblo.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Libertad"]} +{"id": 156, "title": "La Libertad guiando al pueblo", "en_title": "Liberty Leading the People", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "reference": "Junto a la figura alegórica de la Libertad, se dan otros detalles tremendamente realistas como puede ser el pubis desnudo de la persona muerta que hay en primer plano, abajo a la izquierda . Es un cuadro alegórico o histórico. No parece que sea ninguna de las dos cosas, por cuanto que lo único alegórico es la figura de la mujer-libertad-patria y tampoco representa un hecho concreto real. Théophile Thoré elogió la obra y refiriéndose a la mujer dijo: «¿Es una muchacha del pueblo? ¿Es el genio de la libertad? Es ambas cosas [...] verdadera alegoría debe tener el doble carácter de ser una figura viviente y un símbolo». obra está impregnada de movimiento no solo por los gestos dramáticos de los personajes, y por la composición en diagonales, sino porque los del primer plano avanzan sobre la quietud de los muertos que se encuentran en la base de la composición y todas las formas muestran ondulaciones que ponen de manifiesto la admiración del autor por Rubens. Por otra parte la luz lo refuerza, pues es una luz dramática y compleja, con zonas iluminadas y otras en penumbra, pero cuyo origen no se vislumbra. s figuras del primer plano aparecen iluminadas por un foco lateral, pero a su vez se recortan a contraluz sobre un fondo encendido, humeante y nuboso, que dota de más inquietud a la composición. No obstante, ese tenebrismo aludido no da como resultado figuras homogéneas en tonos de bronce –como en Caravaggio–, pues incorpora con gran maestría más fuerza y variedad cromática, como por ejemplo el azul de la bandera o de la camisa del personaje que postrado mira fijo a la Libertad. Lo que pone de manifiesto que Delacroix domina también el color, del que fue un fino estudioso. perfecta combinación de tema, movimiento, luz y color, junto a una pincelada suelta que en los planos posteriores recuerdan a Goya, determinan que nos encontramos ante una obra y un autor de una tremenda trascendencia en la pintura contemporánea. Por otra parte su maestría en ordenar grandes composiciones como muerte de Sardanápalo o la de esta obra, es también evidente. Delacroix, que tuvo una formación neoclásica, reaccionó contra el academicismo y llegó a convertirse en el culminador del romanticismo del que su amigo Géricault tempranamente muerto- fue iniciador. Con Delacroix se produce una ruptura con la herencia clásica a consecuencia de la cual, y como dice Argan, “el arte deja de mirar hacia lo antiguo y empieza a plantearse el ser, a toda costa, de su propio tiempo”.Este cuadro sirvió como portada del disco Viva la Vida or Death and All His Friends, de la banda británica Coldplay.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de La Libertad guiando al pueblo, explora la Otroaspecto y Tema.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Caravaggio", "Coldplay", "Libertad", "Viva la Vida or Death and All His Friends"]} +{"id": 157, "title": "La Libertad guiando al pueblo", "en_title": "Liberty Leading the People", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "reference": "Junto a la figura alegórica de la Libertad, se dan otros detalles tremendamente realistas como puede ser el pubis desnudo de la persona muerta que hay en primer plano, abajo a la izquierda . Es un cuadro alegórico o histórico. No parece que sea ninguna de las dos cosas, por cuanto que lo único alegórico es la figura de la mujer-libertad-patria y tampoco representa un hecho concreto real. Théophile Thoré elogió la obra y refiriéndose a la mujer dijo: «¿Es una muchacha del pueblo? ¿Es el genio de la libertad? Es ambas cosas [...] verdadera alegoría debe tener el doble carácter de ser una figura viviente y un símbolo». obra está impregnada de movimiento no solo por los gestos dramáticos de los personajes, y por la composición en diagonales, sino porque los del primer plano avanzan sobre la quietud de los muertos que se encuentran en la base de la composición y todas las formas muestran ondulaciones que ponen de manifiesto la admiración del autor por Rubens. Por otra parte la luz lo refuerza, pues es una luz dramática y compleja, con zonas iluminadas y otras en penumbra, pero cuyo origen no se vislumbra. s figuras del primer plano aparecen iluminadas por un foco lateral, pero a su vez se recortan a contraluz sobre un fondo encendido, humeante y nuboso, que dota de más inquietud a la composición. No obstante, ese tenebrismo aludido no da como resultado figuras homogéneas en tonos de bronce –como en Caravaggio–, pues incorpora con gran maestría más fuerza y variedad cromática, como por ejemplo el azul de la bandera o de la camisa del personaje que postrado mira fijo a la Libertad. Lo que pone de manifiesto que Delacroix domina también el color, del que fue un fino estudioso. perfecta combinación de tema, movimiento, luz y color, junto a una pincelada suelta que en los planos posteriores recuerdan a Goya, determinan que nos encontramos ante una obra y un autor de una tremenda trascendencia en la pintura contemporánea. Por otra parte su maestría en ordenar grandes composiciones como muerte de Sardanápalo o la de esta obra, es también evidente. Delacroix, que tuvo una formación neoclásica, reaccionó contra el academicismo y llegó a convertirse en el culminador del romanticismo del que su amigo Géricault tempranamente muerto- fue iniciador. Con Delacroix se produce una ruptura con la herencia clásica a consecuencia de la cual, y como dice Argan, “el arte deja de mirar hacia lo antiguo y empieza a plantearse el ser, a toda costa, de su propio tiempo”.Este cuadro sirvió como portada del disco Viva la Vida or Death and All His Friends, de la banda británica Coldplay.", "entry": "subsection", "prompt": "Explora la Otroaspecto sobre la Tema de esta obra de arte, La Libertad guiando al pueblo.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Caravaggio", "Coldplay", "Libertad", "Viva la Vida or Death and All His Friends"]} +{"id": 158, "title": "La Libertad guiando al pueblo", "en_title": "Liberty Leading the People", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "reference": "Junto a la figura alegórica de la Libertad, se dan otros detalles tremendamente realistas como puede ser el pubis desnudo de la persona muerta que hay en primer plano, abajo a la izquierda . Es un cuadro alegórico o histórico. No parece que sea ninguna de las dos cosas, por cuanto que lo único alegórico es la figura de la mujer-libertad-patria y tampoco representa un hecho concreto real. Théophile Thoré elogió la obra y refiriéndose a la mujer dijo: «¿Es una muchacha del pueblo? ¿Es el genio de la libertad? Es ambas cosas [...] verdadera alegoría debe tener el doble carácter de ser una figura viviente y un símbolo». obra está impregnada de movimiento no solo por los gestos dramáticos de los personajes, y por la composición en diagonales, sino porque los del primer plano avanzan sobre la quietud de los muertos que se encuentran en la base de la composición y todas las formas muestran ondulaciones que ponen de manifiesto la admiración del autor por Rubens. Por otra parte la luz lo refuerza, pues es una luz dramática y compleja, con zonas iluminadas y otras en penumbra, pero cuyo origen no se vislumbra. s figuras del primer plano aparecen iluminadas por un foco lateral, pero a su vez se recortan a contraluz sobre un fondo encendido, humeante y nuboso, que dota de más inquietud a la composición. No obstante, ese tenebrismo aludido no da como resultado figuras homogéneas en tonos de bronce –como en Caravaggio–, pues incorpora con gran maestría más fuerza y variedad cromática, como por ejemplo el azul de la bandera o de la camisa del personaje que postrado mira fijo a la Libertad. Lo que pone de manifiesto que Delacroix domina también el color, del que fue un fino estudioso. perfecta combinación de tema, movimiento, luz y color, junto a una pincelada suelta que en los planos posteriores recuerdan a Goya, determinan que nos encontramos ante una obra y un autor de una tremenda trascendencia en la pintura contemporánea. Por otra parte su maestría en ordenar grandes composiciones como muerte de Sardanápalo o la de esta obra, es también evidente. Delacroix, que tuvo una formación neoclásica, reaccionó contra el academicismo y llegó a convertirse en el culminador del romanticismo del que su amigo Géricault tempranamente muerto- fue iniciador. Con Delacroix se produce una ruptura con la herencia clásica a consecuencia de la cual, y como dice Argan, “el arte deja de mirar hacia lo antiguo y empieza a plantearse el ser, a toda costa, de su propio tiempo”.Este cuadro sirvió como portada del disco Viva la Vida or Death and All His Friends, de la banda británica Coldplay.", "entry": "subsection", "prompt": "En La Libertad guiando al pueblo, ¿Cómo se aclara la Otroaspecto de la Tema?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Caravaggio", "Coldplay", "Libertad", "Viva la Vida or Death and All His Friends"]} +{"id": 159, "title": "La Libertad guiando al pueblo", "en_title": "Liberty Leading the People", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg/300px-La_Libert%C3%A9_guidant_le_peuple_-_Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Mus%C3%A9e_du_Louvre_Peintures_RF_129_-_apr%C3%A8s_restauration_2024.jpg", "reference": "Junto a la figura alegórica de la Libertad, se dan otros detalles tremendamente realistas como puede ser el pubis desnudo de la persona muerta que hay en primer plano, abajo a la izquierda . 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Por otra parte la luz lo refuerza, pues es una luz dramática y compleja, con zonas iluminadas y otras en penumbra, pero cuyo origen no se vislumbra. s figuras del primer plano aparecen iluminadas por un foco lateral, pero a su vez se recortan a contraluz sobre un fondo encendido, humeante y nuboso, que dota de más inquietud a la composición. No obstante, ese tenebrismo aludido no da como resultado figuras homogéneas en tonos de bronce –como en Caravaggio–, pues incorpora con gran maestría más fuerza y variedad cromática, como por ejemplo el azul de la bandera o de la camisa del personaje que postrado mira fijo a la Libertad. Lo que pone de manifiesto que Delacroix domina también el color, del que fue un fino estudioso. perfecta combinación de tema, movimiento, luz y color, junto a una pincelada suelta que en los planos posteriores recuerdan a Goya, determinan que nos encontramos ante una obra y un autor de una tremenda trascendencia en la pintura contemporánea. Por otra parte su maestría en ordenar grandes composiciones como muerte de Sardanápalo o la de esta obra, es también evidente. Delacroix, que tuvo una formación neoclásica, reaccionó contra el academicismo y llegó a convertirse en el culminador del romanticismo del que su amigo Géricault tempranamente muerto- fue iniciador. Con Delacroix se produce una ruptura con la herencia clásica a consecuencia de la cual, y como dice Argan, “el arte deja de mirar hacia lo antiguo y empieza a plantearse el ser, a toda costa, de su propio tiempo”.Este cuadro sirvió como portada del disco Viva la Vida or Death and All His Friends, de la banda británica Coldplay.", "entry": "subsection", "prompt": "Describe las características de la Otroaspecto en la Tema de La Libertad guiando al pueblo.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Caravaggio", "Coldplay", "Libertad", "Viva la Vida or Death and All His Friends"]} +{"id": 160, "title": "Laocoonte y sus hijos", "en_title": "Laocoön and His Sons", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a6/Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg/270px-Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a6/Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg/270px-Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg", "reference": "estilo = material = Mármol dimensiones = 2,42 m de altura localización = Museo Pío-Clementino, Ciudad del Vaticano}}ocoonte y sus hijos es un grupo escultórico griego de datación controvertida, aunque suele considerarse una obra original de principios de la era cristiana. Es muy probable que la estatua sea la misma que fue elogiada en los más altos términos por Plinio el Viejo, el principal escritor romano sobre arte. obra es de un tamaño algo mayor que el natural, de 2,42 m de altura y está ejecutada en mármol blanco. Se encuentra en el Museo Pío-Clementino perteneciente a los Museos Vaticanos de Roma, y junto al Torso del Belvedere es el único original griego del antiquarium. A diferencia de la agonía a menudo representada en el arte cristiano que representa la Pasión de Jesús y los mártires, el sufrimiento que se muestra en esta estatua no ofrece ningún poder redentor ni recompensa. Estas expresiones se reflejan en los cuerpos que luchan desesperadamente, especialmente el de ocoonte, en el que cada parte de su cuerpo se muestra en tensión. pero no menciona la fecha ni el mecenas. En cuanto a estilo, se la considera «uno de los mejores ejemplos del barroco helenístico» y sin duda inscrita en la tradición griega. Sin embargo, su origen es incierto, ya que no se sabe si es una obra original o una copia de una escultura de bronce anterior. Algunos creen que es una copia de una obra de principios del periodo imperial, mientras que otros piensan que es una obra original de un periodo posterior, continuadora del estilo pergamino de unos dos siglos antes. En cualquier caso, probablemente fue encargada para la casa de un romano rico, posiblemente de la familia imperial. s fechas sugeridas para la estatua oscilan entre el 200a. C. y la década de 70d. C., siendo actualmente la fecha Julio-Claudiana la preferida.A pesar de encontrarse en un estado excelente en general para tratarse de una escultura excavada, al grupo le faltan varias partes y ha sufrido varias modificaciones y restauraciones antiguas desde su excavación.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Laocoonte y sus hijos y explora la Resumen.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Museos Vaticanos", "Museos Vaticanos", "Plinio el Viejo", "Roma", "Torso del Belvedere"]} +{"id": 161, "title": "Laocoonte y sus hijos", "en_title": "Laocoön and His Sons", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a6/Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg/270px-Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a6/Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg/270px-Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg", "reference": "estilo = material = Mármol dimensiones = 2,42 m de altura localización = Museo Pío-Clementino, Ciudad del Vaticano}}ocoonte y sus hijos es un grupo escultórico griego de datación controvertida, aunque suele considerarse una obra original de principios de la era cristiana. Es muy probable que la estatua sea la misma que fue elogiada en los más altos términos por Plinio el Viejo, el principal escritor romano sobre arte. obra es de un tamaño algo mayor que el natural, de 2,42 m de altura y está ejecutada en mármol blanco. Se encuentra en el Museo Pío-Clementino perteneciente a los Museos Vaticanos de Roma, y junto al Torso del Belvedere es el único original griego del antiquarium. A diferencia de la agonía a menudo representada en el arte cristiano que representa la Pasión de Jesús y los mártires, el sufrimiento que se muestra en esta estatua no ofrece ningún poder redentor ni recompensa. Estas expresiones se reflejan en los cuerpos que luchan desesperadamente, especialmente el de ocoonte, en el que cada parte de su cuerpo se muestra en tensión. pero no menciona la fecha ni el mecenas. En cuanto a estilo, se la considera «uno de los mejores ejemplos del barroco helenístico» y sin duda inscrita en la tradición griega. Sin embargo, su origen es incierto, ya que no se sabe si es una obra original o una copia de una escultura de bronce anterior. Algunos creen que es una copia de una obra de principios del periodo imperial, mientras que otros piensan que es una obra original de un periodo posterior, continuadora del estilo pergamino de unos dos siglos antes. 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Es muy probable que la estatua sea la misma que fue elogiada en los más altos términos por Plinio el Viejo, el principal escritor romano sobre arte. obra es de un tamaño algo mayor que el natural, de 2,42 m de altura y está ejecutada en mármol blanco. Se encuentra en el Museo Pío-Clementino perteneciente a los Museos Vaticanos de Roma, y junto al Torso del Belvedere es el único original griego del antiquarium. A diferencia de la agonía a menudo representada en el arte cristiano que representa la Pasión de Jesús y los mártires, el sufrimiento que se muestra en esta estatua no ofrece ningún poder redentor ni recompensa. Estas expresiones se reflejan en los cuerpos que luchan desesperadamente, especialmente el de ocoonte, en el que cada parte de su cuerpo se muestra en tensión. pero no menciona la fecha ni el mecenas. En cuanto a estilo, se la considera «uno de los mejores ejemplos del barroco helenístico» y sin duda inscrita en la tradición griega. 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Es muy probable que la estatua sea la misma que fue elogiada en los más altos términos por Plinio el Viejo, el principal escritor romano sobre arte. obra es de un tamaño algo mayor que el natural, de 2,42 m de altura y está ejecutada en mármol blanco. Se encuentra en el Museo Pío-Clementino perteneciente a los Museos Vaticanos de Roma, y junto al Torso del Belvedere es el único original griego del antiquarium. A diferencia de la agonía a menudo representada en el arte cristiano que representa la Pasión de Jesús y los mártires, el sufrimiento que se muestra en esta estatua no ofrece ningún poder redentor ni recompensa. Estas expresiones se reflejan en los cuerpos que luchan desesperadamente, especialmente el de ocoonte, en el que cada parte de su cuerpo se muestra en tensión. pero no menciona la fecha ni el mecenas. En cuanto a estilo, se la considera «uno de los mejores ejemplos del barroco helenístico» y sin duda inscrita en la tradición griega. Sin embargo, su origen es incierto, ya que no se sabe si es una obra original o una copia de una escultura de bronce anterior. Algunos creen que es una copia de una obra de principios del periodo imperial, mientras que otros piensan que es una obra original de un periodo posterior, continuadora del estilo pergamino de unos dos siglos antes. En cualquier caso, probablemente fue encargada para la casa de un romano rico, posiblemente de la familia imperial. s fechas sugeridas para la estatua oscilan entre el 200a. C. y la década de 70d. C., siendo actualmente la fecha Julio-Claudiana la preferida.A pesar de encontrarse en un estado excelente en general para tratarse de una escultura excavada, al grupo le faltan varias partes y ha sufrido varias modificaciones y restauraciones antiguas desde su excavación.", "entry": "section", "prompt": "En Laocoonte y sus hijos, ¿Cómo se discute la Resumen?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Museos Vaticanos", "Museos Vaticanos", "Plinio el Viejo", "Roma", "Torso del Belvedere"]} +{"id": 164, "title": "Laocoonte y sus hijos", "en_title": "Laocoön and His Sons", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a6/Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg/270px-Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a6/Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg/270px-Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg", "reference": "datación de la obra es controvertida: en principio se fechaba en el porque se conservaban firmas pertenecientes a ese siglo de un escultor de Rodas llamado Atenodoro, hijo de Agesandro. Pero en 1954, Gisela M. A. Richter señaló que los nombres de Atenodoro y Agesandro fueron muy corrientes en Rodas durante varias generaciones, y además apreciaba una gran similitud de la obra con un friso que representa la lucha entre dioses y gigantes del altar de Zeus de Pérgamo. Concretamente, la expresión y las características del rostro de ocoonte son muy similares al gigante que Atenea agarra por el pelo, así como las serpientes tienen equivalentes en el mencionado altar. Por ello lo dató en el mismo periodo que éste, en el Sin embargo, también se aprecian claras diferencias con la escultura de Pérgamo: un rostro de ocoonte más vibrante que el de los gigantes de Pérgamo, diferencias en la técnica del modelado de la cabellera y un papel poco importante de las ropas del grupo del oconte en comparación con el grupo de Pérgamo.Además, se ha demostrado que, a pesar de que la mayor parte de la escultura se hizo con mármol de Rodas, uno de los bloques usados es mármol de Luni, de origen italiano; este hecho no concuerda con lo descrito por Plinio, que sólo distinguió un bloque de mármol, ni con el hecho de que este mármol no se explotó antes de la época de Augusto. Sin embargo, Tazartes señala que el grupo está hecho con mármol de Frigia. o de los siglosII-I a. C., En aquel año se encontraron varios fragmentos de otros cinco grupos escultóricos en la llamada gruta de Tiberio, en Sperlonga, en la costa sur del cio. Los grupos representan también temas homéricos y fueron llevados a la cueva bien por ricos ciudadanos romanos para evitar su destrucción, posiblemente a manos de los primeros cristianos, Uno de los grupos, que representa el tema de Ulises cegando a Polifemo lleva la firma de los tres escultores rodios mencionados por Plinio,", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Laocoonte y sus hijos y explora la Datación.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Atenea", "Frigia", "Gisela M. A. 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Concretamente, la expresión y las características del rostro de ocoonte son muy similares al gigante que Atenea agarra por el pelo, así como las serpientes tienen equivalentes en el mencionado altar. Por ello lo dató en el mismo periodo que éste, en el Sin embargo, también se aprecian claras diferencias con la escultura de Pérgamo: un rostro de ocoonte más vibrante que el de los gigantes de Pérgamo, diferencias en la técnica del modelado de la cabellera y un papel poco importante de las ropas del grupo del oconte en comparación con el grupo de Pérgamo.Además, se ha demostrado que, a pesar de que la mayor parte de la escultura se hizo con mármol de Rodas, uno de los bloques usados es mármol de Luni, de origen italiano; este hecho no concuerda con lo descrito por Plinio, que sólo distinguió un bloque de mármol, ni con el hecho de que este mármol no se explotó antes de la época de Augusto. 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Sin embargo, las diferentes versiones del mito llegan a contar que sólo murió uno de los hijos, o que el mismo ocoonte llegó a salvarse. También discrepan respecto a si el episodio se produjo en el altar de Poseidón o de Apolo.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Laocoonte y sus hijos y explora la Mitología.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Apolo", "Atenea", "Caballo de Troya", "Calidnes", "Casandra", "Eneida", "Iliupersis", "Odiseo", "Poseidón", "Príamo", "Sinón", "Troya", "Ténedos", "Virgilio"]} +{"id": 169, "title": "Laocoonte y sus hijos", "en_title": "Laocoön and His Sons", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a6/Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg/270px-Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a6/Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg/270px-Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg", "reference": "En los mitos griegos se relata que, durante el asedio de Troya, dos serpientes fueron enviadas por Apolo, Poseidón, y atacaron a ocoonte, sacerdote troyano de Apolo, y a sus dos hijos. s versiones que relatan este episodio son numerosas y se discute si el grupo escultórico debió haberse basado en el relato de Virgilio en la Eneida, en el que morían ocoonte y sus dos hijos, o en una versión anterior narrada en un poema perdido del ciclo troyano, la Iliupersis, donde morían ocoonte y solo uno de los hijos. fuente también pudo haber sido una tragedia perdida.ocoonte era el sacerdote del templo de Apolo Timbreo en Troya y, al igual que Casandra, advirtió a los troyanos que si dejaban entrar en la ciudad al Caballo de Troya caerían en una trampa tendida por los griegos aqueos:ocoonte llegó a arrojar una lanza que se clavó en el caballo de madera, pero cuando los troyanos estaban a punto de destruir el caballo, los soldados troyanos trajeron a Sinón, quien con las mentiras ideadas por Odiseo logró convencer a Príamo de que se trataba de una imagen sagrada de Atenea. ocoonte, para tratar de impedir que entraran el caballo en la ciudad exclamó:Cuando ocoonte se disponía a sacrificar el toro a Poseidón, dos serpientes marinas, llamadas Porces y Caribea, o Curisia, o Peribea, llegaron desde Ténedos y las Calidnes; Príamo pensó que la muerte de ocoonte se trataba de un castigo por haber intentado destruir el caballo, en lugar de por haber faltado al respeto de Apolo. 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Es, junto al gran altar de Zeus y Atenea de Pérgamo , un ejemplo de la escultura escenográfica helenística de un dramatismo más extremado. Desde el Renacimiento, este grupo es representativo del arte antiguo y de la corriente académica y barroca del arte helenístico. expresión de culpabilidad y el gran dramatismo de ocoonte, que hace contorsiones en dolorosa agonía, son estremecedores. Dentro del grupo, las dos serpientes monstruosas, que se enroscan para matar de acuerdo al castigo impuesto por los dioses, forman parte de la composición visual del grupo, y con sus líneas curvas consigue la unión entre todos los personajes, hecho que ayuda a mostrar la dinámica que se desprende del grupo. Hay una voluntad de exagerar el efecto teatral de la anatomía, más acentuado que el altar de Pérgamo, y se añade el dolor moral de ocoonte al presenciar la muerte de sus dos hijos.Autores como Johann Joachim Winckelmann, Johann Wolfgang von Goethe y Gotthold Ephraim Lessing realizaron ensayos sobre el grupo escultórico.Winckelmann, en la primera edición de su Historia del arte en la antigüedad, de 1764, analiza, entre muchas otras obras, el grupo de ocoonte, y señala que la figura del hijo más grande tuvo que ser ejecutada por separado.Describe a ocoonte como un espectáculo de la naturaleza humana sometida al mayor dolor de que es capaz de soportar. Este dolor hincha sus músculos y pone en tensión sus nervios, pero en su frente se ve la serenidad de su espíritu. Su pecho se eleva para tratar de contener el dolor y a través del vientre comprimido se puede ver el movimiento de sus vísceras. Sus hijos lo miran pidiéndole ayuda y él manifiesta su ternura paternal en su mirada tierna de unos ojos que se dirigen hacia el cielo implorando ayuda de los dioses. abertura de su boca tiene un movimiento que expresa ataraxia e indignación por la idea de un castigo inmerecido.Lessing, en su obra de crítica estética de 1766 ocoonte o sobre los límites en la pintura y poesía, explica que \"la escultura y la pintura se hacen con figuras y colores en el espacio\" y \"la poesía con sonidos articulados en el tiempo\".{ align=center!-}Goethe escribió su artículo Sobre ocoonte en 1798, donde pone de manifiesto que los artistas han despojado a ocoonte de su sacerdocio y de sus referencias mitológicas y lo han convertido en un padre normal con dos hijos amenazados por dos animales. Destaca la sensación de movimiento que produce el grupo, que parece cambiar de posición si el espectador abre y cierra los ojos alternativamente.También elogia el momento elegido por los artistas como de interés máximo: cuando uno de los cuerpos está tan aprisionado que se ha quedado indefenso, el segundo es herido y está en condiciones de defenderse y al tercero todavía le queda la esperanza de huir.El padre está representado en una posición en la que reacciona en el mismo instante en que es mordido en la cadera por una de las serpientes: desplaza el cuerpo hacia el lado opuesto, contrae el vientre, hincha el pecho, echa el hombro hacia delante e inclina la cabeza hacia el lado herido. Los pies están inmovilizados y los brazos en posición de lucha, ofreciendo una gran resistencia que sin embargo no parece ser efectiva. Se trata de un hombre fuerte, pero que por su edad no se halla en su plenitud de fuerzas y por tanto no es muy capaz de soportar el dolor.El hijo de menor tamaño, totalmente aprisionado, hace esfuerzos sin éxito para tratar de liberarse y aliviar su mal. El hijo de mayor tamaño apenas está levemente aprisionado por un pie y se horroriza y grita ante los movimientos de su padre. Pero él todavía tiene la oportunidad de liberarse y huir.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Laocoonte y sus hijos y explora la Estudiodelaobra.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Atenea", "Johann Wolfgang von Goethe", "Gotthold Ephraim Lessing", "Johann Joachim Winckelmann", "Johann Wolfgang von Goethe", "Pérgamo", "Renacimiento", "Johann Joachim Winckelmann"]} +{"id": 173, "title": "Laocoonte y sus hijos", "en_title": "Laocoön and His Sons", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a6/Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg/270px-Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a6/Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg/270px-Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg", "reference": "obra está enmarcada dentro de una composición de figura piramidal, y la mejor posición para su observación es la frontal; la obra representa las emociones humanas en su máxima expresión patética. 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Hay una voluntad de exagerar el efecto teatral de la anatomía, más acentuado que el altar de Pérgamo, y se añade el dolor moral de ocoonte al presenciar la muerte de sus dos hijos.Autores como Johann Joachim Winckelmann, Johann Wolfgang von Goethe y Gotthold Ephraim Lessing realizaron ensayos sobre el grupo escultórico.Winckelmann, en la primera edición de su Historia del arte en la antigüedad, de 1764, analiza, entre muchas otras obras, el grupo de ocoonte, y señala que la figura del hijo más grande tuvo que ser ejecutada por separado.Describe a ocoonte como un espectáculo de la naturaleza humana sometida al mayor dolor de que es capaz de soportar. Este dolor hincha sus músculos y pone en tensión sus nervios, pero en su frente se ve la serenidad de su espíritu. Su pecho se eleva para tratar de contener el dolor y a través del vientre comprimido se puede ver el movimiento de sus vísceras. 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Destaca la sensación de movimiento que produce el grupo, que parece cambiar de posición si el espectador abre y cierra los ojos alternativamente.También elogia el momento elegido por los artistas como de interés máximo: cuando uno de los cuerpos está tan aprisionado que se ha quedado indefenso, el segundo es herido y está en condiciones de defenderse y al tercero todavía le queda la esperanza de huir.El padre está representado en una posición en la que reacciona en el mismo instante en que es mordido en la cadera por una de las serpientes: desplaza el cuerpo hacia el lado opuesto, contrae el vientre, hincha el pecho, echa el hombro hacia delante e inclina la cabeza hacia el lado herido. Los pies están inmovilizados y los brazos en posición de lucha, ofreciendo una gran resistencia que sin embargo no parece ser efectiva. Se trata de un hombre fuerte, pero que por su edad no se halla en su plenitud de fuerzas y por tanto no es muy capaz de soportar el dolor.El hijo de menor tamaño, totalmente aprisionado, hace esfuerzos sin éxito para tratar de liberarse y aliviar su mal. El hijo de mayor tamaño apenas está levemente aprisionado por un pie y se horroriza y grita ante los movimientos de su padre. Pero él todavía tiene la oportunidad de liberarse y huir.", "entry": "section", "prompt": "Explora la Estudiodelaobra de esta obra de arte, Laocoonte y sus hijos.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Atenea", "Johann Wolfgang von Goethe", "Gotthold Ephraim Lessing", "Johann Joachim Winckelmann", "Johann Wolfgang von Goethe", "Pérgamo", "Renacimiento", "Johann Joachim Winckelmann"]} +{"id": 174, "title": "Laocoonte y sus hijos", "en_title": "Laocoön and His Sons", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a6/Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg/270px-Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a6/Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg/270px-Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg", "reference": "obra está enmarcada dentro de una composición de figura piramidal, y la mejor posición para su observación es la frontal; la obra representa las emociones humanas en su máxima expresión patética. Es, junto al gran altar de Zeus y Atenea de Pérgamo , un ejemplo de la escultura escenográfica helenística de un dramatismo más extremado. Desde el Renacimiento, este grupo es representativo del arte antiguo y de la corriente académica y barroca del arte helenístico. expresión de culpabilidad y el gran dramatismo de ocoonte, que hace contorsiones en dolorosa agonía, son estremecedores. Dentro del grupo, las dos serpientes monstruosas, que se enroscan para matar de acuerdo al castigo impuesto por los dioses, forman parte de la composición visual del grupo, y con sus líneas curvas consigue la unión entre todos los personajes, hecho que ayuda a mostrar la dinámica que se desprende del grupo. Hay una voluntad de exagerar el efecto teatral de la anatomía, más acentuado que el altar de Pérgamo, y se añade el dolor moral de ocoonte al presenciar la muerte de sus dos hijos.Autores como Johann Joachim Winckelmann, Johann Wolfgang von Goethe y Gotthold Ephraim Lessing realizaron ensayos sobre el grupo escultórico.Winckelmann, en la primera edición de su Historia del arte en la antigüedad, de 1764, analiza, entre muchas otras obras, el grupo de ocoonte, y señala que la figura del hijo más grande tuvo que ser ejecutada por separado.Describe a ocoonte como un espectáculo de la naturaleza humana sometida al mayor dolor de que es capaz de soportar. Este dolor hincha sus músculos y pone en tensión sus nervios, pero en su frente se ve la serenidad de su espíritu. Su pecho se eleva para tratar de contener el dolor y a través del vientre comprimido se puede ver el movimiento de sus vísceras. Sus hijos lo miran pidiéndole ayuda y él manifiesta su ternura paternal en su mirada tierna de unos ojos que se dirigen hacia el cielo implorando ayuda de los dioses. abertura de su boca tiene un movimiento que expresa ataraxia e indignación por la idea de un castigo inmerecido.Lessing, en su obra de crítica estética de 1766 ocoonte o sobre los límites en la pintura y poesía, explica que \"la escultura y la pintura se hacen con figuras y colores en el espacio\" y \"la poesía con sonidos articulados en el tiempo\".{ align=center!-}Goethe escribió su artículo Sobre ocoonte en 1798, donde pone de manifiesto que los artistas han despojado a ocoonte de su sacerdocio y de sus referencias mitológicas y lo han convertido en un padre normal con dos hijos amenazados por dos animales. 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Sus hijos lo miran pidiéndole ayuda y él manifiesta su ternura paternal en su mirada tierna de unos ojos que se dirigen hacia el cielo implorando ayuda de los dioses. abertura de su boca tiene un movimiento que expresa ataraxia e indignación por la idea de un castigo inmerecido.Lessing, en su obra de crítica estética de 1766 ocoonte o sobre los límites en la pintura y poesía, explica que \"la escultura y la pintura se hacen con figuras y colores en el espacio\" y \"la poesía con sonidos articulados en el tiempo\".{ align=center!-}Goethe escribió su artículo Sobre ocoonte en 1798, donde pone de manifiesto que los artistas han despojado a ocoonte de su sacerdocio y de sus referencias mitológicas y lo han convertido en un padre normal con dos hijos amenazados por dos animales. 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Los artistas del Renacimiento se vieron altamente influidos. Así, Miguel Ángel se inspiró en ella para realizar varias de sus obras, como algunas de las figuras del techo de la capilla Sixtina, particularmente la postura de Amán en la pareja Ester y Amán y Serpiente de Bronce, dos de los esclavos realizados en la tumba de JulioII, y en los esbozos de batalla de Cascina. Juan de Bolonia se inspiró en ella para su grupo escultórico El rapto de la Sabina . En El Parnaso, pintura de Rafael, también se advierte la similitud con la cabeza de ocoonte en la figura que representa a Homero. 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En él, la figura de Alcioneo se muestra en una pose y situación muy similares a las de ocoonte, aunque el estilo es «más suelto y salvaje en sus principios» que el del altar. ejecución del ocoonte es extremadamente fina en su totalidad, y la composición muy cuidadosamente calculada, aunque parece que el grupo sufrió ajustes en la antigüedad. Los dos hijos son más bien pequeños en comparación con su padre,En general, se acepta que se trata de la misma obra que se encuentra actualmente en el Vaticano. En la actualidad, es muy frecuente pensar que los tres rodios eran copistas, tal vez de una escultura de bronce de Pérgamo, creada hacia el año 200a. C. Llama la atención que Plinio no aborde explícitamente esta cuestión, de manera que sugiere que «la considera original». Plinio afirma que se encontraba en el palacio del emperador Tito, y es posible que permaneciera en el mismo lugar hasta 1506. También afirma que fue tallada en una sola pieza de mármol, aunque la obra vaticana consta de al menos siete piezas entrelazadas.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de Laocoonte y sus hijos, explora la Antigüedad y null.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Alcioneo", "Altar de Pérgamo", "Pérgamo", "Tito"]} +{"id": 189, "title": "Laocoonte y sus hijos", "en_title": "Laocoön and His Sons", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a6/Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg/270px-Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a6/Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg/270px-Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg", "reference": "Hay consenso en que el estilo de la obra es el del «barroco pergamino» helenístico que surgió en la Asia Menor griega hacia el año 200a. C., y cuya obra más conocida de la que no hay duda de que sea original es el Altar de Pérgamo, fechado hacia 180-160a. C. y actualmente en Berlín. 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Fue descubierto el 14 de enero de 1506 en una viña cercana a Santa María la Mayor, terreno propiedad de Felice de Fredis, que se encontraba en el Esquilino romano y que en tiempos antiguos había sido parte de la Domus Aurea de Nerón y luego del palacio del emperador Tito. El papa Julio II envió al arquitecto Giuliano de Sangallo, quien junto a Miguel Ángel identificó la escultura como la descrita por el autor romano Plinio el Viejo en su obra enciclopédica Naturalis Historia. Plinio escribió unos comentarios laudatorios sobre la obra que vio en el palacio del emperador Tito hacia el año 70:Francesco da Sangallo, más tarde escultor, escribió un relato del descubrimiento de la escultura más de 60 años después:Cuando fue descubierta le faltaban los brazos derechos de ocoonte y de uno de sus hijos, y la mano derecha del otro hijo; también faltaban algunas partes de las serpientes. De su estado en ese momento quedan como testimonio las copias que hizo el grabador Giovanni Antonio da Brescia: un dibujo y un grabado que contribuyó a su rápida fama.Se decidió restaurar el grupo escultórico y hubo controversia sobre cómo debería haber sido el gesto del brazo que le faltaba al padre. Miguel Ángel propuso restaurar el brazo del padre en posición de flexión; el artista llegó a realizar dicho brazo, pero no llegó a ponérselo y actualmente se expone junto al grupo escultórico. Amico Aspertini también realizó un dibujo con la misma posición del brazo, y en 1525, Baccio Bandinelli realizó una copia de todo el grupo con una posición parecida para el papa León X, copia que se encuentra en la Galería de los Uffizi de Florencia. Tanto Miguel Ángel como Sangallo aconsejaron a JulioII que adquiriera la obra, El rey Francisco I de Francia obtuvo el permiso del papa para la realización de varios moldes; para realizar la copia envió a Francesco Primaticcio, quien los hizo en 1540. Estos moldes sirvieron para hacer una escultura de bronce que fue instalada en el Palacio de Fontainebleau.Una primera restauración realizada por Bandinelli con cera, donde representó el brazo doblado, fue modificada en 1532 por Giovanni Angelo Montorsoli, que realizó la restauración en terracota y con el brazo de ocoonte estirado. Entre los que criticaron esta restauración se encontraba Tiziano, quien realizó un dibujo en el que representaba a ocoonte y sus hijos como si fueran tres monos. Esta caricatura fue grabada por Niccolò Boldrini.En el , el escultor Agostino Cornachini volvió a restaurar la obra, cambiando el material de la restauración por mármol y aprovechó para cambiar el brazo del hijo, modificando el gesto de este, que también fue estirado. El año 1798, tras la firma del Tratado de Tolentino, el grupo fue trasladado a París por el ejército de Napoleón como parte del botín de guerra durante su campaña en Italia, pero sin los elementos añadidos, y puesta en el Museo del Louvre hasta su devolución al Vaticano en 1816, cuando se le volvieron a añadir.En 1905, el arqueólogo Ludwig Pollack identificó el brazo original, encontrándolo en una vieja tienda de Vía bicana. y dirigida por Filippo Magi, restauración en la que se retiraron todas las piezas añadidas.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de Laocoonte y sus hijos, explora la Renacimiento y null.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Agostino Cornachini", "Amico Aspertini", "Baccio Bandinelli", "Domus Aurea", "Esquilino", "Filippo Magi", "Florencia", "Francesco Primaticcio", "Francesco da Sangallo", "Francisco I de Francia", "Giovanni Angelo Montorsoli", "Giovanni Antonio da Brescia", "Italia", "Julio II", "León X", "Ludwig Pollack", "Miguel Ángel", "Museo del Louvre", "Nerón", "Niccolò Boldrini", "Palacio de Fontainebleau", "París", "Plinio el Viejo", "Tito", "Tiziano"]} +{"id": 193, "title": "Laocoonte y sus hijos", "en_title": "Laocoön and His Sons", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a6/Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg/270px-Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a6/Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg/270px-Laoco%C3%B6n_and_his_sons_group.jpg", "reference": "Este grupo escultórico era conocido por descripciones antiguas, pero se creía perdido. 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De su estado en ese momento quedan como testimonio las copias que hizo el grabador Giovanni Antonio da Brescia: un dibujo y un grabado que contribuyó a su rápida fama.Se decidió restaurar el grupo escultórico y hubo controversia sobre cómo debería haber sido el gesto del brazo que le faltaba al padre. Miguel Ángel propuso restaurar el brazo del padre en posición de flexión; el artista llegó a realizar dicho brazo, pero no llegó a ponérselo y actualmente se expone junto al grupo escultórico. Amico Aspertini también realizó un dibujo con la misma posición del brazo, y en 1525, Baccio Bandinelli realizó una copia de todo el grupo con una posición parecida para el papa León X, copia que se encuentra en la Galería de los Uffizi de Florencia. Tanto Miguel Ángel como Sangallo aconsejaron a JulioII que adquiriera la obra, El rey Francisco I de Francia obtuvo el permiso del papa para la realización de varios moldes; para realizar la copia envió a Francesco Primaticcio, quien los hizo en 1540. Estos moldes sirvieron para hacer una escultura de bronce que fue instalada en el Palacio de Fontainebleau.Una primera restauración realizada por Bandinelli con cera, donde representó el brazo doblado, fue modificada en 1532 por Giovanni Angelo Montorsoli, que realizó la restauración en terracota y con el brazo de ocoonte estirado. Entre los que criticaron esta restauración se encontraba Tiziano, quien realizó un dibujo en el que representaba a ocoonte y sus hijos como si fueran tres monos. Esta caricatura fue grabada por Niccolò Boldrini.En el , el escultor Agostino Cornachini volvió a restaurar la obra, cambiando el material de la restauración por mármol y aprovechó para cambiar el brazo del hijo, modificando el gesto de este, que también fue estirado. 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Estos moldes sirvieron para hacer una escultura de bronce que fue instalada en el Palacio de Fontainebleau.Una primera restauración realizada por Bandinelli con cera, donde representó el brazo doblado, fue modificada en 1532 por Giovanni Angelo Montorsoli, que realizó la restauración en terracota y con el brazo de ocoonte estirado. Entre los que criticaron esta restauración se encontraba Tiziano, quien realizó un dibujo en el que representaba a ocoonte y sus hijos como si fueran tres monos. Esta caricatura fue grabada por Niccolò Boldrini.En el , el escultor Agostino Cornachini volvió a restaurar la obra, cambiando el material de la restauración por mármol y aprovechó para cambiar el brazo del hijo, modificando el gesto de este, que también fue estirado. El año 1798, tras la firma del Tratado de Tolentino, el grupo fue trasladado a París por el ejército de Napoleón como parte del botín de guerra durante su campaña en Italia, pero sin los elementos añadidos, y puesta en el Museo del Louvre hasta su devolución al Vaticano en 1816, cuando se le volvieron a añadir.En 1905, el arqueólogo Ludwig Pollack identificó el brazo original, encontrándolo en una vieja tienda de Vía bicana. y dirigida por Filippo Magi, restauración en la que se retiraron todas las piezas añadidas.", "entry": "subsection", "prompt": "Describe las características de la Renacimiento en la null de Laocoonte y sus hijos.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Agostino Cornachini", "Amico Aspertini", "Baccio Bandinelli", "Domus Aurea", "Esquilino", "Filippo Magi", "Florencia", "Francesco Primaticcio", "Francesco da Sangallo", "Francisco I de Francia", "Giovanni Angelo Montorsoli", "Giovanni Antonio da Brescia", "Italia", "Julio II", "León X", "Ludwig Pollack", "Miguel Ángel", "Museo del Louvre", "Nerón", "Niccolò Boldrini", "Palacio de Fontainebleau", "París", "Plinio el Viejo", "Tito", "Tiziano"]} +{"id": 196, "title": "Reloj astronómico de Praga", "en_title": "Prague astronomical clock", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "reference": "Tipo = Criterios = ii, iv, vi ID = 616 Región = Europa Año = 1992 Extensión = Extensiones = Peligro = }}El Reloj Astronómico de Praga es un reloj astronómico medieval localizado en Praga, la capital de la República Checa, situado en . El reloj se encuentra en la pared sur del Ayuntamiento de la Ciudad Vieja de Praga, siendo una popular atracción turística.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Reloj astronómico de Praga y explora la Resumen.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Praga", "Reloj", "República Checa"]} +{"id": 197, "title": "Reloj astronómico de Praga", "en_title": "Prague astronomical clock", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "reference": "Tipo = Criterios = ii, iv, vi ID = 616 Región = Europa Año = 1992 Extensión = Extensiones = Peligro = }}El Reloj Astronómico de Praga es un reloj astronómico medieval localizado en Praga, la capital de la República Checa, situado en . 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El calendario circular con medallones que representan los meses del año.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Reloj astronómico de Praga y explora la Descripción.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Apóstol"]} +{"id": 201, "title": "Reloj astronómico de Praga", "en_title": "Prague astronomical clock", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "reference": "Los tres principales componentes del reloj son: El cuadrante astronómico, que además de indicar las 24 horas de día, representa las posiciones del sol y de la luna en el cielo, además de otros detalles astronómicos. s figuras animadas, que incluyen \"El paseo de los Apóstoles\", un mecanismo de relojería que muestra, cuando el reloj da las horas, las figuras de los doce apóstoles. 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Los doce apóstoles desfilan lentamente asomándose a la ventana precedidos por san Pedro, gracias a un mecanismo circular en el interior sobre el que están ubicados seis a cada lado.Ventana izquierdaAparece San Pablo con una espada y un libro, sus atributos característicos; le sigue santo Tomás con un arpón, san Judas Tadeo con un libro en su mano izquierda, san Simón mostrando una sierra , san Bartolomé con un libro y san Bernabé con un papiro.Ventana derechaSan Pedro con una llave, pues guarda las llaves del cielo. Le siguen san Mateo con un hacha pues es el patrón de constructores, carpinteros y herreros, san Juan, san Andrés con una cruz y Santiago.Cuando las ventanas se cierran, un gallo añadido en 1882 aletea y canta; después, suenan las campanas en formato de 24 horas.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Reloj astronómico de Praga y explora la Figurasanimadas.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 209, "title": "Reloj astronómico de Praga", "en_title": "Prague astronomical clock", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "reference": "{ align=centerleft170pxleft280px170pxleft}s cuatro figuras que flanquean el reloj son cuatro alegorías. 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Los doce medallones representan los doce meses del año. Son obra del pintor checo Josef Mánes. s cuatro esculturas laterales son de izquierda a derecha: Un filósofo. Un arcángel . Un astrónomo. Un cronista.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Reloj astronómico de Praga y explora la Calendario.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Josef Mánes"]} +{"id": 213, "title": "Reloj astronómico de Praga", "en_title": "Prague astronomical clock", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "reference": "{ align=center+ Vista general y detalleleft300pxleft300px}{ align=center}El calendario fue añadido al reloj en 1870. Los doce medallones representan los doce meses del año. 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Son obra del pintor checo Josef Mánes. s cuatro esculturas laterales son de izquierda a derecha: Un filósofo. Un arcángel . Un astrónomo. Un cronista.", "entry": "section", "prompt": "En Reloj astronómico de Praga, ¿Cómo se discute la Calendario?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Josef Mánes"]} +{"id": 216, "title": "Reloj astronómico de Praga", "en_title": "Prague astronomical clock", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "reference": "Según la leyenda escrita por Alois Jirásek, el mecanismo del reloj astronómico fue construido por el maestro Hanuš y por su ayudante Jakub Čech en 1490. Los ediles cegaron al maestro Hanus para que no pudiera construirse una copia del reloj. Čech vengó a su maestro introduciendo una mano en el mecanismo, atascándolo e inutilizándolo, a costa de quedar a su vez manco.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Reloj astronómico de Praga y explora la Leyenda.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Alois Jirásek", "Hanuš", "Jakub Čech"]} +{"id": 217, "title": "Reloj astronómico de Praga", "en_title": "Prague astronomical clock", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "reference": "Según la leyenda escrita por Alois Jirásek, el mecanismo del reloj astronómico fue construido por el maestro Hanuš y por su ayudante Jakub Čech en 1490. Los ediles cegaron al maestro Hanus para que no pudiera construirse una copia del reloj. 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Los soldados alemanes dirigieron sus ataques de vehículos blindados y de antiaéreos a la Vieja Ciudad de Praga en un esfuerzo por silenciar la iniciativa provocadora de la radio por parte de la resistencia checa iniciada el 5 de mayo. El Ayuntamiento y los edificios cercanos fueron incendiados junto a las esculturas de madera del reloj y la esfera del calendario de Josef Mánes. Se reparó la maquinaria, y los apóstoles de madera fueron restaurados por Vojtěch Sucharda, un famoso constructor de marionetas. El reloj volvió a funcionar a partir de 1948. El actual relojero, Otakar Zámecník, realizó una reparación general en 1994.El Reloj Astronómico de Praga es uno de los numerosos relojes de su tipo que se construyeron en los siglos y . 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236, "title": "Reloj astronómico de Praga", "en_title": "Prague astronomical clock", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "reference": "El fondo representa a la Tierra y la visión local del cielo. El círculo azul del centro representa nuestro planeta y el azul más oscuro la visión del cielo desde el horizonte. s áreas rojas y negras indican las partes del cielo que se encuentran sobre el horizonte. Durante el día el sol se sitúa en la zona azul del fondo, durante el amanecer y el atardecer sobre la zona roja, mientras que por la noche pasa a situarse en la zona oscura. A la izquierda del reloj , encontramos la aurora y el amanecer; mientras en el oeste encontramos el ocaso y el crepúsculo.Los números dorados del círculo azul representan las 24 horas del día , marcando la hora civil de Praga. Pero encontramos también la división de 12 horas, que se definen por el tiempo entre el amanecer y el anochecer y que varía según la duración del día dependiendo de la estación del año.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de Reloj astronómico de Praga, explora la Fondo y Cuadranteastronómico.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Praga"]} +{"id": 237, "title": "Reloj astronómico de Praga", "en_title": "Prague astronomical clock", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "reference": "El fondo representa a la Tierra y la visión local del cielo. El círculo azul del centro representa nuestro planeta y el azul más oscuro la visión del cielo desde el horizonte. s áreas rojas y negras indican las partes del cielo que se encuentran sobre el horizonte. Durante el día el sol se sitúa en la zona azul del fondo, durante el amanecer y el atardecer sobre la zona roja, mientras que por la noche pasa a situarse en la zona oscura. A la izquierda del reloj , encontramos la aurora y el amanecer; mientras en el oeste encontramos el ocaso y el crepúsculo.Los números dorados del círculo azul representan las 24 horas del día , marcando la hora civil de Praga. Pero encontramos también la división de 12 horas, que se definen por el tiempo entre el amanecer y el anochecer y que varía según la duración del día dependiendo de la estación del año.", "entry": "subsection", "prompt": "Explora la Fondo sobre la Cuadranteastronómico de esta obra de arte, Reloj astronómico de Praga.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Praga"]} +{"id": 238, "title": "Reloj astronómico de Praga", "en_title": "Prague astronomical clock", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "reference": "El fondo representa a la Tierra y la visión local del cielo. 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Los signos son mostrados en orden inverso al sentido del reloj. En la fotografía que acompaña a este artículo, el Sol se encuentra en la constelación de Cáncer y moviéndose hacia la de Leo. disposición del círculo zodiacal corresponde al uso de la proyección estereográfica del plano eclíptico que usa el Polo Norte como base de la proyección. Esta disposición es común en cualquier reloj astrológico de este periodo. pequeña estrella dorada muestra la posición del equinoccio vernal; de esta forma los números romanos también podrían servir para medir el tiempo sideral.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de Reloj astronómico de Praga, explora la Anillozodiacal y Cuadranteastronómico.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 241, "title": "Reloj astronómico de Praga", "en_title": "Prague astronomical clock", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "reference": "En el interior del círculo negro se encuentra otro círculo con los signos del zodiaco, indicando la localización del sol en la eclíptica. Los signos son mostrados en orden inverso al sentido del reloj. En la fotografía que acompaña a este artículo, el Sol se encuentra en la constelación de Cáncer y moviéndose hacia la de Leo. disposición del círculo zodiacal corresponde al uso de la proyección estereográfica del plano eclíptico que usa el Polo Norte como base de la proyección. Esta disposición es común en cualquier reloj astrológico de este periodo. pequeña estrella dorada muestra la posición del equinoccio vernal; de esta forma los números romanos también podrían servir para medir el tiempo sideral.", "entry": "subsection", "prompt": "Explora la Anillozodiacal sobre la Cuadranteastronómico de esta obra de arte, Reloj astronómico de Praga.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 242, "title": "Reloj astronómico de Praga", "en_title": "Prague astronomical clock", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "reference": "En el interior del círculo negro se encuentra otro círculo con los signos del zodiaco, indicando la localización del sol en la eclíptica. Los signos son mostrados en orden inverso al sentido del reloj. En la fotografía que acompaña a este artículo, el Sol se encuentra en la constelación de Cáncer y moviéndose hacia la de Leo. disposición del círculo zodiacal corresponde al uso de la proyección estereográfica del plano eclíptico que usa el Polo Norte como base de la proyección. Esta disposición es común en cualquier reloj astrológico de este periodo. pequeña estrella dorada muestra la posición del equinoccio vernal; de esta forma los números romanos también podrían servir para medir el tiempo sideral.", "entry": "subsection", "prompt": "En Reloj astronómico de Praga, ¿Cómo se aclara la Anillozodiacal de la Cuadranteastronómico?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 243, "title": "Reloj astronómico de Praga", "en_title": "Prague astronomical clock", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "reference": "En el interior del círculo negro se encuentra otro círculo con los signos del zodiaco, indicando la localización del sol en la eclíptica. Los signos son mostrados en orden inverso al sentido del reloj. En la fotografía que acompaña a este artículo, el Sol se encuentra en la constelación de Cáncer y moviéndose hacia la de Leo. disposición del círculo zodiacal corresponde al uso de la proyección estereográfica del plano eclíptico que usa el Polo Norte como base de la proyección. Esta disposición es común en cualquier reloj astrológico de este periodo. pequeña estrella dorada muestra la posición del equinoccio vernal; de esta forma los números romanos también podrían servir para medir el tiempo sideral.", "entry": "subsection", "prompt": "Describe las características de la Anillozodiacal en la Cuadranteastronómico de Reloj astronómico de Praga.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 244, "title": "Reloj astronómico de Praga", "en_title": "Prague astronomical clock", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "reference": "En el borde exterior del reloj, el número Schwabacher dorado se encuentra sobre el fondo negro. Estos números indican las horas en la antigua Bohemia, que empieza con el 1 del anochecer. Los anillos se van moviendo durante el año y coinciden con el tiempo solar.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de Reloj astronómico de Praga, explora la EscaladetiempodelaantiguaBohemia y Cuadranteastronómico.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Bohemia", "Schwabacher"]} +{"id": 245, "title": "Reloj astronómico de Praga", "en_title": "Prague astronomical clock", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "reference": "En el borde exterior del reloj, el número Schwabacher dorado se encuentra sobre el fondo negro. 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"title": "Reloj astronómico de Praga", "en_title": "Prague astronomical clock", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", "reference": "El movimiento de la luna en la elipse se parece al del sol, aunque es mucho más rápido. esfera lunar rota para mostrar las fases de la luna.", "entry": "subsection", "prompt": "Describe las características de la Laluna en la Cuadranteastronómico de Reloj astronómico de Praga.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 256, "title": "Reloj astronómico de Praga", "en_title": "Prague astronomical clock", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg/270px-Astronomical_Clock_%288341899828%29.jpg", 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Está realizado al temple y óleo sobre tabla . Mide 38,8 cm. de alto y 36,7 cm de ancho. Fue adquirido por la National Gallery of Art de Washington en 1967 por 5 millones de dólares pagados a la Casa Real de Liechtenstein, un precio récord para ese tiempo.Se cree que es un retrato de Ginebra de Benci , lo que explicaría la representación del enebro a sus espaldas. De hecho, también se conoce como Retrato de mujer joven ante un enebro, aunque actualmente es más común el otro nombre. Fue una dama de la clase aristocrática del de Florencia, admirada por su excepcional inteligencia por sus contemporáneos florentinos. A Ginebra Benci se la recuerda hoy en día solo por ser el tema de una de las 17 pinturas atribuidas a Leonardo da Vinci. Posiblemente en el pasado fuera más grande, habiéndose acortado por la parte inferior.Se considera que es obra del mismo autor de dama del armiño del Museo Czartoryski, y en general se considera que el autor de ambas fue Leonardo, pero no sin voces disidentes dentro de la crítica. Podría haber sido hecho con motivo del matrimonio de Ginebra, en 1474 o, dado que ella aparenta más de 18 años, pudo ser un encargo de años posteriores del embajador veneciano Bernardo Bembo, que tenía con la dama una amistad platónica. Pijoán considera que está datada hacia 1504, cuando Ginebra tendría treinta años.Destaca por su extraña luminosidad, y la atención prestada al detalle. Hay toques de luz en el cabello, al modo de la pintura flamenca. mirada de la modelo muestra seriedad y a su vez una belleza excepcional, modelo clásico renacentista. El pintor extendió la pintura, en algunos lugares, con los dedos, dejando así marcadas sus huellas dactilares.En el reverso está representada una guirnalda, con una rama de laurel y otra de palma, atada por una cartela en la que pone . pintura del reverso podría aludir a la castidad del sentimiento amoroso que Ginebra inspiró.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Retrato de Ginebra de Benci y explora la Resumen.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Bernardo Bembo", "Florencia", "Leonardo da Vinci", "Liechtenstein"]} +{"id": 261, "title": "Retrato de Ginebra de Benci", "en_title": "Ginevra de' Benci", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/39/Leonardo_da_Vinci_-_Ginevra_de%27_Benci_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Leonardo_da_Vinci_-_Ginevra_de%27_Benci_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/39/Leonardo_da_Vinci_-_Ginevra_de%27_Benci_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Leonardo_da_Vinci_-_Ginevra_de%27_Benci_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "Este Retrato de mujer, llamado de Ginebra de Benci, es un cuadro atribuido a Leonardo da Vinci, datado hacia 1474-76. 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Posiblemente en el pasado fuera más grande, habiéndose acortado por la parte inferior.Se considera que es obra del mismo autor de dama del armiño del Museo Czartoryski, y en general se considera que el autor de ambas fue Leonardo, pero no sin voces disidentes dentro de la crítica. Podría haber sido hecho con motivo del matrimonio de Ginebra, en 1474 o, dado que ella aparenta más de 18 años, pudo ser un encargo de años posteriores del embajador veneciano Bernardo Bembo, que tenía con la dama una amistad platónica. Pijoán considera que está datada hacia 1504, cuando Ginebra tendría treinta años.Destaca por su extraña luminosidad, y la atención prestada al detalle. Hay toques de luz en el cabello, al modo de la pintura flamenca. mirada de la modelo muestra seriedad y a su vez una belleza excepcional, modelo clásico renacentista. 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Este conjunto escultórico representa a los seis burgueses que en 1347, al inicio de la Guerra de los Cien Años , se ofrecieron a dar sus vidas para salvar a los habitantes de la sitiada ciudad francesa de Calais. Calais encargó a Rodin crear la escultura en 1884, y la obra fue terminada en 1889.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Los burgueses de Calais y explora la Resumen.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Auguste Rodin", "Calais", "Guerra de los Cien Años"]} +{"id": 273, "title": "Los burgueses de Calais", "en_title": "The Burghers of Calais", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/04/Statue_bourgeois_calais_rodin.jpg/220px-Statue_bourgeois_calais_rodin.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/04/Statue_bourgeois_calais_rodin.jpg/220px-Statue_bourgeois_calais_rodin.jpg", "reference": "Los burgueses de Calais es una de las más famosas esculturas de Auguste Rodin. 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Este conjunto escultórico representa a los seis burgueses que en 1347, al inicio de la Guerra de los Cien Años , se ofrecieron a dar sus vidas para salvar a los habitantes de la sitiada ciudad francesa de Calais. Calais encargó a Rodin crear la escultura en 1884, y la obra fue terminada en 1889.", "entry": "section", "prompt": "En Los burgueses de Calais, ¿Cómo se discute la Resumen?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Auguste Rodin", "Calais", "Guerra de los Cien Años"]} +{"id": 276, "title": "Los burgueses de Calais", "en_title": "The Burghers of Calais", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/04/Statue_bourgeois_calais_rodin.jpg/220px-Statue_bourgeois_calais_rodin.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/04/Statue_bourgeois_calais_rodin.jpg/220px-Statue_bourgeois_calais_rodin.jpg", "reference": "En su crónica sobre el Sitio de Calais, Jean Froissart cuenta sobre los seis burgueses:Para el rey Eduardo III de Inglaterra, el puerto francés de Calais, sobre el Canal de la Mancha, era de gran importancia estratégica, y en septiembre de 1346, tras la batalla de Crécy, dirigió un sitio de la ciudad. Tras varios intentos de los ingleses de tomar la ciudad y varios intentos fracasados de los franceses de romper el sitio, el rey Eduardo tomó la decisión en febrero del siguiente año de dejar morir de hambre a los habitantes de la ciudad.Un mes después, cuando los ingleses interceptaron un envío de víveres, quinientos niños y ancianos fueron expulsados de la ciudad para permitir a los demás sobrevivir, pero los ingleses les impidieron el paso y los dejaron morir de hambre justo fuera de los muros de la ciudad.Cuando el rey Felipe VI de Francia retiró sus fuerzas de la ciudad, el alcalde de Calais ofreció al rey inglés la capitulación de la ciudad con la condición de que los habitantes pudieran salir libres. El rey Eduardo se negó, indignado de que una ciudad que estaba a punto de caer y que le había costado tanto tiempo, hombres y dinero, se atreviera a imponer condiciones. Sin embargo, los propios hombres del rey señalaron que la única culpa de la ciudad fue haber luchado valientemente por su rey. Finalmente el rey se ofreció a respetar la vida de los pobladores de la ciudad si seis hombres notables de la ciudad, en su lugar, se rindieran ante él, junto con las llaves de la ciudad, vestidos en camisón y con una soga amarrada a sus cuellos.Finalmente otros cinco de los ciudadanos prominentes le hicieron compañía: Jacques y Pierre de Wissant, Jean de Vienne, Andrieu d'Andres y Jean d'Aire se vistieron según los deseos del rey y fueron escoltados por la ciudad hasta sus puertas, donde se despidieron de la multitud afligida de hombres, mujeres y niños. Se abrieron las puertas y el alcalde salió con sus seis ciudadanos y cerró la puerta nuevamente. De ahí acompañó al grupo hasta el campamento inglés y los dejó.Los ingleses llevaron a los hombres frente a la tienda del rey Eduardo, donde cayeron de rodillas y le entregaron las llaves de la ciudad. El rey los miró con inquina y en silencio por un largo rato antes de dar la orden de que los colgaran. Uno de los caballeros que se encontraba cerca tomó entonces la palabra: ira del rey aumentó cuando sus propios caballeros le señalaron el heroísmo de los burgueses y con un gesto hizo salir al caballero. Entonces su esposa, Felipa de Henao, se le acercó llorando y suplicó:El rey la miró en silencio por un corto tiempo y dijo:Felipa les retiró enseguida las sogas y los llevó a sus aposentos, donde les ofreció ropajes y una cena. Luego los proveyó de dinero y los condujo en secreto. Pronto se encontraron en diferentes ciudades de Picardía.Los habitantes de Calais se dirigieron luego a territorio francés, los más ricos tras pagar un rescate. Calais permaneció en manos inglesas hasta 1558.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Los burgueses de Calais y explora la HistoriadelosburguesesdeCalais.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Calais", "Canal de la Mancha", "Eduardo III de Inglaterra", "Felipa de Henao", "Felipe VI de Francia", "Francia", "Inglaterra", "Jean Froissart", "Picardía", "Sitio de Calais"]} +{"id": 277, "title": "Los burgueses de Calais", "en_title": "The Burghers of Calais", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/04/Statue_bourgeois_calais_rodin.jpg/220px-Statue_bourgeois_calais_rodin.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/04/Statue_bourgeois_calais_rodin.jpg/220px-Statue_bourgeois_calais_rodin.jpg", "reference": "En su crónica sobre el Sitio de Calais, Jean Froissart cuenta sobre los seis burgueses:Para el rey Eduardo III de Inglaterra, el puerto francés de Calais, sobre el Canal de la Mancha, era de gran importancia estratégica, y en septiembre de 1346, tras la batalla de Crécy, dirigió un sitio de la ciudad. 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Tras varios intentos de los ingleses de tomar la ciudad y varios intentos fracasados de los franceses de romper el sitio, el rey Eduardo tomó la decisión en febrero del siguiente año de dejar morir de hambre a los habitantes de la ciudad.Un mes después, cuando los ingleses interceptaron un envío de víveres, quinientos niños y ancianos fueron expulsados de la ciudad para permitir a los demás sobrevivir, pero los ingleses les impidieron el paso y los dejaron morir de hambre justo fuera de los muros de la ciudad.Cuando el rey Felipe VI de Francia retiró sus fuerzas de la ciudad, el alcalde de Calais ofreció al rey inglés la capitulación de la ciudad con la condición de que los habitantes pudieran salir libres. El rey Eduardo se negó, indignado de que una ciudad que estaba a punto de caer y que le había costado tanto tiempo, hombres y dinero, se atreviera a imponer condiciones. Sin embargo, los propios hombres del rey señalaron que la única culpa de la ciudad fue haber luchado valientemente por su rey. Finalmente el rey se ofreció a respetar la vida de los pobladores de la ciudad si seis hombres notables de la ciudad, en su lugar, se rindieran ante él, junto con las llaves de la ciudad, vestidos en camisón y con una soga amarrada a sus cuellos.Finalmente otros cinco de los ciudadanos prominentes le hicieron compañía: Jacques y Pierre de Wissant, Jean de Vienne, Andrieu d'Andres y Jean d'Aire se vistieron según los deseos del rey y fueron escoltados por la ciudad hasta sus puertas, donde se despidieron de la multitud afligida de hombres, mujeres y niños. Se abrieron las puertas y el alcalde salió con sus seis ciudadanos y cerró la puerta nuevamente. De ahí acompañ�� al grupo hasta el campamento inglés y los dejó.Los ingleses llevaron a los hombres frente a la tienda del rey Eduardo, donde cayeron de rodillas y le entregaron las llaves de la ciudad. 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Tras varios intentos de los ingleses de tomar la ciudad y varios intentos fracasados de los franceses de romper el sitio, el rey Eduardo tomó la decisión en febrero del siguiente año de dejar morir de hambre a los habitantes de la ciudad.Un mes después, cuando los ingleses interceptaron un envío de víveres, quinientos niños y ancianos fueron expulsados de la ciudad para permitir a los demás sobrevivir, pero los ingleses les impidieron el paso y los dejaron morir de hambre justo fuera de los muros de la ciudad.Cuando el rey Felipe VI de Francia retiró sus fuerzas de la ciudad, el alcalde de Calais ofreció al rey inglés la capitulación de la ciudad con la condición de que los habitantes pudieran salir libres. El rey Eduardo se negó, indignado de que una ciudad que estaba a punto de caer y que le había costado tanto tiempo, hombres y dinero, se atreviera a imponer condiciones. 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El escultor Auguste Rodin recibió en 1885 el encargo de crear este monumento conmemorativo, pocos años después de otro acontecimiento histórico que puso en entredicho la soberanía gala: la guerra franco-prusiana entre las tropas de Napoleón III y el Canciller de Hierro, Otto von Bismark. Después de casi cuatro años de trabajar en bocetos, la escultura estuvo lista en 1888 con figuras de casi dos metros de altura, para finalmente ser inaugurada en 1895, once años después de que Rodin presentara la primera maqueta. En palabras de John L.Tancock, logró evitar los estereotipos de la escultura académica, creando un monumento que todavía inspira y conmueve al espectador contemporáneo.Después de entregar la maqueta, Rodin desarrolló las figuras por separado y utilizó como modelos a hombres de carácter enérgico. Ejecutó innumerables estudios, en distintas escalas y actitudes de los hombres que se sacrificarían. El artista logró plasmar un estado emocional único: Pierre de Wiessant con el dramatismo corporal o Jean de Fiennes desconsolado. Además del logro expresivo de este episodio, Rodin innovó al proyectar el monumento al ras del piso, así puede contemplarse desde la dimensión humana. Rostros trémulos, manos crispadas, gritos y angustia contenidos fueron los derroteros de Auguste Rodin para exaltar el pasaje histórico de la liberación de Calais. El maestro apuntaba: Nunca titubeé en hacerlos lo más delgados y débiles posible. Ellos todavía se cuestionan si tienen la fuerza para asumir el sacrificio supremo [...].", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Los burgueses de Calais y explora la Conjuntoescultórico.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Auguste Rodin", "Calais", "Eustache de Saint-Pierre", "Jean de Fiennes"]} +{"id": 281, "title": "Los burgueses de Calais", "en_title": "The Burghers of Calais", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/04/Statue_bourgeois_calais_rodin.jpg/220px-Statue_bourgeois_calais_rodin.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/04/Statue_bourgeois_calais_rodin.jpg/220px-Statue_bourgeois_calais_rodin.jpg", "reference": "deimagenPrimera maqueta para Los burgueses de Calais, En el otoño de 1884 la municipalidad de Calais retomó un proyecto que se había gestado varias décadas atrás: la creación del monumento como homenaje a Eustache de Saint-Pierre y los ciudadanos ilustres. 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Hoy en día es todavía una lectura escolar.Kaiser espera que la historia de la Guerra de los Cien Años sean familiares. Inicia en la mitad de los hechos y se desvía substancialmente de la crónica de Froissart al final::Primer Acto: En un ayuntamiento abierto de la ciudad de Calais, los \"ciudadanos notables\" se reúnen para debatir entre la resistencia o la rendición. Uno de ellos es Eustache de Saint-Pierre, uno de los hombres más ricos. El rey inglés hace llegar el mensaje de que levantará el sitio con una condición; \"[...] seis ciudadanos notables han de llevar las llaves de la ciudad — seis ciudadanos notables han de caminar desde la puerta — descubiertos y descalzos — vestidos en pecado — la soga alrededor de sus cuellos [...] Seis deben partir de la ciudad al amanecer — seis han de entregarse en las arenas frente a Calais — seis veces han de arrodillarse —; ¡Esta penitencia preservaría el bienestar de la ciudad y al puerto de Calais!\" Eustache de Saint-Pierre se ofrece como el primero, luego otros cuatro lo siguen. Los hermanos Wissant se ofrecen al mismo tiempo y hay una persona de más. Ahora hay que decidir quién no se sacrificará.:Segundo Acto: Los siete voluntarios se despiden de sus allegados. Durante la cena deciden jugar a la suerte quién no se sacrificará. El intento fracasa ya que Eustache manipula los resultados para hacer que todos reconsideren su decisión. Finalmente se decide que se salve quien llegue de último a la plaza del mercado al día siguiente.:Tercer Acto: En la mañana se reúnen todos en la plaza del mercado y se preparan a su marcha con el rey inglés, excepto Eustache. Se sospecha que traicionó a sus compañeros cuando aparece Eustache muerto cargado en un féretro. Para mostrar la necesidad de la víctima, se quitó en la noche la vida. Al final llega un mensajero inglés y anuncia: el rey tuvo un hijo esa noche, \"esta mañana, por una vida no quiere destruir una vida\", ¡Calais y su puerto se han salvado sin la pena de la destrucción! El cuerpo de Eustache es llevado a la catedral: \"El rey de Inglaterra está — si ante el altar ora — ¡vencido de rodillas!\" El ciego padre de Eustache habla: \"Vi nuevos seres humanos — ¡en esta noche nació!\" imagen final se congela como en la escultura de Rodin.El fragmento de tiempo de Kaiser es considerado un documento literario y una obra cumbre del teatro del expresionismo y exhibe el estilo abstracto típico del mismo: el topos de \"nuevos seres humanos\", la individualización de los personajes, la alta artificialidad del lenguaje simbólico, el incremento patético. El mensaje de que el rescate de la comunidad se alcanzó solo por la autovictimización de un particular en lugar de la resistencia sin sentido de todos corresponde a la crítica usual del expresionismo a la clase media de la época guillermina, que se hacen más rotundos a la vista de las vibraciones sociales y la muerte industrializada de la Primera Guerra Mundial.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Los burgueses de Calais y explora la LaobradramáticadeGeorgKaiser.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Calais", "Eustache de Saint-Pierre", "Georg Kaiser", "Guerra de los Cien Años", "Inglaterra", "Primera Guerra Mundial"]} +{"id": 285, "title": "Los burgueses de Calais", "en_title": "The Burghers of Calais", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/04/Statue_bourgeois_calais_rodin.jpg/220px-Statue_bourgeois_calais_rodin.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/04/Statue_bourgeois_calais_rodin.jpg/220px-Statue_bourgeois_calais_rodin.jpg", "reference": "obra de teatro Los burgueses de Calais - presentación en tres actos se desarrolló en una primera versión en 1912 o 1913, inspirada en la ya famosa obra de Rodin, tomando su versión final en 1914. obra fue puesta en escena el 29 de enero de 1917 en Fráncfort bajo la dirección de Arthur Hellmer. obra fue un éxito y significó la irrupción artística de Georg Kaiser. Hoy en día es todavía una lectura escolar.Kaiser espera que la historia de la Guerra de los Cien Años sean familiares. Inicia en la mitad de los hechos y se desvía substancialmente de la crónica de Froissart al final::Primer Acto: En un ayuntamiento abierto de la ciudad de Calais, los \"ciudadanos notables\" se reúnen para debatir entre la resistencia o la rendición. Uno de ellos es Eustache de Saint-Pierre, uno de los hombres más ricos. El rey inglés hace llegar el mensaje de que levantará el sitio con una condición; \"[...] seis ciudadanos notables han de llevar las llaves de la ciudad — seis ciudadanos notables han de caminar desde la puerta — descubiertos y descalzos — vestidos en pecado — la soga alrededor de sus cuellos [...] Seis deben partir de la ciudad al amanecer — seis han de entregarse en las arenas frente a Calais — seis veces han de arrodillarse —; ¡Esta penitencia preservaría el bienestar de la ciudad y al puerto de Calais!\" Eustache de Saint-Pierre se ofrece como el primero, luego otros cuatro lo siguen. Los hermanos Wissant se ofrecen al mismo tiempo y hay una persona de más. Ahora hay que decidir quién no se sacrificará.:Segundo Acto: Los siete voluntarios se despiden de sus allegados. Durante la cena deciden jugar a la suerte quién no se sacrificará. El intento fracasa ya que Eustache manipula los resultados para hacer que todos reconsideren su decisión. Finalmente se decide que se salve quien llegue de último a la plaza del mercado al día siguiente.:Tercer Acto: En la mañana se reúnen todos en la plaza del mercado y se preparan a su marcha con el rey inglés, excepto Eustache. Se sospecha que traicionó a sus compañeros cuando aparece Eustache muerto cargado en un féretro. Para mostrar la necesidad de la víctima, se quitó en la noche la vida. Al final llega un mensajero inglés y anuncia: el rey tuvo un hijo esa noche, \"esta mañana, por una vida no quiere destruir una vida\", ¡Calais y su puerto se han salvado sin la pena de la destrucción! El cuerpo de Eustache es llevado a la catedral: \"El rey de Inglaterra está — si ante el altar ora — ¡vencido de rodillas!\" El ciego padre de Eustache habla: \"Vi nuevos seres humanos — ¡en esta noche nació!\" imagen final se congela como en la escultura de Rodin.El fragmento de tiempo de Kaiser es considerado un documento literario y una obra cumbre del teatro del expresionismo y exhibe el estilo abstracto típico del mismo: el topos de \"nuevos seres humanos\", la individualización de los personajes, la alta artificialidad del lenguaje simbólico, el incremento patético. El mensaje de que el rescate de la comunidad se alcanzó solo por la autovictimización de un particular en lugar de la resistencia sin sentido de todos corresponde a la crítica usual del expresionismo a la clase media de la época guillermina, que se hacen más rotundos a la vista de las vibraciones sociales y la muerte industrializada de la Primera Guerra Mundial.", "entry": "section", "prompt": "Explora la LaobradramáticadeGeorgKaiser de esta obra de arte, Los burgueses de Calais.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Calais", "Eustache de Saint-Pierre", "Georg Kaiser", "Guerra de los Cien Años", "Inglaterra", "Primera Guerra Mundial"]} +{"id": 286, "title": "Los burgueses de Calais", "en_title": "The Burghers of Calais", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/04/Statue_bourgeois_calais_rodin.jpg/220px-Statue_bourgeois_calais_rodin.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/04/Statue_bourgeois_calais_rodin.jpg/220px-Statue_bourgeois_calais_rodin.jpg", "reference": "obra de teatro Los burgueses de Calais - presentación en tres actos se desarrolló en una primera versión en 1912 o 1913, inspirada en la ya famosa obra de Rodin, tomando su versión final en 1914. obra fue puesta en escena el 29 de enero de 1917 en Fráncfort bajo la dirección de Arthur Hellmer. obra fue un éxito y significó la irrupción artística de Georg Kaiser. Hoy en día es todavía una lectura escolar.Kaiser espera que la historia de la Guerra de los Cien Años sean familiares. Inicia en la mitad de los hechos y se desvía substancialmente de la crónica de Froissart al final::Primer Acto: En un ayuntamiento abierto de la ciudad de Calais, los \"ciudadanos notables\" se reúnen para debatir entre la resistencia o la rendición. Uno de ellos es Eustache de Saint-Pierre, uno de los hombres más ricos. 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Hoy en día es todavía una lectura escolar.Kaiser espera que la historia de la Guerra de los Cien Años sean familiares. Inicia en la mitad de los hechos y se desvía substancialmente de la crónica de Froissart al final::Primer Acto: En un ayuntamiento abierto de la ciudad de Calais, los \"ciudadanos notables\" se reúnen para debatir entre la resistencia o la rendición. Uno de ellos es Eustache de Saint-Pierre, uno de los hombres más ricos. 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El Museo Kröller-Müller de la ciudad de Otterlo posee un bosquejo preliminar en óleo, y Van Gogh también produjo una versión en litografía.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Los comedores de patatas y explora la Resumen.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Museo Kröller-Müller", "Museo Van Gogh", "Nuenen", "Otterlo", "Países Bajos", "Vincent van Gogh", "Ámsterdam"]} +{"id": 289, "title": "Los comedores de patatas", "en_title": "The Potato Eaters", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b1/Van-willem-vincent-gogh-die-kartoffelesser-03850.jpg/300px-Van-willem-vincent-gogh-die-kartoffelesser-03850.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b1/Van-willem-vincent-gogh-die-kartoffelesser-03850.jpg/300px-Van-willem-vincent-gogh-die-kartoffelesser-03850.jpg", "reference": "localización= Museo van Goghciudad= Ámsterdampaís= }}Los comedores de patatas es un cuadro del pintor Vincent van Gogh, que creó en abril de 1885 mientras residía en Nuenen, Países Bajos. 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Sin embargo, su obra fue criticada por su amigo Anthon van Rappard poco después de haber sido pintada. Esto fue un duro golpe a la confianza de Van Gogh en su calidad de artista emergente, por lo que escribiría de vuelta a su amigo: «tú... no tienes el derecho a condenar mi trabajo en la forma que lo has hecho» , y después, «siempre hago lo que aún no puedo hacer con el fin de aprender a cómo hacerlo» . Esto provocó la ruptura de su amistad. El tema del cuadro fue tratado por varios artistas de la época en obras como comida frugal, de Jozef Israëls. 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Van Gogh estudió dibujo, anatomía y perspectiva en Bruselas, completando su formación con conferencias sobre el uso y el comportamiento de los colores. En ese periodo, denominado periodo negro por algunos autores, diseñó y pintó muchos paisajes de escenas de fiestas de los Países Bajos.derecha250pxEstudio del cuadro.En Nuenen, ciudad de Holanda donde vivía su familia y después de sus experiencias entre los mineros donde desarrollaría gran sensibilidad por el sufrimiento ajeno, realizó cerca de 250 dibujos, sobre todo sobre la vida de agricultores y tejedores. Una obra típica es El tejedor en el telar, .Los comedores de patatas, considerada la obra cumbre del pintor en esta época, resume este período. Como pintor realista, hablaba de la miseria y la desesperanza que retrató en la gente humilde. Opinaba que los agricultores debían ser pintados con sus características en bruto, sin adornos, criticando y diferenciándose de Millet.Van Gogh hizo una serie de cincuenta rostros de campesinos, que le ocupó desde diciembre de 1884 hasta mayo de 1885 como ejercicio preliminar de la obra.El cuadro remitido a Theo en París tuvo escasa repercusión. El pintor Charles Emanuel Serret expresó que Vincent superaba a Millet desde el punto de vista expresivo, lo que tal vez motivó a Vincent para continuar su trabajo como pintor de campesinos.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Los comedores de patatas y explora la Situacióncronológica.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Bruselas", "Charles Emanuel Serret", "El tejedor en el telar", "Holanda", "Jean-François Millet", "Nuenen", "París", "Países Bajos"]} +{"id": 297, "title": "Los comedores de patatas", "en_title": "The Potato Eaters", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b1/Van-willem-vincent-gogh-die-kartoffelesser-03850.jpg/300px-Van-willem-vincent-gogh-die-kartoffelesser-03850.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b1/Van-willem-vincent-gogh-die-kartoffelesser-03850.jpg/300px-Van-willem-vincent-gogh-die-kartoffelesser-03850.jpg", "reference": "Este cuadro pertenece a la primera fase de la pintura del artista, desarrollado en los Países Bajos, bajo la influencia del pintor realista francés Jean-François Millet. 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Con esto quería expresar su esencia genuina, alejada de la cultura burguesa. Utilizó una paleta dominada por tonos terrosos oscuros, otorgándole un carácter orgánico a la escena. Así le comentó a su hermano Theo: }} Van Gogh tomó nota de las manos gruesas y las huellas en las caras de los trabajadores de la tierra. En busca de la intensidad en la expresión dramática, exploró el potencial de los tonos oscuros del barroco y el trazo nervioso. Estas características se transformaron radicalmente después de su viaje a París, lugar en el que vivió durante algunos años.En cuanto a esta obra, Van Gogh expresó lo siguiente:}}Se perciben reminiscencias de la Sagrada familia de Rembrandt en el cuadro.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Los comedores de patatas y explora la Descripción.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Honoré Daumier", "París", "Rembrandt"]} +{"id": 301, "title": "Los comedores de patatas", "en_title": "The Potato Eaters", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b1/Van-willem-vincent-gogh-die-kartoffelesser-03850.jpg/300px-Van-willem-vincent-gogh-die-kartoffelesser-03850.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b1/Van-willem-vincent-gogh-die-kartoffelesser-03850.jpg/300px-Van-willem-vincent-gogh-die-kartoffelesser-03850.jpg", "reference": "Versión en Van Gogh no pretendía realizar retratos realistas, sino que, conociendo los estudios de fisonomía de vater y Gall, y siendo admirador de Honoré Daumier, quería dotar de rasgos salvajes a los campesinos, con expresiones que pueden parecer caricaturescas. 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Fueron decoradas con frescos del pintor renacentista italiano Rafael y sus discípulos en el periodo entre 1508 y 1524. Se conoce el nombre de los principales discípulos y colaboradores de Rafael, en esta y otras obras: Giulio Romano, Giovanni da Udine, Gianfrancesco Penni y Perin del Vaga. Junto a los frescos de la Capilla Sixtina, obra de Miguel Ángel, constituyen el ciclo de frescos que marcan el Alto Renacimiento en Roma.En agosto de 1508 Donato d'Angelo Bramante llamó a su paisano de Urbino, Rafael, para que realizara trabajos de decoración en Roma. El papa Julio II situó sus dependencias privadas sobre lo que habían sido las habitaciones del papa Borgia, Alejandro VI. Dichas salas estaban decoradas con frescos de Pietro Perugino, de Sodoma y otros. Julio II ordenó que los rasparan y encargó a Rafael que decorase las cuatro estancias. Se encuentran en la tercera planta, sobre el lado meridional del patio del Belvedere.Físicamente, el orden de las cuatro salas, desde el este hacia el oeste, tal como un visitante entraría en el apartamento es: Sala de Constantino, Sala de Heliodoro, Sala de la Signatura y Sala del Incendio del Borgo. No obstante, otro es el orden cronológico en que se pintaron los frescos.Después de la muerte del papa Julio II en 1513, con dos habitaciones ya decoradas, el papa León X continuó el programa. A la muerte de Rafael, en 1520, sus ayudantes Gianfrancesco Penni, Giulio Romano y Raffaellino del Colle acabaron el proyecto con los frescos de la Sala de Constantino. El esquema de las obras es el siguiente:{ class=\"wikitable\" style=\"text-align:centre\"! Visión general !! Visión general !! Muro este!! Muro sur!! Muro oeste!! Muro norte!! Bóveda!! Nombre y representaciones - 100pxcentre112pxcentre111pxcentre95pxcentre106pxcentre116pxcentre95pxcentreEstancia del Sello: 1. disputa del Sacramento, 2. Virtudes cardinales y la ley, 3. escuela de Atenas, 4. El Parnaso y 5. Bóveda.- 100px100pxcentre 124pxcentre102pxcentre117pxcentre100pxcentre100pxcentreEstancia de Heliodoro: 1. expulsión de Heliodoro del templo, 2. misa de Bolsena, 3. Encuentro de León Magno con Atila, 4. Liberación de San Pedro y 5. Bóveda.- 100pxcentre57pxcentre107pxcentre98pxcentre117pxcentre108pxcentre98pxcentreEstancia del Incendio del Borgo: 1. Batalla de Ostia, 2. El incendio del Borgo, 3. Coronación de Carlomagno, 4. Justificación de León III y 5. Bóveda.- 100pxcentre 104pxcentre105pxcentre105pxcentre104pxcentre105pxcentre95pxcentreEstancia de Constantino: 1. Visión de la Cruz, 2. Batalla de Constantino contra Majencio, 3. Bautismo de Constantino, 4. Donación de Roma y 5. 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Fueron decoradas con frescos del pintor renacentista italiano Rafael y sus discípulos en el periodo entre 1508 y 1524. Se conoce el nombre de los principales discípulos y colaboradores de Rafael, en esta y otras obras: Giulio Romano, Giovanni da Udine, Gianfrancesco Penni y Perin del Vaga. Junto a los frescos de la Capilla Sixtina, obra de Miguel Ángel, constituyen el ciclo de frescos que marcan el Alto Renacimiento en Roma.En agosto de 1508 Donato d'Angelo Bramante llamó a su paisano de Urbino, Rafael, para que realizara trabajos de decoración en Roma. El papa Julio II situó sus dependencias privadas sobre lo que habían sido las habitaciones del papa Borgia, Alejandro VI. Dichas salas estaban decoradas con frescos de Pietro Perugino, de Sodoma y otros. Julio II ordenó que los rasparan y encargó a Rafael que decorase las cuatro estancias. 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Nombre y representaciones - 100pxcentre112pxcentre111pxcentre95pxcentre106pxcentre116pxcentre95pxcentreEstancia del Sello: 1. disputa del Sacramento, 2. Virtudes cardinales y la ley, 3. escuela de Atenas, 4. El Parnaso y 5. Bóveda.- 100px100pxcentre 124pxcentre102pxcentre117pxcentre100pxcentre100pxcentreEstancia de Heliodoro: 1. expulsión de Heliodoro del templo, 2. misa de Bolsena, 3. Encuentro de León Magno con Atila, 4. Liberación de San Pedro y 5. Bóveda.- 100pxcentre57pxcentre107pxcentre98pxcentre117pxcentre108pxcentre98pxcentreEstancia del Incendio del Borgo: 1. Batalla de Ostia, 2. El incendio del Borgo, 3. Coronación de Carlomagno, 4. Justificación de León III y 5. Bóveda.- 100pxcentre 104pxcentre105pxcentre105pxcentre104pxcentre105pxcentre95pxcentreEstancia de Constantino: 1. Visión de la Cruz, 2. Batalla de Constantino contra Majencio, 3. Bautismo de Constantino, 4. Donación de Roma y 5. 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Fueron decoradas con frescos del pintor renacentista italiano Rafael y sus discípulos en el periodo entre 1508 y 1524. Se conoce el nombre de los principales discípulos y colaboradores de Rafael, en esta y otras obras: Giulio Romano, Giovanni da Udine, Gianfrancesco Penni y Perin del Vaga. Junto a los frescos de la Capilla Sixtina, obra de Miguel Ángel, constituyen el ciclo de frescos que marcan el Alto Renacimiento en Roma.En agosto de 1508 Donato d'Angelo Bramante llamó a su paisano de Urbino, Rafael, para que realizara trabajos de decoración en Roma. El papa Julio II situó sus dependencias privadas sobre lo que habían sido las habitaciones del papa Borgia, Alejandro VI. Dichas salas estaban decoradas con frescos de Pietro Perugino, de Sodoma y otros. Julio II ordenó que los rasparan y encargó a Rafael que decorase las cuatro estancias. Se encuentran en la tercera planta, sobre el lado meridional del patio del Belvedere.Físicamente, el orden de las cuatro salas, desde el este hacia el oeste, tal como un visitante entraría en el apartamento es: Sala de Constantino, Sala de Heliodoro, Sala de la Signatura y Sala del Incendio del Borgo. No obstante, otro es el orden cronológico en que se pintaron los frescos.Después de la muerte del papa Julio II en 1513, con dos habitaciones ya decoradas, el papa León X continuó el programa. A la muerte de Rafael, en 1520, sus ayudantes Gianfrancesco Penni, Giulio Romano y Raffaellino del Colle acabaron el proyecto con los frescos de la Sala de Constantino. El esquema de las obras es el siguiente:{ class=\"wikitable\" style=\"text-align:centre\"! Visión general !! Visión general !! Muro este!! Muro sur!! Muro oeste!! Muro norte!! Bóveda!! Nombre y representaciones - 100pxcentre112pxcentre111pxcentre95pxcentre106pxcentre116pxcentre95pxcentreEstancia del Sello: 1. disputa del Sacramento, 2. Virtudes cardinales y la ley, 3. escuela de Atenas, 4. El Parnaso y 5. Bóveda.- 100px100pxcentre 124pxcentre102pxcentre117pxcentre100pxcentre100pxcentreEstancia de Heliodoro: 1. expulsión de Heliodoro del templo, 2. misa de Bolsena, 3. Encuentro de León Magno con Atila, 4. Liberación de San Pedro y 5. Bóveda.- 100pxcentre57pxcentre107pxcentre98pxcentre117pxcentre108pxcentre98pxcentreEstancia del Incendio del Borgo: 1. Batalla de Ostia, 2. El incendio del Borgo, 3. Coronación de Carlomagno, 4. Justificación de León III y 5. Bóveda.- 100pxcentre 104pxcentre105pxcentre105pxcentre104pxcentre105pxcentre95pxcentreEstancia de Constantino: 1. Visión de la Cruz, 2. Batalla de Constantino contra Majencio, 3. Bautismo de Constantino, 4. Donación de Roma y 5. 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Tiene forma cuadrada, con ventanas en dos de las paredes. Disputa del Sacramento y la Escuela de Atenas ocupan las dos grandes paredes lisas, una frente a otra. El Parnaso está en una de las paredes con ventana y las Virtudes cardinales y teologales y la Ley en la otra. Son los frescos más armoniosos de toda la serie.El sentido del conjunto era el orden en la Humanidad por medio de la sabiduría mundana y espiritual, así como la armonía que los humanistas del Renacimiento percibían entre las enseñanzas cristianas y la filosofía griega. Se visualizaban los conceptos de la Verdad, el Bien y la Belleza. Cada una de las paredes reflejaba una actividad humana en el ámbito del pensamiento: la Teología, la Filosofía, la Justicia y las Artes. El concepto del artista armoniza los espíritus de la Antigüedad y del cristianismo y refleja el contenido de la biblioteca del papa con temas de teología, filosofía, jurisprudencia y artes poéticas, representados en tondi por encima de los lunetos de las paredes. El tema de la sabiduría es apropiada puesto que en esta habitación era la cámara del consejo para la Signatura Apostólica, donde se firmaban y sellaban los documentos papales más importantes.Se cree fue el propio papa Julio II el que proporcionó el esquema a seguir. Disputa del Sacramento Es el primer trabajo ejecutado por Rafael, quien lo terminó en el año 1509. anchura en la base del fresco es de 770 cm. Representa la Teología, a través de una escena sobre la Gloria de la Eucaristía.Destaca de este fresco, sobre todo, su hábil composición, indicando la doble presencia de la Eucaristía tanto arriba, en el cielo, como abajo en la tierra. En la parte superior se ve a la Trinidad, con el Padre, Jesús y el Espíritu Santo. En la parte inferior, la Iglesia como institución que custodia la Eucaristía y milita en defensa de la fe. Escuela de AtenasFue ejecutada en los años 1509-1510. Su base tiene una anchura de 770 cm. Está situada frente a la Disputa del Sacramento. Representa la Filosofía, a través de una escena en la que se narra una sesión entre los filósofos clásicos. Los filósofos se encuentran en una arquitectura clásica, abovedada como unas termas. En unos nichos se ven figuras gigantescas de los dioses Apolo y Minerva. El centro de la composición, alrededor del punto de fuga, lo dominan las figuras de Platón y Aristóteles, que debaten sobre la búsqueda de la Verdad; el primero indica al cielo y el segundo a la tierra. En otros personajes se ha identificado a distintos filósofos de la Antigüedad, puestos sobre dos niveles, separados de una escalinata. Destaca entre ellos la figura del primer plano, un poco a la izquierda, que se supone que representa a Heráclito. No estaba en el esbozo o cartón de este fresco, que se conserva en la Biblioteca Ambrosiana de Milán. Se retrata en esta figura a Miguel Ángel, como se ve en el rostro, que es el del pintor florentino ligeramente mejorado, además de en las características stivali que calza: eran unas botas de montar que el pintor florentino no solía quitarse; está escribiendo uno de sus sonetos. Este añadido obedece a la inspiración que suscitaron en Rafael las primeras partes visibles de la bóveda de la Capilla Sixtina. Al tiempo, esta figura evita un gran vacío en esa parte del fresco. También retrató como filósofos a sus contemporáneos Leonardo da Vinci y Bramante. Llama la atención igualmente la figura de Diógenes está tirado en el suelo como un perro tomando el sol. El ParnasoEsta alegoría del Parnaso se encuentra encima de una de las ventanas. Fue ejecutado en el año 1511 y tiene una anchura en la base de 670 cm. Se representa la fuente Hipocrene, al dios Apolo tocando el violín y, a su alrededor, las nueve musas. Rafael representó a numerosos literatos conversando entre sí sin atender al concierto. Aquí aparecen no sólo poetas de la Antigüedad clásica, sino también otros posteriores e incluso contemporáneos, como Dante, Petrarca, Ariosto o Sannazaro.Al discípulo Giovanni da Udine se le atribuye la ejecución de estas musas. Jurisprudencia Esta alegoría del Jurisprudencia se encuentra encima de la otra ventana. Están representadas las Virtudes cardinales y las teologales y la Ley. Data del año 1511 y tiene una anchura en la base de 660 cm. Fue ejecutada por el taller. virtudes están en el luneto: fortaleza, prudencia y templanza.A cada lado de la ventana hay una escena relacionada con la jurisprudencia: a la izquierda aparece la Entrega de las Pandectas por el emperador Justiniano y, a la derecha, Entrega de los Decretales por el papa Gregorio IX. Bóveda. bóveda de esta sala conserva la magnífica decoración que ejecutaron Sodoma y sus ayudantes, todo lo que es la magnífica decoración; pero Rafael sustituyó los temas paganos de los medallones por alegorías de las facultades del espíritu: la Filosofía, la Teología, la Poesía y la Justicia. Existe un claro paralelismo entre estas figuras femeninas y el contenido de los frescos de las paredes. Cada una de ellas, además, está acompañada por un cuadrito sobre el mismo tema. Así, el medallón de la Teología tiene el correspondiente cuadrito con el Pecado original; la Filosofía está acompañada por una persona que mira la esfera del mundo; a la Jurisprudencia le corresponde el Juicio de Salomón y, finalmente, la Poesía está ilustrada con el certamen musical entre Apolo y Marsias.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Estancias de Rafael y explora la EstanciadelaSignatura(1508-1511).Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Apolo", "Aristóteles", "Arte", "Belleza", "Biblioteca Ambrosiana", "Bóveda", "Capilla Sixtina", "Diógenes", "Espíritu Santo", "Eucaristía", "Filosofía", "Giovanni da Udine", "Gregorio IX", "Heráclito", "Hipocrene", "Julio II", "Jurisprudencia", "Justicia", "Leonardo da Vinci", "Marsias", "Miguel Ángel", "Milán", "Minerva", "Julio II", "Parnaso", "Pecado original", "Petrarca", "Platón", "Poesía", "Renacimiento", "Salomón", "Teología", "Verdad", "Virtud", "Virtudes cardinales", "Ángel"]} +{"id": 313, "title": "Estancias de Rafael", "en_title": "Raphael Rooms", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Raffael_Stanza_della_Segnatura.jpg/270px-Raffael_Stanza_della_Segnatura.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Raffael_Stanza_della_Segnatura.jpg/270px-Raffael_Stanza_della_Segnatura.jpg", "reference": "Estancia de la Signatura era el estudio que albergaba la biblioteca de Julio II, en la que se ubicó originariamente el tribunal de la Signatura de la gracia. 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Se representa la fuente Hipocrene, al dios Apolo tocando el violín y, a su alrededor, las nueve musas. Rafael representó a numerosos literatos conversando entre sí sin atender al concierto. Aquí aparecen no sólo poetas de la Antigüedad clásica, sino también otros posteriores e incluso contemporáneos, como Dante, Petrarca, Ariosto o Sannazaro.Al discípulo Giovanni da Udine se le atribuye la ejecución de estas musas. Jurisprudencia Esta alegoría del Jurisprudencia se encuentra encima de la otra ventana. Están representadas las Virtudes cardinales y las teologales y la Ley. Data del año 1511 y tiene una anchura en la base de 660 cm. Fue ejecutada por el taller. virtudes están en el luneto: fortaleza, prudencia y templanza.A cada lado de la ventana hay una escena relacionada con la jurisprudencia: a la izquierda aparece la Entrega de las Pandectas por el emperador Justiniano y, a la derecha, Entrega de los Decretales por el papa Gregorio IX. 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El concepto del artista armoniza los espíritus de la Antigüedad y del cristianismo y refleja el contenido de la biblioteca del papa con temas de teología, filosofía, jurisprudencia y artes poéticas, representados en tondi por encima de los lunetos de las paredes. El tema de la sabiduría es apropiada puesto que en esta habitación era la cámara del consejo para la Signatura Apostólica, donde se firmaban y sellaban los documentos papales más importantes.Se cree fue el propio papa Julio II el que proporcionó el esquema a seguir. Disputa del Sacramento Es el primer trabajo ejecutado por Rafael, quien lo terminó en el año 1509. anchura en la base del fresco es de 770 cm. Representa la Teología, a través de una escena sobre la Gloria de la Eucaristía.Destaca de este fresco, sobre todo, su hábil composición, indicando la doble presencia de la Eucaristía tanto arriba, en el cielo, como abajo en la tierra. En la parte superior se ve a la Trinidad, con el Padre, Jesús y el Espíritu Santo. En la parte inferior, la Iglesia como institución que custodia la Eucaristía y milita en defensa de la fe. Escuela de AtenasFue ejecutada en los años 1509-1510. Su base tiene una anchura de 770 cm. Está situada frente a la Disputa del Sacramento. Representa la Filosofía, a través de una escena en la que se narra una sesión entre los filósofos clásicos. Los filósofos se encuentran en una arquitectura clásica, abovedada como unas termas. En unos nichos se ven figuras gigantescas de los dioses Apolo y Minerva. El centro de la composición, alrededor del punto de fuga, lo dominan las figuras de Platón y Aristóteles, que debaten sobre la búsqueda de la Verdad; el primero indica al cielo y el segundo a la tierra. En otros personajes se ha identificado a distintos filósofos de la Antigüedad, puestos sobre dos niveles, separados de una escalinata. Destaca entre ellos la figura del primer plano, un poco a la izquierda, que se supone que representa a Heráclito. No estaba en el esbozo o cartón de este fresco, que se conserva en la Biblioteca Ambrosiana de Milán. Se retrata en esta figura a Miguel Ángel, como se ve en el rostro, que es el del pintor florentino ligeramente mejorado, además de en las características stivali que calza: eran unas botas de montar que el pintor florentino no solía quitarse; está escribiendo uno de sus sonetos. Este añadido obedece a la inspiración que suscitaron en Rafael las primeras partes visibles de la bóveda de la Capilla Sixtina. Al tiempo, esta figura evita un gran vacío en esa parte del fresco. También retrató como filósofos a sus contemporáneos Leonardo da Vinci y Bramante. Llama la atención igualmente la figura de Diógenes está tirado en el suelo como un perro tomando el sol. El ParnasoEsta alegoría del Parnaso se encuentra encima de una de las ventanas. Fue ejecutado en el año 1511 y tiene una anchura en la base de 670 cm. Se representa la fuente Hipocrene, al dios Apolo tocando el violín y, a su alrededor, las nueve musas. Rafael representó a numerosos literatos conversando entre sí sin atender al concierto. Aquí aparecen no sólo poetas de la Antigüedad clásica, sino también otros posteriores e incluso contemporáneos, como Dante, Petrarca, Ariosto o Sannazaro.Al discípulo Giovanni da Udine se le atribuye la ejecución de estas musas. Jurisprudencia Esta alegoría del Jurisprudencia se encuentra encima de la otra ventana. Están representadas las Virtudes cardinales y las teologales y la Ley. Data del año 1511 y tiene una anchura en la base de 660 cm. Fue ejecutada por el taller. virtudes están en el luneto: fortaleza, prudencia y templanza.A cada lado de la ventana hay una escena relacionada con la jurisprudencia: a la izquierda aparece la Entrega de las Pandectas por el emperador Justiniano y, a la derecha, Entrega de los Decretales por el papa Gregorio IX. Bóveda. bóveda de esta sala conserva la magnífica decoración que ejecutaron Sodoma y sus ayudantes, todo lo que es la magnífica decoración; pero Rafael sustituyó los temas paganos de los medallones por alegorías de las facultades del espíritu: la Filosofía, la Teología, la Poesía y la Justicia. Existe un claro paralelismo entre estas figuras femeninas y el contenido de los frescos de las paredes. Cada una de ellas, además, está acompañada por un cuadrito sobre el mismo tema. Así, el medallón de la Teología tiene el correspondiente cuadrito con el Pecado original; la Filosofía está acompañada por una persona que mira la esfera del mundo; a la Jurisprudencia le corresponde el Juicio de Salomón y, finalmente, la Poesía está ilustrada con el certamen musical entre Apolo y Marsias.", "entry": "section", "prompt": "En Estancias de Rafael, ¿Cómo se discute la EstanciadelaSignatura(1508-1511)?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Apolo", "Aristóteles", "Arte", "Belleza", "Biblioteca Ambrosiana", "Bóveda", "Capilla Sixtina", "Diógenes", "Espíritu Santo", "Eucaristía", "Filosofía", "Giovanni da Udine", "Gregorio IX", "Heráclito", "Hipocrene", "Julio II", "Jurisprudencia", "Justicia", "Leonardo da Vinci", "Marsias", "Miguel Ángel", "Milán", "Minerva", "Julio II", "Parnaso", "Pecado original", "Petrarca", "Platón", "Poesía", "Renacimiento", "Salomón", "Teología", "Verdad", "Virtud", "Virtudes cardinales", "Ángel"]} +{"id": 316, "title": "Estancias de Rafael", "en_title": "Raphael Rooms", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Raffael_Stanza_della_Segnatura.jpg/270px-Raffael_Stanza_della_Segnatura.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Raffael_Stanza_della_Segnatura.jpg/270px-Raffael_Stanza_della_Segnatura.jpg", "reference": "Esta segunda estancia estaba destinada antiguamente a las audiencias privadas del pontífice. Como la anterior, tiene también forma cuadrada, y dos de las paredes tienen ventanas. Es la habitación siguiente, yendo desde el este hacia el oeste desde la Sala de Constantino. Fue decorada por Rafael, con intervención de sus discípulos Penni y Giulio Romano, durante los años 1512-1514.El tema escogido para este ciclo de frescos es el poder protector del papado, la Iglesia como institución que impone la paz. Por ello se escogieron episodios que demostraban la protección de Dios a la iglesia. elección de este tema no es gratuita. En 1508 se había formado la Liga de Cambrai contra la República de Venecia, cuyos territorios ambicionaban Francia, España, Austria y el propio Papa. En los años 1510–11, el Papado se alió con Venecia. El propio Papa Julio II se puso al frente de las tropas pontificias, luchando en estos años como un soldado más, de ahí la imagen envejecida y barbuda que se presenta en estos años. victoria de la Liga Santa afirmó la imagen del «papa guerrero» como Sumo Sacerdote triunfador en la lucha entre el poder eclesiástico y el civil. Este triunfo de la Iglesia es lo que glorifica Rafael en los frescos de esta segunda sala.En todos los frescos, Rafael, de manera aduladora, incluye a su patrón, el papa Julio II, como participante u observador. Expulsión de Heliodoro del templo.También es conocido con el nombre de Repulsa de Heliodoro. Se observa aquí la intervención de Penni y Giulio Romano. Fue ejecutado en los años 1511 y 1512. Tiene una anchura en la base de 750 cm. Queda en la parte derecha de la Sala y es el fresco que da nombre a la cámara.Representa un milagro narrado en el Segundo libro de los Macabeos, 3: 24-34. Heliodoro, general del rey de Siria, decidió confiscar el tesoro del Templo de Jerusalén para las arcas reales. Apareció entonces un jinete a caballo, cubierto por una armadura de oro, que levantó contra él los cascos de su caballo, al tiempo que aparecieron otros dos jóvenes resplandecientes, que lo golpearon y azotaron. De esta manera, Heliodoro cayó en tierra, y tuvo que retirarse; después se narra su conversión.Pretende así simbolizarse la protección de Dios sobre la Iglesia amenazada en su patrimonio. Y es clara la alusión a la victoria de Julio II sobre las tropas extranjeras en Italia y a la protección sobrenatural que el papa creyó haber recibido en la campaña del Adriático.En el fresco puede verse al Sumo Sacerdote de Jerusalén solo, rezando. misa de BolsenaFue ejecutado en el año 1512, precisamente en los años en que Martín Lutero estuvo en Roma. Este fresco queda a la parte izquierda, sobre una ventana. Se considera que esta Misa de Bolsena es la obra maestra de Rafael como pintor de frescos, atribuyéndosele toda la belleza de este.Narra un milagro acontecido en el año 1263. Un sacerdote bohemio duda de la realidad de la Transubstanciación en la Eucaristía. Estando de viaje por Italia, se detiene en Bolsena a celebrar una misa, en la que se produce el milagro: de la hostia mana sangre durante la consagración. A la izquierda está el sacerdote diciendo misa con la hostia en alto mientras que, frente a él, está representado el papa Julio II arrodillado, en atuendo guerrero, con sus tropas de suizos vistosamente vestidas. Así se representa la protección de Dios a la Iglesia amenazada en su fe. Cuando Julio II marchó a Bolonia para comenzar su campaña en el Adriático, pasó por Orvieto, donde pudo ver la reliquia que se guardaba en la catedral: los corporales de Bolsena, manchados con la sangre milagrosa. Liberación de San Pedro.Es un fresco del año 1514. Tiene una anchura en la base de 660 cm. Está en la otra pared con ventana.Representa la liberación de san Pedro de la cárcel por un ángel, tal como está narrada en los Hechos de los Apóstoles, capítulo 12:7-10. Se relata en tres escenas distintas: en el centro se ve al ángel despertar al santo, a la derecha cómo escapan ambos y en la izquierda los soldados que se despiertan para perseguirlos. Con ello se pretende representar la milagrosa protección concedida por Dios a la Iglesia amenazada la persona del pontífice. Destaca de este fresco la luz: débil aquella de la luna y resplandeciente la del ángel, que se suma a aquella natural que proviene de la ventana inferior. El Encuentro de León Magno con AtilaFresco ejecutado en 1513-1514. Tiene una anchura en la base de 750 centímetros. Se nota en esta obra la mano de Panni y Giulio Romano.Representa el triunfo de la Iglesia, representada por el papa León el Grande, frente a los bárbaros, en ese caso, Atila, que amenazaban su propia sede. El papa lleva una escolta de cardenales a caballo y logra la retirada de los hunos. Incluye las figuras legendarias de san Pedro y san Pablo en el cielo sosteniendo espadas. Es una clara alusión a las luchas del Papado contra Francia.Es interesante constatar que Rafael representó primero a León I con la cara del papa Julio II, pero después de la muerte de este, Rafael cambió la pintura para que se asemejara al nuevo papa, León X. Bóveda.Se conservan algunas partes de los grutescos y arcadas de la bóveda atribuidas a Luca Signorelli, Bramantino, Lorenzo Lotto y Cesare da Sesto. A Rafael le corresponden las cuatro escenas del Antiguo Testamento en el centro de la bóveda: Noé que sale del arca , el Sacrificio de Isaac , Moisés frente a la zarza ardiente , y la Escalera de Jacob .", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Estancias de Rafael y explora la SaladeHeliodoro(1512-1514).Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Antiguo Testamento", "Atila", "Austria", "Bolonia", "Bolsena", "Bramantino", "Bóveda", "Cesare da Sesto", "Dios", "Encuentro de León Magno con Atila", "España", "Eucaristía", "Francia", "Giulio Romano", "Hechos de los Apóstoles", "Italia", "Jerusalén", "Julio II", "León X", "Liberación de San Pedro", "Liga de Cambrai", "Lorenzo Lotto", "Luca Signorelli", "Martín Lutero", "Orvieto", "Julio II", "Papa", "República de Venecia", "Roma", "Templo de Jerusalén", "Transubstanciación", "Venecia"]} +{"id": 317, "title": "Estancias de Rafael", "en_title": "Raphael Rooms", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Raffael_Stanza_della_Segnatura.jpg/270px-Raffael_Stanza_della_Segnatura.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Raffael_Stanza_della_Segnatura.jpg/270px-Raffael_Stanza_della_Segnatura.jpg", "reference": "Esta segunda estancia estaba destinada antiguamente a las audiencias privadas del pontífice. 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Tiene una anchura en la base de 660 cm. Está en la otra pared con ventana.Representa la liberación de san Pedro de la cárcel por un ángel, tal como está narrada en los Hechos de los Apóstoles, capítulo 12:7-10. Se relata en tres escenas distintas: en el centro se ve al ángel despertar al santo, a la derecha cómo escapan ambos y en la izquierda los soldados que se despiertan para perseguirlos. Con ello se pretende representar la milagrosa protección concedida por Dios a la Iglesia amenazada la persona del pontífice. Destaca de este fresco la luz: débil aquella de la luna y resplandeciente la del ángel, que se suma a aquella natural que proviene de la ventana inferior. El Encuentro de León Magno con AtilaFresco ejecutado en 1513-1514. Tiene una anchura en la base de 750 centímetros. Se nota en esta obra la mano de Panni y Giulio Romano.Representa el triunfo de la Iglesia, representada por el papa León el Grande, frente a los bárbaros, en ese caso, Atila, que amenazaban su propia sede. 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A Rafael le corresponden las cuatro escenas del Antiguo Testamento en el centro de la bóveda: Noé que sale del arca , el Sacrificio de Isaac , Moisés frente a la zarza ardiente , y la Escalera de Jacob .", "entry": "section", "prompt": "En Estancias de Rafael, ¿Cómo se discute la SaladeHeliodoro(1512-1514)?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Antiguo Testamento", "Atila", "Austria", "Bolonia", "Bolsena", "Bramantino", "Bóveda", "Cesare da Sesto", "Dios", "Encuentro de León Magno con Atila", "España", "Eucaristía", "Francia", "Giulio Romano", "Hechos de los Apóstoles", "Italia", "Jerusalén", "Julio II", "León X", "Liberación de San Pedro", "Liga de Cambrai", "Lorenzo Lotto", "Luca Signorelli", "Martín Lutero", "Orvieto", "Julio II", "Papa", "República de Venecia", "Roma", "Templo de Jerusalén", "Transubstanciación", "Venecia"]} +{"id": 320, "title": "Estancias de Rafael", "en_title": "Raphael Rooms", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Raffael_Stanza_della_Segnatura.jpg/270px-Raffael_Stanza_della_Segnatura.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Raffael_Stanza_della_Segnatura.jpg/270px-Raffael_Stanza_della_Segnatura.jpg", "reference": "Esta tercera cámara es la última que Rafael vio terminada. Aunque el Incendio del Borgo se basó en un acabado diseño de Rafael, fue ejecutado por sus ayudantes, especialmente Penni, que ejecutaron los otros tres frescos sin su guía.Julio II utilizaba esta sala para las reuniones del más alto tribunal de la Santa Sede: la Segnatura Gratiae et Iustitiae. El papa Julio II murió el 21 de febrero de 1513. Esta Cámara fue ejecutada ya bajo los auspicios del nuevo papa, León X, durante los años 1514 a 1517. El nuevo pontífice destinó esta cámara a sala de música.Los frescos ilustran las aspiraciones políticas de León X a través de historias de papas que tuvieron su mismo nombre, en concreto, de León III y León IV, tal como se narraban en el Liber Pontificalis. s figuras de los papas del pasado se representaron con el mismo aspecto que León X. El incendio del BorgoEste fresco es el más conocido de esta sala y el que le da su nombre. Data del año 1514. base tiene una anchura de 670 centímetros.Representa un milagro de 847, atribuido al papa León IV en el Liber Pontificalis. Se había declarado un incendio en la ciudad, y el papa lo sofocó haciendo la señal de la cruz desde una ventana del Vaticano. Ejemplificaría así el favor divino obtenido a través del Pontífice.Al fondo se ve la fachada de la antigua basílica de San Pedro, no demolida aún. Esta vieja basílica paleocristiana, un edificio de características clásicas, se pone en confrontación con la arquitectura del y los tres órdenes clásicos, el orden dórico, el jónico y el corintio; esto señala el evidente interés del artista por la arquitectura. En primer plano se ve a un hombre con otro a cuestas, se trataría de Eneas con su padre Anquises. De este modo, Rafael compara el acontecimiento con la huida de Eneas de Troya, según la cuenta Virgilio. El dibujo es rico en movimientos.Los otros frescos de la sala son: Coronación de Carlomagno. Escena de la vida de León III. Coronación de Carlomagno muestra cómo Carlomagno fue coronado Imperator Romanorum el día de Navidad del año 800. Justificación de León III. Escena de la vida de León III, también llamada El juramento de León III. El 23 de diciembre de 800, el papa León III prestó juramento a modo de penitencia frente a las acusaciones que alzaban contra él los sobrinos de su predecesor, el papa Adriano I. Este es el acontecimiento reflejado en este fresco. Batalla de Ostia. Escena de la vida de León IV. batalla de Ostia se inspiró en la victoria naval de León IV sobre los sarracenos en Ostia en 849. Bóveda.Se conservan las pinturas ejecutadas en tiempos de Julio II por Pietro Vannucci, el Perugino , alusivas a la función de esta cámara como tribunal. Son cuatro tondos: la Santísima Trinidad, el Creador en el trono entre ángeles y querubines, Cristo como Sol Iustitiae y Cristo tentado por el demonio, Cristo entre la Misericordia y la Justicia. 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Es la habitación de mayor tamaño, y se dedicaba a recepciones y ceremonias oficiales. Sus frescos fueron realizados por alumnos de Rafael Giulio Romano, Gianfrancesco Penni y Raffaellino del Colle, según diseño previo del maestro. Debido a que no son obra autógrafa del maestro, los frescos son menos famosos que las obras de las habitaciones vecinas. El tema de los cuatro frescos principales es el triunfo del Cristianismo sobre el Paganismo. Para ello se usan escenas de la vida de Constantino, el primer emperador romano convertido al Cristianismo, de donde le viene el nombre a esta sala.Siguiendo una larga tradición de adulación, los ayudantes de Rafael le dieron los rasgos del pontífice reinante, Clemente VII al papa Silvestre I en las pinturas. Visión de la CruzEl fresco de la Visión de la Cruz describe la historia legendaria de una gran cruz que se apareció a Constantino al tiempo que marchaba para enfrentarse a su rival, Majencio. visión en el cielo está pintada con las palabras \"Εν τούτω νίκα\" escritas a su lado. Batalla de Constantino contra MajencioTambién conocida como batalla del puente Milvio o la Derrota de Majencio. El boceto previo es de Rafael. Se trata de un fresco de gran tamaño, atribuido a Giulio Romano, poco después de la muerte del maestro.Narra la victoria de Constantino sobre Majencio en la Batalla del Puente Milvio que tuvo lugar el 28 de octubre de 312, posterior a la Visión de Constantino. Se trata de una de las más grandes composiciones militares existentes. Donación de Roma donación de Constantino se inspiró en los famosos documentos falsificados que garantizaban a los Papas soberanía sobre sus dominios temporales. Bautismo de ConstantinoEs la última pintura. Es obra probablemente de Gianfrancesco Penni, y muestra al emperador en su lecho de muerte. Bóveda.En origen, el techo era de madera, pero el papa Gregorio XIII lo sustituyó por una bóveda, que fue decorada por Tommaso ureti, concluyéndose a finales de 1585. El centro de la bóveda está ocupado con una alegoría del Triunfo de la religión cristiana. decoración de la sala se concluye con importantes pontífices y figuras alegóricas de Virtudes a los lados.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Estancias de Rafael y explora la SaladeConstantino(1517-1525).Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Batalla de Constantino contra Majencio", "Batalla del Puente Milvio", "Bautismo de Constantino", "Bóveda", "Cristianismo", "Donación de Roma", "Giulio Romano", "Majencio", "Paganismo", "Papa", "Raffaellino del Colle", "Roma", "Silvestre I", "Virtud", "Visión de la Cruz"]} +{"id": 325, "title": "Estancias de Rafael", "en_title": "Raphael Rooms", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Raffael_Stanza_della_Segnatura.jpg/270px-Raffael_Stanza_della_Segnatura.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Raffael_Stanza_della_Segnatura.jpg/270px-Raffael_Stanza_della_Segnatura.jpg", "reference": "Esta es la última sala que se pintó. 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Es obra probablemente de Gianfrancesco Penni, y muestra al emperador en su lecho de muerte. Bóveda.En origen, el techo era de madera, pero el papa Gregorio XIII lo sustituyó por una bóveda, que fue decorada por Tommaso ureti, concluyéndose a finales de 1585. 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V: época del Renacimiento en Europa, Espasa, 2004. ISBN 84-670-1351-6. Guía visual de Italia, Aguilar, 1997. ISBN 84-03-59439-9.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Estancias de Rafael y explora la Referencias.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Italia", "Renacimiento"]} +{"id": 329, "title": "Estancias de Rafael", "en_title": "Raphael Rooms", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Raffael_Stanza_della_Segnatura.jpg/270px-Raffael_Stanza_della_Segnatura.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Raffael_Stanza_della_Segnatura.jpg/270px-Raffael_Stanza_della_Segnatura.jpg", "reference": "Pijoán, J., \"Rafael\" , Summa Artis, Antología, vol. V: época del Renacimiento en Europa, Espasa, 2004. ISBN 84-670-1351-6. Guía visual de Italia, Aguilar, 1997. 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Se conserva en el Museo del Hermitage de San Petersburgo en Rusia.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Madona Benois y explora la Resumen.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Leonardo da Vinci", "Museo del Hermitage", "Rusia", "San Petersburgo"]} +{"id": 333, "title": "Madona Benois", "en_title": "Benois Madonna", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/78/Leonardo%2C_Madonna_Benois.JPG/270px-Leonardo%2C_Madonna_Benois.JPG", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/78/Leonardo%2C_Madonna_Benois.JPG/270px-Leonardo%2C_Madonna_Benois.JPG", "reference": "Esta Virgen con el Niño y flores, conocida como Madona Benois, es un cuadro del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci. Está realizado al óleo sobre tabla transportado a tela. Mide 48 cm de alto y 31 cm de ancho. Pertenece al periodo 1478-82. 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Hay dos esbozos preliminares de Leonardo para esta obra en el Museo Británico. Recibió el nombre de Madona Benois por la familia que poseía esta obra. Bocchi, en 1591, mencionaba esta obra en la casa florentina de Matteo y Giovanni Botti: «tablilla pintada al óleo de mano de Leonardo da Vinci, de excesiva belleza, donde está pintada una Madona con suma habilidad y con extrema diligencia; la figura de Cristo, que es Niño, es bella y maravillosa: se ve en aquel un alzar de la mirada singular y trabajo impresionante en la dificultad de la actitud con feliz facilidad», descripción que podría referirse también a la Virgen del clavel, que por la originalidad compositiva y la búsqueda del relieve parece libre de cualquier influjo del taller de Verrocchio.Durante siglos, esta Virgen con el Niño y flores se consideró perdida. Sólo en 1909, el arquitecto Leon Benois sensacionalmente la exhibió en San Petersburgo como parte de las colecciones de su suegro. pintura había sido aparentemente traída desde Italia a Rusia por el destacado aficionado Alexander Korsakov en los años 1790. A la muerte de Korsakov, fue vendida por su hijo al comerciante de Astracán Sapoznikov por 1400 rublos , y de esta manera pasó en herencia a la familia Benois en 1880. Después de mucho debate sobre la atribución, Leon Benois vendió la pintura al Imperial Museo del Hermitage en 1914. Desde entonces, se ha exhibido en San Petersburgo.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Madona Benois y explora la Historia.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Astracán", "Bocchi", "Italia", "Leon Benois", "Leonardo da Vinci", "Museo Británico", "Museo del Hermitage", "Múnich", "Rusia", "San Petersburgo", "Verrocchio", "Virgen del clavel"]} +{"id": 337, "title": "Madona Benois", "en_title": "Benois Madonna", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/78/Leonardo%2C_Madonna_Benois.JPG/270px-Leonardo%2C_Madonna_Benois.JPG", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/78/Leonardo%2C_Madonna_Benois.JPG/270px-Leonardo%2C_Madonna_Benois.JPG", "reference": "Puede ser una de las dos Vírgenes con Niño que Leonardo da Vinci comenzó en octubre de 1478, como él mismo señaló. otra sería la Virgen del clavel que se encuentra en Múnich. 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En particular resultaban novedosos, la expresión de la Virgen y su rostro en forma de triángulo invertido; posteriormente, Leonardo perfeccionará el modelo en Virgen de las Rocas del Louvre. Es una madre con su hijo en momentos privados, reflejando una preciosa emoción entre ellos, a través de las miradas y los suaves ademanes de las manos. Esta era la intención del autor, que pareciesen naturales.Leonardo alcanzó esta calidad por medio de estudios de la naturaleza y produjo varias pinturas, esbozos y un número muy grande de dibujos sobre este tema. s dos figuras, de la Madre y el Hijo, están dispuestas de forma oblicua y contrapuesta, pero unidas entre sí en el centro de la composición por una flor con la que los dos juegan. Según algunos, los cuatro pétalos serían una alegoría de la futura crucifixión. Una ventana rompe el fondo.Esta pintura demuestra el método recientemente desarrollado en la época y que fue llamado claroscuro, una técnica de iluminación que oscurece las figuras y que las hace parecer en tres dimensiones. Puede considerarse como obra de transición entre las obras de su primera estancia en Florencia y las que hizo en Milán. complejidad y el detalle de estas pinturas fijaron patrones nuevos. composición de la Virgen con el Niño y flores acabó siendo una de las más populares de Leonardo. Fue muy copiada por jóvenes artistas incluido Rafael, cuya versión del diseño de Leonardo fue adquirida en 2004 por la National Gallery de Londres. Sin embargo, actualmente es una de las obras menos conocidas del pintor. imagen de María, sin dientes, puede explicarse por el estado inacabado del trabajo, como muchas otras pinturas de Leonardo.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Madona Benois y explora la Análisis.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Florencia", "Milán", "National Gallery"]} +{"id": 341, "title": "Madona Benois", "en_title": "Benois Madonna", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/78/Leonardo%2C_Madonna_Benois.JPG/270px-Leonardo%2C_Madonna_Benois.JPG", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/78/Leonardo%2C_Madonna_Benois.JPG/270px-Leonardo%2C_Madonna_Benois.JPG", "reference": "pintura representa a María y a su hijo en un juego de miradas que resulta muy natural y que no puede encontrarse en ninguna pintura italiana de la época. 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En particular resultaban novedosos, la expresión de la Virgen y su rostro en forma de triángulo invertido; posteriormente, Leonardo perfeccionará el modelo en Virgen de las Rocas del Louvre. Es una madre con su hijo en momentos privados, reflejando una preciosa emoción entre ellos, a través de las miradas y los suaves ademanes de las manos. Esta era la intención del autor, que pareciesen naturales.Leonardo alcanzó esta calidad por medio de estudios de la naturaleza y produjo varias pinturas, esbozos y un número muy grande de dibujos sobre este tema. s dos figuras, de la Madre y el Hijo, están dispuestas de forma oblicua y contrapuesta, pero unidas entre sí en el centro de la composición por una flor con la que los dos juegan. Según algunos, los cuatro pétalos serían una alegoría de la futura crucifixión. Una ventana rompe el fondo.Esta pintura demuestra el método recientemente desarrollado en la época y que fue llamado claroscuro, una técnica de iluminación que oscurece las figuras y que las hace parecer en tres dimensiones. Puede considerarse como obra de transición entre las obras de su primera estancia en Florencia y las que hizo en Milán. complejidad y el detalle de estas pinturas fijaron patrones nuevos. composición de la Virgen con el Niño y flores acabó siendo una de las más populares de Leonardo. Fue muy copiada por jóvenes artistas incluido Rafael, cuya versión del diseño de Leonardo fue adquirida en 2004 por la National Gallery de Londres. Sin embargo, actualmente es una de las obras menos conocidas del pintor. imagen de María, sin dientes, puede explicarse por el estado inacabado del trabajo, como muchas otras pinturas de Leonardo.", "entry": "section", "prompt": "En Madona Benois, ¿Cómo se discute la Análisis?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Florencia", "Milán", "National Gallery"]} +{"id": 344, "title": "Madona Benois", "en_title": "Benois Madonna", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/78/Leonardo%2C_Madonna_Benois.JPG/270px-Leonardo%2C_Madonna_Benois.JPG", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/78/Leonardo%2C_Madonna_Benois.JPG/270px-Leonardo%2C_Madonna_Benois.JPG", "reference": "\"Leonardo\", Los grandes genios del arte, n.º 17, Eileen Romano , Unidad Editorial, S.A., 2005, ISBN 84-89780-69-2", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Madona Benois y explora la Referencias.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 345, "title": "Madona Benois", "en_title": "Benois Madonna", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/78/Leonardo%2C_Madonna_Benois.JPG/270px-Leonardo%2C_Madonna_Benois.JPG", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/78/Leonardo%2C_Madonna_Benois.JPG/270px-Leonardo%2C_Madonna_Benois.JPG", "reference": "\"Leonardo\", Los grandes genios del arte, n.º 17, Eileen Romano , Unidad Editorial, S.A., 2005, ISBN 84-89780-69-2", "entry": "section", "prompt": "Explora la Referencias de esta obra de arte, Madona Benois.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 346, "title": "Madona Benois", "en_title": "Benois Madonna", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/78/Leonardo%2C_Madonna_Benois.JPG/270px-Leonardo%2C_Madonna_Benois.JPG", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/78/Leonardo%2C_Madonna_Benois.JPG/270px-Leonardo%2C_Madonna_Benois.JPG", "reference": "\"Leonardo\", Los grandes genios del arte, n.º 17, Eileen Romano , Unidad Editorial, S.A., 2005, ISBN 84-89780-69-2", "entry": "section", "prompt": "¿Cómo aclara Madona Benois su Referencias?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 347, "title": "Madona Benois", "en_title": "Benois Madonna", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/78/Leonardo%2C_Madonna_Benois.JPG/270px-Leonardo%2C_Madonna_Benois.JPG", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/78/Leonardo%2C_Madonna_Benois.JPG/270px-Leonardo%2C_Madonna_Benois.JPG", "reference": "\"Leonardo\", Los grandes genios del arte, n.º 17, Eileen Romano , Unidad Editorial, S.A., 2005, ISBN 84-89780-69-2", "entry": "section", "prompt": "En Madona Benois, ¿Cómo se discute la Referencias?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 348, "title": "Juramento de los Horacios", "en_title": "Oath of the Horatii", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "reference": "Juramento de los Horacios es una obra de Jacques-Louis David realizada en 1784, antes de la Revolución francesa. El cuadro tiene una dimensión de 330 x 425 cm y se conserva en el Museo del Louvre. Se le considera el paradigma de la pintura neoclásica.En él se representa el saludo romano, con el brazo extendido y la palma hacia abajo.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Juramento de los Horacios y explora la Resumen.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Jacques-Louis David", "Horacios", "Museo del Louvre", "Revolución francesa"]} +{"id": 349, "title": "Juramento de los Horacios", "en_title": "Oath of the Horatii", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "reference": "Juramento de los Horacios es una obra de Jacques-Louis David realizada en 1784, antes de la Revolución francesa. 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Este hecho le permitió permanecer cinco años en Roma, como estudiante a cargo del gobierno francés. A su vuelta a París presentó una exposición, en la que Diderot alabó su pintura; el éxito fue tan clamoroso que el rey Luis XVI de Francia, permitió que se alojase en el Louvre, un antiguo privilegio muy deseado por los artistas. Allí conoció a Pécoul, contratista de los edificios reales, y a la hija de Pécoul, con la que contrajo matrimonio. El rey le hizo el encargo de la obra el Juramento de los Horacios, con la intención de que fuera una alegoría sobre la lealtad al estado y, por lo tanto, al monarca. A medida que se acercaba la Revolución francesa, aumentaban las pinturas que hacían referencia a la lealtad hacia el estado más que a la familia o a la iglesia. Aunque este cuadro estuvo realizado casi cinco años antes de la Revolución, el Juramento de los Horacios, se convirtió en una de las imágenes representativas de la época.En el año 1789, pintó Los lictores llevando a Bruto los cuerpos de sus hijos, un cuadro que también era un encargo real. Irónicamente, poco después, el rey subiría al patíbulo acusado también de traición a la patria, como los hijos de Bruto, y con el voto del artista en la Asamblea Nacional, que apoyó la ejecución de Luis XVI. No se sabe bien por qué lo hizo, ya que parece que habría de tener más oportunidades estando al servicio de un rey que en el contexto social del nuevo orden; algunos autores sugieren que el amor de David por el clasicismo, le hizo abrazar todo lo que formaba parte de aquel período, incluso la llegada de un gobierno republicano.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Juramento de los Horacios y explora la Elencargodelaobra.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Francia", "Horacios", "Luis XVI de Francia", "París", "Premio de Roma", "Revolución francesa", "Roma"]} +{"id": 353, "title": "Juramento de los Horacios", "en_title": "Oath of the Horatii", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "reference": "En el año 1774, David consiguió el Premio de Roma con la obra Érasistrate découvrant la cause de la maladie d'Antiochius dans son amour pour Stratonice. 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El propio David comentó de su obra:El tema de la obra es el cumplimiento del deber por encima de cualquier sentimiento personal.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Juramento de los Horacios y explora la Inspiracióndelaobra.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Horacios"]} +{"id": 357, "title": "Juramento de los Horacios", "en_title": "Oath of the Horatii", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "reference": "El Juramento de los Horacios, es una muestra de cómo se puede realizar una copia exacta de las vestiduras antiguas y con una icono-grafía sencilla. 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Había nacido como producto de la insatisfacción, por las tradiciones artísticas, que sentían los artistas y escritores; este movimiento hizo renacer los ideales y el gusto por las obras de los antiguos. En su realización se usaban formas y colores sencillos y se rechazaban los colores brillantes habituales en las épocas precedentes del barroco y del rococó, usándose como modelos las antigüedades griegas y romanas.Este cuadro muestra el estilo artístico neoclásico, y emplea varias técnicas que son típicas de él: El paisaje o fondo no está muy resaltado, mientras que las figuras en primer plano están remarcadas para acentuar su importancia. El uso de colores apagados muestra la importancia de la historia detrás de la pintura sobre el cuadro en sí. El cuadro está claramente organizado, mostrando el simbolismo del número tres y del propio momento, estructurándose geométricamente. El foco sobre detalles claros y duros y la ausencia de uso de los golpes de pincel, predilectos del arte Rococó. s pinceladas son invisibles, para mostrar que el cuadro es más importante que el artista. calidad gélida del cuadro también pretende mostrar racionabilidad, a diferencia del estilo Rococó. única emoción que se muestra es la de las mujeres, a las que se permitía sentir, mientras que los hombres tenían que cumplir con el deber. El hecho de que también representa una historia moralmente compleja o perturbadora lleva a que se clasifique como una obra de arte neoclásica. Predominio del dibujo sobre el color.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Juramento de los Horacios y explora la Técnicasimbólica.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Europa", "Francia", "Rococó"]} +{"id": 361, "title": "Juramento de los Horacios", "en_title": "Oath of the Horatii", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "reference": "El neoclasicismo es un período artístico que se desarrolló durante los siglos y , y tuvo una especial importancia en Francia y en el norte de Europa. 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Había nacido como producto de la insatisfacción, por las tradiciones artísticas, que sentían los artistas y escritores; este movimiento hizo renacer los ideales y el gusto por las obras de los antiguos. En su realización se usaban formas y colores sencillos y se rechazaban los colores brillantes habituales en las épocas precedentes del barroco y del rococó, usándose como modelos las antigüedades griegas y romanas.Este cuadro muestra el estilo artístico neoclásico, y emplea varias técnicas que son típicas de él: El paisaje o fondo no está muy resaltado, mientras que las figuras en primer plano están remarcadas para acentuar su importancia. El uso de colores apagados muestra la importancia de la historia detrás de la pintura sobre el cuadro en sí. El cuadro está claramente organizado, mostrando el simbolismo del número tres y del propio momento, estructurándose geométricamente. El foco sobre detalles claros y duros y la ausencia de uso de los golpes de pincel, predilectos del arte Rococó. s pinceladas son invisibles, para mostrar que el cuadro es más importante que el artista. calidad gélida del cuadro también pretende mostrar racionabilidad, a diferencia del estilo Rococó. única emoción que se muestra es la de las mujeres, a las que se permitía sentir, mientras que los hombres tenían que cumplir con el deber. El hecho de que también representa una historia moralmente compleja o perturbadora lleva a que se clasifique como una obra de arte neoclásica. Predominio del dibujo sobre el color.", "entry": "section", "prompt": "¿Cómo aclara Juramento de los Horacios su Técnicasimbólica?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Europa", "Francia", "Rococó"]} +{"id": 363, "title": "Juramento de los Horacios", "en_title": "Oath of the Horatii", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "reference": "El neoclasicismo es un período artístico que se desarrolló durante los siglos y , y tuvo una especial importancia en Francia y en el norte de Europa. Había nacido como producto de la insatisfacción, por las tradiciones artísticas, que sentían los artistas y escritores; este movimiento hizo renacer los ideales y el gusto por las obras de los antiguos. En su realización se usaban formas y colores sencillos y se rechazaban los colores brillantes habituales en las épocas precedentes del barroco y del rococó, usándose como modelos las antigüedades griegas y romanas.Este cuadro muestra el estilo artístico neoclásico, y emplea varias técnicas que son típicas de él: El paisaje o fondo no está muy resaltado, mientras que las figuras en primer plano están remarcadas para acentuar su importancia. El uso de colores apagados muestra la importancia de la historia detrás de la pintura sobre el cuadro en sí. El cuadro está claramente organizado, mostrando el simbolismo del número tres y del propio momento, estructurándose geométricamente. El foco sobre detalles claros y duros y la ausencia de uso de los golpes de pincel, predilectos del arte Rococó. s pinceladas son invisibles, para mostrar que el cuadro es más importante que el artista. calidad gélida del cuadro también pretende mostrar racionabilidad, a diferencia del estilo Rococó. única emoción que se muestra es la de las mujeres, a las que se permitía sentir, mientras que los hombres tenían que cumplir con el deber. El hecho de que también representa una historia moralmente compleja o perturbadora lleva a que se clasifique como una obra de arte neoclásica. Predominio del dibujo sobre el color.", "entry": "section", "prompt": "En Juramento de los Horacios, ¿Cómo se discute la Técnicasimbólica?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Europa", "Francia", "Rococó"]} +{"id": 364, "title": "Juramento de los Horacios", "en_title": "Oath of the Horatii", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "reference": "Según Johann Joachim Winckelmann: es la particularidad que el pintor muestra con más fuerza en esta obra. El espacio se vuelve teatral gracias al uso de la luz, hecho que recuerda a Caravaggio, y que procede de la parte izquierda del cuadro. Al ritual del juramento de las espadas se puede observan una gran tensión, y también la energía de las figuras masculinas, que contrastan con el desconsuelo más pasivo del grupo de figuras femeninas que dentro de la composición, con sus cabezas juntas, forman una pirámide. Es de resaltar las líneas compositivas rectas y firmes para los hombres y curvadas para la representación de las mujeres. figura del fondo que está con los niños, es el punto que refleja un tipo de sentimiento propio de la época.El fondo del cuadro está dividido en tres partes gracias a la inclusión de tres arcos; cada uno de ellos sirve de marco para los personajes, con dos grupos en los arcos laterales y un personaje principal más destacado en el central. Esta composición narrativa ya había sido empleada por Giotto y el Perugino en los frescos de Santa María Magdalena, en Florencia. perspectiva se centra en las manos de la figura central del padre, quien además realiza la acción principal en el juramento de sus hijos, que es el sostenimiento de las espadas. oposición de líneas se encuentra entre la verticalidad de las columnas que forman los arcos y las horizontales de las baldosas del pavimento. Siguiendo estas líneas se encuentra el punto de fuga de la composición: la mano del padre que sostiene las tres espadas.De los tres hermanos, el que está colocado en primer plano es, sin duda, el que atrae la mirada del espectador. leyenda cuenta que sólo uno de los tres Horacios salió victorioso. Mientras que los otros hermanos extienden las manos en dirección hacia su padre y las espadas, formando la línea de horizonte, su brazo es recto y firme. fuerza representada por su brazo es la de su firme compromiso con la patria.El detalle más revelador reside en la alineación de su mirada con el punto de fuga junto con la mirada de su padre y a la vez forman parte de la línea del horizonte. En esta línea el punto central se encuentra en la unión de las manos del padre sosteniendo el símbolo de las espadas.El Juramento de los Horacios, tiene un cierto paralelismo con la pintura del Juramento en el Rütli , donde las figuras llenan el espacio, sin fondo, en posturas violentas. Fue realizada por el pintor suizo Johann Heinrich Füssli, aunque no se sabe con certeza si David conocía esta obra.Cuando el pintor italiano Pompeo Batoni vio la obra, le dijo a David:", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Juramento de los Horacios y explora la Composición.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Caravaggio", "Giotto", "Johann Heinrich Füssli", "Johann Joachim Winckelmann", "Horacios", "Pompeo Batoni"]} +{"id": 365, "title": "Juramento de los Horacios", "en_title": "Oath of the Horatii", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "reference": "Según Johann Joachim Winckelmann: es la particularidad que el pintor muestra con más fuerza en esta obra. El espacio se vuelve teatral gracias al uso de la luz, hecho que recuerda a Caravaggio, y que procede de la parte izquierda del cuadro. Al ritual del juramento de las espadas se puede observan una gran tensión, y también la energía de las figuras masculinas, que contrastan con el desconsuelo más pasivo del grupo de figuras femeninas que dentro de la composición, con sus cabezas juntas, forman una pirámide. Es de resaltar las líneas compositivas rectas y firmes para los hombres y curvadas para la representación de las mujeres. figura del fondo que está con los niños, es el punto que refleja un tipo de sentimiento propio de la época.El fondo del cuadro está dividido en tres partes gracias a la inclusión de tres arcos; cada uno de ellos sirve de marco para los personajes, con dos grupos en los arcos laterales y un personaje principal más destacado en el central. 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Fue realizada por el pintor suizo Johann Heinrich Füssli, aunque no se sabe con certeza si David conocía esta obra.Cuando el pintor italiano Pompeo Batoni vio la obra, le dijo a David:", "entry": "section", "prompt": "Explora la Composición de esta obra de arte, Juramento de los Horacios.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Caravaggio", "Giotto", "Johann Heinrich Füssli", "Johann Joachim Winckelmann", "Horacios", "Pompeo Batoni"]} +{"id": 366, "title": "Juramento de los Horacios", "en_title": "Oath of the Horatii", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "reference": "Según Johann Joachim Winckelmann: es la particularidad que el pintor muestra con más fuerza en esta obra. 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Esta composición narrativa ya había sido empleada por Giotto y el Perugino en los frescos de Santa María Magdalena, en Florencia. perspectiva se centra en las manos de la figura central del padre, quien además realiza la acción principal en el juramento de sus hijos, que es el sostenimiento de las espadas. oposición de líneas se encuentra entre la verticalidad de las columnas que forman los arcos y las horizontales de las baldosas del pavimento. Siguiendo estas líneas se encuentra el punto de fuga de la composición: la mano del padre que sostiene las tres espadas.De los tres hermanos, el que está colocado en primer plano es, sin duda, el que atrae la mirada del espectador. leyenda cuenta que sólo uno de los tres Horacios salió victorioso. 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Se expuso por primera vez en el estudio del pintor en Roma durante el año 1785, sacerdotes, cardenales, príncipes y princesas acudieron a ver el increíble trabajo de David, creándose poemas laudatorios del cuadro. Incluso el Papa quiso ver El Juramento. David quiso exponer la pintura en el Salón, pero llegó tarde y los académicos opuestos a David la colocaron en un mal lugar. Finalmente, las quejas del público hicieron necesario trasladar este cuadro a una mejor posición.A causa de la lectura que se desprendía de la pintura, la obra fue considerada una declaración política, e incluso, para algunos como una invitación para el levantamiento en armas, a pesar de ser una opinión bien discutible. Años más tarde, a partir de 1790, David, se integró más activamente en la actividad revolucionaria, y actuó como un artista al servicio de la propaganda de la Revolución. Ese mismo año se le encargó que pintara el Juramento del Juego de Pelota, obra que dejó incompleta. En 1794, después de ser elegido miembro de Convención, fue detenido y encarcelado. Más tarde, se hizo adepto de Napoleón, y vivió un gran período en el que disfrutó de fama artística y política, etapa que terminó con la caída del emperador.Osvaldo Svanascini, en el libro El juicio del siglo XX , hace referencia a la pintura y dice:Raymond Cogniat escribe:", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Juramento de los Horacios y explora la Recepción.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Juramento del Juego de Pelota", "Roma"]} +{"id": 369, "title": "Juramento de los Horacios", "en_title": "Oath of the Horatii", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "reference": "El cuadro fue un encargo del rey en 1784. 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En 1794, después de ser elegido miembro de Convención, fue detenido y encarcelado. Más tarde, se hizo adepto de Napoleón, y vivió un gran período en el que disfrutó de fama artística y política, etapa que terminó con la caída del emperador.Osvaldo Svanascini, en el libro El juicio del siglo XX , hace referencia a la pintura y dice:Raymond Cogniat escribe:", "entry": "section", "prompt": "En Juramento de los Horacios, ¿Cómo se discute la Recepción?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Juramento del Juego de Pelota", "Roma"]} +{"id": 372, "title": "Juramento de los Horacios", "en_title": "Oath of the Horatii", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "reference": "Tuvo una gran cantidad de discípulos, la mayoría de los cuales se incorporaron a los estilos del realismo y sobre todo, del romanticismo. Sin duda, Ingres, alumno de David desde muy joven, fue un seguidor de las enseñanzas del maestro; un ejemplo de la influencia de David se aprecia claramente en la Ilíada, una pintura de los comienzos de la carrera de Ingres, y que es la composición más parecida a la obra de David.El Juramento de los Horacios también sirvió de inspiración al compositor italiano Bernardo Porta, , amigo del pintor, que en el año 1800 escribió la ópera Los Horacios, con texto de la obra Horacio del año 1640 del dramaturgo francés Pierre Corneille. En esta ópera, hay una escena donde se rinde homenaje al cuadro de David. Como anécdota, al estreno de la obra asistió el primer cónsul Napoleón Bonaparte, que sufrió una tentativa de asesinato; que se conoce como conspiración de los \"poignards\".", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Juramento de los Horacios y explora la Influencia.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Horacios", "Napoleón Bonaparte", "Napoleón Bonaparte", "Pierre Corneille"]} +{"id": 373, "title": "Juramento de los Horacios", "en_title": "Oath of the Horatii", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "reference": "Tuvo una gran cantidad de discípulos, la mayoría de los cuales se incorporaron a los estilos del realismo y sobre todo, del romanticismo. 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Sin duda, Ingres, alumno de David desde muy joven, fue un seguidor de las enseñanzas del maestro; un ejemplo de la influencia de David se aprecia claramente en la Ilíada, una pintura de los comienzos de la carrera de Ingres, y que es la composición más parecida a la obra de David.El Juramento de los Horacios también sirvió de inspiración al compositor italiano Bernardo Porta, , amigo del pintor, que en el año 1800 escribió la ópera Los Horacios, con texto de la obra Horacio del año 1640 del dramaturgo francés Pierre Corneille. En esta ópera, hay una escena donde se rinde homenaje al cuadro de David. Como anécdota, al estreno de la obra asistió el primer cónsul Napoleón Bonaparte, que sufrió una tentativa de asesinato; que se conoce como conspiración de los \"poignards\".", "entry": "section", "prompt": "¿Cómo aclara Juramento de los Horacios su Influencia?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Horacios", "Napoleón Bonaparte", "Napoleón Bonaparte", "Pierre Corneille"]} +{"id": 375, "title": "Juramento de los Horacios", "en_title": "Oath of the Horatii", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "reference": "Tuvo una gran cantidad de discípulos, la mayoría de los cuales se incorporaron a los estilos del realismo y sobre todo, del romanticismo. Sin duda, Ingres, alumno de David desde muy joven, fue un seguidor de las enseñanzas del maestro; un ejemplo de la influencia de David se aprecia claramente en la Ilíada, una pintura de los comienzos de la carrera de Ingres, y que es la composición más parecida a la obra de David.El Juramento de los Horacios también sirvió de inspiración al compositor italiano Bernardo Porta, , amigo del pintor, que en el año 1800 escribió la ópera Los Horacios, con texto de la obra Horacio del año 1640 del dramaturgo francés Pierre Corneille. En esta ópera, hay una escena donde se rinde homenaje al cuadro de David. Como anécdota, al estreno de la obra asistió el primer cónsul Napoleón Bonaparte, que sufrió una tentativa de asesinato; que se conoce como conspiración de los \"poignards\".", "entry": "section", "prompt": "En Juramento de los Horacios, ¿Cómo se discute la Influencia?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Horacios", "Napoleón Bonaparte", "Napoleón Bonaparte", "Pierre Corneille"]} +{"id": 376, "title": "Juramento de los Horacios", "en_title": "Oath of the Horatii", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "reference": "En la obra de teatro Horacio, publicada en el año 1640, la acción se sitúa en los orígenes de Roma.Empieza con una situación de paz y felicidad: la familia romana de los Horacios se encuentra unida a la familia de la ciudad vecina de Alba Longa de los Curiacios. El joven Horacio está casado con Sabina, joven albanesa, que tiene un hermano Curiacio que es el prometido de Camila, hermana de Horacio. Pero se declara la guerra entre las dos ciudades. Para terminarla, cada una de las dos ciudades designa tres campeones, que lucharán para decidir la suerte de las dos ciudades. El destino hace que los tres escogidos por Roma sean los hermanos Horacios y los de Alba Longa sean los tres hermanos Curiacios.Los que hasta entonces eran amigos se encuentran así cara a cara, provocando una serie de conflictos de conciencia que habrán de resolverse de diferentes maneras: mientras Horacio sobrepone el deber patriótico, Curiacio lamenta la crueldad de su destino.En la lucha, Horacio vence después de la muerte de sus dos hermanos y da muerte a los tres Curiacios. De regreso a Roma, recibe los elogios de todos, menos de su hermana Camila, que le reprocha amargamente la muerte de su amado. Horacio mata a su hermana, acusándola de falta de patriotismo, por este hecho es llevado ante los jueces.El proceso permitirá que el viejo Horacio, haga una encendida defensa del honor frente al amor, Horacio será declarado inocente, a pesar de la acusación de su amigo Valerio, quien también amaba a Camila.Al principio, David, pretendía representar este último episodio, y se encuentran dibujos que muestran a Horacio superviviente alzando la espada, con su hermana muerta. David más tarde decidió que este tema era demasiado fuerte para enviar el mensaje del deber público sobre el sentimiento privado, pero su siguiente obra importante representaba una escena similar, Lucio Junio Bruto lamentándose sobre los cuerpos de sus hijos después de haber ordenado él mismo su ejecución por traición.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de Juramento de los Horacios, explora la HoraciodePierreCorneille y Inspiracióndelaobra.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Alba Longa", "Horacios", "Lucio Junio Bruto", "Roma"]} +{"id": 377, "title": "Juramento de los Horacios", "en_title": "Oath of the Horatii", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "reference": "En la obra de teatro Horacio, publicada en el año 1640, la acción se sitúa en los orígenes de Roma.Empieza con una situación de paz y felicidad: la familia romana de los Horacios se encuentra unida a la familia de la ciudad vecina de Alba Longa de los Curiacios. 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No muestra ninguna emoción.Tres hermanos HoraciosEn la pintura los tres hermanos se sitúan a la izquierda, expresan su lealtad y solidaridad con Roma antes de la batalla, totalmente apoyados por su padre. Son hombres deseosos de entregar sus vidas por deber patriótico. En esta sociedad patriarcal, los hombres de acero, de resuelta mirada y miembros tensos, son la ciudadela del patriotismo republicano. Eran símbolos de las más altas virtudes de la República; las mujeres, de más tierno corazón, se quedan en casa llorando y están satisfechas con esperar.Camila HoracioSu desesperación está explicada en parte por el hecho de que es hermana de los Horacios, viste una toga blanca que demuestra los conocimientos arqueológicos de David; es una Horacio prometida con un Curiacio.Sabina CuriacioSabina, vestida de marrón, es una Curiacio que está casada con uno de los Horacios, por lo que llora por su esposo y su hermano.Hijos de Sabina y Aya mujer vestida de negro al fondo sostiene dos niños de uno de los esposos Horacio y la esposa Curiacio. hija menor oculta su rostro en el vestido de su aya mientras que el hijo rechaza que le tapen los ojos.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de Juramento de los Horacios, explora la Personajesdelaobraneoclásica y Inspiracióndelaobra.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Horacios", "Roma"]} +{"id": 381, "title": "Juramento de los Horacios", "en_title": "Oath of the Horatii", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg/350px-Jacques-Louis_David%2C_Le_Serment_des_Horaces.jpg", "reference": "Padre HoracioEs el personaje central y el que realiza la acción principal, tomando juramento a sus hijos, mientras sostiene las tres espadas con sus manos, obligándolos al cumplimiento del deber con la patria. 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Fue realizada entre 1647 y 1652, por encargo del cardenal Cornaro, para ser colocada donde iría su tumba, en la Iglesia de Santa María de la Victoria , en Roma, donde actualmente se encuentra, en la llamada Capilla Cornaro. Santa Maria della Vittoria es una basílica del erigida para conmemorar la victoria del emperador Fernando II en la Batalla del Monte Blanco.Una de las estancias más importantes de la iglesia es la Capilla de Cornaro, en la que se encuentra la escultura de Bernini El Éxtasis de Santa Teresa. Se trata de una de las obras más destacadas de la escultura barroca.El Éxtasis de Santa Teresa está considerada una de las obras maestras de la escultura del alto barroco romano. Retrata la imagen de Santa Teresa de Ávila durante el don místico de la transverberación que describe en su Libro de la Vida. El Museo del Ermitage conserva una terracota de reducidas dimensiones realizada entre 1644 y 1647 en el que aun se aprecian trazos del enérgico de los dedos del escultor.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Éxtasis de Santa Teresa y explora la Resumen.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Capilla Cornaro", "Gian Lorenzo Bernini", "Iglesia de Santa María de la Victoria", "Roma", "Transverberación"]} +{"id": 385, "title": "Éxtasis de Santa Teresa", "en_title": "Ecstasy of Saint Teresa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6b/Ecstasy_of_Saint_Teresa_September_2015-2a.jpg/220px-Ecstasy_of_Saint_Teresa_September_2015-2a.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6b/Ecstasy_of_Saint_Teresa_September_2015-2a.jpg/220px-Ecstasy_of_Saint_Teresa_September_2015-2a.jpg", "reference": "El Éxtasis de Santa Teresa también conocido como la Transverberación de Santa Teresa es un grupo escultórico en mármol obra del escultor y pintor Gian Lorenzo Bernini, de estilo barroco. 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Aprendió los rudimentos de la escultura en el taller de su padre, Pietro , un escultor manierista de cierto relieve. Fue también su padre quien lo puso en contacto con algunos de los mecenas más importantes de su tiempo, lo que le permitió manifestar su talento de una forma bastante precoz. En sus obras más tempranas resultan ya evidentes la ruptura con el manierismo tardío y una concepción radicalmente distinta de la escultura; el intenso dramatismo, la grandiosidad y la búsqueda de efectos escenográficos están ya presentes en estas primeras creaciones. En 1629, Bernini fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro por el papa Urbano VIII. Desde entonces hasta su muerte trabajó ininterrumpidamente para los sumos pontífices, salvo un cierto paréntesis durante el pontificado de Inocencio X, quien prefirió a otros artistas y le encargó pocas obras. De sus realizaciones para San Pedro destacan el gran baldaquino sobre el altar mayor y el grupo escultórico de los Padres de la Iglesia que, observado a través de las columnas del baldaquino, ofrece efectos de una gran fuerza teatral, tal como pretendía el artífice. Su mejor aportación a la basílica de San Pedro fue, sin embargo, la columnata que rodea la plaza, justo delante del templo, que le ha valido elogios continuos por su armonía y sus efectos escenográficos... Aunque en menor medida, Bernini trabajó también para mecenas privados, y fruto de esa colaboración es la obra quizá más representativa de su estilo escultórico, el Éxtasis de santa Teresa. Resulta difícil concebir una mayor intensidad dramática y una mayor fuerza dinámica en una realización de pequeñas dimensiones ejecutada mediante un tratamiento exquisito del mármol. Por su condición de elemento para la decoración de una capilla y sus magníficos efectos de claroscuro, se considera esta obra como un compendio magistral de las tres artes mayores, arquitectura, escultura y pintura, y por ello ha quedado como modelo incomparable de la escultura barroca.Todo el conjunto fue supervisado y completado por Bernini entre 1647 y 1652 durante el papado de Inocencio X. Durante este tiempo, Bernini había caído en desgracia debido a que se le relacionó con los gastos excesivos del papado de Urbano VIII, lo que le privó en gran medida del mecenazgo pontificio, aunado al hecho de que el papa Inocencio dio mayor preferencia al rival artístico de Bernini, Alessandro Algardi.De esta manera, Bernini estaba disponible para ser contratado por patrones privados, entre ellos, el cardenal veneciano Federico Cornaro , que había elegido la iglesia de Santa Maria della Vittoria de los carmelitas descalzos como su capilla de enterramiento.Cornaro tenía razones para evitar que lo enterrasen en Venecia, puesto que su nombramiento como cardenal por el papa Barberini Urbano VIII, realizado mientras su padre Giovanni era dogo, había creado cierto escándalo en su ciudad natal y generado enfrentamientos dentro de las familias. Eligió la capilla izquierda de la iglesia, donde previamente se encontraba una representación de San Pablo en éxtasis, que fue reemplazada con una imagen de Santa Teresa de Jesús, escritora mística, reformadora y primera santa carmelita, cuya canonización, llevada a cabo en 1622, era reciente, mientras sufre un éxtasis provocado por el flechazo de un querubín.Se completó en 1652 costando la por entonces exorbitante suma de 12.000 escudos .De acuerdo a lo que propone el intelectual español Luis María Ansón, Santa Teresa entró en éxtasis influenciada por San Juan De la Cruz. Según este escritor hispánico miembro de la Real Academia Española, Santa Teresa: }} iglesia ha crecido en popularidad y recibe mayor número de turistas desde su aparición en el libro y la película Ángeles y Demonios de Dan Brown.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Éxtasis de Santa Teresa y explora la Historia.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Alessandro Algardi", "Dan Brown", "Inocencio X", "Nápoles", "Teresa de Jesús", "Teresa de Jesús", "Teresa de Jesús", "Urbano VIII", "Venecia"]} +{"id": 389, "title": "Éxtasis de Santa Teresa", "en_title": "Ecstasy of Saint Teresa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6b/Ecstasy_of_Saint_Teresa_September_2015-2a.jpg/220px-Ecstasy_of_Saint_Teresa_September_2015-2a.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6b/Ecstasy_of_Saint_Teresa_September_2015-2a.jpg/220px-Ecstasy_of_Saint_Teresa_September_2015-2a.jpg", "reference": "deimagenAutorretrato de Bernini Nacido en Nápoles, en 1598, Bernini es el gran genio del barroco italiano, el heredero de la fuerza escultórica de Miguel Ángel y principal modelo del Barroco arquitectónico en Europa. 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En las paredes laterales, hay relieves a tamaño real de la familia Cornaro que simulan presenciar la escena.s dos figuras principales que centran la atención derivan de un episodio descrito por santa Teresa de Ávila en su escrito autobiográfico conocido como Libro de la Vida, en el que la monja carmelita cuenta cómo un ángel le atraviesa el corazón con un dardo de oro. escena recoge el momento en el que el ángel saca la flecha, y la expresión del rostro muestra los sentimientos de Santa Teresa, mezcla de dolor y placer. Según sus propias palabras: }}s figuras están realizadas en mármol blanco principalmente, y los rayos del sol de bronce. fuerte expresividad de la obra, el desorden de las figuras y en especial del pliegue del manto de la santa, denotan que es de claro estilo barroco. Bernini además pintó la capilla donde fue colocado el conjunto, para darle mayor realismo y sensación de misticismo. Es una obra que une arquitectura, escultura y pintura, y tiene 3,4 metros de altura.Bernini tenía experiencia como diseñador de escenarios y en esta obra incorporó el componente teatral. estatua de mármol tiene 3,4 metros de altura y está iluminada por la luz de una ventana oculta, que añade luminosidad a las figuras. A ambos lados de la capilla, Bernini situó estatuas que representan a miembros de la familia Cornaro, en palcos de teatro, como para ver el espectáculo. Bernini creó la capilla y su estatua entre 1647 y 1651, cuando acababa de ser canonizada Santa Teresa.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Éxtasis de Santa Teresa y explora la Composición.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 393, "title": "Éxtasis de Santa Teresa", "en_title": "Ecstasy of Saint Teresa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6b/Ecstasy_of_Saint_Teresa_September_2015-2a.jpg/220px-Ecstasy_of_Saint_Teresa_September_2015-2a.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6b/Ecstasy_of_Saint_Teresa_September_2015-2a.jpg/220px-Ecstasy_of_Saint_Teresa_September_2015-2a.jpg", "reference": "capilla es una explosión de mármol de color metal y detalles, con luz filtrada a través de una ventana ubicada por encima de santa Teresa, subrayados por rayos dorados. cúpula tiene frescos con un cielo de trampantojo, lleno de querubines, con la luz que desciende del Espíritu Santo representado en forma de paloma. 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Otros atribuyen que la expresión cuadra con el intenso dolor que la santa describe cuando relata la transverberación. Bernini expresa con acierto el intenso dolor físico en la expresión facial que según la santa, se unía a un estado de alegría divina.Esta capilla escenográfica unifica los temas de toda una vida tratados por Bernini, fiel al sentimiento barroco. unidad de arquitectura, teatro, y escultura que se encuentra en este complejo es también un rasgo barroco, con el Espíritu Santo como un baño de luz o guiado por los rayos dorados que enmarcan la estatua y provienen de las ventanas en la parte superior de la capilla, lo que permite al cielo entrar en la iglesia.Los efectos son teatrales, incluyendo el discurso que la santa sugiere flanqueada por el linaje de los Cornaro. Para añadirle dinamismo, Bernini ha trabajado la piedra en olas de tela, evocando el terremoto espiritual que rodea a Teresa. Un viento divino agita la ropa del ángel. Éste sonríe casi travieso. nube sin pulir parece casi superflua; la ropa de Teresa parece que la basta en su levitación. \"Un efecto luminoso hace que las imágenes parezcan suspendidas en el aire.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Éxtasis de Santa Teresa y explora la Valoración.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 397, "title": "Éxtasis de Santa Teresa", "en_title": "Ecstasy of Saint Teresa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6b/Ecstasy_of_Saint_Teresa_September_2015-2a.jpg/220px-Ecstasy_of_Saint_Teresa_September_2015-2a.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6b/Ecstasy_of_Saint_Teresa_September_2015-2a.jpg/220px-Ecstasy_of_Saint_Teresa_September_2015-2a.jpg", "reference": "expresión de la santa en plena transverberación, constituye una de las más grandes realizaciones de todo el arte barroco. postura del cuerpo y la expresión facial de santa Teresa ha hecho que algunos atribuyan su experiencia a un momento climácico. Otros atribuyen que la expresión cuadra con el intenso dolor que la santa describe cuando relata la transverberación. Bernini expresa con acierto el intenso dolor físico en la expresión facial que según la santa, se unía a un estado de alegría divina.Esta capilla escenográfica unifica los temas de toda una vida tratados por Bernini, fiel al sentimiento barroco. unidad de arquitectura, teatro, y escultura que se encuentra en este complejo es también un rasgo barroco, con el Espíritu Santo como un baño de luz o guiado por los rayos dorados que enmarcan la estatua y provienen de las ventanas en la parte superior de la capilla, lo que permite al cielo entrar en la iglesia.Los efectos son teatrales, incluyendo el discurso que la santa sugiere flanqueada por el linaje de los Cornaro. Para añadirle dinamismo, Bernini ha trabajado la piedra en olas de tela, evocando el terremoto espiritual que rodea a Teresa. Un viento divino agita la ropa del ángel. Éste sonríe casi travieso. nube sin pulir parece casi superflua; la ropa de Teresa parece que la basta en su levitación. \"Un efecto luminoso hace que las imágenes parezcan suspendidas en el aire.", "entry": "section", "prompt": "Explora la Valoración de esta obra de arte, Éxtasis de Santa Teresa.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 398, "title": "Éxtasis de Santa Teresa", "en_title": "Ecstasy of Saint Teresa", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6b/Ecstasy_of_Saint_Teresa_September_2015-2a.jpg/220px-Ecstasy_of_Saint_Teresa_September_2015-2a.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6b/Ecstasy_of_Saint_Teresa_September_2015-2a.jpg/220px-Ecstasy_of_Saint_Teresa_September_2015-2a.jpg", "reference": "expresión de la santa en plena transverberación, constituye una de las más grandes realizaciones de todo el arte barroco. postura del cuerpo y la expresión facial de santa Teresa ha hecho que algunos atribuyan su experiencia a un momento climácico. Otros atribuyen que la expresión cuadra con el intenso dolor que la santa describe cuando relata la transverberación. Bernini expresa con acierto el intenso dolor físico en la expresión facial que según la santa, se unía a un estado de alegría divina.Esta capilla escenográfica unifica los temas de toda una vida tratados por Bernini, fiel al sentimiento barroco. unidad de arquitectura, teatro, y escultura que se encuentra en este complejo es también un rasgo barroco, con el Espíritu Santo como un baño de luz o guiado por los rayos dorados que enmarcan la estatua y provienen de las ventanas en la parte superior de la capilla, lo que permite al cielo entrar en la iglesia.Los efectos son teatrales, incluyendo el discurso que la santa sugiere flanqueada por el linaje de los Cornaro. Para añadirle dinamismo, Bernini ha trabajado la piedra en olas de tela, evocando el terremoto espiritual que rodea a Teresa. Un viento divino agita la ropa del ángel. 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Data del año 1890. Mide 94 cm de alto y 74 cm de ancho. Esta pintura se encuentra en el Museo de Orsay .", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en La iglesia de Auvers-sur-Oise y explora la Resumen.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Museo de Orsay", "Vincent van Gogh"]} +{"id": 405, "title": "La iglesia de Auvers-sur-Oise", "en_title": "The Church at Auvers", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ad/Vincent_van_Gogh_-_The_Church_in_Auvers-sur-Oise%2C_View_from_the_Chevet_-_Google_Art_Project.jpg/220px-Vincent_van_Gogh_-_The_Church_in_Auvers-sur-Oise%2C_View_from_the_Chevet_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ad/Vincent_van_Gogh_-_The_Church_in_Auvers-sur-Oise%2C_View_from_the_Chevet_-_Google_Art_Project.jpg/220px-Vincent_van_Gogh_-_The_Church_in_Auvers-sur-Oise%2C_View_from_the_Chevet_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "}} iglesia de Auvers sur Oise es un cuadro pintado al óleo sobre tela del pintor holandés Vincent van Gogh. 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Hizo una visita a su hermano Theo van Gogh en París y después se marchó a Auvers-sur-Oise, por consejo de su amigo Camille Pissarro, para que lo tratase el doctor Paul Gachet. Aquí Van Gogh pasó lo que serían sus últimas diez semanas de vida y en este breve lapso de tiempo pintó un centenar de cuadros. Van Gogh pintó durante un tiempo las flores del jardín del doctor, y luego fue dedicándose a la población y su entorno. Así descubrió la iglesia del pueblo, de estilo gótico, que pintó en este cuadro: iglesia de Auvers-sur-Oise.Este cuadro, con otras telas como el Ayuntamiento de Auvers y numerosos cuadros de pequeñas casas con los tejados de tejas son reminiscencia de las escenas de los paisajes nórdicos de su infancia. Una cierta nostalgia por el norte se podía ya notar en sus últimas semanas en Saint-Rémy: en una carta de un par de semanas antes de su partida, escribe «mientras estaba enfermo hice de todas formas algunos pequeños lienzos de memoria, que verás más adelante, en recuerdo del norte.»Precisamente, se refería a un trabajo similar hecho en Nuenen cuando describe este cuadro en una carta a su hermana Wilhelmina: El «simple azul oscuro» lo usó también en su Retrato de Adeline Ravoux, pintado en el mismo breve período que pasó en Auvers-sur-Oise.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en La iglesia de Auvers-sur-Oise y explora la Contexto.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Auvers-sur-Oise", "Camille Pissarro", "Francia", "Nuenen", "París", "Paul Gachet", "Retrato de Adeline Ravoux", "Saint-Rémy-de-Provence"]} +{"id": 409, "title": "La iglesia de Auvers-sur-Oise", "en_title": "The Church at Auvers", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ad/Vincent_van_Gogh_-_The_Church_in_Auvers-sur-Oise%2C_View_from_the_Chevet_-_Google_Art_Project.jpg/220px-Vincent_van_Gogh_-_The_Church_in_Auvers-sur-Oise%2C_View_from_the_Chevet_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ad/Vincent_van_Gogh_-_The_Church_in_Auvers-sur-Oise%2C_View_from_the_Chevet_-_Google_Art_Project.jpg/220px-Vincent_van_Gogh_-_The_Church_in_Auvers-sur-Oise%2C_View_from_the_Chevet_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "Después de que Van Gogh dejase el hospital de Saint-Rémy-de-Provence el 16 de mayo de 1890, abandonó el sur de Francia para dirigirse al norte. 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El cielo es de un color azul profundo, que se refleja en las amplias vidrieras.Después de que Van Gogh fuera expulsado de la carrera evangélica que esperaba proseguir en el Borinage, escribió a su hermano Theo desde Cuesmes en julio de 1880, y citó la imagen de Shakespeare de Enrique IV, Parte 1 del vacío oscuro dentro de una iglesia para simbolizar una «predicación vacía y nada ilustrada»: «Su Dios es como el Dios del borracho Falstaff de Shakespeare, 'el interior de una iglesia'»Alrededor de la iglesia se distingue hierba verde y caminos, bañados de luz, y que llevan en direcciones diferentes. El tema de los caminos divergentes también aparece en Campo de trigo con cuervos. Por uno de ellos se acerca una campesina al templo. En los laterales del cuadro pueden distinguirse las casas del pueblo y árboles. Los colores son fuertes y las pinceladas se han aplicado con vigor.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en La iglesia de Auvers-sur-Oise y explora la Descripción.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Borinage", "Cuesmes", "Enrique IV, Parte 1"]} +{"id": 413, "title": "La iglesia de Auvers-sur-Oise", "en_title": "The Church at Auvers", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ad/Vincent_van_Gogh_-_The_Church_in_Auvers-sur-Oise%2C_View_from_the_Chevet_-_Google_Art_Project.jpg/220px-Vincent_van_Gogh_-_The_Church_in_Auvers-sur-Oise%2C_View_from_the_Chevet_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ad/Vincent_van_Gogh_-_The_Church_in_Auvers-sur-Oise%2C_View_from_the_Chevet_-_Google_Art_Project.jpg/220px-Vincent_van_Gogh_-_The_Church_in_Auvers-sur-Oise%2C_View_from_the_Chevet_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "iglesia se alza sobre una colina levemente elevada. 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Luego de los atentados del 11 de septiembre de 2001, su localización era incierta, ya que había sido desmontada de su base y a pesar de que seguía intacta, fue ocultada por los escombros luego de que los aviones se estrellaron contra los rascacielos y estos colapsaron.Seis meses después de los atentados, en marzo del 2002 a raíz de un documental sobre la escultura, esta fue trasladada temporalmente a Battery Park —sin ningún tipo de reparaciones— y se la dedicaron a las víctimas del 11 de septiembre. Además, se ha convertido en una importante atracción turística, principalmente porque sobrevivió a la colisión de los edificios con solamente algunas abolladuras.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en The Sphere y explora la Resumen.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Fritz Koenig", "Liberty Park", "Manhattan"]} +{"id": 417, "title": "The Sphere", "en_title": "The Sphere", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/62/The_sphere.jpg/270px-The_sphere.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/62/The_sphere.jpg/270px-The_sphere.jpg", "reference": "The Sphere es una escultura de metal construida por el escultor alemán Fritz Koenig, actualmente se encuentra ubicada en Liberty Park. Sin embargo, originalmente se encontraba en el centro del Austin Tobin Plaza como una fuente de agua, que a su vez era la zona central de las torres gemelas del World Trade Center en Manhattan. 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Luego de los atentados del 11 de septiembre de 2001, su localización era incierta, ya que había sido desmontada de su base y a pesar de que seguía intacta, fue ocultada por los escombros luego de que los aviones se estrellaron contra los rascacielos y estos colapsaron.Seis meses después de los atentados, en marzo del 2002 a raíz de un documental sobre la escultura, esta fue trasladada temporalmente a Battery Park —sin ningún tipo de reparaciones— y se la dedicaron a las víctimas del 11 de septiembre. 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Koenig la elaboró en Bremen, Alemania, y posteriormente fue armada y enviada a Lower Manhattan. escultura simbolizaría la paz mundial mediante el libre comercio y se le fue colocado un anillo de fuentes, así como otros detalles decorativos diseñados por el mismo arquitecto del World Trade Center, Minoru Yamasaki, para imitar la gran mezquita de Meca, Masjid al-Haram, en la que The Sphere se situó en el lugar de la Kaaba. Además, la escultura fue creada para girar una vez cada 24 horas, y su base se convirtió en un lugar popular para el almuerzo de quienes trabajaban en el World Trade Center. placa al lado de The Sphere dice:}}", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en The Sphere y explora la Descripción.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Alemania", "Bremen", "Kaaba", "Manhattan"]} +{"id": 421, "title": "The Sphere", "en_title": "The Sphere", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/62/The_sphere.jpg/270px-The_sphere.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/62/The_sphere.jpg/270px-The_sphere.jpg", "reference": "«The Sphere» es de veinticinco metros y está compuesto por un total de cincuenta y dos segmentos de bronces. 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Sin embargo, luego de que Minoru Yamasaki —el arquitecto del World Trade Center— vio algunos de los trabajos de Koenig en la Staempfli Gallery en Manhattan, se le encargó a éste.Koenig empezó a trabajar en ella en 1967 en su granero en Baviera, mientras que el WTC se encontraba aún en etapas de planificación, y la terminó cuatro años más tarde, a tiempo para la inauguración de las torres. Oficialmente fue titulado «Große Kugelkaryatide» por el artista, pero posteriormente los neoyorquinos la apodaron como «The Sphere».", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en The Sphere y explora la Adquisición.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Autoridad Portuaria de Nueva York y Nueva Jersey", "Baviera", "Henry Moore", "Manhattan", "Nueva York"]} +{"id": 425, "title": "The Sphere", "en_title": "The Sphere", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/62/The_sphere.jpg/270px-The_sphere.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/62/The_sphere.jpg/270px-The_sphere.jpg", "reference": "pieza fue encargada por el propietario del World Trade Center, la Autoridad Portuaria de Nueva York y Nueva Jersey, en 1966. En un principio, la Autoridad Portuaria había elegido a Henry Moore para que creara la escultura. 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Sin embargo, como esta era una pieza memorable del World Trade Center, se discutió mucho acerca de colocarla en un museo, sobre todo porque después de los ataques quedó relativamente ilesa. El director de cine alemán, Percy Adlon, quien había dedicado en dos ocasiones varias películas a Koenig, hizo «Koenigs Kugel» cuando el destino de la escultura era todavía incierto. En la película, el artista y el director visita la zona cero cinco semanas después de los ataques, donde se relata la historia de su creación. Al principio, Koenig se opuso a reinstalar a The Sphere, señalando que era «un cadáver hermoso». escultura fue devuelta finalmente a Manhattan, y el 11 de marzo de 2002, seis meses después de los atentados, fue instalada en Battery Park, cerca del Hope Garden, a varias manzanas de donde estaba anteriormente. Koenig supervisó el trabajo, el cual fue realizado por cuatro ingenieros y quince herreros. El alcalde Michael Bloomberg, su predecesor, Rudolph Giuliani y otros funcionarios locales hablaron en una ceremonia para dedicar la escultura como un monumento conmemorativo a las víctimas del ataque terrorista. Koenig dijo que «fue una escultura, ahora es un monumento», observando cómo la escultura había sobrevivido, y añadió «ahora tiene una belleza diferente a la que uno nunca podría imaginar, tiene su propia vida; diferente a la que di».Finalmente y tras permanecer poco más de quince años en Battery Park, el 16 de agosto de 2017 fue trasladada a su actual ubicación en Liberty Park.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en The Sphere y explora la Historialdeubicaciones.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Aeropuerto Internacional John F. 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Koenig dijo que «fue una escultura, ahora es un monumento», observando cómo la escultura había sobrevivido, y añadió «ahora tiene una belleza diferente a la que uno nunca podría imaginar, tiene su propia vida; diferente a la que di».Finalmente y tras permanecer poco más de quince años en Battery Park, el 16 de agosto de 2017 fue trasladada a su actual ubicación en Liberty Park.", "entry": "section", "prompt": "¿Cómo aclara The Sphere su Historialdeubicaciones?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Aeropuerto Internacional John F. 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El director de cine alemán, Percy Adlon, quien había dedicado en dos ocasiones varias películas a Koenig, hizo «Koenigs Kugel» cuando el destino de la escultura era todavía incierto. En la película, el artista y el director visita la zona cero cinco semanas después de los ataques, donde se relata la historia de su creación. Al principio, Koenig se opuso a reinstalar a The Sphere, señalando que era «un cadáver hermoso». escultura fue devuelta finalmente a Manhattan, y el 11 de marzo de 2002, seis meses después de los atentados, fue instalada en Battery Park, cerca del Hope Garden, a varias manzanas de donde estaba anteriormente. Koenig supervisó el trabajo, el cual fue realizado por cuatro ingenieros y quince herreros. El alcalde Michael Bloomberg, su predecesor, Rudolph Giuliani y otros funcionarios locales hablaron en una ceremonia para dedicar la escultura como un monumento conmemorativo a las víctimas del ataque terrorista. Koenig dijo que «fue una escultura, ahora es un monumento», observando cómo la escultura había sobrevivido, y añadió «ahora tiene una belleza diferente a la que uno nunca podría imaginar, tiene su propia vida; diferente a la que di».Finalmente y tras permanecer poco más de quince años en Battery Park, el 16 de agosto de 2017 fue trasladada a su actual ubicación en Liberty Park.", "entry": "section", "prompt": "En The Sphere, ¿Cómo se discute la Historialdeubicaciones?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Aeropuerto Internacional John F. Kennedy", "Liberty Park", "Manhattan", "Nueva York", "Percy Adlon"]} +{"id": 432, "title": "Venus de Urbino", "en_title": "Venus of Urbino", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/bb/Tiziano_-_Venere_di_Urbino_-_Google_Art_Project.jpg/380px-Tiziano_-_Venere_di_Urbino_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/bb/Tiziano_-_Venere_di_Urbino_-_Google_Art_Project.jpg/380px-Tiziano_-_Venere_di_Urbino_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "categoría país=de Italia}}deimagenPintura expuesta en la galería Uffizi, Florencia.Venus de Urbino, también llamada Venus del perrito, es una célebre pintura al óleo sobre lienzo cuyas dimensiones son de 119 cm x 165 cm, realizada en 1538 por Tiziano.En 1631 este cuadro se encontraba en la colección de los Médicis; desde 1736 se encuentra en la Galería Uffizi .
pintura, cuyo comitente fue Guidobaldo II della Rovere, entonces hijo del duque de Urbino, representa a una joven desnuda semitendida sobre un lujoso lecho en el interior de un palacete veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por donde entran leves reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol; al lado de la ventana se encuentra una niña y la criada enigmáticamente de espaldas rebuscando en un cassone o arcón de bodas; el arcón parece evocar el mito de la caja de Pandora. A los pies de la joven desnuda duerme un perrito; la presencia del perrito es signo de que la representada no es una diosa, sino una mujer real, aunque no se sabe exactamente quién es. Algo más: el perrito, típica alegoría de la fidelidad, aquí aparece, sugerentemente, dormido.Aunque esta pintura se encuentra directamente inspirada por la Venus dormida del Giorgione, es evidente que se aleja del idealismo característico del Renacimiento italiano. mayor diferencia con las Venus típicas es que la joven aparece obviamente consciente y orgullosa de su belleza y su desnudez; no existe ningún elemento que provoque la sensación de un distanciamiento \"divino\": ella mira de un modo dulce, cómplice y decidido al que la observa, mientras su mano izquierda se apoya sobre el pubis, que se ubica en el centro de la composición. s flores en la mano derecha resaltan el aura de erotismo ya reforzada por la luz casi dorada que ilumina al cuerpo. El color claro y cálido del cuerpo produce una impresión de sensual indolencia, realzada en el contraste con el oscuro del fondo y el colchón; en efecto, el color oscuro del lienzo de la pared provoca una cesura en la mirada que entonces se centra en el cuerpo de la mujer. fuga de la perspectiva se dirige hacia la derecha y está acentuada por las criadas figuradas totalmente vestidas y con tonos fríos que aportan una cuota de realismo, la presencia de la columna y el árbol en el punto de fuga, y los sucesivos planos iluminados y sombreados que se resaltan en las baldosas. Todo esto hace destacar a la joven desnuda que se encuentra dispuesta en una elegante línea oblicua.
Aunque la obra mantiene elementos del Giorgione, Tiziano innova al exponer claramente la voluptuosidad merced al tratamiento resuelto del desnudo y a la gran pureza formal del conjunto.Esta obra de Tiziano fue motivo principal de inspiración para la Olympia de Édouard Manet.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Venus de Urbino y explora la Resumen.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Florencia", "Galería Uffizi", "Giorgione", "Guidobaldo II della Rovere", "Médici", "Pandora", "Renacimiento", "Tiziano", "Urbino", "Édouard Manet"]} +{"id": 433, "title": "Venus de Urbino", "en_title": "Venus of Urbino", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/bb/Tiziano_-_Venere_di_Urbino_-_Google_Art_Project.jpg/380px-Tiziano_-_Venere_di_Urbino_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/bb/Tiziano_-_Venere_di_Urbino_-_Google_Art_Project.jpg/380px-Tiziano_-_Venere_di_Urbino_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "categoría país=de Italia}}deimagenPintura expuesta en la galería Uffizi, Florencia.Venus de Urbino, también llamada Venus del perrito, es una célebre pintura al óleo sobre lienzo cuyas dimensiones son de 119 cm x 165 cm, realizada en 1538 por Tiziano.En 1631 este cuadro se encontraba en la colección de los Médicis; desde 1736 se encuentra en la Galería Uffizi .
pintura, cuyo comitente fue Guidobaldo II della Rovere, entonces hijo del duque de Urbino, representa a una joven desnuda semitendida sobre un lujoso lecho en el interior de un palacete veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por donde entran leves reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol; al lado de la ventana se encuentra una niña y la criada enigmáticamente de espaldas rebuscando en un cassone o arcón de bodas; el arcón parece evocar el mito de la caja de Pandora. A los pies de la joven desnuda duerme un perrito; la presencia del perrito es signo de que la representada no es una diosa, sino una mujer real, aunque no se sabe exactamente quién es. Algo más: el perrito, típica alegoría de la fidelidad, aquí aparece, sugerentemente, dormido.Aunque esta pintura se encuentra directamente inspirada por la Venus dormida del Giorgione, es evidente que se aleja del idealismo característico del Renacimiento italiano. mayor diferencia con las Venus típicas es que la joven aparece obviamente consciente y orgullosa de su belleza y su desnudez; no existe ningún elemento que provoque la sensación de un distanciamiento \"divino\": ella mira de un modo dulce, cómplice y decidido al que la observa, mientras su mano izquierda se apoya sobre el pubis, que se ubica en el centro de la composición. s flores en la mano derecha resaltan el aura de erotismo ya reforzada por la luz casi dorada que ilumina al cuerpo. El color claro y cálido del cuerpo produce una impresión de sensual indolencia, realzada en el contraste con el oscuro del fondo y el colchón; en efecto, el color oscuro del lienzo de la pared provoca una cesura en la mirada que entonces se centra en el cuerpo de la mujer. fuga de la perspectiva se dirige hacia la derecha y está acentuada por las criadas figuradas totalmente vestidas y con tonos fríos que aportan una cuota de realismo, la presencia de la columna y el árbol en el punto de fuga, y los sucesivos planos iluminados y sombreados que se resaltan en las baldosas. Todo esto hace destacar a la joven desnuda que se encuentra dispuesta en una elegante línea oblicua.
Aunque la obra mantiene elementos del Giorgione, Tiziano innova al exponer claramente la voluptuosidad merced al tratamiento resuelto del desnudo y a la gran pureza formal del conjunto.Esta obra de Tiziano fue motivo principal de inspiración para la Olympia de Édouard Manet.", "entry": "section", "prompt": "Explora la Resumen de esta obra de arte, Venus de Urbino.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Florencia", "Galería Uffizi", "Giorgione", "Guidobaldo II della Rovere", "Médici", "Pandora", "Renacimiento", "Tiziano", "Urbino", "Édouard Manet"]} +{"id": 434, "title": "Venus de Urbino", "en_title": "Venus of Urbino", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/bb/Tiziano_-_Venere_di_Urbino_-_Google_Art_Project.jpg/380px-Tiziano_-_Venere_di_Urbino_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/bb/Tiziano_-_Venere_di_Urbino_-_Google_Art_Project.jpg/380px-Tiziano_-_Venere_di_Urbino_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "categoría país=de Italia}}deimagenPintura expuesta en la galería Uffizi, Florencia.Venus de Urbino, también llamada Venus del perrito, es una célebre pintura al óleo sobre lienzo cuyas dimensiones son de 119 cm x 165 cm, realizada en 1538 por Tiziano.En 1631 este cuadro se encontraba en la colección de los Médicis; desde 1736 se encuentra en la Galería Uffizi .
pintura, cuyo comitente fue Guidobaldo II della Rovere, entonces hijo del duque de Urbino, representa a una joven desnuda semitendida sobre un lujoso lecho en el interior de un palacete veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por donde entran leves reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol; al lado de la ventana se encuentra una niña y la criada enigmáticamente de espaldas rebuscando en un cassone o arcón de bodas; el arcón parece evocar el mito de la caja de Pandora. A los pies de la joven desnuda duerme un perrito; la presencia del perrito es signo de que la representada no es una diosa, sino una mujer real, aunque no se sabe exactamente quién es. Algo más: el perrito, típica alegoría de la fidelidad, aquí aparece, sugerentemente, dormido.Aunque esta pintura se encuentra directamente inspirada por la Venus dormida del Giorgione, es evidente que se aleja del idealismo característico del Renacimiento italiano. mayor diferencia con las Venus típicas es que la joven aparece obviamente consciente y orgullosa de su belleza y su desnudez; no existe ningún elemento que provoque la sensación de un distanciamiento \"divino\": ella mira de un modo dulce, cómplice y decidido al que la observa, mientras su mano izquierda se apoya sobre el pubis, que se ubica en el centro de la composición. s flores en la mano derecha resaltan el aura de erotismo ya reforzada por la luz casi dorada que ilumina al cuerpo. El color claro y cálido del cuerpo produce una impresión de sensual indolencia, realzada en el contraste con el oscuro del fondo y el colchón; en efecto, el color oscuro del lienzo de la pared provoca una cesura en la mirada que entonces se centra en el cuerpo de la mujer. fuga de la perspectiva se dirige hacia la derecha y está acentuada por las criadas figuradas totalmente vestidas y con tonos fríos que aportan una cuota de realismo, la presencia de la columna y el árbol en el punto de fuga, y los sucesivos planos iluminados y sombreados que se resaltan en las baldosas. Todo esto hace destacar a la joven desnuda que se encuentra dispuesta en una elegante línea oblicua.
Aunque la obra mantiene elementos del Giorgione, Tiziano innova al exponer claramente la voluptuosidad merced al tratamiento resuelto del desnudo y a la gran pureza formal del conjunto.Esta obra de Tiziano fue motivo principal de inspiración para la Olympia de Édouard Manet.", "entry": "section", "prompt": "¿Cómo aclara Venus de Urbino su Resumen?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Florencia", "Galería Uffizi", "Giorgione", "Guidobaldo II della Rovere", "Médici", "Pandora", "Renacimiento", "Tiziano", "Urbino", "Édouard Manet"]} +{"id": 435, "title": "Venus de Urbino", "en_title": "Venus of Urbino", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/bb/Tiziano_-_Venere_di_Urbino_-_Google_Art_Project.jpg/380px-Tiziano_-_Venere_di_Urbino_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/bb/Tiziano_-_Venere_di_Urbino_-_Google_Art_Project.jpg/380px-Tiziano_-_Venere_di_Urbino_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "categoría país=de Italia}}deimagenPintura expuesta en la galería Uffizi, Florencia.Venus de Urbino, también llamada Venus del perrito, es una célebre pintura al óleo sobre lienzo cuyas dimensiones son de 119 cm x 165 cm, realizada en 1538 por Tiziano.En 1631 este cuadro se encontraba en la colección de los Médicis; desde 1736 se encuentra en la Galería Uffizi .
pintura, cuyo comitente fue Guidobaldo II della Rovere, entonces hijo del duque de Urbino, representa a una joven desnuda semitendida sobre un lujoso lecho en el interior de un palacete veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por donde entran leves reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol; al lado de la ventana se encuentra una niña y la criada enigmáticamente de espaldas rebuscando en un cassone o arcón de bodas; el arcón parece evocar el mito de la caja de Pandora. A los pies de la joven desnuda duerme un perrito; la presencia del perrito es signo de que la representada no es una diosa, sino una mujer real, aunque no se sabe exactamente quién es. Algo más: el perrito, típica alegoría de la fidelidad, aquí aparece, sugerentemente, dormido.Aunque esta pintura se encuentra directamente inspirada por la Venus dormida del Giorgione, es evidente que se aleja del idealismo característico del Renacimiento italiano. mayor diferencia con las Venus típicas es que la joven aparece obviamente consciente y orgullosa de su belleza y su desnudez; no existe ningún elemento que provoque la sensación de un distanciamiento \"divino\": ella mira de un modo dulce, cómplice y decidido al que la observa, mientras su mano izquierda se apoya sobre el pubis, que se ubica en el centro de la composición. s flores en la mano derecha resaltan el aura de erotismo ya reforzada por la luz casi dorada que ilumina al cuerpo. El color claro y cálido del cuerpo produce una impresión de sensual indolencia, realzada en el contraste con el oscuro del fondo y el colchón; en efecto, el color oscuro del lienzo de la pared provoca una cesura en la mirada que entonces se centra en el cuerpo de la mujer. fuga de la perspectiva se dirige hacia la derecha y está acentuada por las criadas figuradas totalmente vestidas y con tonos fríos que aportan una cuota de realismo, la presencia de la columna y el árbol en el punto de fuga, y los sucesivos planos iluminados y sombreados que se resaltan en las baldosas. Todo esto hace destacar a la joven desnuda que se encuentra dispuesta en una elegante línea oblicua.
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Fue pintado en 1632. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, que mide 168,5 centímetros de alto y 216,5 cm de ancho. Se conserva en el Mauritshuis de Haya .Es el primer retrato de grupo pintado por Rembrandt, que tenía entonces 26 años. Fue un encargo del potente gremio de los cirujanos, de los cuales Tulp, famoso médico de Ámsterdam, era un representante eminente. Un cuadro de similares características fue pintado por Thomas de Keyser en 1619.En 1828 se decidió la venta pública de este cuadro en favor de la caja de las viudas de cirujanos. El rey Guillermo I impidió esta venta y ordenó comprar esta obra maestra para su «gabinete real de pinturas».", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp y explora la Resumen.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Mauritshuis", "Nicolaes Tulp", "Rembrandt", "Thomas de Keyser"]} +{"id": 441, "title": "Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp", "en_title": "The Anatomy Lesson of Dr. Nicolaes Tulp", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4d/Rembrandt_-_The_Anatomy_Lesson_of_Dr_Nicolaes_Tulp.jpg/270px-Rembrandt_-_The_Anatomy_Lesson_of_Dr_Nicolaes_Tulp.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4d/Rembrandt_-_The_Anatomy_Lesson_of_Dr_Nicolaes_Tulp.jpg/270px-Rembrandt_-_The_Anatomy_Lesson_of_Dr_Nicolaes_Tulp.jpg", "reference": "}} lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp es un cuadro del pintor neerlandés Rembrandt. Fue pintado en 1632. 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El doctor está representado explicando la musculatura del brazo a profesionales de la medicina. El cadáver pertenece al criminal Aris Kindt , de 41 años, ahorcado ese mismo día por robo a mano armada. Algunos de los espectadores son varios patrones que pagaban comisiones por ser incluidos en la pintura. El evento puede fecharse el 16 de enero de 1632: la cofradía de cirujanos de Ámsterdam, de la que Tulp era el anatomista oficial de la ciudad, permitía solo una disección pública al año, en invierno, para mejor conservación del cuerpo, y éste tenía que ser de un criminal ejecutado. Por ello, las clases de anatomía con disección fueron en el actos poco frecuentes y espectaculares, hasta el punto de convertirse en acontecimientos sociales. Tenían lugar en salas de conferencias que eran realmente teatros; en este caso era el Waag, un «teatro de anatomía». Podían asistir a la lección estudiantes, colegas y el público en general, a cambio del pago de la entrada. Los espectadores están vestidos de manera adecuada a una ocasión social tan solemne. Se piensa que, con la excepción de las figuras del fondo y la izquierda, estas personas fueron añadidas a la pintura más tarde.Además de Nicolaes Tulp están representados también los cirujanos Jacob Blok, Hartman Hartmanszoon, Adraen Slabran, Jacob de Witt, Mathijs Kalkoen, Jacob Koolvelt y Frans Van Loenen. Sus nombres están en la lista que uno de ellos tiene en su mano.Este cuadro de Rembrandt fue restaurado varias veces y en vida del pintor sufrió varios cambios que pueden observarse en estudios por rayos X. Se pueden observar dos datos médicos interesantes: el brazo diseccionado es más largo que el derecho, por lo que se supone que el modelo es de otro «paciente». Adolece también de un error anatómico, pues el músculo flexor superficial no se inserta en el húmero, en el sitio donde fue pintado. También la mano derecha es distinta y se supone que fue pintada después, de otro modelo.Falta una persona: el preparador, cuya tarea es preparar el cuerpo para la lección. En el un científico importante como el doctor Tulp no se involucraba en la tarea menor y sangrienta de la disección, y tales tareas se dejaban a otros. Es por esta razón que la pintura no muestra instrumentos con los que cortar. En lugar de ello se ve en la esquina inferior derecha un enorme libro de texto abierto, sobre anatomía, posiblemente el de 1543 De Humani corporis fabrica , de Andrés Vesalio.Especialistas modernos han comentado la exactitud de los músculos y los tendones pintados por un Rembrandt de 26 años. No se sabe dónde obtuvo tal conocimiento; es posible que copiara los detalles de un libro de texto de anatomía.El cadáver está tumbado al estilo de Cristo muerto, con lividez cadavérica. cara del cadáver queda parcialmente en sombra, sugiriendo la umbra mortis , una técnica que Rembrandt utilizaría con frecuencia. Esta obra está firmada y datada en la esquina superior derecha: . Es el primer caso conocido en el que Rembrandt firmaba un cuadro con su nombre de pila en lugar de las iniciales RHL , y esto es un signo de su creciente confianza artística.En 2006, en el diario neerlandés de medicina, el Nederlands Tijdschrift voor Geneeskunde, aparece un artículo en el cual la lección de anatomía de Nicolaes Tulp fue a su vez objeto de una «disección». disposición anatómica, tal como se presenta sobre el cuadro, no parece exacta.Es cierto en todo caso que, si toda lección de anatomía comienza sistemáticamente por una evisceración, ésta de Rembrandt que se concentra en el movimiento de los dedos y la anatomía de la mano oculta un profundo misterio.El cuadro presenta a todos aquello de lo que se trataba por entonces en el mundo del conocimiento y de los saberes: el movimiento. Movimiento del alma , movimiento de los planetas , y también el movimiento del cuerpo.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp y explora la Historiaycaracterísticas.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Andrés Vesalio", "Aris Kindt", "De Humani corporis fabrica", "Nicolaes Tulp", "Rembrandt"]} +{"id": 445, "title": "Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp", "en_title": "The Anatomy Lesson of Dr. Nicolaes Tulp", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4d/Rembrandt_-_The_Anatomy_Lesson_of_Dr_Nicolaes_Tulp.jpg/270px-Rembrandt_-_The_Anatomy_Lesson_of_Dr_Nicolaes_Tulp.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4d/Rembrandt_-_The_Anatomy_Lesson_of_Dr_Nicolaes_Tulp.jpg/270px-Rembrandt_-_The_Anatomy_Lesson_of_Dr_Nicolaes_Tulp.jpg", "reference": "El cuadro muestra una lección de anatomía impartida por el doctor Nicolaes Tulp a un grupo de cirujanos. 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Los espectadores están vestidos de manera adecuada a una ocasión social tan solemne. Se piensa que, con la excepción de las figuras del fondo y la izquierda, estas personas fueron añadidas a la pintura más tarde.Además de Nicolaes Tulp están representados también los cirujanos Jacob Blok, Hartman Hartmanszoon, Adraen Slabran, Jacob de Witt, Mathijs Kalkoen, Jacob Koolvelt y Frans Van Loenen. Sus nombres están en la lista que uno de ellos tiene en su mano.Este cuadro de Rembrandt fue restaurado varias veces y en vida del pintor sufrió varios cambios que pueden observarse en estudios por rayos X. Se pueden observar dos datos médicos interesantes: el brazo diseccionado es más largo que el derecho, por lo que se supone que el modelo es de otro «paciente». Adolece también de un error anatómico, pues el músculo flexor superficial no se inserta en el húmero, en el sitio donde fue pintado. También la mano derecha es distinta y se supone que fue pintada después, de otro modelo.Falta una persona: el preparador, cuya tarea es preparar el cuerpo para la lección. En el un científico importante como el doctor Tulp no se involucraba en la tarea menor y sangrienta de la disección, y tales tareas se dejaban a otros. Es por esta razón que la pintura no muestra instrumentos con los que cortar. En lugar de ello se ve en la esquina inferior derecha un enorme libro de texto abierto, sobre anatomía, posiblemente el de 1543 De Humani corporis fabrica , de Andrés Vesalio.Especialistas modernos han comentado la exactitud de los músculos y los tendones pintados por un Rembrandt de 26 años. 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Los espectadores están vestidos de manera adecuada a una ocasión social tan solemne. Se piensa que, con la excepción de las figuras del fondo y la izquierda, estas personas fueron añadidas a la pintura más tarde.Además de Nicolaes Tulp están representados también los cirujanos Jacob Blok, Hartman Hartmanszoon, Adraen Slabran, Jacob de Witt, Mathijs Kalkoen, Jacob Koolvelt y Frans Van Loenen. Sus nombres están en la lista que uno de ellos tiene en su mano.Este cuadro de Rembrandt fue restaurado varias veces y en vida del pintor sufrió varios cambios que pueden observarse en estudios por rayos X. Se pueden observar dos datos médicos interesantes: el brazo diseccionado es más largo que el derecho, por lo que se supone que el modelo es de otro «paciente». Adolece también de un error anatómico, pues el músculo flexor superficial no se inserta en el húmero, en el sitio donde fue pintado. 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No se sabe dónde obtuvo tal conocimiento; es posible que copiara los detalles de un libro de texto de anatomía.El cadáver está tumbado al estilo de Cristo muerto, con lividez cadavérica. cara del cadáver queda parcialmente en sombra, sugiriendo la umbra mortis , una técnica que Rembrandt utilizaría con frecuencia. Esta obra está firmada y datada en la esquina superior derecha: . Es el primer caso conocido en el que Rembrandt firmaba un cuadro con su nombre de pila en lugar de las iniciales RHL , y esto es un signo de su creciente confianza artística.En 2006, en el diario neerlandés de medicina, el Nederlands Tijdschrift voor Geneeskunde, aparece un artículo en el cual la lección de anatomía de Nicolaes Tulp fue a su vez objeto de una «disección». disposición anatómica, tal como se presenta sobre el cuadro, no parece exacta.Es cierto en todo caso que, si toda lección de anatomía comienza sistemáticamente por una evisceración, ésta de Rembrandt que se concentra en el movimiento de los dedos y la anatomía de la mano oculta un profundo misterio.El cuadro presenta a todos aquello de lo que se trataba por entonces en el mundo del conocimiento y de los saberes: el movimiento. 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Los espectadores están vestidos de manera adecuada a una ocasión social tan solemne. Se piensa que, con la excepción de las figuras del fondo y la izquierda, estas personas fueron añadidas a la pintura más tarde.Además de Nicolaes Tulp están representados también los cirujanos Jacob Blok, Hartman Hartmanszoon, Adraen Slabran, Jacob de Witt, Mathijs Kalkoen, Jacob Koolvelt y Frans Van Loenen. Sus nombres están en la lista que uno de ellos tiene en su mano.Este cuadro de Rembrandt fue restaurado varias veces y en vida del pintor sufrió varios cambios que pueden observarse en estudios por rayos X. Se pueden observar dos datos médicos interesantes: el brazo diseccionado es más largo que el derecho, por lo que se supone que el modelo es de otro «paciente». Adolece también de un error anatómico, pues el músculo flexor superficial no se inserta en el húmero, en el sitio donde fue pintado. 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31: 882-891Heller, J., Picture This, 1988, Scribner Paperback Fiction, ISBN 0-684-86819-9 Losardo, Ricardo J.: primera Lección de Anatomía de Rembrandt” Revista de la Asociación Médica Argentina 135 : 20-32, 2022.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp y explora la Referencias.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Anatomía", "Nicolaes Tulp", "Países Bajos", "Rembrandt"]} +{"id": 449, "title": "Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp", "en_title": "The Anatomy Lesson of Dr. Nicolaes Tulp", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4d/Rembrandt_-_The_Anatomy_Lesson_of_Dr_Nicolaes_Tulp.jpg/270px-Rembrandt_-_The_Anatomy_Lesson_of_Dr_Nicolaes_Tulp.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4d/Rembrandt_-_The_Anatomy_Lesson_of_Dr_Nicolaes_Tulp.jpg/270px-Rembrandt_-_The_Anatomy_Lesson_of_Dr_Nicolaes_Tulp.jpg", "reference": "Bauer, H., “El Barroco en los Países Bajos” en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005, pág. 312, ISBN 3-8228-4744-5D'Adda, R., Rembrandt, 2006, Skira, MilánFFA IJpma et al., «The anatomy lesson of Dr. Nicolaes Tulp by Rembrandt : a comparison of the painting with a dissected left forearm of a Dutch male cadaver.» J Hand Surg [Am], 2006; 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Fue hallado en Arezzo en 1553, una antigua ciudad etrusca y romana en Toscana y fue rápidamente reclamada para la colección del Gran Duque de Toscana, Cosme I de Médici, quien la expuso al público en el Palazzo Vecchio, y colocó piezas de bronce de menor tamaño en su propio estudio en el Palazzo Pitti. Quimera todavía se conserva en Florencia, actualmente en el museo arqueológico. Mide aproximadamente 80 centímetros de altura.En la mitología griega, la monstruosa Quimera devastaba su lugar natal, Licia , hasta que le dio muerte el héroe Belerofonte. En un principio, los descubridores de la estatua en Arezzo pensaron que la estatua representaba a un león, debido a que su cola, que debiese tener la forma de una serpiente, se había perdido. Sin embargo, pronto se vio que se trataba de la Quimera del mito y, de hecho, la cola fue finalmente recuperada entre otras piezas de bronce, según Giorgio Vasari. actual cola es una restauración del . Quimera formaba parte de un aún mayor tesoro de estatuas de bronce enterradas en algún momento de la antigüedad. Fueron encontradas por casualidad, mientras se construían zanjas a las afueras de la ciudad, justo en la parte exterior de la Porta San urentino, sin embargo la imagen de Belerofonte que debería acompañar a la quimera no se ha encontrado. Actualmente, una réplica del mismo material se exhibe en aquel lugar.En su pata delantera hay una inscripción, que tras numerosas lecturas se ha llegado a la conclusión que dice TINSCVIL, cuya traducción sería «donada al dios Tinia» demostrando que la Quimera era un elemento usado para venerar al dios etrusco del día, Tinia. firma alemana Adidas se inspiró en la Quimera para el diseño del balón oficial de la Copa Mundial FIFA de 1990 \"Etrusco\" pues en el diseño de las tríadas aparecen tres cabezas de león con cierto parecido a la de la Quimera", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Quimera de Arezzo y explora la Resumen.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Adidas", "Arezzo", "Belerofonte", "Cosme I de Médici", "Florencia", "Giorgio Vasari", "Licia", "Palazzo Vecchio", "Tinia", "Toscana"]} +{"id": 453, "title": "Quimera de Arezzo", "en_title": "Chimera of Arezzo", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ad/Chimera_d%27arezzo%2C_fi%2C_04.JPG/270px-Chimera_d%27arezzo%2C_fi%2C_04.JPG", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ad/Chimera_d%27arezzo%2C_fi%2C_04.JPG/270px-Chimera_d%27arezzo%2C_fi%2C_04.JPG", "reference": "Quimera de Arezzo de bronce es uno de los ejemplos más conocidos del arte etrusco. 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Fue hallado en Arezzo en 1553, una antigua ciudad etrusca y romana en Toscana y fue rápidamente reclamada para la colección del Gran Duque de Toscana, Cosme I de Médici, quien la expuso al público en el Palazzo Vecchio, y colocó piezas de bronce de menor tamaño en su propio estudio en el Palazzo Pitti. Quimera todavía se conserva en Florencia, actualmente en el museo arqueológico. Mide aproximadamente 80 centímetros de altura.En la mitología griega, la monstruosa Quimera devastaba su lugar natal, Licia , hasta que le dio muerte el héroe Belerofonte. En un principio, los descubridores de la estatua en Arezzo pensaron que la estatua representaba a un león, debido a que su cola, que debiese tener la forma de una serpiente, se había perdido. Sin embargo, pronto se vio que se trataba de la Quimera del mito y, de hecho, la cola fue finalmente recuperada entre otras piezas de bronce, según Giorgio Vasari. actual cola es una restauración del . Quimera formaba parte de un aún mayor tesoro de estatuas de bronce enterradas en algún momento de la antigüedad. Fueron encontradas por casualidad, mientras se construían zanjas a las afueras de la ciudad, justo en la parte exterior de la Porta San urentino, sin embargo la imagen de Belerofonte que debería acompañar a la quimera no se ha encontrado. Actualmente, una réplica del mismo material se exhibe en aquel lugar.En su pata delantera hay una inscripción, que tras numerosas lecturas se ha llegado a la conclusión que dice TINSCVIL, cuya traducción sería «donada al dios Tinia» demostrando que la Quimera era un elemento usado para venerar al dios etrusco del día, Tinia. firma alemana Adidas se inspiró en la Quimera para el diseño del balón oficial de la Copa Mundial FIFA de 1990 \"Etrusco\" pues en el diseño de las tríadas aparecen tres cabezas de león con cierto parecido a la de la Quimera", "entry": "section", "prompt": "¿Cómo aclara Quimera de Arezzo su Resumen?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Adidas", "Arezzo", "Belerofonte", "Cosme I de Médici", "Florencia", "Giorgio Vasari", "Licia", "Palazzo Vecchio", "Tinia", "Toscana"]} +{"id": 455, "title": "Quimera de Arezzo", "en_title": "Chimera of Arezzo", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ad/Chimera_d%27arezzo%2C_fi%2C_04.JPG/270px-Chimera_d%27arezzo%2C_fi%2C_04.JPG", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ad/Chimera_d%27arezzo%2C_fi%2C_04.JPG/270px-Chimera_d%27arezzo%2C_fi%2C_04.JPG", "reference": "Quimera de Arezzo de bronce es uno de los ejemplos más conocidos del arte etrusco. Fue hallado en Arezzo en 1553, una antigua ciudad etrusca y romana en Toscana y fue rápidamente reclamada para la colección del Gran Duque de Toscana, Cosme I de Médici, quien la expuso al público en el Palazzo Vecchio, y colocó piezas de bronce de menor tamaño en su propio estudio en el Palazzo Pitti. Quimera todavía se conserva en Florencia, actualmente en el museo arqueológico. Mide aproximadamente 80 centímetros de altura.En la mitología griega, la monstruosa Quimera devastaba su lugar natal, Licia , hasta que le dio muerte el héroe Belerofonte. En un principio, los descubridores de la estatua en Arezzo pensaron que la estatua representaba a un león, debido a que su cola, que debiese tener la forma de una serpiente, se había perdido. Sin embargo, pronto se vio que se trataba de la Quimera del mito y, de hecho, la cola fue finalmente recuperada entre otras piezas de bronce, según Giorgio Vasari. actual cola es una restauración del . Quimera formaba parte de un aún mayor tesoro de estatuas de bronce enterradas en algún momento de la antigüedad. Fueron encontradas por casualidad, mientras se construían zanjas a las afueras de la ciudad, justo en la parte exterior de la Porta San urentino, sin embargo la imagen de Belerofonte que debería acompañar a la quimera no se ha encontrado. Actualmente, una réplica del mismo material se exhibe en aquel lugar.En su pata delantera hay una inscripción, que tras numerosas lecturas se ha llegado a la conclusión que dice TINSCVIL, cuya traducción sería «donada al dios Tinia» demostrando que la Quimera era un elemento usado para venerar al dios etrusco del día, Tinia. firma alemana Adidas se inspiró en la Quimera para el diseño del balón oficial de la Copa Mundial FIFA de 1990 \"Etrusco\" pues en el diseño de las tríadas aparecen tres cabezas de león con cierto parecido a la de la Quimera", "entry": "section", "prompt": "En Quimera de Arezzo, ¿Cómo se discute la Resumen?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Adidas", "Arezzo", "Belerofonte", "Cosme I de Médici", "Florencia", "Giorgio Vasari", "Licia", "Palazzo Vecchio", "Tinia", "Toscana"]} +{"id": 456, "title": "La muerte de Marat", "en_title": "The Death of Marat", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/aa/Death_of_Marat_by_David.jpg/270px-Death_of_Marat_by_David.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/aa/Death_of_Marat_by_David.jpg/270px-Death_of_Marat_by_David.jpg", "reference": "}} muerte de Marat es un cuadro de estilo neoclásico, obra de Jacques-Louis David y una de las imágenes más famosas de la Revolución francesa. Data del año 1793 y mide 165 cm de alto por 128 cm de ancho. pintura representa al amigo del artista y líder revolucionario francés asesinado, Jean-Paul Marat. Es una de las imágenes más famosas de la época de la Revolución francesa y fue pintada cuando David era el principal pintor neoclásico francés, un montañés y miembro del revolucionario Comité de Seguridad General. Creado en los meses posteriores a la muerte de Marat, el cuadro muestra a Marat muerto en su bañera tras ser asesinado por Carlota Corday el 13 de julio de 1793. El historiador de arte T. J. Clark calificó el cuadro de David como la primera obra modernista por «la forma en que tomó la materia de la pol��tica como material, y no la transmutó».El cuadro forma parte de la colección del Museo Real de Bellas Artes de Bélgica. Una réplica, realizada por el taller del artista, se expone en el Louvre.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en La muerte de Marat y explora la Resumen.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Bélgica", "Comité de Seguridad General", "Jacques-Louis David", "Jean-Paul Marat", "Revolución francesa"]} +{"id": 457, "title": "La muerte de Marat", "en_title": "The Death of Marat", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/aa/Death_of_Marat_by_David.jpg/270px-Death_of_Marat_by_David.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/aa/Death_of_Marat_by_David.jpg/270px-Death_of_Marat_by_David.jpg", "reference": "}} muerte de Marat es un cuadro de estilo neoclásico, obra de Jacques-Louis David y una de las imágenes más famosas de la Revolución francesa. Data del año 1793 y mide 165 cm de alto por 128 cm de ancho. pintura representa al amigo del artista y líder revolucionario francés asesinado, Jean-Paul Marat. 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Es una de las imágenes más famosas de la época de la Revolución francesa y fue pintada cuando David era el principal pintor neoclásico francés, un montañés y miembro del revolucionario Comité de Seguridad General. Creado en los meses posteriores a la muerte de Marat, el cuadro muestra a Marat muerto en su bañera tras ser asesinado por Carlota Corday el 13 de julio de 1793. El historiador de arte T. J. Clark calificó el cuadro de David como la primera obra modernista por «la forma en que tomó la materia de la política como material, y no la transmutó».El cuadro forma parte de la colección del Museo Real de Bellas Artes de Bélgica. 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Marat fue apuñalado el 13 de julio de 1793, mientras trabajaba en su bañera, por Carlota Corday, quien apoyaba a la facción girondina, más moderada, y quien culpaba a Marat de las Masacres de septiembre. Corday marchó de Normandía a París obsesionada con la idea de asesinar al hombre a quien ella percibía como una «bestia», para así «salvar a Francia», y consiguió aproximársele usando el subterfugio de alertarle de una supuesta conspiración contrarrevolucionaria. Logró entrar en la casa de Marat con la pretensión de presentarle una lista de gente que debería ser ejecutada como enemigos de Francia. Marat se lo agradeció y le dijo que serían guillotinados la semana siguiente, momento en el cual Corday inmediatamente lo apuñaló con un cuchillo que había escondido entre sus ropas. Carlota fue guillotinada poco después.Marat solía llevar un turbante empapado en vinagre y tomar baños fríos para suavizar los violentos picores de una enfermedad de la piel que, se decía, había contraído un par de años antes, cuando se vio forzado a esconderse de sus enemigos en las cloacas de París debido a que querían acabar con su vida, y su única escapatoria fue esconderse allí. Exámenes más recientes de los síntomas de Marat han llevado a afirmar que las erupciones cutáneas de Marat venían de una enfermedad celíaca, una alergia al gluten, que se encuentra por lo común en el trigo. Sobre el baño improvisaba un pupitre para escribir sus listas de nombres de gente que debía ser ejecutada por crímenes contra el Estado.David era un amigo íntimo de Marat, así como un firme partidario de Robespierre y los jacobinos. Quedó abrumado por su capacidad natural para convencer a las masas con sus discursos, algo que él todavía no había logrado a través de la pintura . Determinado a conmemorar a su amigo, David no solo le organizó un espléndido funeral, sino que pintó su retrato poco después. Le pidieron que lo hiciera por su anterior cuadro, muerte de Lepelletier de Saint-Fargeau. .A pesar de la precipitación con la que pintó el cuadro , se considera generalmente que es la mejor obra de David, un paso definitivo hacia la modernidad, y una afirmación política inspirada e inspiradora. muerte de Marat, quizá la pintura más famosa de David, ha sido llamada la Pietà de la Revolución. Al presentar la pintura a la Convención, dijo: «Ciudadanos, el pueblo llamaba de nuevo a su amigo; su voz desolada fue oída: David, coge tus pinceles..., venga a Marat... Oí la voz del pueblo. Obedecí.» David tuvo que trabajar con rapidez, pero el resultado fue una imagen simple y poderosa.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en La muerte de Marat y explora la Contexto.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Francia", "Jean-Paul Marat", "Masacres de septiembre", "Normandía", "París", "Pietà"]} +{"id": 461, "title": "La muerte de Marat", "en_title": "The Death of Marat", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/aa/Death_of_Marat_by_David.jpg/270px-Death_of_Marat_by_David.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/aa/Death_of_Marat_by_David.jpg/270px-Death_of_Marat_by_David.jpg", "reference": "Representa el fallecimiento en 1793 del líder revolucionario francés Jean-Paul Marat, fundador del periódico radical L'Ami du peuple , líder de los montañeses y muy relacionado con la facción jacobina durante el reinado del Terror, aunque nunca fue un miembro indiscutible. 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Carlota fue guillotinada poco después.Marat solía llevar un turbante empapado en vinagre y tomar baños fríos para suavizar los violentos picores de una enfermedad de la piel que, se decía, había contraído un par de años antes, cuando se vio forzado a esconderse de sus enemigos en las cloacas de París debido a que querían acabar con su vida, y su única escapatoria fue esconderse allí. Exámenes más recientes de los síntomas de Marat han llevado a afirmar que las erupciones cutáneas de Marat venían de una enfermedad celíaca, una alergia al gluten, que se encuentra por lo común en el trigo. Sobre el baño improvisaba un pupitre para escribir sus listas de nombres de gente que debía ser ejecutada por crímenes contra el Estado.David era un amigo íntimo de Marat, así como un firme partidario de Robespierre y los jacobinos. Quedó abrumado por su capacidad natural para convencer a las masas con sus discursos, algo que él todavía no había logrado a través de la pintura . Determinado a conmemorar a su amigo, David no solo le organizó un espléndido funeral, sino que pintó su retrato poco después. Le pidieron que lo hiciera por su anterior cuadro, muerte de Lepelletier de Saint-Fargeau. .A pesar de la precipitación con la que pintó el cuadro , se considera generalmente que es la mejor obra de David, un paso definitivo hacia la modernidad, y una afirmación política inspirada e inspiradora. muerte de Marat, quizá la pintura más famosa de David, ha sido llamada la Pietà de la Revolución. Al presentar la pintura a la Convención, dijo: «Ciudadanos, el pueblo llamaba de nuevo a su amigo; su voz desolada fue oída: David, coge tus pinceles..., venga a Marat... Oí la voz del pueblo. 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Marat fue apuñalado el 13 de julio de 1793, mientras trabajaba en su bañera, por Carlota Corday, quien apoyaba a la facción girondina, más moderada, y quien culpaba a Marat de las Masacres de septiembre. Corday marchó de Normandía a París obsesionada con la idea de asesinar al hombre a quien ella percibía como una «bestia», para así «salvar a Francia», y consiguió aproximársele usando el subterfugio de alertarle de una supuesta conspiración contrarrevolucionaria. Logró entrar en la casa de Marat con la pretensión de presentarle una lista de gente que debería ser ejecutada como enemigos de Francia. Marat se lo agradeció y le dijo que serían guillotinados la semana siguiente, momento en el cual Corday inmediatamente lo apuñaló con un cuchillo que había escondido entre sus ropas. Carlota fue guillotinada poco después.Marat solía llevar un turbante empapado en vinagre y tomar baños fríos para suavizar los violentos picores de una enfermedad de la piel que, se decía, había contraído un par de años antes, cuando se vio forzado a esconderse de sus enemigos en las cloacas de París debido a que querían acabar con su vida, y su única escapatoria fue esconderse allí. Exámenes más recientes de los síntomas de Marat han llevado a afirmar que las erupciones cutáneas de Marat venían de una enfermedad celíaca, una alergia al gluten, que se encuentra por lo común en el trigo. Sobre el baño improvisaba un pupitre para escribir sus listas de nombres de gente que debía ser ejecutada por crímenes contra el Estado.David era un amigo íntimo de Marat, así como un firme partidario de Robespierre y los jacobinos. Quedó abrumado por su capacidad natural para convencer a las masas con sus discursos, algo que él todavía no había logrado a través de la pintura . 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Carlota fue guillotinada poco después.Marat solía llevar un turbante empapado en vinagre y tomar baños fríos para suavizar los violentos picores de una enfermedad de la piel que, se decía, había contraído un par de años antes, cuando se vio forzado a esconderse de sus enemigos en las cloacas de París debido a que querían acabar con su vida, y su única escapatoria fue esconderse allí. Exámenes más recientes de los síntomas de Marat han llevado a afirmar que las erupciones cutáneas de Marat venían de una enfermedad celíaca, una alergia al gluten, que se encuentra por lo común en el trigo. Sobre el baño improvisaba un pupitre para escribir sus listas de nombres de gente que debía ser ejecutada por crímenes contra el Estado.David era un amigo íntimo de Marat, así como un firme partidario de Robespierre y los jacobinos. Quedó abrumado por su capacidad natural para convencer a las masas con sus discursos, algo que él todavía no había logrado a través de la pintura . 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David dice que visitó a Marat el día anterior a su asesinato y recuerda haber visto la sábana, la alfombra verde, los papeles, y la pluma, diciendo a sus pares de la Convención más tarde que él representaría a su amigo asesinado como él le había visto: «Écrivant pour le bonheur du peuple» . El nombre de la asesina, Carlota Corday , puede verse en el papel que sostiene Marat en su mano izquierda; pero cabe destacar que la asesina ha sido retirada del cuadro, aunque literalmente vemos a Marat exhalando su último aliento, en otras palabras: cuando Corday y muchos otros aún estaban allí presentes . En este sentido, por muy realista que sea en sus detalles, esta pintura, en su conjunto, y desde el principio, es una construcción metódica que se centra en la víctima, una composición llamativa considerada hoy por varios críticos como una «terrible bella mentira» ―ciertamente no es una fotografía en el sentido forense y difícilmente la simple imagen que podría parecer―. pintura ha sido comparada a la Piedad de Miguel Ángel ―en particular, el brazo alargado que cuelga en ambas obras―. David era también un conocido admirador de las obras de Caravaggio, especialmente por su composición y luz, y el Santo Entierro , conservado en la Pinacoteca Vaticana, es otra referencia que a menudo se cita. Los parecidos pueden ser el resultado de una «alquimia mental inconsciente» en el cerebro de un artista conocido por su amplia cultura visual, pero puede ser igualmente deliberada. Que David buscara, en el arte, transferir las cualidades sagradas durante largo tiempo asociadas con la monarquía y la Iglesia Católica a la nueva República Francesa es indiscutible -sin duda los líderes del Terror esperaban que él hiciera eso. En consecuencia, pintó a Marat, mártir de la Revolución, en un estilo que recordaba al de un mártir cristiano, con la cara y el cuerpo bañados en una luz suave y brillante, pero tal como el Arte Cristiano había hecho desde el principio, también él jugó aquí con referencias a varios niveles, incluyendo el arte clásico, esto con la finalidad no solo de responder a un acontecimiento político inmediato , sino también para competir con Roma como Ciudad Capital y Madre de las artes, los revolucionarios franceses estarían encantados con la idea de formar una especie de nueva república romana.Desde esta perspectiva, más modelos, teniendo un origen romano , posiblemente interfiriera. Bastante interesante resulta observar que la mayor parte de estos modelos podían verse en el mismo barrio romano, precisamente aquel en el que permanecía David en la Academia de Francia . Haciéndolo en el largo verano de 1793 , David realmente continuó un proceso de regeneración fascinante que había empezado a principios de ese año con su Muerte de Lepelletier, una imagen lograda en menos de tres meses, citando su propio Héctor anterior en su obra El dolor y los lamentos de Andrómaca sobre el cuerpo de Héctor , ambas imágenes reprocesando obras previas tales como El testamento de Eudamidas por Poussin antes de 1650, y el San Sebastián grabado por Giuseppe Giorgetti antes de 1672 .Por lo tanto, pocas veces una pintura ha resultado tan paradójica, pues esta imagen polifacética es al tiempo un retrato, una pintura histórica en el más alto grado , una imagen realista, una idealizada, una cuestión candente, y una condensación erudita de múltiples modelos antiguos. clave de su logro artístico es, por supuesto, el éxito que tuvo en esta mezcla meticulosa, esto para elaborar un poderoso e inolvidable icono para las masas.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en La muerte de Marat y explora la Estilo:unaparadojaiconográfica.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Caravaggio", "Francia", "Roma"]} +{"id": 465, "title": "La muerte de Marat", "en_title": "The Death of Marat", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/aa/Death_of_Marat_by_David.jpg/270px-Death_of_Marat_by_David.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/aa/Death_of_Marat_by_David.jpg/270px-Death_of_Marat_by_David.jpg", "reference": "Aunque la figura del propio Marat está idealizada ―por ejemplo, no se evidencia ninguno de sus problemas de piel que sufría―, los detalles alrededor del modelo se consideran ampliamente verídicos. David dice que visitó a Marat el día anterior a su asesinato y recuerda haber visto la sábana, la alfombra verde, los papeles, y la pluma, diciendo a sus pares de la Convención más tarde que él representaría a su amigo asesinado como él le había visto: «Écrivant pour le bonheur du peuple» . El nombre de la asesina, Carlota Corday , puede verse en el papel que sostiene Marat en su mano izquierda; pero cabe destacar que la asesina ha sido retirada del cuadro, aunque literalmente vemos a Marat exhalando su último aliento, en otras palabras: cuando Corday y muchos otros aún estaban allí presentes . En este sentido, por muy realista que sea en sus detalles, esta pintura, en su conjunto, y desde el principio, es una construcción metódica que se centra en la víctima, una composición llamativa considerada hoy por varios críticos como una «terrible bella mentira» ―ciertamente no es una fotografía en el sentido forense y difícilmente la simple imagen que podría parecer―. pintura ha sido comparada a la Piedad de Miguel Ángel ―en particular, el brazo alargado que cuelga en ambas obras―. David era también un conocido admirador de las obras de Caravaggio, especialmente por su composición y luz, y el Santo Entierro , conservado en la Pinacoteca Vaticana, es otra referencia que a menudo se cita. Los parecidos pueden ser el resultado de una «alquimia mental inconsciente» en el cerebro de un artista conocido por su amplia cultura visual, pero puede ser igualmente deliberada. Que David buscara, en el arte, transferir las cualidades sagradas durante largo tiempo asociadas con la monarquía y la Iglesia Católica a la nueva República Francesa es indiscutible -sin duda los líderes del Terror esperaban que él hiciera eso. En consecuencia, pintó a Marat, mártir de la Revolución, en un estilo que recordaba al de un mártir cristiano, con la cara y el cuerpo bañados en una luz suave y brillante, pero tal como el Arte Cristiano había hecho desde el principio, también él jugó aquí con referencias a varios niveles, incluyendo el arte clásico, esto con la finalidad no solo de responder a un acontecimiento político inmediato , sino también para competir con Roma como Ciudad Capital y Madre de las artes, los revolucionarios franceses estarían encantados con la idea de formar una especie de nueva república romana.Desde esta perspectiva, más modelos, teniendo un origen romano , posiblemente interfiriera. Bastante interesante resulta observar que la mayor parte de estos modelos podían verse en el mismo barrio romano, precisamente aquel en el que permanecía David en la Academia de Francia . Haciéndolo en el largo verano de 1793 , David realmente continuó un proceso de regeneración fascinante que había empezado a principios de ese año con su Muerte de Lepelletier, una imagen lograda en menos de tres meses, citando su propio Héctor anterior en su obra El dolor y los lamentos de Andrómaca sobre el cuerpo de Héctor , ambas imágenes reprocesando obras previas tales como El testamento de Eudamidas por Poussin antes de 1650, y el San Sebastián grabado por Giuseppe Giorgetti antes de 1672 .Por lo tanto, pocas veces una pintura ha resultado tan paradójica, pues esta imagen polifacética es al tiempo un retrato, una pintura histórica en el más alto grado , una imagen realista, una idealizada, una cuestión candente, y una condensación erudita de múltiples modelos antiguos. clave de su logro artístico es, por supuesto, el éxito que tuvo en esta mezcla meticulosa, esto para elaborar un poderoso e inolvidable icono para las masas.", "entry": "section", "prompt": "Explora la Estilo:unaparadojaiconográfica de esta obra de arte, La muerte de Marat.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Caravaggio", "Francia", "Roma"]} +{"id": 466, "title": "La muerte de Marat", "en_title": "The Death of Marat", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/aa/Death_of_Marat_by_David.jpg/270px-Death_of_Marat_by_David.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/aa/Death_of_Marat_by_David.jpg/270px-Death_of_Marat_by_David.jpg", "reference": "Aunque la figura del propio Marat está idealizada ―por ejemplo, no se evidencia ninguno de sus problemas de piel que sufría―, los detalles alrededor del modelo se consideran ampliamente verídicos. 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Leonardo Arte, Milán Vanden Berghe, Marc & Ioana Plesca, Nouvelles perspectives sur la Mort de Marat: entre modèle jésuite et références mythologiques, Bruselas / New perspectives for David's Death of Marat, Bruselas , en línea en www.art-chitecture.net/publications.php Vanden Berghe, Marc & Ioana Plesca, David a-t-il vu à Rome Giuditta con la testa di Oloferne de Guido Reni?, Bruselas , en línea en www.art-chitecture.net/publications.php Vanden Berghe, Marc & Ioana Plesca, Lepelletier de Saint-Fargeau sur son lit de mort par Jacques Louis-David : saint Sébastien révolutionnaire, miroir multiréférencé de Rome, Bruselas , en línea en www.art-chitecture.net/publications.php Coquard, Olivier, \"Marat assassiné. Reconstitution abusive\" en Historia Mensuel, en línea en www.historia.presse.fr/data/mag/691 Sainte-Fare Garnot, N., Jacques-Louis David 1748-1825, París, Ed. 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Leonardo Arte, Milán Vanden Berghe, Marc & Ioana Plesca, Nouvelles perspectives sur la Mort de Marat: entre modèle jésuite et références mythologiques, Bruselas / New perspectives for David's Death of Marat, Bruselas , en línea en www.art-chitecture.net/publications.php Vanden Berghe, Marc & Ioana Plesca, David a-t-il vu à Rome Giuditta con la testa di Oloferne de Guido Reni?, Bruselas , en línea en www.art-chitecture.net/publications.php Vanden Berghe, Marc & Ioana Plesca, Lepelletier de Saint-Fargeau sur son lit de mort par Jacques Louis-David : saint Sébastien révolutionnaire, miroir multiréférencé de Rome, Bruselas , en línea en www.art-chitecture.net/publications.php Coquard, Olivier, \"Marat assassiné. Reconstitution abusive\" en Historia Mensuel, en línea en www.historia.presse.fr/data/mag/691 Sainte-Fare Garnot, N., Jacques-Louis David 1748-1825, París, Ed. 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Son évolution, son style, París Starobinski, Jean, 1789, les emblèmes de la raison, ed. Flammarion, París Kruft, H.-W., \"An antique model for David's Marat\" en The Burlington Magazine CXXV, 967 , pp.605-607; CXXVI, 973 Traeger, Jorg, Der Tod des Marat: Revolution des menschenbildes, ed. Prestel, Múnich Thévoz, Michel, Le théâtre du crime. Essai sur la peinture de David, éd. de Minuit, París Simon, Robert, \"David’s Martyr-Portrait of Le Peletier de Saint-Fargeau and the conundrums of Revolutionary Representation\" en Art History, vol.14, n.º4, diciembre de 1991, pp.459-487 David contre David, actas del coloquio en el Louvre de 6-10 de diciembre de 1989, éd. R. Michel, París Malvone, ura, \"L'Évènement politique en peinture. A propos du Marat de David\" en Mélanges de l'Ecole française de Rome. Italie et Méditerranée, n.° 106, 1 Robespierre, editado por Colin Haydon & William Doyle, Cambridge, Aston, Nigel, Religion and Revolution in France, 1780-1804, McMillan, Londres Jacques-Louis David’s Marat, editado por William Vaughan & Helen Weston, Cambridge Rosenberg, Pierre & Louis-Antoine Prat, Jacques-Louis David 1748-1825. Catalogue raisonné des dessins, 2 volúmenes, éd. Leonardo Arte, Milán Vanden Berghe, Marc & Ioana Plesca, Nouvelles perspectives sur la Mort de Marat: entre modèle jésuite et références mythologiques, Bruselas / New perspectives for David's Death of Marat, Bruselas , en línea en www.art-chitecture.net/publications.php Vanden Berghe, Marc & Ioana Plesca, David a-t-il vu à Rome Giuditta con la testa di Oloferne de Guido Reni?, Bruselas , en línea en www.art-chitecture.net/publications.php Vanden Berghe, Marc & Ioana Plesca, Lepelletier de Saint-Fargeau sur son lit de mort par Jacques Louis-David : saint Sébastien révolutionnaire, miroir multiréférencé de Rome, Bruselas , en línea en www.art-chitecture.net/publications.php Coquard, Olivier, \"Marat assassiné. Reconstitution abusive\" en Historia Mensuel, en línea en www.historia.presse.fr/data/mag/691 Sainte-Fare Garnot, N., Jacques-Louis David 1748-1825, París, Ed. 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De acuerdo con informes periodísticos, fue vendida en 135 millones de dólares a Ronald uder, propietario de la Neue Galerie en Nueva York, en junio de 2006, lo que lo convirtió en ese momento en la segunda pintura de mayor valor de todo el mundo. obra se exhibe en la mencionada galería desde julio de 2006.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Retrato de Adele Bloch-Bauer I y explora la Resumen.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Gustav Klimt", "Neue Galerie", "Nueva York"]} +{"id": 481, "title": "Retrato de Adele Bloch-Bauer I", "en_title": "Portrait of Adele Bloch-Bauer I", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/84/Gustav_Klimt_046.jpg/350px-Gustav_Klimt_046.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/84/Gustav_Klimt_046.jpg/350px-Gustav_Klimt_046.jpg", "reference": "}}El Retrato de Adele Bloch-Bauer I, también conocida como dama dorada o dama de oro , es una pintura de Gustav Klimt completada en 1907. 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Klimt fue miembro de la Secesión vienesa, un grupo de artistas que rompieron con la forma tradicional de pintar. obra fue realizada en Viena, encargada por Ferdinand Bloch-Bauer.Como adinerado industrial que hizo su fortuna en la industria azucarera, apoyó las artes,favoreció y promovió la labor de Klimt. Adele Bloch-Bauer se convirtió en la única modelo pintada en dos ocasiones por Klimt cuando completó un segundo cuadro, Retrato de Adele Bloch-Bauer II, en 1912. Adele indicó en su testamento que los cuadros de Klimt deberían donarse a la Galería del Estado de Austria. En 1925 Adele murió de meningitis, y cuando los nazis ocuparon Austria, su viudo se exilió en Suiza. Todas sus propiedades fueron confiscadas, incluida la colección Klimt. En su testamento de 1945, Bauer-Bloch designa a sus sobrinos/as, incluyendo a Maria Altmann, como herederos de su patrimonio. Como las pinturas propiedad de Bloch-Bauer permanecieron en Austria, el gobierno se inclinó por el testamento de Adele. Luego de una batalla legal en Estados Unidos y en Austria, se determinó que Maria Altmann era la propietaria legal de esta y otras cuatro pinturas de Klimt. decisión fue aceptada en Austria con resignación. Después de que los cuadros fueran enviados a Estados Unidos, estuvieron en exhibición en Los Ángeles hasta que el Retrato de Adele Bloch-Bauer I fue vendido a uder. pintura ha pasado a ser la pieza central de la colección de uder en su Neue Galerie de Nueva York, que durante años ha intentado recuperar el arte propiedad de la comunidad judía, la mayoría de Alemania y Austria, confiscada o robada por el gobierno nazi. uder trabajó con este objetivo mientras fue embajador de Estados Unidos en Austria, miembro de la World Jewish Restitution Organization y de la comisión designada por Bill Clinton para examinar casos de robos nazi. Es significativo el comentario de uder al recuperar el Retrato de Adele Bloch-Bauer I: «Esta es nuestra Mona Lisa...». En el año 2015 se realizó una película de la BBC con Helen Mirren y Ryan Reynolds llamada Woman in Gold, dirigida por Simon Curtis, con guion de Alexi Kaye Campbell y música compuesta por Hans Zimmer y Martin Phipps, que relata precisamente la restitución de esta obra, en 1879 se creó otra obra no publicada que se llamaba soha y lucia en honor a Matas ronald su primo", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Retrato de Adele Bloch-Bauer I y explora la Historia.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Austria", "Bill Clinton", "Estados Unidos", "Gustav Klimt", "Helen Mirren", "Los Ángeles", "Maria Altmann", "Neue Galerie", "Nueva York", "Retrato de Adele Bloch-Bauer II", "Ryan Reynolds", "Suiza", "Viena", "World Jewish Restitution Organization"]} +{"id": 485, "title": "Retrato de Adele Bloch-Bauer I", "en_title": "Portrait of Adele Bloch-Bauer I", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/84/Gustav_Klimt_046.jpg/350px-Gustav_Klimt_046.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/84/Gustav_Klimt_046.jpg/350px-Gustav_Klimt_046.jpg", "reference": "A Gustav Klimt le llevó tres años completar este retrato, que mide 138 x 138 cm y está hecho con óleo y oro sobre tela, con una ornamentación elaborada y compleja, tal como se ve en los trabajos del Jugendstil. 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Fue una de sus últimas obras y se exhibe en el Museo de Historia del Arte de Viena. En la obra pictórica están representados tres filósofos de distintas edades: un joven, un hombre de edad madura y un anciano. Algunos historiadores identifican como tema central de la pintura la alegoría de las tres edades del hombre. obra se cree que fue concluida por Sebastiano del Piombo según la afirmación de Marcantonio Michiel.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Los tres filósofos y explora la Resumen.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Alto Renacimiento", "Giorgione", "Marcantonio Michiel", "Museo de Historia del Arte de Viena", "Sebastiano del Piombo", "Viena"]} +{"id": 493, "title": "Los tres filósofos", "en_title": "The Three Philosophers", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "}}Los tres filósofos es un óleo sobre lienzo atribuido a Giorgione, pintor italiano del Alto Renacimiento. obra fue encargada por un noble veneciano conocido como Taddeo Contarini que se desempeñaba como mercader y tenía interés por la alquimia y el ocultismo. pintura fue concluida alrededor de 1509, un año antes del fallecimiento de Giorgione. Fue una de sus últimas obras y se exhibe en el Museo de Historia del Arte de Viena. En la obra pictórica están representados tres filósofos de distintas edades: un joven, un hombre de edad madura y un anciano. Algunos historiadores identifican como tema central de la pintura la alegoría de las tres edades del hombre. obra se cree que fue concluida por Sebastiano del Piombo según la afirmación de Marcantonio Michiel.", "entry": "section", "prompt": "Explora la Resumen de esta obra de arte, Los tres filósofos.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Alto Renacimiento", "Giorgione", "Marcantonio Michiel", "Museo de Historia del Arte de Viena", "Sebastiano del Piombo", "Viena"]} +{"id": 494, "title": "Los tres filósofos", "en_title": "The Three Philosophers", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "}}Los tres filósofos es un óleo sobre lienzo atribuido a Giorgione, pintor italiano del Alto Renacimiento. obra fue encargada por un noble veneciano conocido como Taddeo Contarini que se desempeñaba como mercader y tenía interés por la alquimia y el ocultismo. pintura fue concluida alrededor de 1509, un año antes del fallecimiento de Giorgione. Fue una de sus últimas obras y se exhibe en el Museo de Historia del Arte de Viena. En la obra pictórica están representados tres filósofos de distintas edades: un joven, un hombre de edad madura y un anciano. Algunos historiadores identifican como tema central de la pintura la alegoría de las tres edades del hombre. obra se cree que fue concluida por Sebastiano del Piombo según la afirmación de Marcantonio Michiel.", "entry": "section", "prompt": "¿Cómo aclara Los tres filósofos su Resumen?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Alto Renacimiento", "Giorgione", "Marcantonio Michiel", "Museo de Historia del Arte de Viena", "Sebastiano del Piombo", "Viena"]} +{"id": 495, "title": "Los tres filósofos", "en_title": "The Three Philosophers", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "}}Los tres filósofos es un óleo sobre lienzo atribuido a Giorgione, pintor italiano del Alto Renacimiento. obra fue encargada por un noble veneciano conocido como Taddeo Contarini que se desempeñaba como mercader y tenía interés por la alquimia y el ocultismo. pintura fue concluida alrededor de 1509, un año antes del fallecimiento de Giorgione. Fue una de sus últimas obras y se exhibe en el Museo de Historia del Arte de Viena. En la obra pictórica están representados tres filósofos de distintas edades: un joven, un hombre de edad madura y un anciano. Algunos historiadores identifican como tema central de la pintura la alegoría de las tres edades del hombre. obra se cree que fue concluida por Sebastiano del Piombo según la afirmación de Marcantonio Michiel.", "entry": "section", "prompt": "En Los tres filósofos, ¿Cómo se discute la Resumen?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Alto Renacimiento", "Giorgione", "Marcantonio Michiel", "Museo de Historia del Arte de Viena", "Sebastiano del Piombo", "Viena"]} +{"id": 496, "title": "Los tres filósofos", "en_title": "The Three Philosophers", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "En la pintura se vislumbra al hombre más joven con actitud contemplativa y con la mirada hacia la gruta, y sujetando con sus manos una escuadra y un compás. Los otros dos hombres parece que van a iniciar una conversación, el de edad mediana tiene un turbante y el anciano lleva consigo un compás y anotaciones astronómicas.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de Los tres filósofos, explora la Descripción y null.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 497, "title": "Los tres filósofos", "en_title": "The Three Philosophers", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "En la pintura se vislumbra al hombre más joven con actitud contemplativa y con la mirada hacia la gruta, y sujetando con sus manos una escuadra y un compás. Los otros dos hombres parece que van a iniciar una conversación, el de edad mediana tiene un turbante y el anciano lleva consigo un compás y anotaciones astronómicas.", "entry": "subsection", "prompt": "Explora la Descripción sobre la null de esta obra de arte, Los tres filósofos.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 498, "title": "Los tres filósofos", "en_title": "The Three Philosophers", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "En la pintura se vislumbra al hombre más joven con actitud contemplativa y con la mirada hacia la gruta, y sujetando con sus manos una escuadra y un compás. 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Los otros dos hombres parece que van a iniciar una conversación, el de edad mediana tiene un turbante y el anciano lleva consigo un compás y anotaciones astronómicas.", "entry": "subsection", "prompt": "Describe las características de la Descripción en la null de Los tres filósofos.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 500, "title": "Los tres filósofos", "en_title": "The Three Philosophers", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "A través del tiempo algunos historiadores han realizado interpretaciones de la obra en las que se identifica a los tres personajes representados con astrónomos, geómetras, matemáticos e incluso los Reyes Magos. Existen alrededor de quince interpretaciones; sin embargo, no se ha podido determinar cuál de estas hipótesis es la correcta. primera descripción del cuadro fue realizada en 1525 por Marcantonio Michiel, un noble veneciano interesado en la historia del arte, y el cual en una visita a la residencia de Taddeo Contarini escribió lo siguiente: Otra de las propuestas del significado de la obra es la de Hubert Janitschek, quien identifica a los personajes con las distintas edades del pensamiento, más claro al anciano lo asocia con la filosofía antigua, el hombre en edad madura con la filosofía medieval y al joven con la filosofía renacentista.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de Los tres filósofos, explora la Interpretaciones y null.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Marcantonio Michiel"]} +{"id": 501, "title": "Los tres filósofos", "en_title": "The Three Philosophers", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "A través del tiempo algunos historiadores han realizado interpretaciones de la obra en las que se identifica a los tres personajes representados con astrónomos, geómetras, matemáticos e incluso los Reyes Magos. Existen alrededor de quince interpretaciones; sin embargo, no se ha podido determinar cuál de estas hipótesis es la correcta. primera descripción del cuadro fue realizada en 1525 por Marcantonio Michiel, un noble veneciano interesado en la historia del arte, y el cual en una visita a la residencia de Taddeo Contarini escribió lo siguiente: Otra de las propuestas del significado de la obra es la de Hubert Janitschek, quien identifica a los personajes con las distintas edades del pensamiento, más claro al anciano lo asocia con la filosofía antigua, el hombre en edad madura con la filosofía medieval y al joven con la filosofía renacentista.", "entry": "subsection", "prompt": "Explora la Interpretaciones sobre la null de esta obra de arte, Los tres filósofos.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Marcantonio Michiel"]} +{"id": 502, "title": "Los tres filósofos", "en_title": "The Three Philosophers", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "A través del tiempo algunos historiadores han realizado interpretaciones de la obra en las que se identifica a los tres personajes representados con astrónomos, geómetras, matemáticos e incluso los Reyes Magos. Existen alrededor de quince interpretaciones; sin embargo, no se ha podido determinar cuál de estas hipótesis es la correcta. primera descripción del cuadro fue realizada en 1525 por Marcantonio Michiel, un noble veneciano interesado en la historia del arte, y el cual en una visita a la residencia de Taddeo Contarini escribió lo siguiente: Otra de las propuestas del significado de la obra es la de Hubert Janitschek, quien identifica a los personajes con las distintas edades del pensamiento, más claro al anciano lo asocia con la filosofía antigua, el hombre en edad madura con la filosofía medieval y al joven con la filosofía renacentista.", "entry": "subsection", "prompt": "En Los tres filósofos, ¿Cómo se aclara la Interpretaciones de la null?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Marcantonio Michiel"]} +{"id": 503, "title": "Los tres filósofos", "en_title": "The Three Philosophers", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Giorgione_-_Three_Philosophers_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "A través del tiempo algunos historiadores han realizado interpretaciones de la obra en las que se identifica a los tres personajes representados con astrónomos, geómetras, matemáticos e incluso los Reyes Magos. 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Se trata de una copia en mármol de un modelo en bronce anterior. Hoy se exhibe en el Braccio Nuovo de los Museos Vaticanos.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Augusto de Prima Porta y explora la Resumen.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Augusto", "Museos Vaticanos", "Augusto", "Prima Porta", "Roma"]} +{"id": 505, "title": "Augusto de Prima Porta", "en_title": "Augustus of Prima Porta", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5e/Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg/270px-Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5e/Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg/270px-Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg", "reference": "localización = Museos Vaticanos, Romaestilo = material = Mármol}}Augusto Prima Porta es una estatua de Augusto que fue descubierta el 20 de abril de 1863 en la villa de Livia, en Prima Porta, un suburbio de Roma. Se trata de una copia en mármol de un modelo en bronce anterior. Hoy se exhibe en el Braccio Nuovo de los Museos Vaticanos.", "entry": "section", "prompt": "Explora la Resumen de esta obra de arte, Augusto de Prima Porta.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Augusto", "Museos Vaticanos", "Augusto", "Prima Porta", "Roma"]} +{"id": 506, "title": "Augusto de Prima Porta", "en_title": "Augustus of Prima Porta", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5e/Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg/270px-Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5e/Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg/270px-Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg", "reference": "localización = Museos Vaticanos, Romaestilo = material = Mármol}}Augusto Prima Porta es una estatua de Augusto que fue descubierta el 20 de abril de 1863 en la villa de Livia, en Prima Porta, un suburbio de Roma. 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Acoge la forma de contrapposto de esa escultura, creando diagonales entre los miembros tensos y los relajados, es un rasgo típico de la escultura clásica.Se trata de una figura de bulto redondo, tallada en mármol, y que todavía conserva restos de dorado, púrpura, azul, y otros colores con los que fue policromada .Es, evidentemente, un retrato, de cuerpo entero, del emperador Octavio Augusto, personificado como toracato —vestido de militar y con una rica coraza—, que debió formar parte de un monumento conmemorativo de las últimas victorias del emperador. Augusto aparece en pie, con indumentaria militar, sosteniendo un bastón de mando consular y levantando la mano derecha, mostrando a sus tropas la corona de laurel del triunfo. Su coraza tiene relieves alusivos a diversos dioses romanos, entre ellos, Marte, el dios de la guerra, así como las personificaciones de los últimos territorios conquistados por él: Hispania, Galia, Germania, Partia ; sobre ellos aparecen los carros del Sol y la Luna.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Augusto de Prima Porta y explora la Descripción.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Augusto", "Doríforo", "Galia", "Hispania", "Augusto", "Partia", "Policleto"]} +{"id": 509, "title": "Augusto de Prima Porta", "en_title": "Augustus of Prima Porta", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5e/Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg/270px-Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5e/Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg/270px-Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg", "reference": "estatua es una imagen idealizada de Augusto que se basa en el Doríforo de Policleto del siglo V a. C. 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Sin embargo, a pesar de la influencia republicana, el estilo de este retrato está más cerca del idealismo helenizante, que del realismo republicano. Pese a la exactitud con que se describen las facciones del emperador, con la mirada sombría y su característico flequillo, su rostro tranquilo y distante ha sido idealizado; lo mismo podemos decir del contrapposto, de las proporciones anatómicas y del profundo drapeado del paludamentum. Por otro lado, Augusto ha sido retratado descalzo, como los antiguos héroes olímpicos, y un Cupido, que cabalga sobre un delfín, le abraza la pierna, simbolizando su condición de descendiente de la diosa Venus a través de Eneas. Todos estos refinamientos estilísticos y símbolos herméticos revelan una clara inspiración griega del retrato oficial, que los emperadores romanos convirtieron en instrumento de propaganda gubernamental, cuya función política era muy evidente: se trataba de mostrar al pueblo romano que el emperador —Augusto, en este caso— era un ser excepcional, equiparable a los antiguos héroes mitológicos, e incluso digno de ascender a la divinidad del Olimpo. ¿Quién mejor que él para gobernar Roma?.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Augusto de Prima Porta y explora la Estilo.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Cupido", "Augusto", "Doríforo", "Eneas", "Augusto", "Olimpo", "Policleto", "Roma"]} +{"id": 513, "title": "Augusto de Prima Porta", "en_title": "Augustus of Prima Porta", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5e/Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg/270px-Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5e/Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg/270px-Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg", "reference": "estatua está claramente inspirada en el Doríforo de Policleto, aunque con algunas modificaciones que recuerdan cierto retrato romano de época republicana conocido como El Orador. Sin embargo, a pesar de la influencia republicana, el estilo de este retrato está más cerca del idealismo helenizante, que del realismo republicano. Pese a la exactitud con que se describen las facciones del emperador, con la mirada sombría y su característico flequillo, su rostro tranquilo y distante ha sido idealizado; lo mismo podemos decir del contrapposto, de las proporciones anatómicas y del profundo drapeado del paludamentum. Por otro lado, Augusto ha sido retratado descalzo, como los antiguos héroes olímpicos, y un Cupido, que cabalga sobre un delfín, le abraza la pierna, simbolizando su condición de descendiente de la diosa Venus a través de Eneas. Todos estos refinamientos estilísticos y símbolos herméticos revelan una clara inspiración griega del retrato oficial, que los emperadores romanos convirtieron en instrumento de propaganda gubernamental, cuya función política era muy evidente: se trataba de mostrar al pueblo romano que el emperador —Augusto, en este caso— era un ser excepcional, equiparable a los antiguos héroes mitológicos, e incluso digno de ascender a la divinidad del Olimpo. ¿Quién mejor que él para gobernar Roma?.", "entry": "section", "prompt": "Explora la Estilo de esta obra de arte, Augusto de Prima Porta.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Cupido", "Augusto", "Doríforo", "Eneas", "Augusto", "Olimpo", "Policleto", "Roma"]} +{"id": 514, "title": "Augusto de Prima Porta", "en_title": "Augustus of Prima Porta", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5e/Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg/270px-Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5e/Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg/270px-Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg", "reference": "estatua está claramente inspirada en el Doríforo de Policleto, aunque con algunas modificaciones que recuerdan cierto retrato romano de época republicana conocido como El Orador. Sin embargo, a pesar de la influencia republicana, el estilo de este retrato está más cerca del idealismo helenizante, que del realismo republicano. Pese a la exactitud con que se describen las facciones del emperador, con la mirada sombría y su característico flequillo, su rostro tranquilo y distante ha sido idealizado; lo mismo podemos decir del contrapposto, de las proporciones anatómicas y del profundo drapeado del paludamentum. Por otro lado, Augusto ha sido retratado descalzo, como los antiguos héroes olímpicos, y un Cupido, que cabalga sobre un delfín, le abraza la pierna, simbolizando su condición de descendiente de la diosa Venus a través de Eneas. Todos estos refinamientos estilísticos y símbolos herméticos revelan una clara inspiración griega del retrato oficial, que los emperadores romanos convirtieron en instrumento de propaganda gubernamental, cuya función política era muy evidente: se trataba de mostrar al pueblo romano que el emperador —Augusto, en este caso— era un ser excepcional, equiparable a los antiguos héroes mitológicos, e incluso digno de ascender a la divinidad del Olimpo. ¿Quién mejor que él para gobernar Roma?.", "entry": "section", "prompt": "¿Cómo aclara Augusto de Prima Porta su Estilo?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Cupido", "Augusto", "Doríforo", "Eneas", "Augusto", "Olimpo", "Policleto", "Roma"]} +{"id": 515, "title": "Augusto de Prima Porta", "en_title": "Augustus of Prima Porta", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5e/Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg/270px-Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5e/Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg/270px-Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg", "reference": "estatua está claramente inspirada en el Doríforo de Policleto, aunque con algunas modificaciones que recuerdan cierto retrato romano de época republicana conocido como El Orador. Sin embargo, a pesar de la influencia republicana, el estilo de este retrato está más cerca del idealismo helenizante, que del realismo republicano. Pese a la exactitud con que se describen las facciones del emperador, con la mirada sombría y su característico flequillo, su rostro tranquilo y distante ha sido idealizado; lo mismo podemos decir del contrapposto, de las proporciones anatómicas y del profundo drapeado del paludamentum. Por otro lado, Augusto ha sido retratado descalzo, como los antiguos héroes olímpicos, y un Cupido, que cabalga sobre un delfín, le abraza la pierna, simbolizando su condición de descendiente de la diosa Venus a través de Eneas. Todos estos refinamientos estilísticos y símbolos herméticos revelan una clara inspiración griega del retrato oficial, que los emperadores romanos convirtieron en instrumento de propaganda gubernamental, cuya función política era muy evidente: se trataba de mostrar al pueblo romano que el emperador —Augusto, en este caso— era un ser excepcional, equiparable a los antiguos héroes mitológicos, e incluso digno de ascender a la divinidad del Olimpo. ¿Quién mejor que él para gobernar Roma?.", "entry": "section", "prompt": "En Augusto de Prima Porta, ¿Cómo se discute la Estilo?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Cupido", "Augusto", "Doríforo", "Eneas", "Augusto", "Olimpo", "Policleto", "Roma"]} +{"id": 516, "title": "Augusto de Prima Porta", "en_title": "Augustus of Prima Porta", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5e/Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg/270px-Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5e/Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg/270px-Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg", "reference": "Esta estatua, de unos dos metros de altura, fue descubierta en 1863, cuando se excavaba una villa palaciega, la Villa de Livia, en los alrededores de la Prima Porta de Roma. Al parecer, ese fue el lugar al que se retiró Livia, al morir su esposo, el emperador Augusto en el año 14 d. C. citada escultura parece ser un duplicado, encargado por la propia Livia en el año 20 d. C., de un retrato de Augusto, originalmente de bronce y oro, del año 19 d. C., que se exponía en algún lugar público de Roma. Actualmente, esta réplica, que es el mejor retrato conocido de este emperador, se exhibe en los Museos Vaticanos, en Roma.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Augusto de Prima Porta y explora la Identificacióndelaobra.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Augusto", "Museos Vaticanos", "Augusto", "Prima Porta", "Roma", "Villa de Livia"]} +{"id": 517, "title": "Augusto de Prima Porta", "en_title": "Augustus of Prima Porta", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5e/Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg/270px-Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5e/Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg/270px-Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg", "reference": "Esta estatua, de unos dos metros de altura, fue descubierta en 1863, cuando se excavaba una villa palaciega, la Villa de Livia, en los alrededores de la Prima Porta de Roma. 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Actualmente, esta réplica, que es el mejor retrato conocido de este emperador, se exhibe en los Museos Vaticanos, en Roma.", "entry": "section", "prompt": "En Augusto de Prima Porta, ¿Cómo se discute la Identificacióndelaobra?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Augusto", "Museos Vaticanos", "Augusto", "Prima Porta", "Roma", "Villa de Livia"]} +{"id": 520, "title": "Augusto de Prima Porta", "en_title": "Augustus of Prima Porta", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5e/Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg/270px-Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5e/Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg/270px-Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg", "reference": "El retratado, Octavio Augusto, fue el primer emperador de Roma y, además, puso fin a las guerras de conquista, comenzando un periodo de paz que, salvo guerras esporádicas, duró dos siglos como pax romana. En el arte y, concretamente, en la escultura, también hubo importantes cambios: si en época republicana dominaba el realismo extremo, durante el Imperio la influencia griega se deja ver en los retratos de los emperadores, que eran idealizaciones que resumían todas las virtudes que debía tener alguien excepcional, digno de gobernar aquel imperio.:Había varios tipos iconográficos de retrato imperial: del Augusto Prima Porta es una imagen toracata, en calidad de jefe militar triunfador. También podía ser representado como Pontifex Maximus, tipo también llamado capite velato, por llevar un velo en la cabeza oficiando como jefe religioso o sumo sacerdote, como en el retrato de Augusto del Museo de las Termas, Roma. Togado: representando al emperador con toga senatorial, como máxima autoridad del Senado . Otros modelos eran el retrato ecuestre, del que conservamos pocos ejemplos, el mejor el de Marco Aurelio..., El retrato apoteósico, que representa al emperador semidesnudo, como alusión, ya fallecido, a su carácter de semidiós y, en cierto modo, el retrato de Augusto Prima Porta tiene algún indicio apoteósico, ya que el emperador va descalzo.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Augusto de Prima Porta y explora la Contextohistórico.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Augusto", "Marco Aurelio", "Augusto", "Prima Porta", "Roma"]} +{"id": 521, "title": "Augusto de Prima Porta", "en_title": "Augustus of Prima Porta", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5e/Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg/270px-Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5e/Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg/270px-Augustus_of_Prima_Porta_%28inv._2290%29.jpg", "reference": "El retratado, Octavio Augusto, fue el primer emperador de Roma y, además, puso fin a las guerras de conquista, comenzando un periodo de paz que, salvo guerras esporádicas, duró dos siglos como pax romana. 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Otros modelos eran el retrato ecuestre, del que conservamos pocos ejemplos, el mejor el de Marco Aurelio..., El retrato apoteósico, que representa al emperador semidesnudo, como alusión, ya fallecido, a su carácter de semidiós y, en cierto modo, el retrato de Augusto Prima Porta tiene algún indicio apoteósico, ya que el emperador va descalzo.", "entry": "section", "prompt": "En Augusto de Prima Porta, ¿Cómo se discute la Contextohistórico?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Augusto", "Marco Aurelio", "Augusto", "Prima Porta", "Roma"]} +{"id": 524, "title": "La música en las Tullerías", "en_title": "Music in the Tuileries", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/94/MANET_-_M%C3%BAsica_en_las_Tuller%C3%ADas_%28National_Gallery%2C_Londres%2C_1862%29.jpg/450px-MANET_-_M%C3%BAsica_en_las_Tuller%C3%ADas_%28National_Gallery%2C_Londres%2C_1862%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/94/MANET_-_M%C3%BAsica_en_las_Tuller%C3%ADas_%28National_Gallery%2C_Londres%2C_1862%29.jpg/450px-MANET_-_M%C3%BAsica_en_las_Tuller%C3%ADas_%28National_Gallery%2C_Londres%2C_1862%29.jpg", "reference": "categoría estilo =Cuadros del Impresionismo de Francia}} música en las Tullerías es un cuadro realizado por el famoso pintor francés Édouard Manet en 1862. Mide 76 cm de altura y 116 de largo. Se considera generalmente esta tela como el primer ejemplo de obra impresionista en la historia del arte. Fue adquirido por la National Gallery de Londres en 1917 y allí se exhibe con el título de Music in the Tuileries Gardens.Se trata de uno de los primeros cuadros de Manet, ejecutado durante el Segundo Imperio.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en La música en las Tullerías y explora la Resumen.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["1862", "Londres", "National Gallery", "Édouard Manet"]} +{"id": 525, "title": "La música en las Tullerías", "en_title": "Music in the Tuileries", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/94/MANET_-_M%C3%BAsica_en_las_Tuller%C3%ADas_%28National_Gallery%2C_Londres%2C_1862%29.jpg/450px-MANET_-_M%C3%BAsica_en_las_Tuller%C3%ADas_%28National_Gallery%2C_Londres%2C_1862%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/94/MANET_-_M%C3%BAsica_en_las_Tuller%C3%ADas_%28National_Gallery%2C_Londres%2C_1862%29.jpg/450px-MANET_-_M%C3%BAsica_en_las_Tuller%C3%ADas_%28National_Gallery%2C_Londres%2C_1862%29.jpg", "reference": "categoría estilo =Cuadros del Impresionismo de Francia}} música en las Tullerías es un cuadro realizado por el famoso pintor francés Édouard Manet en 1862. 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Fue adquirido por la National Gallery de Londres en 1917 y allí se exhibe con el título de Music in the Tuileries Gardens.Se trata de uno de los primeros cuadros de Manet, ejecutado durante el Segundo Imperio.", "entry": "section", "prompt": "Explora la Resumen de esta obra de arte, La música en las Tullerías.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["1862", "Londres", "National Gallery", "Édouard Manet"]} +{"id": 526, "title": "La música en las Tullerías", "en_title": "Music in the Tuileries", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/94/MANET_-_M%C3%BAsica_en_las_Tuller%C3%ADas_%28National_Gallery%2C_Londres%2C_1862%29.jpg/450px-MANET_-_M%C3%BAsica_en_las_Tuller%C3%ADas_%28National_Gallery%2C_Londres%2C_1862%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/94/MANET_-_M%C3%BAsica_en_las_Tuller%C3%ADas_%28National_Gallery%2C_Londres%2C_1862%29.jpg/450px-MANET_-_M%C3%BAsica_en_las_Tuller%C3%ADas_%28National_Gallery%2C_Londres%2C_1862%29.jpg", "reference": "categoría estilo =Cuadros del Impresionismo de Francia}} música en las Tullerías es un cuadro realizado por el famoso pintor francés Édouard Manet en 1862. 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Fue adquirido por la National Gallery de Londres en 1917 y allí se exhibe con el título de Music in the Tuileries Gardens.Se trata de uno de los primeros cuadros de Manet, ejecutado durante el Segundo Imperio.", "entry": "section", "prompt": "¿Cómo aclara La música en las Tullerías su Resumen?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["1862", "Londres", "National Gallery", "Édouard Manet"]} +{"id": 527, "title": "La música en las Tullerías", "en_title": "Music in the Tuileries", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/94/MANET_-_M%C3%BAsica_en_las_Tuller%C3%ADas_%28National_Gallery%2C_Londres%2C_1862%29.jpg/450px-MANET_-_M%C3%BAsica_en_las_Tuller%C3%ADas_%28National_Gallery%2C_Londres%2C_1862%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/94/MANET_-_M%C3%BAsica_en_las_Tuller%C3%ADas_%28National_Gallery%2C_Londres%2C_1862%29.jpg/450px-MANET_-_M%C3%BAsica_en_las_Tuller%C3%ADas_%28National_Gallery%2C_Londres%2C_1862%29.jpg", "reference": "categoría estilo =Cuadros del Impresionismo de Francia}} música en las Tullerías es un cuadro realizado por el famoso pintor francés Édouard Manet en 1862. Mide 76 cm de altura y 116 de largo. Se considera generalmente esta tela como el primer ejemplo de obra impresionista en la historia del arte. 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Por entonces, el palacio de las Tullerías aún existía, y albergaba a la corte de Napoleón III. Tres días a la semana se abrían los jardines al público y se oía música.El pintor se complace en hacer figurar un determinado número de las personas que le son cercanas. Algunas de las figuras son verdaderos retratos. En él aparece su modelo favorita: Victorine Meurent, que también está en obras como cantante de las cerezas o Desayuno sobre la hierba, de la misma época. Puede identificarse también al propio autor, Manet, con sombrero de copa, barbudo, en el borde izquierdo de la composición. Ligeramente inclinado hacia la izquierda está su hermano, Eugène Manet, charlando con otra mujer.Baudelaire es una simple silueta esbozada, justo detrás de la primera dama de blanco, empezando por la izquierda. Esta última, instalada junto a la Sra. Offenbach, no es otra que la Sra. Lejosne, gracias a la cual Manet conoció a Baudelaire.Otros amigos del artista están cerca del tronco: el músico Offenbach, el pintor Henri Fantin-tour y escritores como Jules Husson Champfleury o Théophile Gautier.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en La música en las Tullerías y explora la Descripción.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Jules Husson Champfleury", "Napoleón III", "París", "Théophile Gautier", "Victorine Meurent"]} +{"id": 529, "title": "La música en las Tullerías", "en_title": "Music in the Tuileries", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/94/MANET_-_M%C3%BAsica_en_las_Tuller%C3%ADas_%28National_Gallery%2C_Londres%2C_1862%29.jpg/450px-MANET_-_M%C3%BAsica_en_las_Tuller%C3%ADas_%28National_Gallery%2C_Londres%2C_1862%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/94/MANET_-_M%C3%BAsica_en_las_Tuller%C3%ADas_%28National_Gallery%2C_Londres%2C_1862%29.jpg/450px-MANET_-_M%C3%BAsica_en_las_Tuller%C3%ADas_%28National_Gallery%2C_Londres%2C_1862%29.jpg", "reference": "El universo de alto copete y refinado en el cual evolucionaba Manet, propio del París del está extraordinariamente reflejado en este cuadro, que pinta un concierto dado en el jardín de las Tullerías. 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El uso de esta técnica escandalizó a los contemporáneos. En efecto, esta tela supone la clara ruptura del pintor con su período realista, también escandalizó cuando se expuso en 1863 en la galería Louis-Martinet, ya que mostraba a la sociedad de su tiempo y no un pasado más o menos mítico. Se representa con precisión las vestimentas y los tocados de la época. s sillas de hierro forjado que se ven acababan de sustituir a las de madera empleadas en el evento hasta 1862. Destacan los vestidos con grandes lazos que llevan las niñas que juegan en primer plano. s críticas también acusaron a Manet de trabajar sólo esbozos borrosos y de «arañar los ojos como la música de las ferias hace sangrar la oreja». Está Música de las Tullerías, mejor aún que Desayuno sobre la hierba, parece ser el primer manifiesto verdadero del movimiento impresionista y uno de los primeros signos del interés de la pintura para la vida urbana moderna, seguido en esto por Daumier y Degas en particular.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en La música en las Tullerías y explora la Estilo.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["1862"]} +{"id": 533, "title": "La música en las Tullerías", "en_title": "Music in the Tuileries", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/94/MANET_-_M%C3%BAsica_en_las_Tuller%C3%ADas_%28National_Gallery%2C_Londres%2C_1862%29.jpg/450px-MANET_-_M%C3%BAsica_en_las_Tuller%C3%ADas_%28National_Gallery%2C_Londres%2C_1862%29.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/94/MANET_-_M%C3%BAsica_en_las_Tuller%C3%ADas_%28National_Gallery%2C_Londres%2C_1862%29.jpg/450px-MANET_-_M%C3%BAsica_en_las_Tuller%C3%ADas_%28National_Gallery%2C_Londres%2C_1862%29.jpg", "reference": "Manet pinta a este abigarrado grupo con manchas de color. 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El agua que se expulsa puede alcanzar una velocidad de 375 kilómetros por hora y su masa en el aire puede exceder 18 toneladas cortas . Fue construida entre 1980 y 1983 y comenzó a funcionar en 1985. fuente utiliza agua salada procedente del Mar Rojo en lugar de agua dulce. Se utilizan más de 500 focos para iluminar la fuente en la noche.El 27 de marzo de 2010, las luces de la fuente se apagaron en apoyo al movimiento Hora del Planeta de 2010.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Fuente del Rey Fahd y explora la Resumen.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Arabia Saudita", "Mar Rojo", "Yeda"]} +{"id": 541, "title": "Fuente del Rey Fahd", "en_title": "King Fahd's Fountain", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3f/BSM_2571.jpg/270px-BSM_2571.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3f/BSM_2571.jpg/270px-BSM_2571.jpg", "reference": "construcción = inauguración =declaración = características = estilo = dimensiones = administrador = horario = sitio_web = }} Fuente del Rey Fahd también conocida como la Fuente de Yeda, es la fuente más alta de su tipo en el mundo. Situada en la costa de Yeda, en el litoral oeste del Reino de Arabia Saudita. Los chorros de la fuente de agua alcanzan hasta 1.024 pies sobre el Mar Rojo. Fue donada a la ciudad de Yeda por el rey Fahd, de ahí su nombre. fuente es visible en toda la vecindad de Yeda. El agua que se expulsa puede alcanzar una velocidad de 375 kilómetros por hora y su masa en el aire puede exceder 18 toneladas cortas . Fue construida entre 1980 y 1983 y comenzó a funcionar en 1985. fuente utiliza agua salada procedente del Mar Rojo en lugar de agua dulce. 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Los chorros de la fuente de agua alcanzan hasta 1.024 pies sobre el Mar Rojo. Fue donada a la ciudad de Yeda por el rey Fahd, de ahí su nombre. fuente es visible en toda la vecindad de Yeda. El agua que se expulsa puede alcanzar una velocidad de 375 kilómetros por hora y su masa en el aire puede exceder 18 toneladas cortas . Fue construida entre 1980 y 1983 y comenzó a funcionar en 1985. fuente utiliza agua salada procedente del Mar Rojo en lugar de agua dulce. Se utilizan más de 500 focos para iluminar la fuente en la noche.El 27 de marzo de 2010, las luces de la fuente se apagaron en apoyo al movimiento Hora del Planeta de 2010.", "entry": "section", "prompt": "¿Cómo aclara Fuente del Rey Fahd su Resumen?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Arabia Saudita", "Mar Rojo", "Yeda"]} +{"id": 543, "title": "Fuente del Rey Fahd", "en_title": "King Fahd's Fountain", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3f/BSM_2571.jpg/270px-BSM_2571.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3f/BSM_2571.jpg/270px-BSM_2571.jpg", "reference": "construcción = inauguración =declaración = características = estilo = dimensiones = administrador = horario = sitio_web = }} Fuente del Rey Fahd también conocida como la Fuente de Yeda, es la fuente más alta de su tipo en el mundo. Situada en la costa de Yeda, en el litoral oeste del Reino de Arabia Saudita. Los chorros de la fuente de agua alcanzan hasta 1.024 pies sobre el Mar Rojo. Fue donada a la ciudad de Yeda por el rey Fahd, de ahí su nombre. fuente es visible en toda la vecindad de Yeda. El agua que se expulsa puede alcanzar una velocidad de 375 kilómetros por hora y su masa en el aire puede exceder 18 toneladas cortas . Fue construida entre 1980 y 1983 y comenzó a funcionar en 1985. fuente utiliza agua salada procedente del Mar Rojo en lugar de agua dulce. Se utilizan más de 500 focos para iluminar la fuente en la noche.El 27 de marzo de 2010, las luces de la fuente se apagaron en apoyo al movimiento Hora del Planeta de 2010.", "entry": "section", "prompt": "En Fuente del Rey Fahd, ¿Cómo se discute la Resumen?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Arabia Saudita", "Mar Rojo", "Yeda"]} +{"id": 544, "title": "La tasadora de perlas", "en_title": "Woman Holding a Balance", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/68/Johannes_Vermeer_-_Woman_Holding_a_Balance_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Johannes_Vermeer_-_Woman_Holding_a_Balance_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/68/Johannes_Vermeer_-_Woman_Holding_a_Balance_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Johannes_Vermeer_-_Woman_Holding_a_Balance_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "}} tasadora de perlas , es una obra del pintor holandés Johannes Vermeer. Está realizada al óleo sobre lienzo. Se calcula que fue pintada hacia 1665. Mide 42 cm de alto y 35,5 cm de ancho. Se conserva en la Galería Nacional de Arte de Washington D.C., Estados Unidos.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en La tasadora de perlas y explora la Resumen.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Estados Unidos", "Galería Nacional de Arte", "Johannes Vermeer"]} +{"id": 545, "title": "La tasadora de perlas", "en_title": "Woman Holding a Balance", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/68/Johannes_Vermeer_-_Woman_Holding_a_Balance_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Johannes_Vermeer_-_Woman_Holding_a_Balance_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/68/Johannes_Vermeer_-_Woman_Holding_a_Balance_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Johannes_Vermeer_-_Woman_Holding_a_Balance_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "}} tasadora de perlas , es una obra del pintor holandés Johannes Vermeer. 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Un análisis microscópico, sin embargo, ha revelado que los platillos de la balanza están vacíos. El brillo en los platillos no viene del amarillo estaño que se usa en otros lugares del lienzo para representar el oro. Vermeer representó perlas con una fina capa gris culminada con un brillo blanco. El brillo del platillo es de una sola capa. Además, no hay perlas sueltas sobre la tabla que indiquen la existencia de otras perlas esperando a ser pesadas.Este análisis aparentemente trivial sobre qué es lo que está pesando ilumina el significado de la obra, puesto que Mujer con balanza, como se la llama ahora, es alegórica. mujer está en pie entre una representación del Juicio Final que cuelga en un pesado marco negro, y una mesa con monedas y perlas irisadas, engarzadas y luminosas ante un paño de color azul oscuro; la joyería representaría las posesiones materiales. balanza vacía subraya que está pesando algo espiritual más que material. El retrato de Vermeer no proporciona una sensación de tensión o conflicto, antes bien la mujer exuda serenidad. Su autoconocimiento se refleja en el espejo de la pared, pues este objeto siempre ha simbolizado el conocimiento de uno mismo. Por lo tanto, la pintura sugiere la importancia de la moderación, de la conciencia de uno mismo, y una comprensión plena de las implicaciones de un juicio final.Se convierte así en un bodegón de «vanitas», transmitiendo que la futilidad de este mundo es pura vanidad. Vermeer logra así trasponer los principios de la naturaleza muerta al cuadro de interiores y de género.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en La tasadora de perlas y explora la Análisisysignificado.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Juicio Final"]} +{"id": 549, "title": "La tasadora de perlas", "en_title": "Woman Holding a Balance", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/68/Johannes_Vermeer_-_Woman_Holding_a_Balance_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Johannes_Vermeer_-_Woman_Holding_a_Balance_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/68/Johannes_Vermeer_-_Woman_Holding_a_Balance_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Johannes_Vermeer_-_Woman_Holding_a_Balance_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "Hasta hace poco, esta pintura era conocida como pesadora de oro o Joven pesando perlas. Un análisis microscópico, sin embargo, ha revelado que los platillos de la balanza están vacíos. 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Su autoconocimiento se refleja en el espejo de la pared, pues este objeto siempre ha simbolizado el conocimiento de uno mismo. Por lo tanto, la pintura sugiere la importancia de la moderación, de la conciencia de uno mismo, y una comprensión plena de las implicaciones de un juicio final.Se convierte así en un bodegón de «vanitas», transmitiendo que la futilidad de este mundo es pura vanidad. 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El fondo del marco de la pintura está incluso alterado para proporcionar un nicho parcial para la balanza. El marco acaba más arriba enfrente de la mujer que detrás de ella. compleja interrelación entre las verticales y las horizontales, los objetos y el espacio negativo, y la luz y sombra da como resultado una fuerte de composición equilibrio; aun así, activa. luz penetra por la ventana e incide directa sobre el rostro de la mujer, lo que contribuye también a darle un carácter atemporal a la pintura. Los platillos están equilibrados, pero en una asimetría dinámica. Una limpieza en 1994 reveló que había un adorno de oro, no detectado antes, en el marco negro que proporciona un enlace tonal con el amarillo de la cortina y el vestido de la mujer.Vermeer ha dotado a Mujer con balanza de un contexto más alegórico que sus otras escenas domésticas. Como tal, pierde algo de la interpretación subjetiva de un trabajo menor directo como muchacha de azul leyendo una carta. No obstante, hay quien opina que la magistral composición y ejecución de Vermeer producen una obra poderosa y conmovedora.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en La tasadora de perlas y explora la Composición.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 553, "title": "La tasadora de perlas", "en_title": "Woman Holding a Balance", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/68/Johannes_Vermeer_-_Woman_Holding_a_Balance_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Johannes_Vermeer_-_Woman_Holding_a_Balance_-_Google_Art_Project.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/68/Johannes_Vermeer_-_Woman_Holding_a_Balance_-_Google_Art_Project.jpg/270px-Johannes_Vermeer_-_Woman_Holding_a_Balance_-_Google_Art_Project.jpg", "reference": "composición se ha dibujado para centrar la atención en la pequeña y delicada balanza que sostiene la mujer. modelo se ha identificado como Catharina Vermeer, esposa del pintor, encinta.Los brazos de la mujer actúan como un marco, con el pequeño dedo de su mano derecha extendida para hacerse eco del mango horizontal de la balanza. 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El fondo del marco de la pintura está incluso alterado para proporcionar un nicho parcial para la balanza. El marco acaba más arriba enfrente de la mujer que detrás de ella. compleja interrelación entre las verticales y las horizontales, los objetos y el espacio negativo, y la luz y sombra da como resultado una fuerte de composición equilibrio; aun así, activa. luz penetra por la ventana e incide directa sobre el rostro de la mujer, lo que contribuye también a darle un carácter atemporal a la pintura. Los platillos están equilibrados, pero en una asimetría dinámica. Una limpieza en 1994 reveló que había un adorno de oro, no detectado antes, en el marco negro que proporciona un enlace tonal con el amarillo de la cortina y el vestido de la mujer.Vermeer ha dotado a Mujer con balanza de un contexto más alegórico que sus otras escenas domésticas. Como tal, pierde algo de la interpretación subjetiva de un trabajo menor directo como muchacha de azul leyendo una carta. 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Según Piotr Łuczyński, teniente de alcalde de la ciudad, el memorial «pondrá de relieve la importancia de la ciudad como un centro académico».", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Monumento a Wikipedia y explora la Descripción.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Collegium Polonicum", "Mihran Hakobyan", "Słubice", "Wikipedia"]} +{"id": 561, "title": "Monumento a Wikipedia", "en_title": "Wikipedia Monument", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d9/Wikipedia_Monument_2.JPG/270px-Wikipedia_Monument_2.JPG", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d9/Wikipedia_Monument_2.JPG/270px-Wikipedia_Monument_2.JPG", "reference": "El monumento fue promovido por Krzysztof Wojciechowski, profesor y director en el Collegium Polonicum de Słubice, y representa a cuatro figuras desnudas que sostienen en alto una bola del mundo inspirada en el logotipo de Wikipedia. escultura, hecha de fibra y resina, fue diseñada por el artista de origen armenio Mihran Hakobyan, graduado del Collegium Polonicum. obra costó entre 47 000 y 50 000 zlotys y fue financiada por las autoridades de la ciudad.Su presentación tuvo lugar el 22 de octubre de 2014, convirtiéndose en el primer monumento del mundo dedicado a la enciclopedia en línea. Según Piotr Łuczyński, teniente de alcalde de la ciudad, el memorial «pondrá de relieve la importancia de la ciudad como un centro académico».", "entry": "section", "prompt": "Explora la Descripción de esta obra de arte, Monumento a Wikipedia.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Collegium Polonicum", "Mihran Hakobyan", "Słubice", "Wikipedia"]} +{"id": 562, "title": "Monumento a Wikipedia", "en_title": "Wikipedia Monument", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d9/Wikipedia_Monument_2.JPG/270px-Wikipedia_Monument_2.JPG", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d9/Wikipedia_Monument_2.JPG/270px-Wikipedia_Monument_2.JPG", "reference": "El monumento fue promovido por Krzysztof Wojciechowski, profesor y director en el Collegium Polonicum de Słubice, y representa a cuatro figuras desnudas que sostienen en alto una bola del mundo inspirada en el logotipo de Wikipedia. escultura, hecha de fibra y resina, fue diseñada por el artista de origen armenio Mihran Hakobyan, graduado del Collegium Polonicum. obra costó entre 47 000 y 50 000 zlotys y fue financiada por las autoridades de la ciudad.Su presentación tuvo lugar el 22 de octubre de 2014, convirtiéndose en el primer monumento del mundo dedicado a la enciclopedia en línea. Según Piotr Łuczyński, teniente de alcalde de la ciudad, el memorial «pondrá de relieve la importancia de la ciudad como un centro académico».", "entry": "section", "prompt": "¿Cómo aclara Monumento a Wikipedia su Descripción?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Collegium Polonicum", "Mihran Hakobyan", "Słubice", "Wikipedia"]} +{"id": 563, "title": "Monumento a Wikipedia", "en_title": "Wikipedia Monument", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d9/Wikipedia_Monument_2.JPG/270px-Wikipedia_Monument_2.JPG", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d9/Wikipedia_Monument_2.JPG/270px-Wikipedia_Monument_2.JPG", "reference": "El monumento fue promovido por Krzysztof Wojciechowski, profesor y director en el Collegium Polonicum de Słubice, y representa a cuatro figuras desnudas que sostienen en alto una bola del mundo inspirada en el logotipo de Wikipedia. escultura, hecha de fibra y resina, fue diseñada por el artista de origen armenio Mihran Hakobyan, graduado del Collegium Polonicum. obra costó entre 47 000 y 50 000 zlotys y fue financiada por las autoridades de la ciudad.Su presentación tuvo lugar el 22 de octubre de 2014, convirtiéndose en el primer monumento del mundo dedicado a la enciclopedia en línea. Según Piotr Łuczyński, teniente de alcalde de la ciudad, el memorial «pondrá de relieve la importancia de la ciudad como un centro académico».", "entry": "section", "prompt": "En Monumento a Wikipedia, ¿Cómo se discute la Descripción?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Collegium Polonicum", "Mihran Hakobyan", "Słubice", "Wikipedia"]} +{"id": 564, "title": "Monumento a Wikipedia", "en_title": "Wikipedia Monument", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d9/Wikipedia_Monument_2.JPG/270px-Wikipedia_Monument_2.JPG", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d9/Wikipedia_Monument_2.JPG/270px-Wikipedia_Monument_2.JPG", "reference": "En la base del monumento figura una placa con el siguiente texto:", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Monumento a Wikipedia y explora la Inscripción.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 565, "title": "Monumento a Wikipedia", "en_title": "Wikipedia Monument", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d9/Wikipedia_Monument_2.JPG/270px-Wikipedia_Monument_2.JPG", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d9/Wikipedia_Monument_2.JPG/270px-Wikipedia_Monument_2.JPG", "reference": "En la base del monumento figura una placa con el siguiente texto:", "entry": "section", "prompt": "Explora la Inscripción de esta obra de arte, Monumento a Wikipedia.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 566, "title": "Monumento a Wikipedia", "en_title": "Wikipedia Monument", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d9/Wikipedia_Monument_2.JPG/270px-Wikipedia_Monument_2.JPG", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d9/Wikipedia_Monument_2.JPG/270px-Wikipedia_Monument_2.JPG", "reference": "En la base del monumento figura una placa con el siguiente texto:", "entry": "section", "prompt": "¿Cómo aclara Monumento a Wikipedia su Inscripción?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 567, "title": "Monumento a Wikipedia", "en_title": "Wikipedia Monument", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d9/Wikipedia_Monument_2.JPG/270px-Wikipedia_Monument_2.JPG", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d9/Wikipedia_Monument_2.JPG/270px-Wikipedia_Monument_2.JPG", "reference": "En la base del monumento figura una placa con el siguiente texto:", "entry": "section", "prompt": "En Monumento a Wikipedia, ¿Cómo se discute la Inscripción?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 568, "title": "Cuadrado negro", "en_title": "Black Square", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/dc/Kazimir_Malevich%2C_1915%2C_Black_Suprematic_Square%2C_oil_on_linen_canvas%2C_79.5_x_79.5_cm%2C_Tretyakov_Gallery%2C_Moscow.jpg/270px-Kazimir_Malevich%2C_1915%2C_Black_Suprematic_Square%2C_oil_on_linen_canvas%2C_79.5_x_79.5_cm%2C_Tretyakov_Gallery%2C_Moscow.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/dc/Kazimir_Malevich%2C_1915%2C_Black_Suprematic_Square%2C_oil_on_linen_canvas%2C_79.5_x_79.5_cm%2C_Tretyakov_Gallery%2C_Moscow.jpg/270px-Kazimir_Malevich%2C_1915%2C_Black_Suprematic_Square%2C_oil_on_linen_canvas%2C_79.5_x_79.5_cm%2C_Tretyakov_Gallery%2C_Moscow.jpg", "reference": "}}El Cuadrado negro es una pintura icónica del pintor ucraniano Kazimir Malévich. Malévich hizo al menos cinco versiones, de las cuales se conservan cuatro; la primera fue hecha en 1915 y se halla en la Galería Tretiakov de Moscú, institución que posee también la considerada cuarta versión, de 1929. segunda versión se da por perdida, la tercera se halla en el Museo Ruso de San Petersburgo y la que se cree última, de 1930 o 1932, ingresó en el Museo del Hermitage en 2002 gracias al mecenazgo privado.El Cuadrado negro se mostró por primera vez en la exposición llamada Última exposición futurista: 0.10 en 1915, realizada en Petrogrado y en donde abandona el futurismo. Cuelga treinta y nueve obras abstractas y las presenta como el nuevo realismo pictórico, entre ellas el famoso Cuadrado negro, que supone un giro capital en la evolución de Malévich y de toda la pintura moderna. obra es frecuentemente invocada por críticos, historiadores, curadores y artistas como el «punto cero de la pintura», refiriéndose a la importancia histórica de la pintura y parafraseando a Malévich.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en Cuadrado negro y explora la Resumen.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Galería Tretiakov", "Kazimir Malévich", "Moscú", "Museo del Hermitage", "San Petersburgo", "San Petersburgo"]} +{"id": 569, "title": "Cuadrado negro", "en_title": "Black Square", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/dc/Kazimir_Malevich%2C_1915%2C_Black_Suprematic_Square%2C_oil_on_linen_canvas%2C_79.5_x_79.5_cm%2C_Tretyakov_Gallery%2C_Moscow.jpg/270px-Kazimir_Malevich%2C_1915%2C_Black_Suprematic_Square%2C_oil_on_linen_canvas%2C_79.5_x_79.5_cm%2C_Tretyakov_Gallery%2C_Moscow.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/dc/Kazimir_Malevich%2C_1915%2C_Black_Suprematic_Square%2C_oil_on_linen_canvas%2C_79.5_x_79.5_cm%2C_Tretyakov_Gallery%2C_Moscow.jpg/270px-Kazimir_Malevich%2C_1915%2C_Black_Suprematic_Square%2C_oil_on_linen_canvas%2C_79.5_x_79.5_cm%2C_Tretyakov_Gallery%2C_Moscow.jpg", "reference": "}}El Cuadrado negro es una pintura icónica del pintor ucraniano Kazimir Malévich. 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De manera habitual, y fundamentalmente en Occidente, se interpreta como un sentimiento relacionado con el afecto y el apego, y resultante y productor de una serie de actitudes, emociones y experiencias. En el contexto filosófico, el amor es una virtud que representa todo el afecto, la bondad y la compasión del ser humano.También puede describirse como acciones dirigidas hacia otros y basadas en la compasión, o bien como acciones dirigidas hacia otros y basadas en el afecto.En español, la palabra amor abarca una gran cantidad de sentimientos diferentes, desde el deseo pasional y de intimidad del amor romántico hasta la proximidad emocional asexual del amor familiar y el amor platónico,incluso se refiere a la profunda devoción o unidad del amor religioso. En este último ámbito, trasciende del sentimiento y pasa a considerarse la manifestación de un estado del alma o de la mente, identificada en algunas religiones con Dios mismo o con la fuerza que mantiene unido el universo.s emociones asociadas al amor pueden ser extremadamente poderosas, llegando con frecuencia a ser irresistibles, y pueden ser tanto placenteras como dolorosas . El amor en sus diversas formas actúa como importante facilitador de las relaciones interpersonales y, debido a su importancia psicológica central, es uno de los temas más frecuentes en artes como el cine, la literatura o la música.Desde el punto de vista de la ciencia, lo que conocemos como amor parece ser un estado evolucionado del primitivo instinto de supervivencia, que mantenía a los seres humanos unidos y heroicos ante las amenazas y facilitaba la continuación de la especie mediante la reproducción. diversidad de usos y significados y la complejidad de los sentimientos que abarca hacen que el amor sea especialmente difícil de definir de un modo consistente, aunque, básicamente, el amor es interpretado de dos formas: bajo una concepción altruista, basada en la compasión y la colaboración, y bajo otra egoísta, basada en el interés individual y la rivalidad. El egoísmo suele estar relacionado con el cuerpo y el mundo material; el altruismo, con el alma y el mundo espiritual. Ambos son, según la ciencia actual, expresiones de procesos cerebrales que la evolución proporcionó al ser humano; la idea del alma, o de algo parecido al alma, probablemente apareció hace entre un millón y varios cientos de miles de años.A menudo, sucede que individuos, grupos humanos o empresas disfrazan su comportamiento egoísta de altruismo; es lo que conocemos como hipocresía, y encontramos numerosos ejemplos de dicho comportamiento en la publicidad. Recíprocamente, también puede ocurrir que, en un ambiente egoísta, un comportamiento altruista se disfrace de egoísmo: Oskar Schindler proporcionó un buen ejemplo.A lo largo de la historia se han expresado, incluso en culturas sin ningún contacto conocido entre ellas, conceptos que, con algunas variaciones, incluyen la dualidad esencial del ser humano: lo femenino y lo masculino, el bien y el mal, el yin y el yang, el ápeiron de Anaximandro.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en amor y explora la Resumen.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Anaximandro", "Dios", "Occidente", "Oskar Schindler"]} +{"id": 573, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "El amor es un concepto universal relativo a la afinidad o armonía entre seres, definido de diversas formas según las diferentes ideologías y puntos de vista . De manera habitual, y fundamentalmente en Occidente, se interpreta como un sentimiento relacionado con el afecto y el apego, y resultante y productor de una serie de actitudes, emociones y experiencias. En el contexto filosófico, el amor es una virtud que representa todo el afecto, la bondad y la compasión del ser humano.También puede describirse como acciones dirigidas hacia otros y basadas en la compasión, o bien como acciones dirigidas hacia otros y basadas en el afecto.En español, la palabra amor abarca una gran cantidad de sentimientos diferentes, desde el deseo pasional y de intimidad del amor romántico hasta la proximidad emocional asexual del amor familiar y el amor platónico,incluso se refiere a la profunda devoción o unidad del amor religioso. En este último ámbito, trasciende del sentimiento y pasa a considerarse la manifestación de un estado del alma o de la mente, identificada en algunas religiones con Dios mismo o con la fuerza que mantiene unido el universo.s emociones asociadas al amor pueden ser extremadamente poderosas, llegando con frecuencia a ser irresistibles, y pueden ser tanto placenteras como dolorosas . El amor en sus diversas formas actúa como importante facilitador de las relaciones interpersonales y, debido a su importancia psicológica central, es uno de los temas más frecuentes en artes como el cine, la literatura o la música.Desde el punto de vista de la ciencia, lo que conocemos como amor parece ser un estado evolucionado del primitivo instinto de supervivencia, que mantenía a los seres humanos unidos y heroicos ante las amenazas y facilitaba la continuación de la especie mediante la reproducción. diversidad de usos y significados y la complejidad de los sentimientos que abarca hacen que el amor sea especialmente difícil de definir de un modo consistente, aunque, básicamente, el amor es interpretado de dos formas: bajo una concepción altruista, basada en la compasión y la colaboración, y bajo otra egoísta, basada en el interés individual y la rivalidad. El egoísmo suele estar relacionado con el cuerpo y el mundo material; el altruismo, con el alma y el mundo espiritual. Ambos son, según la ciencia actual, expresiones de procesos cerebrales que la evolución proporcionó al ser humano; la idea del alma, o de algo parecido al alma, probablemente apareció hace entre un millón y varios cientos de miles de años.A menudo, sucede que individuos, grupos humanos o empresas disfrazan su comportamiento egoísta de altruismo; es lo que conocemos como hipocresía, y encontramos numerosos ejemplos de dicho comportamiento en la publicidad. Recíprocamente, también puede ocurrir que, en un ambiente egoísta, un comportamiento altruista se disfrace de egoísmo: Oskar Schindler proporcionó un buen ejemplo.A lo largo de la historia se han expresado, incluso en culturas sin ningún contacto conocido entre ellas, conceptos que, con algunas variaciones, incluyen la dualidad esencial del ser humano: lo femenino y lo masculino, el bien y el mal, el yin y el yang, el ápeiron de Anaximandro.", "entry": "section", "prompt": "Explora la Resumen de esta obra de arte, amor.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Anaximandro", "Dios", "Occidente", "Oskar Schindler"]} +{"id": 574, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "El amor es un concepto universal relativo a la afinidad o armonía entre seres, definido de diversas formas seg��n las diferentes ideologías y puntos de vista . De manera habitual, y fundamentalmente en Occidente, se interpreta como un sentimiento relacionado con el afecto y el apego, y resultante y productor de una serie de actitudes, emociones y experiencias. En el contexto filosófico, el amor es una virtud que representa todo el afecto, la bondad y la compasión del ser humano.También puede describirse como acciones dirigidas hacia otros y basadas en la compasión, o bien como acciones dirigidas hacia otros y basadas en el afecto.En español, la palabra amor abarca una gran cantidad de sentimientos diferentes, desde el deseo pasional y de intimidad del amor romántico hasta la proximidad emocional asexual del amor familiar y el amor platónico,incluso se refiere a la profunda devoción o unidad del amor religioso. En este último ámbito, trasciende del sentimiento y pasa a considerarse la manifestación de un estado del alma o de la mente, identificada en algunas religiones con Dios mismo o con la fuerza que mantiene unido el universo.s emociones asociadas al amor pueden ser extremadamente poderosas, llegando con frecuencia a ser irresistibles, y pueden ser tanto placenteras como dolorosas . El amor en sus diversas formas actúa como importante facilitador de las relaciones interpersonales y, debido a su importancia psicológica central, es uno de los temas más frecuentes en artes como el cine, la literatura o la música.Desde el punto de vista de la ciencia, lo que conocemos como amor parece ser un estado evolucionado del primitivo instinto de supervivencia, que mantenía a los seres humanos unidos y heroicos ante las amenazas y facilitaba la continuación de la especie mediante la reproducción. diversidad de usos y significados y la complejidad de los sentimientos que abarca hacen que el amor sea especialmente difícil de definir de un modo consistente, aunque, básicamente, el amor es interpretado de dos formas: bajo una concepción altruista, basada en la compasión y la colaboración, y bajo otra egoísta, basada en el interés individual y la rivalidad. El egoísmo suele estar relacionado con el cuerpo y el mundo material; el altruismo, con el alma y el mundo espiritual. Ambos son, según la ciencia actual, expresiones de procesos cerebrales que la evolución proporcionó al ser humano; la idea del alma, o de algo parecido al alma, probablemente apareció hace entre un millón y varios cientos de miles de años.A menudo, sucede que individuos, grupos humanos o empresas disfrazan su comportamiento egoísta de altruismo; es lo que conocemos como hipocresía, y encontramos numerosos ejemplos de dicho comportamiento en la publicidad. 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En este último ámbito, trasciende del sentimiento y pasa a considerarse la manifestación de un estado del alma o de la mente, identificada en algunas religiones con Dios mismo o con la fuerza que mantiene unido el universo.s emociones asociadas al amor pueden ser extremadamente poderosas, llegando con frecuencia a ser irresistibles, y pueden ser tanto placenteras como dolorosas . El amor en sus diversas formas actúa como importante facilitador de las relaciones interpersonales y, debido a su importancia psicológica central, es uno de los temas más frecuentes en artes como el cine, la literatura o la música.Desde el punto de vista de la ciencia, lo que conocemos como amor parece ser un estado evolucionado del primitivo instinto de supervivencia, que mantenía a los seres humanos unidos y heroicos ante las amenazas y facilitaba la continuación de la especie mediante la reproducción. diversidad de usos y significados y la complejidad de los sentimientos que abarca hacen que el amor sea especialmente difícil de definir de un modo consistente, aunque, básicamente, el amor es interpretado de dos formas: bajo una concepción altruista, basada en la compasión y la colaboración, y bajo otra egoísta, basada en el interés individual y la rivalidad. El egoísmo suele estar relacionado con el cuerpo y el mundo material; el altruismo, con el alma y el mundo espiritual. Ambos son, según la ciencia actual, expresiones de procesos cerebrales que la evolución proporcionó al ser humano; la idea del alma, o de algo parecido al alma, probablemente apareció hace entre un millón y varios cientos de miles de años.A menudo, sucede que individuos, grupos humanos o empresas disfrazan su comportamiento egoísta de altruismo; es lo que conocemos como hipocresía, y encontramos numerosos ejemplos de dicho comportamiento en la publicidad. 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Incluso existen personas totalmente polarizadas hacia una de las dos actitudes por voluntad propia; por ejemplo, los monjes budistas están totalmente volcados hacia el altruismo, y los practicantes del objetivismo, hacia el egoísmo. Y también existen personas que combinan ambas formas de ser, comportándose, unas veces, de forma altruista y colaboradora, otras, de forma egoísta y competitiva, y otras, de forma parcialmente altruista y competitiva. En algunas partes del mundo predomina el altruismo , de modo que el egoísmo se ve en general como algo negativo. Y existen grupos humanos donde sucede lo contrario. 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Aparece situado como prerrequisito de la autoestima y, en cierto contexto, como sinónimo de esta. Es algo positivo para el desarrollo personal e indispensable para las buenas relaciones interpersonales, Para el budismo, que califica al ego como una mera ilusión de nuestra mente, el amor real, amor compasivo, solo existe cuando se dirige hacia otra persona, y no hacia uno mismo. Para el psicoanálisis, que, de forma completamente opuesta al budismo, califica al ego como la única realidad, el amor autopersonal siempre es narcisismo, que puede ser, a su vez, saludable o no saludable. Amor incondicional: Es el amor compasivo, altruista, que se profesa sin esperar nada a cambio. El amor espiritual, predicado por las diferentes religiones, es el amor incondicional por antonomasia. El amor maternal, o amor de madre a hijo, se reconoce también como amor de este tipo, y, por tradición, se considera motivado por un fuerte instinto que lo hace especialmente intenso; no obstante, hay también quien cuestiona la existencia de dicho instinto. Amor filial: Entre hijos y padres . Amor fraternal: En su sentido estricto, es el afecto entre hermanos, aunque puede extenderse a otros parientes exceptuados los padres y los descendientes. Nace de un sentimiento profundo de gratitud y reconocimiento a la familia, y se manifiesta por emociones que apuntan a la convivencia, la colaboración y la identificación de cada sujeto dentro de una estructura de parentesco. Desde el punto de vista del psicoanálisis, el fraternal es, al igual que el amor filial, sublimado, ya que está fundado en la interdicción del incesto. Amistad: Cercano al amor fraternal, es un sentimiento que nace de la necesidad de los seres humanos de socializar. El amor al prójimo nace a su vez del uso de la facultad de la mente de empatizar y tolerar, y constituye la abstracción de la amistad. Para Erich Fromm, dicho amor al prójimo equivale al amor fraternal y al amor predicado en la Biblia mediante la frase «amarás al prójimo como a ti mismo». Amor sexual: Incluye el amor romántico y el amor confluente. El deseo sexual, según Helen Fisher, es diferente del amor romántico y del afecto . Desde el punto de vista de la psicología humanista, el amor romántico —y el amor interpersonal en general— está relacionado en gran medida con la autoestima. Amor platónico: Con propiedad, es un concepto filosófico que consiste en la elevación de la manifestación de una idea hasta su contemplación, que varía desde la apariencia de la belleza hasta el conocimiento puro y desinteresado de su esencia. Para Platón, el verdadero amor es el que nace de la sabiduría, es decir, del conocimiento. Vulgarmente, se conoce como una forma de amor en que no hay un elemento sexual o este se da de forma mental, imaginativa o idealística y no de forma física. Amor a los animales y a las plantas: Nace de un sentimiento protector. Amor hacia algo abstracto o inanimado: A un objeto físico, una idea, una meta, a la patria , al lugar de nacimiento, al honor, a la independencia . Puede considerarse amor platónico en su sentido filosófico. El patriotismo puede ir asociado a la heroicidad, en cuyo caso constituye un comportamiento de altruismo respecto a su grupo, que en esencia es un comportamiento de egoísmo respecto a otro grupo en la medida en que no se considera al otro grupo de la misma condición. Amor hacia un dios o una deidad : Suele nacer de la educación recibida desde la infancia, y se basa en la fe. Se considera a Dios como la fuente de todo amor. En la mayoría de los casos, existe la creencia de que, tras la muerte, Dios premiará de alguna forma a las personas que la correspondiente religión considere virtuosas. Amor universal: Amor espiritual que, según diferentes religiones, todas las personas pueden llegar a profesar al medio natural y que los grandes místicos experimentan como expresión del nirvana, éxtasis o iluminación, estados de conexión absoluta con el universo o con Dios. Es una manifestación sublime en la que se eclipsan o confluyen el resto de las manifestaciones. 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Aparece situado como prerrequisito de la autoestima y, en cierto contexto, como sinónimo de esta. Es algo positivo para el desarrollo personal e indispensable para las buenas relaciones interpersonales, Para el budismo, que califica al ego como una mera ilusión de nuestra mente, el amor real, amor compasivo, solo existe cuando se dirige hacia otra persona, y no hacia uno mismo. Para el psicoanálisis, que, de forma completamente opuesta al budismo, califica al ego como la única realidad, el amor autopersonal siempre es narcisismo, que puede ser, a su vez, saludable o no saludable. Amor incondicional: Es el amor compasivo, altruista, que se profesa sin esperar nada a cambio. El amor espiritual, predicado por las diferentes religiones, es el amor incondicional por antonomasia. El amor maternal, o amor de madre a hijo, se reconoce también como amor de este tipo, y, por tradición, se considera motivado por un fuerte instinto que lo hace especialmente intenso; no obstante, hay también quien cuestiona la existencia de dicho instinto. Amor filial: Entre hijos y padres . Amor fraternal: En su sentido estricto, es el afecto entre hermanos, aunque puede extenderse a otros parientes exceptuados los padres y los descendientes. Nace de un sentimiento profundo de gratitud y reconocimiento a la familia, y se manifiesta por emociones que apuntan a la convivencia, la colaboración y la identificación de cada sujeto dentro de una estructura de parentesco. Desde el punto de vista del psicoanálisis, el fraternal es, al igual que el amor filial, sublimado, ya que está fundado en la interdicción del incesto. Amistad: Cercano al amor fraternal, es un sentimiento que nace de la necesidad de los seres humanos de socializar. El amor al prójimo nace a su vez del uso de la facultad de la mente de empatizar y tolerar, y constituye la abstracción de la amistad. Para Erich Fromm, dicho amor al prójimo equivale al amor fraternal y al amor predicado en la Biblia mediante la frase «amarás al prójimo como a ti mismo». Amor sexual: Incluye el amor romántico y el amor confluente. El deseo sexual, según Helen Fisher, es diferente del amor romántico y del afecto . Desde el punto de vista de la psicología humanista, el amor romántico —y el amor interpersonal en general— está relacionado en gran medida con la autoestima. Amor platónico: Con propiedad, es un concepto filosófico que consiste en la elevación de la manifestación de una idea hasta su contemplación, que varía desde la apariencia de la belleza hasta el conocimiento puro y desinteresado de su esencia. Para Platón, el verdadero amor es el que nace de la sabiduría, es decir, del conocimiento. Vulgarmente, se conoce como una forma de amor en que no hay un elemento sexual o este se da de forma mental, imaginativa o idealística y no de forma física. Amor a los animales y a las plantas: Nace de un sentimiento protector. Amor hacia algo abstracto o inanimado: A un objeto físico, una idea, una meta, a la patria , al lugar de nacimiento, al honor, a la independencia . Puede considerarse amor platónico en su sentido filosófico. El patriotismo puede ir asociado a la heroicidad, en cuyo caso constituye un comportamiento de altruismo respecto a su grupo, que en esencia es un comportamiento de egoísmo respecto a otro grupo en la medida en que no se considera al otro grupo de la misma condición. Amor hacia un dios o una deidad : Suele nacer de la educación recibida desde la infancia, y se basa en la fe. Se considera a Dios como la fuente de todo amor. En la mayoría de los casos, existe la creencia de que, tras la muerte, Dios premiará de alguna forma a las personas que la correspondiente religión considere virtuosas. Amor universal: Amor espiritual que, según diferentes religiones, todas las personas pueden llegar a profesar al medio natural y que los grandes místicos experimentan como expresión del nirvana, éxtasis o iluminación, estados de conexión absoluta con el universo o con Dios. Es una manifestación sublime en la que se eclipsan o confluyen el resto de las manifestaciones. Eckhart Tolle sostiene que el amor, como estado continuo, aún es muy raro y escaso, tan escaso como un ser humano consciente.", "entry": "section", "prompt": "En amor, ¿Cómo se discute la Manifestacionesdelamor?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Amistad", "Amor platónico", "Biblia", "Dios", "Eckhart Tolle", "Erich Fromm", "Helen Fisher", "Platón"]} +{"id": 584, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "Desde tiempos inmemoriales, el amor y todo lo relacionado con él se ha asociado con símbolos e iconos. De los que han sobrevivido hasta la actualidad, unos son autóctonos de las diferentes culturas o ligados a las costumbres de determinados lugares geográficos, y otros, con el paso de los siglos, se han convertido en interculturales o incluso universales en el mundo civilizado. s flores, el color rojo, determinados perfumes o la música romántica, ensoñadora o erótica, son elementos que se repiten en una buena parte de las relaciones amorosas. En el caso de Occidente, los bombones, entre otros detalles, se interpretan en ocasiones con un significado amoroso. De todos los símbolos utilizados, los más característicos en la cultura occidental son el cupido, y, sobre todo, el corazón.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en amor y explora la Simbología.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Occidente"]} +{"id": 585, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "Desde tiempos inmemoriales, el amor y todo lo relacionado con él se ha asociado con símbolos e iconos. 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El horóscopo, la adivinación, o la utilización de sustancias, objetos y rituales con cualidades pretendidamente mágicas o milagrosas, son, entre otras, creencias y prácticas que persisten desde la antigüedad, algunas de las cuales, como las religiones, están fuertemente arraigadas desde hace milenios . El advenimiento del Racionalismo en el y el vertiginoso desarrollo de la ciencia en el último siglo contribuyeron en gran medida a reducir el impacto de la superstición sobre el pensamiento. No obstante, aún existen determinadas culturas, como las de tribus africanas por ejemplo, donde es posible encontrar el pensamiento puramente mágico, así como significativos sectores de la población del mundo civilizado que, al margen de las religiones, aceptadas y asumidas socialmente, todavía relacionan el amor con lo sobrenatural, y testimonio de ello son las ventas de libros sobre la Nueva Era o el lucrativo negocio de los adivinadores y cartomantes a través de medios de comunicación como la televisión o la radio. En palabras de Helen Fisher, el amor es el resultado de reacciones químicas, y el conocimiento de tal hecho no es óbice para su disfrute:", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en amor y explora la Superstición.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Helen Fisher", "Racionalismo"]} +{"id": 589, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "El carácter irracional e indescriptible de la atávica experiencia amorosa y, probablemente, la existencia de un instinto religioso natural, hacen que otro aspecto íntimamente relacionado con el amor sea la superstición. 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A veces se atribuye su invención a alguna tradición particular , pero los vestigios arqueológicos de todas las civilizaciones confirman la existencia de afecto hacia los familiares, la pareja, los niños, los coterráneos, entre otros, por lo cual las interpretaciones que postulan que el amor en general es una construcción cultural específica no parecen fundadas.Desde el punto de vista cultural, el amor sexual se ha manifestado históricamente hacia las personas del sexo opuesto como hacia aquellas del mismo sexo. Para los griegos y durante el Renacimiento, los ideales de belleza eran encarnados en particular por la mujer y por los adolescentes de sexo masculino. palabra española «amor» puede tener múltiples significados, aunque relacionados, distintos entre sí dependiendo del contexto. A menudo, otros idiomas usan diferentes palabras para expresar algunos de los variados conceptos. s diferencias culturales al conceptualizar el amor hacen aún más difícil establecer una definición universal. 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Carmen Martín Gaite Usos amorosos de la postguerra española. 1.ª edición, 1987. 7.ª edición, 1988. Anagrama. Barcelona. ISBN 84-339-0085-4. Conchita Ramón Delgado. Diccionario del amor. 1936. Gráficas \"RECORT\", Barcelona.", "entry": "section", "prompt": "Concéntrate en amor y explora la Bibliografíarelacionada.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Agustín García Calvo", "Carmen Martín Gaite", "ISBN", "Mar"]} +{"id": 597, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "Agustín García Calvo , El amor y los 2 sexos. Del tiempo de amor y olvido. Editorial Lucina, Zamora. . 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Carmen Martín Gaite Usos amorosos de la postguerra española. 1.ª edición, 1987. 7.ª edición, 1988. Anagrama. Barcelona. ISBN 84-339-0085-4. Conchita Ramón Delgado. Diccionario del amor. 1936. Gráficas \"RECORT\", Barcelona.", "entry": "section", "prompt": "En amor, ¿Cómo se discute la Bibliografíarelacionada?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Agustín García Calvo", "Carmen Martín Gaite", "ISBN", "Mar"]} +{"id": 600, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "]]Richard Dawkins interpreta ambas actitudes como las expresiones del instinto de conservación del individuo y de la especie . Explica que, según una teoría aceptada por algunos biólogos, heredamos los genes responsables de tales actitudes de especies antecesoras, y que, antes de nuestra llegada, la evolución biológica estuvo probablemente controlada por un mecanismo denominado «selección de grupos»; en virtud de este mecanismo, los grupos de individuos en los que hubiese más miembros dispuestos a sacrificar su vida por el resto tendrían mayor probabilidad de sobrevivir que los que estaban compuestos por individuos egoístas; esto daría como resultado que el mundo terminase poblado por individuos altruistas. Es una teoría que, aunque proporciona una explicación para el hecho de que actualmente el altruismo predomine en el mundo, genera gran controversia en el mundo científico por contradecir directamente la teoría darwinista; por ello, la explicación personal del autor acerca de la supervivencia del altruismo en el marco darwinista del egoísmo individual es que la unidad de supervivencia no es el individuo, sino el gen; es decir, bajo este punto de vista, los seres humanos y los grupos de seres humanos somos «máquinas de supervivencia» «creadas» por los genes en su propio beneficio. aunque, no obstante, existen críticas al respecto.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de amor, explora la Enfoquecientíficodelegoísmoyelaltruismo y Dosformasdeentenderelamor.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Richard Dawkins"]} +{"id": 601, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "]]Richard Dawkins interpreta ambas actitudes como las expresiones del instinto de conservación del individuo y de la especie . Explica que, según una teoría aceptada por algunos biólogos, heredamos los genes responsables de tales actitudes de especies antecesoras, y que, antes de nuestra llegada, la evolución biológica estuvo probablemente controlada por un mecanismo denominado «selección de grupos»; en virtud de este mecanismo, los grupos de individuos en los que hubiese más miembros dispuestos a sacrificar su vida por el resto tendrían mayor probabilidad de sobrevivir que los que estaban compuestos por individuos egoístas; esto daría como resultado que el mundo terminase poblado por individuos altruistas. Es una teoría que, aunque proporciona una explicación para el hecho de que actualmente el altruismo predomine en el mundo, genera gran controversia en el mundo científico por contradecir directamente la teoría darwinista; por ello, la explicación personal del autor acerca de la supervivencia del altruismo en el marco darwinista del egoísmo individual es que la unidad de supervivencia no es el individuo, sino el gen; es decir, bajo este punto de vista, los seres humanos y los grupos de seres humanos somos «máquinas de supervivencia» «creadas» por los genes en su propio beneficio. aunque, no obstante, existen críticas al respecto.", "entry": "subsection", "prompt": "Explora la Enfoquecientíficodelegoísmoyelaltruismo sobre la Dosformasdeentenderelamor de esta obra de arte, amor.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Richard Dawkins"]} +{"id": 602, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "]]Richard Dawkins interpreta ambas actitudes como las expresiones del instinto de conservación del individuo y de la especie . Explica que, según una teoría aceptada por algunos biólogos, heredamos los genes responsables de tales actitudes de especies antecesoras, y que, antes de nuestra llegada, la evolución biológica estuvo probablemente controlada por un mecanismo denominado «selección de grupos»; en virtud de este mecanismo, los grupos de individuos en los que hubiese más miembros dispuestos a sacrificar su vida por el resto tendrían mayor probabilidad de sobrevivir que los que estaban compuestos por individuos egoístas; esto daría como resultado que el mundo terminase poblado por individuos altruistas. Es una teoría que, aunque proporciona una explicación para el hecho de que actualmente el altruismo predomine en el mundo, genera gran controversia en el mundo científico por contradecir directamente la teoría darwinista; por ello, la explicación personal del autor acerca de la supervivencia del altruismo en el marco darwinista del egoísmo individual es que la unidad de supervivencia no es el individuo, sino el gen; es decir, bajo este punto de vista, los seres humanos y los grupos de seres humanos somos «máquinas de supervivencia» «creadas» por los genes en su propio beneficio. aunque, no obstante, existen críticas al respecto.", "entry": "subsection", "prompt": "En amor, ¿Cómo se aclara la Enfoquecientíficodelegoísmoyelaltruismo de la Dosformasdeentenderelamor?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Richard Dawkins"]} +{"id": 603, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "]]Richard Dawkins interpreta ambas actitudes como las expresiones del instinto de conservación del individuo y de la especie . Explica que, según una teoría aceptada por algunos biólogos, heredamos los genes responsables de tales actitudes de especies antecesoras, y que, antes de nuestra llegada, la evolución biológica estuvo probablemente controlada por un mecanismo denominado «selección de grupos»; en virtud de este mecanismo, los grupos de individuos en los que hubiese más miembros dispuestos a sacrificar su vida por el resto tendrían mayor probabilidad de sobrevivir que los que estaban compuestos por individuos egoístas; esto daría como resultado que el mundo terminase poblado por individuos altruistas. Es una teoría que, aunque proporciona una explicación para el hecho de que actualmente el altruismo predomine en el mundo, genera gran controversia en el mundo científico por contradecir directamente la teoría darwinista; por ello, la explicación personal del autor acerca de la supervivencia del altruismo en el marco darwinista del egoísmo individual es que la unidad de supervivencia no es el individuo, sino el gen; es decir, bajo este punto de vista, los seres humanos y los grupos de seres humanos somos «máquinas de supervivencia» «creadas» por los genes en su propio beneficio. aunque, no obstante, existen críticas al respecto.", "entry": "subsection", "prompt": "Describe las características de la Enfoquecientíficodelegoísmoyelaltruismo en la Dosformasdeentenderelamor de amor.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Richard Dawkins"]} +{"id": 604, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "El altruismo puede entenderse como altruismo puro, donde no existen apego ni deseo, como en el caso del budismo, o bien como «egoísmo altruista», como en el caso del cristianismo, donde existen apego a un ser superior y el deseo de obtener la salvación. En la práctica, en ambas religiones existen apego y deseo, y en el budismo existe una última etapa previa a la iluminación que consiste en la renunciación a todos los logros conseguidos a cambio de nada, con el objetivo de destruir el ego completamente. Para el llamado «altruismo puro», no existe posibilidad de negociación; las relaciones no son competitivas, sino colaborativas: uno procura el bienestar de los demás sin esperar nada a cambio, y los demás procuran el bienestar de uno.El budismo sitúa al apego y al deseo como emociones negativas que también producen ira y, en definitiva, sufrimiento. Apego, deseo, ira, miedo e ignorancia contribuyen a reforzar el ego. En la filosofía budista, el amor real es el amor compasivo, y el amor y el ego son incompatibles. Recientes estudios científicos han demostrado que la meditación budista produce un incremento de la actividad en las zonas cerebrales relacionadas con las emociones positivas y una disminución de la actividad en las zonas relacionadas con la ira y la depresión.El «egoísmo altruista» es la filosofía de las relaciones humanas predicada por Jesucristo .El altruismo es la forma de entender el amor para Leibniz, quien cree que, si uno realmente entiende y busca el amor, siempre obtendrá placer en la felicidad de otro. psicología humanista considera que el amor es indispensable para conseguir una autoestima saludable.Abraham Maslow sitúa al amor en el estrato de afiliación, entre el de seguridad y el de reconocimiento, dentro de su jerarquía de las necesidades humanas.Matthieu Ricard, doctor en bioquímica y monje budista, pone como ejemplo los comportamientos altruistas que existieron entre judíos desconocidos entre sí durante la ocupación nazi para ilustrar el hecho de que los seres humanos somos altruistas por naturaleza. «¿Cómo cabe pensar que actuasen por egoísmo en esa situación?», argumenta.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de amor, explora la Concepciónaltruista y Dosformasdeentenderelamor.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Abraham Maslow", "Apego", "Matthieu Ricard"]} +{"id": 605, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "El altruismo puede entenderse como altruismo puro, donde no existen apego ni deseo, como en el caso del budismo, o bien como «egoísmo altruista», como en el caso del cristianismo, donde existen apego a un ser superior y el deseo de obtener la salvación. 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Recientes estudios científicos han demostrado que la meditación budista produce un incremento de la actividad en las zonas cerebrales relacionadas con las emociones positivas y una disminución de la actividad en las zonas relacionadas con la ira y la depresión.El «egoísmo altruista» es la filosofía de las relaciones humanas predicada por Jesucristo .El altruismo es la forma de entender el amor para Leibniz, quien cree que, si uno realmente entiende y busca el amor, siempre obtendrá placer en la felicidad de otro. psicología humanista considera que el amor es indispensable para conseguir una autoestima saludable.Abraham Maslow sitúa al amor en el estrato de afiliación, entre el de seguridad y el de reconocimiento, dentro de su jerarquía de las necesidades humanas.Matthieu Ricard, doctor en bioquímica y monje budista, pone como ejemplo los comportamientos altruistas que existieron entre judíos desconocidos entre sí durante la ocupación nazi para ilustrar el hecho de que los seres humanos somos altruistas por naturaleza. «¿Cómo cabe pensar que actuasen por egoísmo en esa situación?», argumenta.", "entry": "subsection", "prompt": "Explora la Concepciónaltruista sobre la Dosformasdeentenderelamor de esta obra de arte, amor.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Abraham Maslow", "Apego", "Matthieu Ricard"]} +{"id": 606, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "El altruismo puede entenderse como altruismo puro, donde no existen apego ni deseo, como en el caso del budismo, o bien como «egoísmo altruista», como en el caso del cristianismo, donde existen apego a un ser superior y el deseo de obtener la salvación. 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Recientes estudios científicos han demostrado que la meditación budista produce un incremento de la actividad en las zonas cerebrales relacionadas con las emociones positivas y una disminución de la actividad en las zonas relacionadas con la ira y la depresión.El «egoísmo altruista» es la filosofía de las relaciones humanas predicada por Jesucristo .El altruismo es la forma de entender el amor para Leibniz, quien cree que, si uno realmente entiende y busca el amor, siempre obtendrá placer en la felicidad de otro. psicología humanista considera que el amor es indispensable para conseguir una autoestima saludable.Abraham Maslow sitúa al amor en el estrato de afiliación, entre el de seguridad y el de reconocimiento, dentro de su jerarquía de las necesidades humanas.Matthieu Ricard, doctor en bioquímica y monje budista, pone como ejemplo los comportamientos altruistas que existieron entre judíos desconocidos entre sí durante la ocupación nazi para ilustrar el hecho de que los seres humanos somos altruistas por naturaleza. «¿Cómo cabe pensar que actuasen por egoísmo en esa situación?», argumenta.", "entry": "subsection", "prompt": "En amor, ¿Cómo se aclara la Concepciónaltruista de la Dosformasdeentenderelamor?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Abraham Maslow", "Apego", "Matthieu Ricard"]} +{"id": 607, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "El altruismo puede entenderse como altruismo puro, donde no existen apego ni deseo, como en el caso del budismo, o bien como «egoísmo altruista», como en el caso del cristianismo, donde existen apego a un ser superior y el deseo de obtener la salvación. 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Recientes estudios científicos han demostrado que la meditación budista produce un incremento de la actividad en las zonas cerebrales relacionadas con las emociones positivas y una disminución de la actividad en las zonas relacionadas con la ira y la depresión.El «egoísmo altruista» es la filosofía de las relaciones humanas predicada por Jesucristo .El altruismo es la forma de entender el amor para Leibniz, quien cree que, si uno realmente entiende y busca el amor, siempre obtendrá placer en la felicidad de otro. psicología humanista considera que el amor es indispensable para conseguir una autoestima saludable.Abraham Maslow sit��a al amor en el estrato de afiliación, entre el de seguridad y el de reconocimiento, dentro de su jerarquía de las necesidades humanas.Matthieu Ricard, doctor en bioquímica y monje budista, pone como ejemplo los comportamientos altruistas que existieron entre judíos desconocidos entre sí durante la ocupación nazi para ilustrar el hecho de que los seres humanos somos altruistas por naturaleza. «¿Cómo cabe pensar que actuasen por egoísmo en esa situación?», argumenta.", "entry": "subsection", "prompt": "Describe las características de la Concepciónaltruista en la Dosformasdeentenderelamor de amor.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Abraham Maslow", "Apego", "Matthieu Ricard"]} +{"id": 608, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "concepción anterior es diametralmente opuesta a la del capitalismo, que promueve el llamado «egoísmo inherente al ser humano», y sobre el cual se basa. Ayn Rand defiende que el egoísmo es en esencia un sentimiento noble, y que cada persona es responsable de su propia felicidad y no de la de los demás. Este pensamiento está íntimamente ligado al capitalismo puro.El amor sexual, en cualquiera de sus variantes, constituye asimismo un amor marcadamente egoísta; lo que se manifiesta como un altruismo hacia la pareja constituye una manifestación de puro egoísmo respecto al resto de la sociedad; el propio acto sexual se desarrolla bajo un estado de egoísmo personal en el que el individuo busca su propio placer, ya sea de forma directa o por la gratificación que le produce el placer de su pareja. En la misma línea, Sigmund Freud consideraba que todas las motivaciones humanas tenían un trasfondo libidinoso, y, por lo tanto, egoísta. Al considerar el amor compasivo sublimado, describe al amor como un comportamiento exclusivamente narcisista; para él las personas solo aman lo que fueron, lo que son, o lo que ambicionan ser; distingue, incluso, entre grados saludables y patológicos de narcisismo. Escribió, entre otras cosas, que el amor incondicional de una madre lleva a una perpetua insatisfacción: «Cuando uno fue incontestablemente el hijo favorito de su madre, mantiene durante toda su vida ese sentimiento de vencedor, mantiene el sentimiento de seguridad en el éxito, que en realidad raramente se satisface». Es una forma de entender las relaciones humanas que se ha extendido durante el desde Estados Unidos a otros países occidentales, y actualmente existe una dura pugna entre sus defensores y detractores. Francia y Argentina son los dos países que más se resisten a abandonar la cultura del psicoanálisis. En España, más del 9% de los psicólogos siguen ya este paradigma.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de amor, explora la Concepciónegoísta y Dosformasdeentenderelamor.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Argentina", "Ayn Rand", "España", "Estados Unidos", "Francia"]} +{"id": 609, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "concepción anterior es diametralmente opuesta a la del capitalismo, que promueve el llamado «egoísmo inherente al ser humano», y sobre el cual se basa. Ayn Rand defiende que el egoísmo es en esencia un sentimiento noble, y que cada persona es responsable de su propia felicidad y no de la de los demás. Este pensamiento está íntimamente ligado al capitalismo puro.El amor sexual, en cualquiera de sus variantes, constituye asimismo un amor marcadamente egoísta; lo que se manifiesta como un altruismo hacia la pareja constituye una manifestación de puro egoísmo respecto al resto de la sociedad; el propio acto sexual se desarrolla bajo un estado de egoísmo personal en el que el individuo busca su propio placer, ya sea de forma directa o por la gratificación que le produce el placer de su pareja. En la misma línea, Sigmund Freud consideraba que todas las motivaciones humanas tenían un trasfondo libidinoso, y, por lo tanto, egoísta. 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En el caso del amor romántico, suele representarse con un arco y unas flechas, las cuales, a menudo con los ojos vendados, dispara sobre las personas, produciéndoles así el enamoramiento.El origen de Cupido se remonta a la mitología romana, si bien su figura ya existía en la mitología griega bajo el nombre de Eros, el dios primordial responsable de la atracción sexual, el amor y el sexo, venerado también como un dios de la fertilidad. flecha de Cupido también posee orígenes grecolatinos, y su influencia se hizo notar claramente en la poesía española desde la época medieval, aun sin la aparición del dios Amor. Bajo múltiples nombres , aparece en la literatura medieval, renacentista y posrenacentista con un sentido amoroso que se repite indefinidamente con pocos matices diferentes y mucha retórica. Sin embargo, el tema de la flecha alcanza un plano más elevado, teñido de toques conceptuales nuevos con dimensión trascendente y expresión paradójica, cuando se desarrolla en versiones a lo divino. De éstas, es significativa la narración de Santa Teresa de Jesús en un pasaje del Libro de su vida, en el que cuenta su transverberación en presencia de Serafín.A partir del Renacimiento, la figura de los putti llegó a confundirse con los querubines, confusión que perdura en la actualidad. Tanto los putti como los cupidos y ángeles pueden encontrarse en el arte religioso y secular desde la década de 1420 en Italia, desde finales del en los Países Bajos y Alemania, desde el período manierista y el Renacimiento tardío en Francia, y a lo largo del Barroco en frescos de techos. Los han representado tantos artistas que presentar la lista de estos sería poco útil, aunque entre los más conocidos se encuentran el escultor Donatello y el pintor Rafael; dos putti en actitud curiosa y relajada que aparecen a los pies de su Madonna Sixtina son reproducidos con frecuencia.Experimentaron una revitalización importante en el , y comenzaron a aparecer retozando en obras de pintores académicos, desde las ilustraciones de Gustave Doré para Orlando Furioso, hasta anuncios. Actualmente son un motivo muy utilizado como representación del amor en imágenes destinadas a la mercadotecnia; tal es el caso de muchas postales de San Valentín.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de amor, explora la Cupido y Simbología.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Alemania", "Barroco", "Cupido", "Donatello", "Eros", "Francia", "Gustave Doré", "Italia", "Países Bajos", "Renacimiento", "Teresa de Jesús", "Ser", "Serafín"]} +{"id": 613, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "figura de Cupido en forma de putto es una imagen recurrente. En el caso del amor romántico, suele representarse con un arco y unas flechas, las cuales, a menudo con los ojos vendados, dispara sobre las personas, produciéndoles así el enamoramiento.El origen de Cupido se remonta a la mitología romana, si bien su figura ya existía en la mitología griega bajo el nombre de Eros, el dios primordial responsable de la atracción sexual, el amor y el sexo, venerado también como un dios de la fertilidad. flecha de Cupido también posee orígenes grecolatinos, y su influencia se hizo notar claramente en la poesía española desde la época medieval, aun sin la aparición del dios Amor. Bajo múltiples nombres , aparece en la literatura medieval, renacentista y posrenacentista con un sentido amoroso que se repite indefinidamente con pocos matices diferentes y mucha retórica. Sin embargo, el tema de la flecha alcanza un plano más elevado, teñido de toques conceptuales nuevos con dimensión trascendente y expresión paradójica, cuando se desarrolla en versiones a lo divino. De éstas, es significativa la narración de Santa Teresa de Jesús en un pasaje del Libro de su vida, en el que cuenta su transverberación en presencia de Serafín.A partir del Renacimiento, la figura de los putti llegó a confundirse con los querubines, confusión que perdura en la actualidad. Tanto los putti como los cupidos y ángeles pueden encontrarse en el arte religioso y secular desde la década de 1420 en Italia, desde finales del en los Países Bajos y Alemania, desde el período manierista y el Renacimiento tardío en Francia, y a lo largo del Barroco en frescos de techos. 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Los han representado tantos artistas que presentar la lista de estos sería poco útil, aunque entre los más conocidos se encuentran el escultor Donatello y el pintor Rafael; dos putti en actitud curiosa y relajada que aparecen a los pies de su Madonna Sixtina son reproducidos con frecuencia.Experimentaron una revitalización importante en el , y comenzaron a aparecer retozando en obras de pintores académicos, desde las ilustraciones de Gustave Doré para Orlando Furioso, hasta anuncios. 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Aunque se usaba principalmente como condimento, tenía la reputación de poseer un valor adicional como método anticonceptivo. planta era tan importante para la economía de Cirene que se acuñaron monedas con la imagen de la vaina o cáscara, la cual tenía la forma del símbolo del corazón que conocemos actualmente. Según esta teoría, dicho símbolo se asoció inicialmente con el sexo, y, posteriormente, con el amor. Iglesia católica sostiene que la forma del símbolo no apareció hasta el , cuando Santa Margarita María Alacoque tuvo una visión del mismo rodeado de espinas. Este símbolo se hizo conocido como el Sagrado Corazón de Jesús, se asoció con el amor y la devoción, y empezó a aparecer a menudo en vidrieras y otros tipos de iconografía eclesiástica. No obstante, aunque el Sagrado Corazón probablemente popularizase el símbolo que hoy conocemos, la mayoría de los eruditos coinciden en que ya existía desde mucho antes del . A su vez, la tradición medieval del amor cortés pudo haber reforzado la asociación del símbolo con el amor romántico.Los corazones proliferaron cuando el intercambio de postales de San Valentín ganó popularidad en Inglaterra en el . En un principio, las cartas eran simples, pero los victorianos hicieron que fuesen más elaboradas, empleando el símbolo del corazón en conjunción con cintas y lazos.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de amor, explora la Corazón y Simbología.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Cirene", "Corazón", "Cupido", "Iglesia católica", "India", "Inglaterra", "Japón", "Mar", "Margarita María Alacoque", "Sagrado Corazón de Jesús"]} +{"id": 617, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "El símbolo del corazón es el que más frecuentemente se relaciona con el amor. 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En los casos más comunes, dicho sentimiento se basa en la atracción y la admiración de un sujeto hacia otro.Habitualmente se asocia el término con el amor romántico —una relación pasional y sexual entre dos personas que produce una influencia muy importante en sus vidas—, que intensifica las relaciones interpersonales entre ambos sujetos, quienes, partiendo de su propia insuficiencia, desean el encuentro y la unión con aquel que han juzgado ser el complemento para su existencia.Sin embargo, se aplica también a otras relaciones diferentes —tales como el amor platónico o el amor familiar—, y, en un sentido más amplio, del amor hacia Dios, el arte, la belleza, la humanidad o la naturaleza, lo que suele asociarse con la empatía y otras capacidades. En la mayoría de los casos, implica un gran afecto por algo que ocasiona felicidad o placer al que ama.El amor es un concepto en contraste frecuente con el odio, el desprecio o el egoísmo. No obstante, también está relativamente extendida la idea de que «solo hay un paso del amor al odio », y son típicas las «peleas de enamorados», así como, en algunas personas, las relaciones patológicas de amor-odio, producidas estas últimas, según un estudio de la Universidad de Yale, por una autoestima baja. Para Helen Fisher, la convivencia del amor y el odio en las relaciones amorosas es algo que, hasta cierto punto, tiene sentido, ya que lo sugiere el hecho de que, en muchos aspectos conductuales y fisiológicos, las respuestas del amor y el odio son análogas .Culturas como la budista consideran al apego y al deseo emociones negativas que producen ira y sufrimiento; el amor y el ego son incompatibles. En la filosofía budista, el amor real es el amor compasivo. Con independencia de su origen —incluso en el caso del amor—, el apego produce sufrimiento . El movimiento hippie, surgido en los años 1960, presentaba en sus inicios un acercamiento similar al apego. Asimismo, este movimiento utilizó el amor como uno de los principales baluartes de la contracultura de los años 1960, ejemplificado en el eslogan make love, not war .Cabe resaltar el uso actual de la palabra amor para designar tanto el amor espiritual y el amor romántico como el propio acto sexual —mediante la expresión «hacer el amor». Hasta mediados del , esa expresión estaba reservada para el galanteo.s personas tienden a aplicar el concepto del amor de un modo intuitivo desde y hacia otros animales y hacia otros seres vivos como las plantas. En el primer caso, a menudo se debe a que los signos externos al ser humano son interpretados de forma antropocéntrica; por ejemplo, el gesto de un perro que acude a lamer la mano del dueño se interpreta como una demostración de amor; sin embargo, los procesos psicológicos que producen ese tipo de comportamientos en el perro responden, según los conocimientos científicos actuales, a otro tipo de motivaciones mucho menos complejas que las de los seres humanos, como lo puede ser, por ejemplo, la necesidad de mantenimiento de la manada, heredada de su ancestro evolutivo, el lobo. En el caso de las plantas, es el hecho de que sepamos que la planta también es un ser vivo, como nosotros, lo que la hace objeto de nuestro amor. En ciertos casos, se llega al extremo de pensar que el amor en sí mismo beneficia a la planta. 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Asimismo, este movimiento utilizó el amor como uno de los principales baluartes de la contracultura de los años 1960, ejemplificado en el eslogan make love, not war .Cabe resaltar el uso actual de la palabra amor para designar tanto el amor espiritual y el amor romántico como el propio acto sexual —mediante la expresión «hacer el amor». Hasta mediados del , esa expresión estaba reservada para el galanteo.s personas tienden a aplicar el concepto del amor de un modo intuitivo desde y hacia otros animales y hacia otros seres vivos como las plantas. En el primer caso, a menudo se debe a que los signos externos al ser humano son interpretados de forma antropocéntrica; por ejemplo, el gesto de un perro que acude a lamer la mano del dueño se interpreta como una demostración de amor; sin embargo, los procesos psicológicos que producen ese tipo de comportamientos en el perro responden, según los conocimientos científicos actuales, a otro tipo de motivaciones mucho menos complejas que las de los seres humanos, como lo puede ser, por ejemplo, la necesidad de mantenimiento de la manada, heredada de su ancestro evolutivo, el lobo. En el caso de las plantas, es el hecho de que sepamos que la planta también es un ser vivo, como nosotros, lo que la hace objeto de nuestro amor. En ciertos casos, se llega al extremo de pensar que el amor en sí mismo beneficia a la planta. Y, realmente, la beneficia, aunque de forma indirecta, a través de nuestras acciones.", "entry": "subsection", "prompt": "Explora la Perspectivapopular sobre la Superstición de esta obra de arte, amor.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Cultura", "Dios", "Helen Fisher"]} +{"id": 622, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "Popularmente, el amor se considera un sentimiento. En los casos más comunes, dicho sentimiento se basa en la atracción y la admiración de un sujeto hacia otro.Habitualmente se asocia el término con el amor romántico —una relación pasional y sexual entre dos personas que produce una influencia muy importante en sus vidas—, que intensifica las relaciones interpersonales entre ambos sujetos, quienes, partiendo de su propia insuficiencia, desean el encuentro y la unión con aquel que han juzgado ser el complemento para su existencia.Sin embargo, se aplica también a otras relaciones diferentes —tales como el amor platónico o el amor familiar—, y, en un sentido más amplio, del amor hacia Dios, el arte, la belleza, la humanidad o la naturaleza, lo que suele asociarse con la empatía y otras capacidades. En la mayoría de los casos, implica un gran afecto por algo que ocasiona felicidad o placer al que ama.El amor es un concepto en contraste frecuente con el odio, el desprecio o el egoísmo. No obstante, también está relativamente extendida la idea de que «solo hay un paso del amor al odio », y son típicas las «peleas de enamorados», así como, en algunas personas, las relaciones patológicas de amor-odio, producidas estas últimas, según un estudio de la Universidad de Yale, por una autoestima baja. Para Helen Fisher, la convivencia del amor y el odio en las relaciones amorosas es algo que, hasta cierto punto, tiene sentido, ya que lo sugiere el hecho de que, en muchos aspectos conductuales y fisiológicos, las respuestas del amor y el odio son análogas .Culturas como la budista consideran al apego y al deseo emociones negativas que producen ira y sufrimiento; el amor y el ego son incompatibles. En la filosofía budista, el amor real es el amor compasivo. Con independencia de su origen —incluso en el caso del amor—, el apego produce sufrimiento . El movimiento hippie, surgido en los años 1960, presentaba en sus inicios un acercamiento similar al apego. Asimismo, este movimiento utilizó el amor como uno de los principales baluartes de la contracultura de los años 1960, ejemplificado en el eslogan make love, not war .Cabe resaltar el uso actual de la palabra amor para designar tanto el amor espiritual y el amor romántico como el propio acto sexual —mediante la expresión «hacer el amor». Hasta mediados del , esa expresión estaba reservada para el galanteo.s personas tienden a aplicar el concepto del amor de un modo intuitivo desde y hacia otros animales y hacia otros seres vivos como las plantas. En el primer caso, a menudo se debe a que los signos externos al ser humano son interpretados de forma antropocéntrica; por ejemplo, el gesto de un perro que acude a lamer la mano del dueño se interpreta como una demostración de amor; sin embargo, los procesos psicológicos que producen ese tipo de comportamientos en el perro responden, según los conocimientos científicos actuales, a otro tipo de motivaciones mucho menos complejas que las de los seres humanos, como lo puede ser, por ejemplo, la necesidad de mantenimiento de la manada, heredada de su ancestro evolutivo, el lobo. En el caso de las plantas, es el hecho de que sepamos que la planta también es un ser vivo, como nosotros, lo que la hace objeto de nuestro amor. En ciertos casos, se llega al extremo de pensar que el amor en sí mismo beneficia a la planta. Y, realmente, la beneficia, aunque de forma indirecta, a través de nuestras acciones.", "entry": "subsection", "prompt": "En amor, ¿Cómo se aclara la Perspectivapopular de la Superstición?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Cultura", "Dios", "Helen Fisher"]} +{"id": 623, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "Popularmente, el amor se considera un sentimiento. 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Asimismo, este movimiento utilizó el amor como uno de los principales baluartes de la contracultura de los años 1960, ejemplificado en el eslogan make love, not war .Cabe resaltar el uso actual de la palabra amor para designar tanto el amor espiritual y el amor romántico como el propio acto sexual —mediante la expresión «hacer el amor». Hasta mediados del , esa expresión estaba reservada para el galanteo.s personas tienden a aplicar el concepto del amor de un modo intuitivo desde y hacia otros animales y hacia otros seres vivos como las plantas. 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El primer caso es el que está accesible para la mayoría de las personas, y es el que se suele incluir en los diccionarios, que definen el amor como un sentimiento. No obstante, ese mundanal sentimiento de apego y deseo difiere mucho de lo que constituye el verdadero amor, al que solo se accede escalando en el nivel de conciencia desde el ordinario hasta uno presente en pocas personas, y aún en menos de forma permanente, y que en la mayoría de las personas que lo experimentan solo sucede una vez en la vida. subida del nivel de conciencia produce cambios a nivel de la percepción: de repente se comienzan a encontrar significados donde antes no se veían, el encuentro con el ser amado «parece» estar rodeado de una atmósfera de cuento de hadas , y el sentido de la vista se vuelve más atractivo; por ejemplo, «da la impresión» de que se perciben más y mejor los colores, las texturas, las formas. El ingenio se acentúa, de repente «uno» se sorprende a sí mismo con expresiones artísticas que por momentos no reconoce como propias, y el ego se disipa: uno pasa a ver el mundo como si viese una película de cine, de tal modo que se olvida de sí mismo y de su pareja como cuerpos y los acontecimientos parecen fluir de un modo más suave, más grácil, el espíritu florece como un manantial compasivo hacia todas las cosas, y en algunos casos se llega a la producción de experiencias «milagrosas» , en las que se dan coincidencias sorprendentes , lo cual a su vez refuerza el amor y contribuye a profundizar en el estado aún más. Tal vez por el implacable escepticismo del ego, y por las numerosas experiencias microtraumáticas y estresantes que, sobre todo en ausencia del ser amado, experimentamos en el trabajo, en el hogar, en la calle, termina por aparecer una «masa crítica» que de forma irreversible e inevitable gana la batalla a la fe creada en torno a la magia de la relación amorosa, que era precisamente lo que mantenía el nivel de conciencia elevado. No obstante, son experiencias que, al evocarlas, y debido a que se fijaron con fuerza en la memoria, aparecen en el recuerdo, aunque como si procediesen de la nada, como sucedidas en otro universo inalcanzable. Es lo que los enamorados suelen describir como la «magia del amor», que suele aparecer de forma más generosa con el primer amor verdadero de la vida, y que generalmente no dura más de unos pocos días, y de forma discontinua, para ser sustituida por la experiencia del ego, de la personalidad: el apego y el deseo. El individuo deja de ser creativo y se vuelve rutinario y predecible. Desde su nuevo punto de vista en una conciencia disminuida, y debido a que ha olvidado completamente su reciente vivencia en un plano superior de la conciencia, él cree continuar viviéndolo como amor verdadero, pero ya es simplemente un conjunto limitado de emociones, experiencias y actitudes. magia se pierde y lo que antes eran dos espíritus en uno fundidos con el universo ahora son vacío interior, y lo que antes era una visión paisajística, brillante, colorida, de transparencia en el aire, donde en ocasiones, incluso, se mezclaban los sentidos entre sí, ahora es la percepción de lo que se cree ser el «yo», que realmente es la de un animal homínido sujeto a respuestas mecánicas, un «yo» engañoso, pobre y fragmentado en decenas o cientos de «yoes» desconectados entre sí.En cuanto al sexo, en estados evolucionados de la conciencia se produce lo que llamaremos «sexo espiritual». Es una entrega compasiva al ser amado, donde la unión carnal constituye un elemento de máxima sacralidad: es, de hecho, el origen de la creación de la vida. El ego no existe, y como consecuencia se pierden todos los elementos morbosos, que son sustituidos por sentimientos de pureza e inocencia. tensión emocional que existe en el sexo ordinario es sustituida por una sensación de fluidez, de flotar en el vacío, acompañada por un flujo suave y sin límites de amor compasivo que energetiza los cuerpos y que se expande de forma explosiva en el orgasmo.En la novela s Nueve Revelaciones, James Redfield explica muchos de los fenómenos que se producen en el Cuarto Camino, incluyendo la aparición del amor real.Helen Fisher indica que durante el enamoramiento pueden producirse de forma natural sustancias como la dopamina o el bupropión, lo cual podría explicar los efectos anteriormente citados.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de amor, explora la Perspectivamísticayesotérica y Superstición.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["George Gurdjieff", "Helen Fisher", "James Redfield", "Psicología", "Psicología de la posible evolución del hombre"]} +{"id": 625, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "Cuento de hadas, En Psicología de la posible evolución del hombre y en Cuarto Camino, George Gurdjieff y Piotr Uspenski distinguen entre «sentir» y la «función emocional superior» y «función cognitiva superior». 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Tal vez por el implacable escepticismo del ego, y por las numerosas experiencias microtraumáticas y estresantes que, sobre todo en ausencia del ser amado, experimentamos en el trabajo, en el hogar, en la calle, termina por aparecer una «masa crítica» que de forma irreversible e inevitable gana la batalla a la fe creada en torno a la magia de la relación amorosa, que era precisamente lo que mantenía el nivel de conciencia elevado. No obstante, son experiencias que, al evocarlas, y debido a que se fijaron con fuerza en la memoria, aparecen en el recuerdo, aunque como si procediesen de la nada, como sucedidas en otro universo inalcanzable. Es lo que los enamorados suelen describir como la «magia del amor», que suele aparecer de forma más generosa con el primer amor verdadero de la vida, y que generalmente no dura más de unos pocos días, y de forma discontinua, para ser sustituida por la experiencia del ego, de la personalidad: el apego y el deseo. 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Es una entrega compasiva al ser amado, donde la unión carnal constituye un elemento de máxima sacralidad: es, de hecho, el origen de la creación de la vida. El ego no existe, y como consecuencia se pierden todos los elementos morbosos, que son sustituidos por sentimientos de pureza e inocencia. tensión emocional que existe en el sexo ordinario es sustituida por una sensación de fluidez, de flotar en el vacío, acompañada por un flujo suave y sin límites de amor compasivo que energetiza los cuerpos y que se expande de forma explosiva en el orgasmo.En la novela s Nueve Revelaciones, James Redfield explica muchos de los fenómenos que se producen en el Cuarto Camino, incluyendo la aparición del amor real.Helen Fisher indica que durante el enamoramiento pueden producirse de forma natural sustancias como la dopamina o el bupropión, lo cual podría explicar los efectos anteriormente citados.", "entry": "subsection", "prompt": "Explora la Perspectivamísticayesotérica sobre la Superstición de esta obra de arte, amor.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["George Gurdjieff", "Helen Fisher", "James Redfield", "Psicología", "Psicología de la posible evolución del hombre"]} +{"id": 626, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "Cuento de hadas, En Psicología de la posible evolución del hombre y en Cuarto Camino, George Gurdjieff y Piotr Uspenski distinguen entre «sentir» y la «función emocional superior» y «función cognitiva superior». 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Tal vez por el implacable escepticismo del ego, y por las numerosas experiencias microtraumáticas y estresantes que, sobre todo en ausencia del ser amado, experimentamos en el trabajo, en el hogar, en la calle, termina por aparecer una «masa crítica» que de forma irreversible e inevitable gana la batalla a la fe creada en torno a la magia de la relación amorosa, que era precisamente lo que mantenía el nivel de conciencia elevado. No obstante, son experiencias que, al evocarlas, y debido a que se fijaron con fuerza en la memoria, aparecen en el recuerdo, aunque como si procediesen de la nada, como sucedidas en otro universo inalcanzable. Es lo que los enamorados suelen describir como la «magia del amor», que suele aparecer de forma más generosa con el primer amor verdadero de la vida, y que generalmente no dura más de unos pocos días, y de forma discontinua, para ser sustituida por la experiencia del ego, de la personalidad: el apego y el deseo. El individuo deja de ser creativo y se vuelve rutinario y predecible. Desde su nuevo punto de vista en una conciencia disminuida, y debido a que ha olvidado completamente su reciente vivencia en un plano superior de la conciencia, él cree continuar viviéndolo como amor verdadero, pero ya es simplemente un conjunto limitado de emociones, experiencias y actitudes. magia se pierde y lo que antes eran dos espíritus en uno fundidos con el universo ahora son vacío interior, y lo que antes era una visión paisajística, brillante, colorida, de transparencia en el aire, donde en ocasiones, incluso, se mezclaban los sentidos entre sí, ahora es la percepción de lo que se cree ser el «yo», que realmente es la de un animal homínido sujeto a respuestas mecánicas, un «yo» engañoso, pobre y fragmentado en decenas o cientos de «yoes» desconectados entre sí.En cuanto al sexo, en estados evolucionados de la conciencia se produce lo que llamaremos «sexo espiritual». 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El ego no existe, y como consecuencia se pierden todos los elementos morbosos, que son sustituidos por sentimientos de pureza e inocencia. tensión emocional que existe en el sexo ordinario es sustituida por una sensación de fluidez, de flotar en el vacío, acompañada por un flujo suave y sin límites de amor compasivo que energetiza los cuerpos y que se expande de forma explosiva en el orgasmo.En la novela s Nueve Revelaciones, James Redfield explica muchos de los fenómenos que se producen en el Cuarto Camino, incluyendo la aparición del amor real.Helen Fisher indica que durante el enamoramiento pueden producirse de forma natural sustancias como la dopamina o el bupropión, lo cual podría explicar los efectos anteriormente citados.", "entry": "subsection", "prompt": "En amor, ¿Cómo se aclara la Perspectivamísticayesotérica de la Superstición?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["George Gurdjieff", "Helen Fisher", "James Redfield", "Psicología", "Psicología de la posible evolución del hombre"]} +{"id": 627, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "Cuento de hadas, En Psicología de la posible evolución del hombre y en Cuarto Camino, George Gurdjieff y Piotr Uspenski distinguen entre «sentir» y la «función emocional superior» y «función cognitiva superior». 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Aquellas personas cuyo amor está o se supone que está cercano al Amor Universal, o a Dios, reciben el nombre de santos. Tanto en el budismo como en el cristianismo, el islam, el hinduismo o el judaísmo suelen representarse con una aureola alrededor de su cabeza. Los budas son presentados con aureolas adicionales alrededor de todo su cuerpo.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de amor, explora la Perspectivaespiritual y Superstición.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Dios", "Islam"]} +{"id": 629, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "En la cultura religiosa monoteísta, el amor suele mencionarse y ser apoyado por Dios, como es el caso del Islam, el judaísmo y el cristianismo. Aquellas personas cuyo amor está o se supone que está cercano al Amor Universal, o a Dios, reciben el nombre de santos. Tanto en el budismo como en el cristianismo, el islam, el hinduismo o el judaísmo suelen representarse con una aureola alrededor de su cabeza. Los budas son presentados con aureolas adicionales alrededor de todo su cuerpo.", "entry": "subsection", "prompt": "Explora la Perspectivaespiritual sobre la Superstición de esta obra de arte, amor.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Dios", "Islam"]} +{"id": 630, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "En la cultura religiosa monoteísta, el amor suele mencionarse y ser apoyado por Dios, como es el caso del Islam, el judaísmo y el cristianismo. Aquellas personas cuyo amor está o se supone que está cercano al Amor Universal, o a Dios, reciben el nombre de santos. Tanto en el budismo como en el cristianismo, el islam, el hinduismo o el judaísmo suelen representarse con una aureola alrededor de su cabeza. 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Tanto en el budismo como en el cristianismo, el islam, el hinduismo o el judaísmo suelen representarse con una aureola alrededor de su cabeza. Los budas son presentados con aureolas adicionales alrededor de todo su cuerpo.", "entry": "subsection", "prompt": "Describe las características de la Perspectivaespiritual en la Superstición de amor.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Dios", "Islam"]} +{"id": 632, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "Si la actitud del amor ha de formar parte, en algún momento, de las descripciones que siguen las tendencias de la ciencia experimental, deberá definirse de manera tal que pueda ser observada y cuantificada con cierta precisión. Baruch de Spinoza estableció una definición que puede cuadrar con los requerimientos de las ciencias humanas y sociales. Escribió al respecto: «El que imagina aquello que ama afectado de alegría o tristeza, también será afectado de alegría o tristeza; y uno y otro de estos afectos será mayor o menor en el amante, según uno y otro sea mayor o menor en la cosa amada». definición de Spinoza, en la que la actitud del amor implica compartir alegrías y tristezas de otras personas, no difiere esencialmente de la definición bíblica del amor, ya que el mandamiento sugiere «compartir las alegrías y tristezas de los demás como si fuesen propias», tal el «amarás a tu prójimo como a ti mismo».No solo esta definición se refiere a aspectos observables y contrastables con la realidad, sino que también presenta aspectos cuantificables, ya que indica que en mayor o menor medida serán compartidos los afectos, mientras mayor o menor sean la alegría o la tristeza asociada a la persona amada.De la definición mencionada Spinoza extrae algunas conclusiones inmediatas, tales como los sentimientos que surgen hacia un tercero. Según sus propias palabras: «Si imaginamos que alguien afecta de alegría a la cosa que amamos, seremos afectados de amor hacia él. Si imaginamos, por el contrario, que la afecta de tristeza, seremos, por el contrario, afectados también de odio contra él».Observamos, en esta expresión, que el odio aparece como una actitud opuesta al amor, como una tendencia a intercambiar los papeles de tristeza y alegría como afectos compartidos.Para Leibniz, la felicidad es al hombre lo que la perfección es a los entes, y esa felicidad radica fundamentalmente en el amor. El amor a Dios, según el filósofo, debe ser con ternura, y debe tener el ardor combinado con la luz. Así pues, la perfección humana consiste en amor luminoso, un amor en el que se combina la ternura con la razón.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de amor, explora la Perspectivafilosófica y Superstición.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Dios"]} +{"id": 633, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "Si la actitud del amor ha de formar parte, en algún momento, de las descripciones que siguen las tendencias de la ciencia experimental, deberá definirse de manera tal que pueda ser observada y cuantificada con cierta precisión. Baruch de Spinoza estableció una definición que puede cuadrar con los requerimientos de las ciencias humanas y sociales. 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Según sus propias palabras: «Si imaginamos que alguien afecta de alegría a la cosa que amamos, seremos afectados de amor hacia él. Si imaginamos, por el contrario, que la afecta de tristeza, seremos, por el contrario, afectados también de odio contra él».Observamos, en esta expresión, que el odio aparece como una actitud opuesta al amor, como una tendencia a intercambiar los papeles de tristeza y alegría como afectos compartidos.Para Leibniz, la felicidad es al hombre lo que la perfección es a los entes, y esa felicidad radica fundamentalmente en el amor. El amor a Dios, según el filósofo, debe ser con ternura, y debe tener el ardor combinado con la luz. 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Baruch de Spinoza estableció una definición que puede cuadrar con los requerimientos de las ciencias humanas y sociales. Escribió al respecto: «El que imagina aquello que ama afectado de alegría o tristeza, también será afectado de alegría o tristeza; y uno y otro de estos afectos será mayor o menor en el amante, según uno y otro sea mayor o menor en la cosa amada». definición de Spinoza, en la que la actitud del amor implica compartir alegrías y tristezas de otras personas, no difiere esencialmente de la definición bíblica del amor, ya que el mandamiento sugiere «compartir las alegrías y tristezas de los demás como si fuesen propias», tal el «amarás a tu prójimo como a ti mismo».No solo esta definición se refiere a aspectos observables y contrastables con la realidad, sino que también presenta aspectos cuantificables, ya que indica que en mayor o menor medida serán compartidos los afectos, mientras mayor o menor sean la alegría o la tristeza asociada a la persona amada.De la definición mencionada Spinoza extrae algunas conclusiones inmediatas, tales como los sentimientos que surgen hacia un tercero. 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En la cultura persa, todo es abarcado por el amor y todo es por amor, empezando por el amor a los amigos y a la familia, a los maridos y esposas, y llegando finalmente al amor divino, que constituye la meta última de la vida. Hace alrededor de siete siglos, Sa'di escribió:", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de amor, explora la Culturapersa y Diferentesvisioneshistórico-culturales.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 641, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "Rumi, Hafiz y Sa'di son iconos de la pasión y el amor en la cultura y el lenguaje persas. palabra persa para el amor es eshgh, que deriva de la árabe ishq. 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En la China continental, y desde 1949, airen es la palabra dominante para «esposo» ; la palabra tuvo una vez una connotación negativa, que permanece, entre otros lugares, en Taiwán. Lian generalmente no se usa de forma aislada, sino como parte de términos tales como «estar enamorado» , «amante» u «homosexualidad» . En el confucianismo, lian es un amor benevolente y virtuoso que deberían buscar todos los seres humanos, y refleja una vida moral. El filósofo chino Mozi desarrolló el concepto de ai como reacción al lian confucianista. Ai, en el mohismo, es un amor universal hacia todos los seres, no solo hacia los amigos o familia, sin consideración de la reciprocidad. extravagancia y la guerra ofensiva son hostiles hacia ai. Aunque el pensamiento de Mozi tuvo influencia, el término confucianista lian es el que la mayoría de los chinos usan para el amor. Qing , que comúnmente significa «sentimiento» o «emoción», generalmente indica «amor» en varios términos. Está contenido en la palabra aiqing . Qingren es un término usado con el significado de «amante». Gănqíng es el «sentimiento» de relación, vagamente similar a la empatía. Una persona expresará amor construyendo buen gănqíng, conseguido por medio de ayuda o trabajo prestados a otras personas y apego emocional hacia otra persona o hacia cualquier otra cosa. Yuanfen es la conexión de destinos vinculados. Una relación significativa es generalmente concebida como dependiente de un fuerte yuanfen. Consiste en buena suerte a la hora de hacer un descubrimiento afortunado e inesperado. Conceptos similares en español son: «Estaban hechos el uno para el otro», o el «destino». Zaolian , literalmente, «amor temprano», es un término contemporáneo usado frecuentemente para los sentimientos románticos o el apego entre niños o adolescentes. Describe tanto la relación entre novio y novia adolescentes como el enamoramiento de la adolescencia temprana o la niñez. El concepto indica en esencia la creencia prevalente en la cultura china contemporánea consistente en que, debido a la demanda de los estudios , los jóvenes no crean apego romántico y por lo tanto ponen en peligro sus oportunidades de éxito futuro. Han aparecido informes en periódicos y otros medios chinos que detallan la prevalencia del fenómeno, los peligros observados en los estudiantes y los temores de sus padres.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de amor, explora la Culturachinayotrasculturassínicas y Diferentesvisioneshistórico-culturales.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Mozi"]} +{"id": 645, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "En el idioma chino y la cultura china contemporáneos, se usan varios términos o palabras raíz para el concepto de amor: Ai se usa como verbo o como nombre, especialmente en aiqing , «amor» o «romance». En la China continental, y desde 1949, airen es la palabra dominante para «esposo» ; la palabra tuvo una vez una connotación negativa, que permanece, entre otros lugares, en Taiwán. Lian generalmente no se usa de forma aislada, sino como parte de términos tales como «estar enamorado» , «amante» u «homosexualidad» . En el confucianismo, lian es un amor benevolente y virtuoso que deberían buscar todos los seres humanos, y refleja una vida moral. El filósofo chino Mozi desarrolló el concepto de ai como reacción al lian confucianista. Ai, en el mohismo, es un amor universal hacia todos los seres, no solo hacia los amigos o familia, sin consideración de la reciprocidad. extravagancia y la guerra ofensiva son hostiles hacia ai. Aunque el pensamiento de Mozi tuvo influencia, el término confucianista lian es el que la mayoría de los chinos usan para el amor. Qing , que comúnmente significa «sentimiento» o «emoción», generalmente indica «amor» en varios términos. Está contenido en la palabra aiqing . Qingren es un término usado con el significado de «amante». Gănqíng es el «sentimiento» de relación, vagamente similar a la empatía. Una persona expresará amor construyendo buen gănqíng, conseguido por medio de ayuda o trabajo prestados a otras personas y apego emocional hacia otra persona o hacia cualquier otra cosa. Yuanfen es la conexión de destinos vinculados. Una relación significativa es generalmente concebida como dependiente de un fuerte yuanfen. Consiste en buena suerte a la hora de hacer un descubrimiento afortunado e inesperado. Conceptos similares en español son: «Estaban hechos el uno para el otro», o el «destino». Zaolian , literalmente, «amor temprano», es un término contemporáneo usado frecuentemente para los sentimientos románticos o el apego entre niños o adolescentes. Describe tanto la relación entre novio y novia adolescentes como el enamoramiento de la adolescencia temprana o la niñez. El concepto indica en esencia la creencia prevalente en la cultura china contemporánea consistente en que, debido a la demanda de los estudios , los jóvenes no crean apego romántico y por lo tanto ponen en peligro sus oportunidades de éxito futuro. Han aparecido informes en periódicos y otros medios chinos que detallan la prevalencia del fenómeno, los peligros observados en los estudiantes y los temores de sus padres.", "entry": "subsection", "prompt": "Explora la Culturachinayotrasculturassínicas sobre la Diferentesvisioneshistórico-culturales de esta obra de arte, amor.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Mozi"]} +{"id": 646, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "En el idioma chino y la cultura china contemporáneos, se usan varios términos o palabras raíz para el concepto de amor: Ai se usa como verbo o como nombre, especialmente en aiqing , «amor» o «romance». En la China continental, y desde 1949, airen es la palabra dominante para «esposo» ; la palabra tuvo una vez una connotación negativa, que permanece, entre otros lugares, en Taiwán. Lian generalmente no se usa de forma aislada, sino como parte de términos tales como «estar enamorado» , «amante» u «homosexualidad» . En el confucianismo, lian es un amor benevolente y virtuoso que deberían buscar todos los seres humanos, y refleja una vida moral. El filósofo chino Mozi desarrolló el concepto de ai como reacción al lian confucianista. Ai, en el mohismo, es un amor universal hacia todos los seres, no solo hacia los amigos o familia, sin consideración de la reciprocidad. extravagancia y la guerra ofensiva son hostiles hacia ai. Aunque el pensamiento de Mozi tuvo influencia, el término confucianista lian es el que la mayoría de los chinos usan para el amor. Qing , que comúnmente significa «sentimiento» o «emoción», generalmente indica «amor» en varios términos. Está contenido en la palabra aiqing . Qingren es un término usado con el significado de «amante». Gănqíng es el «sentimiento» de relación, vagamente similar a la empatía. Una persona expresará amor construyendo buen gănqíng, conseguido por medio de ayuda o trabajo prestados a otras personas y apego emocional hacia otra persona o hacia cualquier otra cosa. Yuanfen es la conexión de destinos vinculados. Una relación significativa es generalmente concebida como dependiente de un fuerte yuanfen. Consiste en buena suerte a la hora de hacer un descubrimiento afortunado e inesperado. Conceptos similares en español son: «Estaban hechos el uno para el otro», o el «destino». Zaolian , literalmente, «amor temprano», es un término contemporáneo usado frecuentemente para los sentimientos románticos o el apego entre niños o adolescentes. Describe tanto la relación entre novio y novia adolescentes como el enamoramiento de la adolescencia temprana o la niñez. El concepto indica en esencia la creencia prevalente en la cultura china contemporánea consistente en que, debido a la demanda de los estudios , los jóvenes no crean apego romántico y por lo tanto ponen en peligro sus oportunidades de éxito futuro. Han aparecido informes en periódicos y otros medios chinos que detallan la prevalencia del fenómeno, los peligros observados en los estudiantes y los temores de sus padres.", "entry": "subsection", "prompt": "En amor, ¿Cómo se aclara la Culturachinayotrasculturassínicas de la Diferentesvisioneshistórico-culturales?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Mozi"]} +{"id": 647, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "En el idioma chino y la cultura china contemporáneos, se usan varios términos o palabras raíz para el concepto de amor: Ai se usa como verbo o como nombre, especialmente en aiqing , «amor» o «romance». En la China continental, y desde 1949, airen es la palabra dominante para «esposo» ; la palabra tuvo una vez una connotación negativa, que permanece, entre otros lugares, en Taiwán. Lian generalmente no se usa de forma aislada, sino como parte de términos tales como «estar enamorado» , «amante» u «homosexualidad» . En el confucianismo, lian es un amor benevolente y virtuoso que deberían buscar todos los seres humanos, y refleja una vida moral. El filósofo chino Mozi desarrolló el concepto de ai como reacción al lian confucianista. Ai, en el mohismo, es un amor universal hacia todos los seres, no solo hacia los amigos o familia, sin consideración de la reciprocidad. extravagancia y la guerra ofensiva son hostiles hacia ai. Aunque el pensamiento de Mozi tuvo influencia, el término confucianista lian es el que la mayoría de los chinos usan para el amor. Qing , que comúnmente significa «sentimiento» o «emoción», generalmente indica «amor» en varios términos. Está contenido en la palabra aiqing . Qingren es un término usado con el significado de «amante». Gănqíng es el «sentimiento» de relación, vagamente similar a la empatía. Una persona expresará amor construyendo buen gănqíng, conseguido por medio de ayuda o trabajo prestados a otras personas y apego emocional hacia otra persona o hacia cualquier otra cosa. Yuanfen es la conexión de destinos vinculados. Una relación significativa es generalmente concebida como dependiente de un fuerte yuanfen. Consiste en buena suerte a la hora de hacer un descubrimiento afortunado e inesperado. Conceptos similares en español son: «Estaban hechos el uno para el otro», o el «destino». Zaolian , literalmente, «amor temprano», es un término contemporáneo usado frecuentemente para los sentimientos románticos o el apego entre niños o adolescentes. Describe tanto la relación entre novio y novia adolescentes como el enamoramiento de la adolescencia temprana o la niñez. El concepto indica en esencia la creencia prevalente en la cultura china contemporánea consistente en que, debido a la demanda de los estudios , los jóvenes no crean apego romántico y por lo tanto ponen en peligro sus oportunidades de éxito futuro. Han aparecido informes en periódicos y otros medios chinos que detallan la prevalencia del fenómeno, los peligros observados en los estudiantes y los temores de sus padres.", "entry": "subsection", "prompt": "Describe las características de la Culturachinayotrasculturassínicas en la Diferentesvisioneshistórico-culturales de amor.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Mozi"]} +{"id": 648, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "En el budismo japonés, ai es un amor de cariño pasional, y un deseo fundamental. Puede desarrollarse hacia el egoísmo o el altruismo y hacia la iluminación.Amae , una palabra japonesa que significa «dependencia indulgente», es parte de la cultura de la educación de los hijos en Japón. Se espera de las madres japonesas que abracen y mimen a sus hijos, y se espera de los hijos que recompensen a sus madres aferrándose a ellas y sirviéndolas. Algunos sociólogos han sugerido que las interacciones sociales de los japoneses en la vida de adultos se modelan en el amae entre madre e hijo.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de amor, explora la Culturajaponesa y Diferentesvisioneshistórico-culturales.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Japón"]} +{"id": 649, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "En el budismo japonés, ai es un amor de cariño pasional, y un deseo fundamental. 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Sin embargo, con el griego ha sido históricamente difícil separar totalmente los significados de estas palabras. Al mismo tiempo, el texto en koiné de la Biblia contiene ejemplos del verbo agapó utilizado con el mismo significado que phileo. Agape generalmente se refiere a un tipo ideal de amor «puro», más que a la atracción física sugerida por eros. No obstante, hay algunos ejemplos de agape usados con el significado de eros. También se ha traducido como «amor del alma». Eros es un amor pasional, con deseo sensual y duradero. palabra griega erota significa enamorado. Platón creó su propia definición. Aunque eros se siente inicialmente por una persona, con la contemplación se convierte en una apreciación de la belleza que existe dentro de esa persona, o incluso llega a ser la apreciación de la belleza en sí misma. Eros ayuda al alma a recordar el conocimiento de la belleza y contribuye a la comprensión de la verdad espiritual. Los amantes y los filósofos están todos inspirados para la búsqueda de la verdad por medio de eros. Algunas traducciones lo muestran como «amor del cuerpo». Philia , un amor virtuoso desapasionado, fue un concepto desarrollado por Aristóteles. Incluye la lealtad a los amigos, la familia y la comunidad, y requiere virtud, igualdad, y familiaridad. Philia está motivado por razones prácticas; una o ambas partes se benefician de la relación. También puede significar «amor de la mente». Storge es un afecto natural, como aquel que sienten los padres por sus hijos. Philautia era un término que los filósofos griegos usaban para referirse al amor propio y era considerado una virtud, pero que en exceso podía convertirse en un vicio, como la vanidad y la egolatría. Xenia , hospitalidad, era una práctica extremadamente importante en la Antigua Grecia. Era una amistad casi ritualizada formada entre un anfitrión y su huésped, quienes podían haber sido previamente desconocidos. El anfitrión alimentaba y proporcionaba alojamiento al huésped, de quien se esperaba recompensa únicamente con gratitud. importancia de este amor puede verse a través de toda la mitología griega, en particular, en la Ilíada y la Odisea de Homero.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de amor, explora la Culturagriega y Diferentesvisioneshistórico-culturales.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Antigua Grecia", "Aristóteles", "Biblia", "Eros", "Homero", "Ilíada", "Odisea", "Philia", "Platón"]} +{"id": 653, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "El idioma griego distingue varios sentidos diferentes en los que se usa la palabra «amor». 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Era una amistad casi ritualizada formada entre un anfitrión y su huésped, quienes podían haber sido previamente desconocidos. 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Por ejemplo, el griego antiguo presenta las palabras agape, philia, eros, storge y xenia. Sin embargo, con el griego ha sido históricamente difícil separar totalmente los significados de estas palabras. Al mismo tiempo, el texto en koiné de la Biblia contiene ejemplos del verbo agapó utilizado con el mismo significado que phileo. Agape generalmente se refiere a un tipo ideal de amor «puro», más que a la atracción física sugerida por eros. No obstante, hay algunos ejemplos de agape usados con el significado de eros. También se ha traducido como «amor del alma». Eros es un amor pasional, con deseo sensual y duradero. palabra griega erota significa enamorado. Platón creó su propia definición. Aunque eros se siente inicialmente por una persona, con la contemplación se convierte en una apreciación de la belleza que existe dentro de esa persona, o incluso llega a ser la apreciación de la belleza en sí misma. 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Entre ellos, se encuentran: «Al Hobb» , «Al Mawadda» , «Al ‘ishq» , «Al Hayâm» , «As·sabâba» , «Ash·shawq» , «Al-Hawâ» , «Ash·shahwa» , «Al Waÿd» , «Al-Gharâm» , «At-tîm» .", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de amor, explora la Culturaárabe y Diferentesvisioneshistórico-culturales.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 657, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "En árabe, que es una lengua muy rica en palabras sinónimas, existen numerosos sinónimos de la palabra «amor». 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Entre ellos, se encuentran: «Al Hobb» , «Al Mawadda» , «Al ‘ishq» , «Al Hayâm» , «As·sabâba» , «Ash·shawq» , «Al-Hawâ» , «Ash·shahwa» , «Al Waÿd» , «Al-Gharâm» , «At-tîm» .", "entry": "subsection", "prompt": "Describe las características de la Culturaárabe en la Diferentesvisioneshistórico-culturales de amor.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 660, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "En turco, la palabra «amor» aparece con varios significados. Una persona puede amar a un dios, a una persona, a sus padres, o a la familia. Pero esa persona solo puede «amar» a una persona del sexo opuesto. Los turcos usaban esta palabra solamente para sus amores en un sentido romántico o sexual, que indicasen un enorme encaprichamiento. Esta palabra también es común para las lenguas turcas, tales como el azerí y el kazajo .", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de amor, explora la Culturaturca(chamánicaeislámica) y Diferentesvisioneshistórico-culturales.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 661, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "En turco, la palabra «amor» aparece con varios significados. Una persona puede amar a un dios, a una persona, a sus padres, o a la familia. Pero esa persona solo puede «amar» a una persona del sexo opuesto. Los turcos usaban esta palabra solamente para sus amores en un sentido romántico o sexual, que indicasen un enorme encaprichamiento. Esta palabra también es común para las lenguas turcas, tales como el azerí y el kazajo .", "entry": "subsection", "prompt": "Explora la Culturaturca(chamánicaeislámica) sobre la Diferentesvisioneshistórico-culturales de esta obra de arte, amor.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 662, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "En turco, la palabra «amor» aparece con varios significados. 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Amāre es la palabra básica para «amar», y aún lo es en el italiano actual. Los romanos la usaban tanto en un sentido afectivo como en un sentido romántico o sexual. De este verbo deriva amans —un amante, amador, «amante profesional», generalmente con la noción accesoria de lujuria— y amica, «novia», palabra generalmente usada de forma eufemística para una prostituta. El nombre correspondiente es amor, que también se usaba en la forma plural para indicar enredos amorosos o aventuras sexuales. misma raíz produce además amicus —«amigo»— y amicitia, «amistad» . Cicerón escribió un tratado llamado Sobre la amistad , que discute la noción hasta cierta profundidad. Ovidio escribió una guía para las relaciones amorosas llamada Ars Amatoria que trata en profundidad el amor desde las relaciones extramaritales hasta los padres sobreprotectores.: En latín a veces se usaba amāre con el sentido que damos en español a «gustar». Esta noción, no obstante, se expresa de forma mucho más generalizada con placere o delectāre, que son de uso más coloquial, siendo el último usado frecuentemente en la poesía amorosa de Catulo. Diligere a menudo presenta la noción de «tener afecto por», «estimar», y raramente, si no nunca, se usaba para el amor romántico. Esta palabra sería apropiada para describir la amistad de dos hombres. El nombre correspondiente, diligentia, sin embargo, tiene el significado de «diligencia» o «dedicación», y tiene cierta superposición semántica con el verbo. Observare es un sinónimo de diligere; este verbo y su correspondiente nombre, observantia, denotan a menudo «estima» o «afecto». Caritas se corresponde con el griego agape , y se usó en traducciones de la Biblia cristiana al latín con el significado de «amor caritativo»; este significado, no obstante, no se ha hallado en la literatura clásica romana pagana. Como resultado de la combinación con una palabra griega, no existe el verbo correspondiente. Cupiditas se corresponde con el término griego eros . Algunas terminologías vulgares en español, como por ejemplo filito, originado de filia, generan jerarquías de seriedad o duración de la pareja.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de amor, explora la AntiguaRoma(latín) y Diferentesvisioneshistórico-culturales.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Biblia", "Caritas", "Cicerón", "Diligere", "Observare", "Ovidio"]} +{"id": 665, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "El idioma latín tiene varios verbos diferentes que se corresponden con la palabra española «amor». Amāre es la palabra básica para «amar», y aún lo es en el italiano actual. Los romanos la usaban tanto en un sentido afectivo como en un sentido romántico o sexual. De este verbo deriva amans —un amante, amador, «amante profesional», generalmente con la noción accesoria de lujuria— y amica, «novia», palabra generalmente usada de forma eufemística para una prostituta. El nombre correspondiente es amor, que también se usaba en la forma plural para indicar enredos amorosos o aventuras sexuales. misma raíz produce además amicus —«amigo»— y amicitia, «amistad» . Cicerón escribió un tratado llamado Sobre la amistad , que discute la noción hasta cierta profundidad. Ovidio escribió una guía para las relaciones amorosas llamada Ars Amatoria que trata en profundidad el amor desde las relaciones extramaritales hasta los padres sobreprotectores.: En latín a veces se usaba amāre con el sentido que damos en español a «gustar». Esta noción, no obstante, se expresa de forma mucho más generalizada con placere o delectāre, que son de uso más coloquial, siendo el último usado frecuentemente en la poesía amorosa de Catulo. Diligere a menudo presenta la noción de «tener afecto por», «estimar», y raramente, si no nunca, se usaba para el amor romántico. Esta palabra sería apropiada para describir la amistad de dos hombres. El nombre correspondiente, diligentia, sin embargo, tiene el significado de «diligencia» o «dedicación», y tiene cierta superposición semántica con el verbo. Observare es un sinónimo de diligere; este verbo y su correspondiente nombre, observantia, denotan a menudo «estima» o «afecto». Caritas se corresponde con el griego agape , y se usó en traducciones de la Biblia cristiana al latín con el significado de «amor caritativo»; este significado, no obstante, no se ha hallado en la literatura clásica romana pagana. Como resultado de la combinación con una palabra griega, no existe el verbo correspondiente. Cupiditas se corresponde con el término griego eros . Algunas terminologías vulgares en español, como por ejemplo filito, originado de filia, generan jerarquías de seriedad o duración de la pareja.", "entry": "subsection", "prompt": "Explora la AntiguaRoma(latín) sobre la Diferentesvisioneshistórico-culturales de esta obra de arte, amor.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Biblia", "Caritas", "Cicerón", "Diligere", "Observare", "Ovidio"]} +{"id": 666, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "El idioma latín tiene varios verbos diferentes que se corresponden con la palabra española «amor». Amāre es la palabra básica para «amar», y aún lo es en el italiano actual. Los romanos la usaban tanto en un sentido afectivo como en un sentido romántico o sexual. De este verbo deriva amans —un amante, amador, «amante profesional», generalmente con la noción accesoria de lujuria— y amica, «novia», palabra generalmente usada de forma eufemística para una prostituta. El nombre correspondiente es amor, que también se usaba en la forma plural para indicar enredos amorosos o aventuras sexuales. misma raíz produce además amicus —«amigo»— y amicitia, «amistad» . Cicerón escribió un tratado llamado Sobre la amistad , que discute la noción hasta cierta profundidad. Ovidio escribió una guía para las relaciones amorosas llamada Ars Amatoria que trata en profundidad el amor desde las relaciones extramaritales hasta los padres sobreprotectores.: En latín a veces se usaba amāre con el sentido que damos en español a «gustar». Esta noción, no obstante, se expresa de forma mucho más generalizada con placere o delectāre, que son de uso más coloquial, siendo el último usado frecuentemente en la poesía amorosa de Catulo. Diligere a menudo presenta la noción de «tener afecto por», «estimar», y raramente, si no nunca, se usaba para el amor romántico. Esta palabra sería apropiada para describir la amistad de dos hombres. El nombre correspondiente, diligentia, sin embargo, tiene el significado de «diligencia» o «dedicación», y tiene cierta superposición semántica con el verbo. Observare es un sinónimo de diligere; este verbo y su correspondiente nombre, observantia, denotan a menudo «estima» o «afecto». Caritas se corresponde con el griego agape , y se usó en traducciones de la Biblia cristiana al latín con el significado de «amor caritativo»; este significado, no obstante, no se ha hallado en la literatura clásica romana pagana. Como resultado de la combinación con una palabra griega, no existe el verbo correspondiente. Cupiditas se corresponde con el término griego eros . Algunas terminologías vulgares en español, como por ejemplo filito, originado de filia, generan jerarqu��as de seriedad o duración de la pareja.", "entry": "subsection", "prompt": "En amor, ¿Cómo se aclara la AntiguaRoma(latín) de la Diferentesvisioneshistórico-culturales?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Biblia", "Caritas", "Cicerón", "Diligere", "Observare", "Ovidio"]} +{"id": 667, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "El idioma latín tiene varios verbos diferentes que se corresponden con la palabra española «amor». Amāre es la palabra básica para «amar», y aún lo es en el italiano actual. 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Pero, a todos aquellos que existen en el mundo hispanohablante, los angloparlantes añaden un significado adicional, más relacionado con el simple gusto por algo: I love dancing corresponde en español a «me encanta bailar» o «me gusta mucho bailar»; he's a great actor, I love him corresponde a «es un gran actor, me encanta», o «es un gran actor, me gusta mucho». El psicoanálisis sitúa al amor como un comportamiento narcisista, de tal modo que el amor interpersonal es realmente amor a uno mismo en última instancia. En Estados Unidos, el psicoanálisis ha ocupado durante el un lugar preponderante en el ámbito de la psicología, aunque actualmente existe una dura pugna entre sus detractores y defensores, que se conoce como the Freud wars. cultura del psicoanálisis se ha extendido ampliamente por otros países, y actualmente los dos países que más se resisten a la extinción de esta corriente psicológica son Francia y Argentina.", "entry": "subsection", "prompt": "En el contexto de amor, explora la Culturaanglosajona y Diferentesvisioneshistórico-culturales.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Argentina", "Estados Unidos", "Francia"]} +{"id": 669, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "En la cultura anglosajona la palabra «amor» presenta, al igual que en español, múltiples significados. 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En Estados Unidos, el psicoanálisis ha ocupado durante el un lugar preponderante en el ámbito de la psicología, aunque actualmente existe una dura pugna entre sus detractores y defensores, que se conoce como the Freud wars. cultura del psicoanálisis se ha extendido ampliamente por otros países, y actualmente los dos países que más se resisten a la extinción de esta corriente psicológica son Francia y Argentina.", "entry": "subsection", "prompt": "Describe las características de la Culturaanglosajona en la Diferentesvisioneshistórico-culturales de amor.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Argentina", "Estados Unidos", "Francia"]} +{"id": 672, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "Matthieu Ricard se sometió a un exhaustivo estudio mediante escáneres cerebrales bajo un estado especial de meditación en el que se genera un estado de amor y compasión puros y no enfocados hacia nada ni nadie en particular. Los resultados mostraron un aumento sin precedentes en la actividad del córtex prefrontal izquierdo del cerebro, relacionado con las emociones positivas, mientras que la actividad en la zona del lóbulo derecho relacionada con la depresión disminuía, como si la compasión fuese un buen antídoto contra la depresión. Y también disminuía la actividad de la amígdala, relacionada con el miedo y la ira. Por otro lado, un grupo de empleados de una empresa realizaron 30 minutos diarios de meditación durante 3 meses. A lo largo del estudio, reportaron un descenso en sus niveles de ansiedad, y se pudo ver que también se incrementaba la actividad de su córtex prefrontal izquierdo.", "entry": "subsubsection", "prompt": "Concentrándote en la Concepciónaltruista de amor, explora la Elamorcompasivodesdeelpuntodevistacientífico sobre la Dosformasdeentenderelamor.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Matthieu Ricard"]} +{"id": 673, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "Matthieu Ricard se sometió a un exhaustivo estudio mediante escáneres cerebrales bajo un estado especial de meditación en el que se genera un estado de amor y compasión puros y no enfocados hacia nada ni nadie en particular. 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A lo largo del estudio, reportaron un descenso en sus niveles de ansiedad, y se pudo ver que también se incrementaba la actividad de su córtex prefrontal izquierdo.", "entry": "subsubsection", "prompt": "Con respecto a amor, ¿Cómo la Dosformasdeentenderelamor de la Concepciónaltruista incorpora a la Elamorcompasivodesdeelpuntodevistacientífico?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Matthieu Ricard"]} +{"id": 675, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "Matthieu Ricard se sometió a un exhaustivo estudio mediante escáneres cerebrales bajo un estado especial de meditación en el que se genera un estado de amor y compasión puros y no enfocados hacia nada ni nadie en particular. Los resultados mostraron un aumento sin precedentes en la actividad del córtex prefrontal izquierdo del cerebro, relacionado con las emociones positivas, mientras que la actividad en la zona del lóbulo derecho relacionada con la depresión disminuía, como si la compasión fuese un buen antídoto contra la depresión. Y también disminuía la actividad de la amígdala, relacionada con el miedo y la ira. Por otro lado, un grupo de empleados de una empresa realizaron 30 minutos diarios de meditación durante 3 meses. A lo largo del estudio, reportaron un descenso en sus niveles de ansiedad, y se pudo ver que también se incrementaba la actividad de su córtex prefrontal izquierdo.", "entry": "subsubsection", "prompt": "Al observar la Concepciónaltruista de amor, ¿Cómo discutes la Elamorcompasivodesdeelpuntodevistacientífico de su Dosformasdeentenderelamor?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Matthieu Ricard"]} +{"id": 676, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "El capitalismo sitúa a la sociedad dentro del marco de un proceso de producción. Con este marco, el amor se convierte en un elemento más de dicho proceso. s empresas analizan al ser humano y buscan la forma de extraer de él la mayor cantidad de consumo, no dudando en utilizar el amor y el sexo como reclamo de un modo desnaturalizado y grotesco: la empresa evoca en el consumidor sentimientos amorosos y de deseo, pero su fin último no es buscar el amor ni el sexo por parte del consumidor, sino su dinero y su trabajo. Como consecuencia, se produce deshumanización al identificarse el amor a otro ser humano con el amor a un producto, ya que dicha asociación trae, inevitablemente, la asociación del propio ser humano con un producto.Gilles Deleuze y Félix Guattari consideran que el capitalismo produce una perversión del concepto natural del amor, situando al ser humano como parte de una máquina productora y destruyendo el concepto del cuerpo y el alma. Escriben, en Anti-Edipo: «el capitalismo recoge y posee la potencia absurda y no poseída de la máquina. [...] en verdad, no es para él ni para sus hijos que el capitalista trabaja, sino para la inmortalidad del sistema. Violencia sin finalidad, alegría, pura alegría de sentirse en un engranaje de la máquina, atravesado por los flujos, cortado por las esquizias.» Michel Foucault, refiriéndose a la sociedad capitalista, insiste en su prefacio de 1977 para la edición inglesa de Introducción al esquizoanálisis que se opone «no solo al fascismo histórico, sino también al fascismo que hay en todos nosotros, en nuestras cabezas y en nuestro comportamiento diario, el fascismo que nos hace amar el poder, desear esa misma cosa que nos domina y explota». Podemos encontrar una abierta declaración de muchos de los actualmente tácitos valores del capitalismo agresivo en el Manifiesto futurista, escrito por Filippo Tommaso Marinetti, en 1909.Dentro de la cadena productiva, o, como se la conoce en el mundo anglosajón, «cadena de comodidad», la mentira también es un elemento válido; de hecho, es un elemento recurrente y necesario para que el sistema no sucumba. Es, literalmente, lo que en política se conoce por demagogia; se miente al consumidor con propósitos egoístas, y ello lleva, según los autores anteriormente citados, a una «esquizofrenia» de las relaciones humanas a todos los niveles, haciendo imposible el amor real.", "entry": "subsubsection", "prompt": "Concentrándote en la Concepciónegoísta de amor, explora la Elamorenlasociedadcapitalista sobre la Dosformasdeentenderelamor.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Filippo Tommaso Marinetti", "Félix Guattari", "Gilles Deleuze", "Manifiesto futurista", "Mar", "Michel Foucault"]} +{"id": 677, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "El capitalismo sitúa a la sociedad dentro del marco de un proceso de producción. Con este marco, el amor se convierte en un elemento más de dicho proceso. s empresas analizan al ser humano y buscan la forma de extraer de él la mayor cantidad de consumo, no dudando en utilizar el amor y el sexo como reclamo de un modo desnaturalizado y grotesco: la empresa evoca en el consumidor sentimientos amorosos y de deseo, pero su fin último no es buscar el amor ni el sexo por parte del consumidor, sino su dinero y su trabajo. Como consecuencia, se produce deshumanización al identificarse el amor a otro ser humano con el amor a un producto, ya que dicha asociación trae, inevitablemente, la asociación del propio ser humano con un producto.Gilles Deleuze y Félix Guattari consideran que el capitalismo produce una perversión del concepto natural del amor, situando al ser humano como parte de una máquina productora y destruyendo el concepto del cuerpo y el alma. Escriben, en Anti-Edipo: «el capitalismo recoge y posee la potencia absurda y no poseída de la máquina. [...] en verdad, no es para él ni para sus hijos que el capitalista trabaja, sino para la inmortalidad del sistema. Violencia sin finalidad, alegría, pura alegría de sentirse en un engranaje de la máquina, atravesado por los flujos, cortado por las esquizias.» Michel Foucault, refiriéndose a la sociedad capitalista, insiste en su prefacio de 1977 para la edición inglesa de Introducción al esquizoanálisis que se opone «no solo al fascismo histórico, sino también al fascismo que hay en todos nosotros, en nuestras cabezas y en nuestro comportamiento diario, el fascismo que nos hace amar el poder, desear esa misma cosa que nos domina y explota». Podemos encontrar una abierta declaración de muchos de los actualmente tácitos valores del capitalismo agresivo en el Manifiesto futurista, escrito por Filippo Tommaso Marinetti, en 1909.Dentro de la cadena productiva, o, como se la conoce en el mundo anglosajón, «cadena de comodidad», la mentira también es un elemento válido; de hecho, es un elemento recurrente y necesario para que el sistema no sucumba. Es, literalmente, lo que en política se conoce por demagogia; se miente al consumidor con propósitos egoístas, y ello lleva, según los autores anteriormente citados, a una «esquizofrenia» de las relaciones humanas a todos los niveles, haciendo imposible el amor real.", "entry": "subsubsection", "prompt": "Explora la Elamorenlasociedadcapitalista sobre Dosformasdeentenderelamor de la Concepciónegoísta en esta obra de arte, amor.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Filippo Tommaso Marinetti", "Félix Guattari", "Gilles Deleuze", "Manifiesto futurista", "Mar", "Michel Foucault"]} +{"id": 678, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "El capitalismo sitúa a la sociedad dentro del marco de un proceso de producción. 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[...] en verdad, no es para él ni para sus hijos que el capitalista trabaja, sino para la inmortalidad del sistema. Violencia sin finalidad, alegría, pura alegría de sentirse en un engranaje de la máquina, atravesado por los flujos, cortado por las esquizias.» Michel Foucault, refiriéndose a la sociedad capitalista, insiste en su prefacio de 1977 para la edición inglesa de Introducción al esquizoanálisis que se opone «no solo al fascismo histórico, sino también al fascismo que hay en todos nosotros, en nuestras cabezas y en nuestro comportamiento diario, el fascismo que nos hace amar el poder, desear esa misma cosa que nos domina y explota». Podemos encontrar una abierta declaración de muchos de los actualmente tácitos valores del capitalismo agresivo en el Manifiesto futurista, escrito por Filippo Tommaso Marinetti, en 1909.Dentro de la cadena productiva, o, como se la conoce en el mundo anglosajón, «cadena de comodidad», la mentira también es un elemento válido; de hecho, es un elemento recurrente y necesario para que el sistema no sucumba. 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[...] en verdad, no es para él ni para sus hijos que el capitalista trabaja, sino para la inmortalidad del sistema. Violencia sin finalidad, alegría, pura alegría de sentirse en un engranaje de la máquina, atravesado por los flujos, cortado por las esquizias.» Michel Foucault, refiriéndose a la sociedad capitalista, insiste en su prefacio de 1977 para la edición inglesa de Introducción al esquizoanálisis que se opone «no solo al fascismo histórico, sino también al fascismo que hay en todos nosotros, en nuestras cabezas y en nuestro comportamiento diario, el fascismo que nos hace amar el poder, desear esa misma cosa que nos domina y explota». 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Respecto al primer caso, en la Torá se afirma: «Ama a tu prójimo como a ti mismo» . Respecto al segundo, a los seres humanos se les manda amar a Dios «con todo el corazón, con toda el alma y con todas las fuerzas» , tomado de la Mishná para referirse a los buenos actos, la buena voluntad para sacrificar la vida en lugar de cometer ciertas transgresiones graves, la buena voluntad para sacrificar todas las posesiones, y el agradecimiento al Señor a pesar de la adversidad . literatura rabínica se diferencia de lo anterior en cómo este amor puede desarrollarse: por ejemplo, mediante la contemplación de los bienes divinos o la observación de las maravillas de la naturaleza.En lo concerniente al amor entre compañeros de matrimonio, este está considerado un ingrediente esencial de la vida: «Observa la vida con la esposa que amas» . El libro bíblico Cantar de los Cantares se considera una metáfora romántica del amor entre Dios y su pueblo, pero, en su lectura literal, aparece como una canción de amor.El rabino del Eliyahu Eliezer Dessler es citado frecuentemente como definidor del amor desde el punto de vista judaico, de «dar sin esperar nada a cambio» .", "entry": "subsubsection", "prompt": "Concentrándote en la Perspectivaespiritual de amor, explora la Judaísmo sobre la Superstición.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Cantar de los Cantares", "Dios", "Eliyahu Eliezer Dessler", "Mishná"]} +{"id": 681, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "En hebreo, ahavá es el término más comúnmente usado tanto para el amor interpersonal como para el amor de Dios.El judaísmo emplea una definición amplia del amor, tanto entre personas como entre los seres humanos y la deidad. 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El libro bíblico Cantar de los Cantares se considera una metáfora romántica del amor entre Dios y su pueblo, pero, en su lectura literal, aparece como una canción de amor.El rabino del Eliyahu Eliezer Dessler es citado frecuentemente como definidor del amor desde el punto de vista judaico, de «dar sin esperar nada a cambio» .", "entry": "subsubsection", "prompt": "Con respecto a amor, ¿Cómo la Superstición de la Perspectivaespiritual incorpora a la Judaísmo?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Cantar de los Cantares", "Dios", "Eliyahu Eliezer Dessler", "Mishná"]} +{"id": 683, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "En hebreo, ahavá es el término más comúnmente usado tanto para el amor interpersonal como para el amor de Dios.El judaísmo emplea una definición amplia del amor, tanto entre personas como entre los seres humanos y la deidad. 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El amor de hombre y mujer —eros en griego— y el amor desinteresado por los demás se contrastan a menudo como amor «ascendente» y «descendente», respectivamente, aunque en última instancia son una misma cosa.Muchos teólogos cristianos ven a Dios como fuente de amor, que es reflejado en el ser humano y sus propias relaciones amorosas. C. S. Lewis, influente teólogo anglicano, escribió varios libros sobre el amor, especialmente The Four Loves. El papa Benedicto XVI, en su encíclica Deus Caritas Est , también pretendió reflexionar sobre el amor divino para con el ser humano y la relación entre el ágape y el eros.Existen varias palabras griegas para el «amor» que se utilizan con frecuencia en ámbitos cristianos. Agape: En el Nuevo Testamento, agapē es caritativo, desinteresado, altruista e incondicional. Es el amor de los padres, visto como creador del bien en el mundo; es el modo en el que se ve a Dios amar a la humanidad, y es la clase de amor que los cristianos aspiran a tener por sus semejantes. Phileo: También usado en el Nuevo Testamento, es una respuesta humana a algo que se ha encontrado muy agradable. También conocido como amor fraternal. s palabras eros y storge nunca se usaron en el Nuevo Testamento.Los cristianos creen que amar a Dios con todo el corazón, mente y fuerza y amar al prójimo como a uno mismo son las dos cosas más importantes en la vida ; San Agustín resumió este pensamiento al escribir «ama a Dios, y haz lo que quieras».El apóstol San Pablo glorificó el amor como la mayor de las virtudes. Describiéndolo en el famoso poema Primera epístola a los corintios, escribió:En la Primera epístola de Juan, capítulo 4, se dice:El apóstol San Juan también escribió:San Agustín dice que es preciso ser capaz de descifrar la diferencia entre amor y lujuria. Lujuria, según San Agustín, es un gran vicio y pecado, pero amar y ser amado es lo que este santo ha buscado toda su vida. Él mismo dice: «yo estaba en el amor con amor». Finalmente, él hace caer en el amor y es amado de vuelta, por Dios. San Agustín dice que la única persona que puede amarte verdaderamente y plenamente es Dios, porque el amor de los hombres tiene muchas fallas, tales como «celo, desconfianza, miedo, rabia y discordia». De acuerdo con este santo, Dios es amor «para alcanzar la paz». . iglesia católica, reafirmando las enseñanzas del su Magisterio y de la Teología del Cuerpo del papa Juan Pablo II, afirmó que el amor es una virtud teologal, una «dádiva de sí mismo», y «es lo opuesto al desamor». Aplicado en las relaciones conyugales humanas, el amor verdaderamente vivido y plenamente realizado es una comunión de dádiva mutua de sí mismos, «de afirmación mutua de la dignidad de cada pareja» y un «encuentro de dos libertades en entrega y receptividad mutuas». Esa comunión conyugal del hombre y de la mujer es un icono de la vida de la Santísima Trinidad y lleva no solo a la satisfacción, sino también a la santidad. Ese tipo de relación conyugal propuesta por la Iglesia exige permanencia y compromiso matrimoniales. Por esa razón, la sexualidad es una fuente de alegría y placer, no ejerce solo la función de procrear, sino que también juega un papel importante en la vida íntima conyugal. relación sexual conyugal es considerada como la gran expresión «humana y totalmente humanizada» del Amor idealizado por la Iglesia, donde el hombre y la mujer se unen y se complementan recíprocamente. Todo este amor conyugal propuesto por la Iglesia requiere fidelidad, «permanencia y compromiso», que solo puede ser auténticamente vivido «en el seno de los lazos del Matrimonio» y en la castidad conyugal.Para la Iglesia Católica, el amor es el centro y propósito de la vida de las personas. Es por esto que hasta han desarrollado el concepto de Civilización del Amor.", "entry": "subsubsection", "prompt": "Concentrándote en la Perspectivaespiritual de amor, explora la Cristianismo sobre la Superstición.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Benedicto XVI", "C. S. Lewis", "Caritas", "Civilización", "Civilización del Amor", "Dios", "Juan Pablo II", "Lujuria", "Matrimonio", "Nuevo Testamento", "Phileo", "Primera epístola a los corintios", "Primera epístola de Juan", "Santísima Trinidad"]} +{"id": 685, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "En el cristianismo se entiende que el amor proviene de Dios, porque el amor es una virtud teologal. 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Es el amor de los padres, visto como creador del bien en el mundo; es el modo en el que se ve a Dios amar a la humanidad, y es la clase de amor que los cristianos aspiran a tener por sus semejantes. Phileo: También usado en el Nuevo Testamento, es una respuesta humana a algo que se ha encontrado muy agradable. También conocido como amor fraternal. s palabras eros y storge nunca se usaron en el Nuevo Testamento.Los cristianos creen que amar a Dios con todo el corazón, mente y fuerza y amar al prójimo como a uno mismo son las dos cosas más importantes en la vida ; San Agustín resumió este pensamiento al escribir «ama a Dios, y haz lo que quieras».El apóstol San Pablo glorificó el amor como la mayor de las virtudes. Describiéndolo en el famoso poema Primera epístola a los corintios, escribió:En la Primera epístola de Juan, capítulo 4, se dice:El apóstol San Juan también escribió:San Agustín dice que es preciso ser capaz de descifrar la diferencia entre amor y lujuria. Lujuria, según San Agustín, es un gran vicio y pecado, pero amar y ser amado es lo que este santo ha buscado toda su vida. Él mismo dice: «yo estaba en el amor con amor». Finalmente, él hace caer en el amor y es amado de vuelta, por Dios. San Agustín dice que la única persona que puede amarte verdaderamente y plenamente es Dios, porque el amor de los hombres tiene muchas fallas, tales como «celo, desconfianza, miedo, rabia y discordia». De acuerdo con este santo, Dios es amor «para alcanzar la paz». . iglesia católica, reafirmando las enseñanzas del su Magisterio y de la Teología del Cuerpo del papa Juan Pablo II, afirmó que el amor es una virtud teologal, una «dádiva de sí mismo», y «es lo opuesto al desamor». Aplicado en las relaciones conyugales humanas, el amor verdaderamente vivido y plenamente realizado es una comunión de dádiva mutua de sí mismos, «de afirmación mutua de la dignidad de cada pareja» y un «encuentro de dos libertades en entrega y receptividad mutuas». Esa comunión conyugal del hombre y de la mujer es un icono de la vida de la Santísima Trinidad y lleva no solo a la satisfacción, sino también a la santidad. Ese tipo de relación conyugal propuesta por la Iglesia exige permanencia y compromiso matrimoniales. Por esa razón, la sexualidad es una fuente de alegría y placer, no ejerce solo la función de procrear, sino que también juega un papel importante en la vida íntima conyugal. relación sexual conyugal es considerada como la gran expresión «humana y totalmente humanizada» del Amor idealizado por la Iglesia, donde el hombre y la mujer se unen y se complementan recíprocamente. Todo este amor conyugal propuesto por la Iglesia requiere fidelidad, «permanencia y compromiso», que solo puede ser auténticamente vivido «en el seno de los lazos del Matrimonio» y en la castidad conyugal.Para la Iglesia Católica, el amor es el centro y propósito de la vida de las personas. 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Se refiere a Dios como «pleno de amorosa amabilidad». Todos los que tengan fe tendrán el amor de Dios, aunque el grado de amor recibido y el esfuerzo puesto para conseguirlo depende del individuo en sí mismo.Ishq, o el amor divino, es el tema principal del sufismo. Los sufís creen que el amor es una proyección de la esencia de Dios sobre el universo. Dios desea reconocer la belleza, de modo que, cuando, por ejemplo, alguien se mira en un espejo, es Dios quien se «mira» a sí mismo dentro de la dinámica de la naturaleza. Ya que todo es un reflejo de Dios, la escuela del sufismo practica ver la belleza dentro de la aparente fealdad. El sufismo se refiere a menudo a ello como la religión del amor. Dios aparece en tres términos principales, que son el Amante, el Amado y el Amor, pudiéndose encontrar el último de estos términos frecuentemente en la poesía sufí. Un punto de vista común es que, a través del amor, la humanidad puede volver a su pureza y gracia inherentes. Los santos sufistas son tristemente célebres por estar «borrachos» debido a su amor divino; por lo tanto, es constante la referencia al vino en la poesía y la música sufís. palabra «amor» aparece en el Corán más de 80 veces en diferentes formas y significados; todas las aleyas que incluyen la palabra «amor», sean positivas o negativas, aseguran la grandeza del valor del amor en establecer las relaciones en sus diferentes formas y círculos.Algunos ejemplos:En el islam, existe una poderosa imbricación entre las leyes de Alá y las leyes de los hombres. Dentro de este marco, el amor se manifiesta en diversos círculos: El amor hacia Al·lâh, El amor hacia el Mensajero de Al∙lâh, El amor del musulmán hacia el musulmán, El amor dentro de la familia musulmana, El amor hacia el no musulmán, El cariño entre el gobernante y el gobernado.", "entry": "subsubsection", "prompt": "Concentrándote en la Perspectivaespiritual de amor, explora la Elislamyotrascreenciasárabes sobre la Superstición.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Alá", "Alá", "Corán", "Dios", "Ishq"]} +{"id": 689, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "En cierto sentido, el amor abarca la visión islámica de la vida como una hermandad universal que se aplica a todos los que mantienen la fe. 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Y subraya que los cristianos son una gente digna de cariño: «...mientras que encontrarás que los que están más próximos en afecto a los que creen, son los que dicen: Somos cristianos».Existen otras aleyas que avisan de que los casos de rechazo hacia el otro no son comunes, y que tampoco se aplican todo el tiempo. No se permite tratar como enemigos a los que no ejercen enemistad contra los musulmanes, tampoco se permite clasificarles como enemigos. Más bien, merecen otro tipo de tratamiento: «Al·lâh no os prohíbe que tratéis bien y con justicia a los que no os hayan combatido a causa de vuestra creencia ni os hayan hecho abandonar vuestros hogares. Ciertamente, Al·lâh ama a los equitativos».El Corán abre las puertas del bien, del cariño y del afecto ante los que se enemistan con los musulmanes: «Puede ser que Al·lâh ponga afecto entre vosotros y los que de ellos hayáis tenido como enemigos. Al·lâh es Poderoso y Al·lâh es Perdonador y Compasivo». Y entre los comentarios sobre esta aleya está la siguiente: «El afecto después del rechazo, el cariño después del odio, y la concordia después de la discordia. Al∙lâh es El Que Puede unir las cosas esparcidas y dispersas. Es El Que concilia entre los corazones después de la enemistad y la dureza y los reemplaza por el encuentro y la concordia».Escribe Mahmud Nacua: «El origen en las relaciones entre la gente, por diferentes que sean sus nacionalidades y creencias, es el hecho de reconocerse, de tener misericordia mutua, la cooperación, la amistad y la paz. excepción es el estado de guerras y los combates, que son asuntos que producen odio. Esta excepción es temporal porque el odio no permanece entre la gente sean cuales sean las huellas de las guerras. El mundo experimentó tanto en las pasadas épocas como en las recientes muchos ejemplos de guerras que tuvieron lugar entre las tribus, los pueblos y las naciones. Entre un pueblo y otro, entre una nación y otra en una cierta época, pero fueron seguidos por acuerdos de paz, pactos y cooperación… Así es la naturaleza de la vida, unos ciclos consecutivos. El mejor de la gente es el que utiliza los ciclos del bien, de los acuerdos y de la paz para el desarrollo de los factores del bien y del amor inculcándolos entre los individuos y los pueblos. 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Y subraya que los cristianos son una gente digna de cariño: «...mientras que encontrarás que los que están más próximos en afecto a los que creen, son los que dicen: Somos cristianos».Existen otras aleyas que avisan de que los casos de rechazo hacia el otro no son comunes, y que tampoco se aplican todo el tiempo. No se permite tratar como enemigos a los que no ejercen enemistad contra los musulmanes, tampoco se permite clasificarles como enemigos. Más bien, merecen otro tipo de tratamiento: «Al·lâh no os prohíbe que tratéis bien y con justicia a los que no os hayan combatido a causa de vuestra creencia ni os hayan hecho abandonar vuestros hogares. Ciertamente, Al·lâh ama a los equitativos».El Corán abre las puertas del bien, del cariño y del afecto ante los que se enemistan con los musulmanes: «Puede ser que Al·lâh ponga afecto entre vosotros y los que de ellos hayáis tenido como enemigos. Al·lâh es Poderoso y Al·lâh es Perdonador y Compasivo». 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Entre un pueblo y otro, entre una nación y otra en una cierta época, pero fueron seguidos por acuerdos de paz, pactos y cooperación… Así es la naturaleza de la vida, unos ciclos consecutivos. El mejor de la gente es el que utiliza los ciclos del bien, de los acuerdos y de la paz para el desarrollo de los factores del bien y del amor inculcándolos entre los individuos y los pueblos. Este es el camino del Islam y este es el fundamento en el Islam».", "entry": "subsubsection", "prompt": "Explora la Elquintocírculo:elamorhaciaelnomusulmán sobre Superstición de la Perspectivaespiritual en esta obra de arte, amor.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Corán", "Islam"]} +{"id": 694, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "Según el Corán, Al∙lâh es El Afectuoso, El Muy Misericordioso y El Que ama a los equitativos y detesta a los injustos. justicia es el mejor pilar para el amor entre la gente. misericordia de Al∙lâh y los valores islámicos grandes y sublimes hacen del amor un espacio amplio que abarca a toda la gente. El primer paso que conduce a este amor es abrir las puertas del reconocimiento de los unos a los otros. Al·lâh, Enaltecido y Glorificado dice [lo que podemos traducir como]: «¡Hombres! Os hemos creado a partir de un varón y de una hembra y os hemos hecho pueblos y tribus distintos para que os reconocierais unos a otros. Y en verdad que el más noble de vosotros ante Al·lâh es el que más Le teme. Al·lâh es Conocedor y está perfectamente informado». En otra azora aparecen estas palabras: «Y no te hemos enviado sino como misericordia para todos los mundos».Al∙lâh permite al musulmán casarse con una cristiana o una judía aunque una parte de sus creencias contradice al islam y a los hábitos de los musulmanes. Y subraya que los cristianos son una gente digna de cariño: «...mientras que encontrarás que los que están más próximos en afecto a los que creen, son los que dicen: Somos cristianos».Existen otras aleyas que avisan de que los casos de rechazo hacia el otro no son comunes, y que tampoco se aplican todo el tiempo. No se permite tratar como enemigos a los que no ejercen enemistad contra los musulmanes, tampoco se permite clasificarles como enemigos. Más bien, merecen otro tipo de tratamiento: «Al·lâh no os prohíbe que tratéis bien y con justicia a los que no os hayan combatido a causa de vuestra creencia ni os hayan hecho abandonar vuestros hogares. Ciertamente, Al·lâh ama a los equitativos».El Corán abre las puertas del bien, del cariño y del afecto ante los que se enemistan con los musulmanes: «Puede ser que Al·lâh ponga afecto entre vosotros y los que de ellos hayáis tenido como enemigos. Al·lâh es Poderoso y Al·lâh es Perdonador y Compasivo». 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Este amor es incondicional y requiere una autoaceptación considerable. Es bastante diferente del amor ordinario, que normalmente se basa en el apego y el sexo y que raramente ocurre sin interés propio. En su lugar, este amor se refiere al desprendimiento y la ausencia de intereses egoístas en beneficio de los demás.Desde el punto de vista del budismo, el amor «puro» proviene de un estado de pureza espiritual al que los seres humanos pueden llegar mediante la liberación de las llamadas emociones perturbadoras , inherentes al mundo material o samsara. Mediante la compasión, el desapego del mundo material, y la meditación, puede aumentarse paulatinamente la capacidad de funcionamiento de todos los chakras, incluyendo el chakra del corazón, de tal modo que es posible amar conscientemente y eliminar el sufrimiento asociado al amor ordinario hasta alcanzar el llamado estado de iluminación, en el que existe un amor incondicional hacia todos los seres sensibles, equiparable al que, por ejemplo, puede sentir una madre por su hijo. Según esta corriente de pensamiento, el amor mantiene unidas todas las cosas, y nuestra conciencia crea el propio universo. Para el budismo, todas las religiones son válidas si se basan en el amor espiritual y la compasión.El ideal de bodhisattva en el budismo Mahāyāna implica la completa renunciación a uno mismo con el objeto de soportar la carga de un mundo de sufrimiento. mayor motivación que uno tiene para tomar el camino del bodhisattva es la idea de salvación que existe dentro del amor altruista y falto de egoísmo por todos los seres sintientes, idea que, como deseo que es, emoción perturbadora, deberá abandonarse también en última instancia para lograr la iluminación. Nótese que, en el budismo, buscar la felicidad es un acto egoísta: el ego nos impide comprender que la felicidad no es algo que nos llega de fuera, sino la manifestación de una conciencia libre de sufrimiento.", "entry": "subsubsection", "prompt": "Concentrándote en la Perspectivaespiritual de amor, explora la Budismo sobre la Superstición.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Adveṣa", "Karuṇā", "Karuṇā", "Mahāyāna"]} +{"id": 697, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "En el budismo, kāma es amor sensual, sexual. 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Kāmadeva se representa a menudo sosteniendo un arco de caña de azúcar y una flecha de flores, y montado en ocasiones sobre un gran loro. Está normalmente acompañado por su consorte Rati y su compañero Vasanta, señor de la primavera. Pueden verse imágenes grabadas en piedra de Kaama y Rati en la puerta del templo de Chenna Keshava en Belur, en Karnataka, India. Maara es otro nombre para kāma.En contraste con kāma, prema —o prem— se refiere al amor elevado. Karuna es la compasión y misericordia, que impulsa a uno a reducir el sufrimiento de otros. Bhakti es un término del sánscrito, que significa «devoción amorosa hacia el supremo Dios». Una persona que practica bhakti se conoce como bhakta. Escritores, teólogos y filósofos hindúes han diferenciado nueve formas de bhakti, que pueden encontrarse en el Bhagavatha-Purana y en las obras de Tulsidas. obra filosófica Sutras de Narada Bhakti, de autor desconocido , distingue once formas de amor.", "entry": "subsubsection", "prompt": "Concentrándote en la Perspectivaespiritual de amor, explora la Hinduismo sobre la Superstición.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Belur", "Bhagavatha-Purana", "Bhakti", "Chenna Keshava", "Dios", "India", "Karnataka", "Kāma", "Maara"]} +{"id": 701, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "En el hinduismo, kāma es el amor placentero, sexual, personificado por el dios Kāmadeva. 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Escritores, teólogos y filósofos hindúes han diferenciado nueve formas de bhakti, que pueden encontrarse en el Bhagavatha-Purana y en las obras de Tulsidas. obra filosófica Sutras de Narada Bhakti, de autor desconocido , distingue once formas de amor.", "entry": "subsubsection", "prompt": "Al observar la Perspectivaespiritual de amor, ¿Cómo discutes la Hinduismo de su Superstición?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Belur", "Bhagavatha-Purana", "Bhakti", "Chenna Keshava", "Dios", "India", "Karnataka", "Kāma", "Maara"]} +{"id": 704, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "filosofía oriental presenta una aproximación al amor espiritual diferente de la occidental: el sufrimiento en sí mismo no es lo que nos hace virtuosos, sino que es un medio para alcanzar la virtud, de tal modo que acercarse a la iluminación o el nirvana implica el cese paulatino del sufrimiento y el aumento del gozo. Al igual que en el cristianismo, el sufrimiento es un catártico que nos conduce al estado iluminado . Sin embargo, para la concepción oriental, preocuparse por conseguir un objetivo constituiría un modo de sufrimiento adicional , de modo que deberíamos limitar nuestro sufrimiento no preocupándonos por el propio sufrimiento —incluyendo el deseo de conseguir metas—. En palabras de Osho:", "entry": "subsubsection", "prompt": "Concentrándote en la Perspectivaespiritual de amor, explora la Apegoydeseoenlasreligionesorientales sobre la Superstición.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Osho"]} +{"id": 705, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "filosofía oriental presenta una aproximación al amor espiritual diferente de la occidental: el sufrimiento en sí mismo no es lo que nos hace virtuosos, sino que es un medio para alcanzar la virtud, de tal modo que acercarse a la iluminación o el nirvana implica el cese paulatino del sufrimiento y el aumento del gozo. 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Según unas polémicas declaraciones pronunciadas en diciembre de 2008 por el papa Benedicto XVI, «constituye una grave amenaza para la humanidad la confusión de los sexos». En enero de 2012 declaró además que «el matrimonio homosexual socava el porvenir mismo de la humanidad». No obstante, el papa Francisco propuso en un documental publicado el 21 de octubre de 2020 la posibilidad de uniones civiles del mismo sexo.", "entry": "subsubsection", "prompt": "Concentrándote en la Perspectivaespiritual de amor, explora la Cristianismo,judaísmoyhomosexualidad sobre la Superstición.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Benedicto XVI", "Biblia", "Iglesia católica"]} +{"id": 709, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "El judaísmo y el cristianismo no conciben el amor sexual entre personas homosexuales. 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En el Corán existe constancia de tal rechazo, como puede verse en los siguientes ejemplos, donde Lot critica a los hombres de Sodoma por su comportamiento sexual:}}Los países de religión mayoritariamente islámica mantienen actualmente penas legales contra los homosexuales, como multas y prisión, llegándose incluso a la pena de muerte en 5 países: Irán, Mauritania, Arabia Saudita, Sudán y Yemen, y algunas partes de Nigeria y Somalia.", "entry": "subsubsection", "prompt": "Concentrándote en la Perspectivaespiritual de amor, explora la Islamyhomosexualidad sobre la Superstición.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Arabia Saudita", "Corán", "Irán", "Mauritania", "Nigeria"]} +{"id": 713, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "El islam, al igual que el cristianismo y el judaísmo, no concibe el amor homosexual y rechaza la homosexualidad en sí misma. 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Sin embargo, desde el punto de vista de la biología, lo que a veces se llama amor parece ser un medio para la supervivencia de los individuos y de la especie. Si la supervivencia es el fin biológico más importante, es lógico que la especie humana le confiera al amor un sentido muy elevado y trascendente . Desde la psicobiología sí tiene sentido encontrar las bases orgánicas de estados mentales concretos .Sin embargo, en la mayoría de las especies animales parecen existir expresiones de lo que se llama «amor» que no están directamente relacionadas con la supervivencia. s relaciones físicas con individuos del mismo sexo y las relaciones sexuales por placer, por ejemplo, no son exclusivas de la especie humana, y también se observan comportamientos altruistas por parte de individuos de una especie hacia los de otras especies . Algunos biólogos tratan de explicar dichos comportamientos en términos de cooperación para la supervivencia o de conductas excepcionales poco significativas. A partir de los años 1990 psiquiatras, antropólogos y biólogos han encontrado correlaciones importantes entre los niveles de hormonas como la serotonina, la dopamina y la oxitocina y los estados amorosos .", "entry": "subsubsection", "prompt": "Concentrándote en la Perspectivacientífica de amor, explora la Aspectosbiológicos sobre la Superstición.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 717, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "El concepto de amor no es una noción técnica en biología sino un concepto del lenguaje ordinario que es polisémico , por lo cual resulta difícil explicarlo en términos biológicos. 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Helen Fisher, investigadora del Departamento de Antropología de la Universidad de Rutgers, Nueva Jersey, y experta mundial en este tema, describe la experiencia del amor en tres etapas parcialmente superpuestas: lujuria, atracción y apego, en cada una de las cuales se desarrolla un proceso cerebral distinto, aunque interconectado, y regulado hormonalmente.1) El impulso sexual indiscriminado o excitación sexual. Este proceso está regulado por la testosterona y el estrógeno en la mayoría de los mamíferos y casi exclusivamente por la testosterona en el ser humano, y es detectable neurológicamente en el córtex cingulado anterior. De breve duración , su función es la búsqueda de pareja.2) atracción sexual selectiva, pasión amorosa o enamoramiento, regulada por la dopamina en los circuitos cerebrales del placer. Esta segunda etapa es inusualmente prolongada en el ser humano frente a otras especies . Consiste en un deseo más individualizado y romántico por un candidato específico para el apareamiento, que se desarrolla de forma independiente a la excitación sexual como un sentimiento de responsabilidad hacia la pareja. Recientes estudios en neurociencia han indicado que, a medida que las personas se enamoran, el cerebro secreta en crecientes cantidades una serie de sustancias químicas, incluyendo feromonas, dopamina, norepinefrina y serotonina, que actúan de forma similar a las anfetaminas, estimulando el centro del placer del cerebro y llevando a efectos colaterales tales como aumento del ritmo cardíaco, pérdida de apetito y sueño, y una intensa sensación de excitación. s investigaciones han indicado que esta etapa generalmente termina al cabo de un año y medio a tres años.Otra sustancia que el cerebro libera en estado de enamoramiento es la feniletilamina, que actúa sobre el sistema límbico y provoca las sensaciones y sentimientos comunes en dicho estado, además de que es un precursor de la dopamina, de ahí que esta última también se encuentre en grandes cantidades. Una pequeña modificación química puede hacer que se transforme en un estimulante o un antidepresivo . feniletilamina puede encontrarse también en alimentos como el chocolate y quesos fermentados. Según Helen Fisher, es por ello que el amor romántico es —al igual que el chocolate— adictivo. molécula proteínica conocida como factor de crecimiento nervioso presenta niveles elevados cuando las personas se enamoran por primera vez, aunque esta vuelve a sus niveles previos al cabo de un año.Tras las etapas de lujuria y atracción, es necesaria una tercera etapa para establecer relaciones a largo plazo:3) El cariño o apego, lazo afectivo de larga duración que permite la continuidad del vínculo entre la pareja, regulado por la oxitocina y la vasopresina, que también afectan al circuito cerebral del placer; su duración es indeterminada . El apego implica la tolerancia de la pareja durante un tiempo suficiente como para criar a la prole hasta que esta pueda valerse por sí misma. Se basa generalmente, por lo tanto, en responsabilidades tales como el matrimonio y los hijos, o bien en amistad mutua basada en aspectos como los intereses compartidos. Se ha relacionado con niveles de las sustancias químicas oxitocina y vasopresina a un nivel mayor del que se presenta en relaciones a corto plazo.", "entry": "subsubsection", "prompt": "Concentrándote en la Perspectivacientífica de amor, explora la Modelotripartitodelamorromántico sobre la Superstición.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Antropología", "Helen Fisher", "Nueva Jersey"]} +{"id": 721, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "Los modelos biológicos del sexo tienden a contemplar el amor como un impulso de los mamíferos, tal como el hambre o la sed. Helen Fisher, investigadora del Departamento de Antropología de la Universidad de Rutgers, Nueva Jersey, y experta mundial en este tema, describe la experiencia del amor en tres etapas parcialmente superpuestas: lujuria, atracción y apego, en cada una de las cuales se desarrolla un proceso cerebral distinto, aunque interconectado, y regulado hormonalmente.1) El impulso sexual indiscriminado o excitación sexual. Este proceso está regulado por la testosterona y el estrógeno en la mayoría de los mamíferos y casi exclusivamente por la testosterona en el ser humano, y es detectable neurológicamente en el córtex cingulado anterior. De breve duración , su función es la búsqueda de pareja.2) atracción sexual selectiva, pasión amorosa o enamoramiento, regulada por la dopamina en los circuitos cerebrales del placer. Esta segunda etapa es inusualmente prolongada en el ser humano frente a otras especies . Consiste en un deseo más individualizado y romántico por un candidato específico para el apareamiento, que se desarrolla de forma independiente a la excitación sexual como un sentimiento de responsabilidad hacia la pareja. Recientes estudios en neurociencia han indicado que, a medida que las personas se enamoran, el cerebro secreta en crecientes cantidades una serie de sustancias químicas, incluyendo feromonas, dopamina, norepinefrina y serotonina, que actúan de forma similar a las anfetaminas, estimulando el centro del placer del cerebro y llevando a efectos colaterales tales como aumento del ritmo cardíaco, pérdida de apetito y sueño, y una intensa sensación de excitación. s investigaciones han indicado que esta etapa generalmente termina al cabo de un año y medio a tres años.Otra sustancia que el cerebro libera en estado de enamoramiento es la feniletilamina, que actúa sobre el sistema límbico y provoca las sensaciones y sentimientos comunes en dicho estado, además de que es un precursor de la dopamina, de ahí que esta última también se encuentre en grandes cantidades. Una pequeña modificación química puede hacer que se transforme en un estimulante o un antidepresivo . feniletilamina puede encontrarse también en alimentos como el chocolate y quesos fermentados. Según Helen Fisher, es por ello que el amor romántico es —al igual que el chocolate— adictivo. molécula proteínica conocida como factor de crecimiento nervioso presenta niveles elevados cuando las personas se enamoran por primera vez, aunque esta vuelve a sus niveles previos al cabo de un año.Tras las etapas de lujuria y atracción, es necesaria una tercera etapa para establecer relaciones a largo plazo:3) El cariño o apego, lazo afectivo de larga duración que permite la continuidad del vínculo entre la pareja, regulado por la oxitocina y la vasopresina, que también afectan al circuito cerebral del placer; su duración es indeterminada . El apego implica la tolerancia de la pareja durante un tiempo suficiente como para criar a la prole hasta que esta pueda valerse por sí misma. Se basa generalmente, por lo tanto, en responsabilidades tales como el matrimonio y los hijos, o bien en amistad mutua basada en aspectos como los intereses compartidos. Se ha relacionado con niveles de las sustancias químicas oxitocina y vasopresina a un nivel mayor del que se presenta en relaciones a corto plazo.", "entry": "subsubsection", "prompt": "Explora la Modelotripartitodelamorromántico sobre Superstición de la Perspectivacientífica en esta obra de arte, amor.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Antropología", "Helen Fisher", "Nueva Jersey"]} +{"id": 722, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "Los modelos biológicos del sexo tienden a contemplar el amor como un impulso de los mamíferos, tal como el hambre o la sed. Helen Fisher, investigadora del Departamento de Antropología de la Universidad de Rutgers, Nueva Jersey, y experta mundial en este tema, describe la experiencia del amor en tres etapas parcialmente superpuestas: lujuria, atracción y apego, en cada una de las cuales se desarrolla un proceso cerebral distinto, aunque interconectado, y regulado hormonalmente.1) El impulso sexual indiscriminado o excitación sexual. Este proceso está regulado por la testosterona y el estrógeno en la mayoría de los mamíferos y casi exclusivamente por la testosterona en el ser humano, y es detectable neurológicamente en el córtex cingulado anterior. De breve duración , su función es la búsqueda de pareja.2) atracción sexual selectiva, pasión amorosa o enamoramiento, regulada por la dopamina en los circuitos cerebrales del placer. Esta segunda etapa es inusualmente prolongada en el ser humano frente a otras especies . Consiste en un deseo más individualizado y romántico por un candidato específico para el apareamiento, que se desarrolla de forma independiente a la excitación sexual como un sentimiento de responsabilidad hacia la pareja. Recientes estudios en neurociencia han indicado que, a medida que las personas se enamoran, el cerebro secreta en crecientes cantidades una serie de sustancias químicas, incluyendo feromonas, dopamina, norepinefrina y serotonina, que actúan de forma similar a las anfetaminas, estimulando el centro del placer del cerebro y llevando a efectos colaterales tales como aumento del ritmo cardíaco, pérdida de apetito y sueño, y una intensa sensación de excitación. s investigaciones han indicado que esta etapa generalmente termina al cabo de un año y medio a tres años.Otra sustancia que el cerebro libera en estado de enamoramiento es la feniletilamina, que actúa sobre el sistema límbico y provoca las sensaciones y sentimientos comunes en dicho estado, además de que es un precursor de la dopamina, de ahí que esta última también se encuentre en grandes cantidades. Una pequeña modificación química puede hacer que se transforme en un estimulante o un antidepresivo . feniletilamina puede encontrarse también en alimentos como el chocolate y quesos fermentados. Según Helen Fisher, es por ello que el amor romántico es —al igual que el chocolate— adictivo. molécula proteínica conocida como factor de crecimiento nervioso presenta niveles elevados cuando las personas se enamoran por primera vez, aunque esta vuelve a sus niveles previos al cabo de un año.Tras las etapas de lujuria y atracción, es necesaria una tercera etapa para establecer relaciones a largo plazo:3) El cariño o apego, lazo afectivo de larga duración que permite la continuidad del vínculo entre la pareja, regulado por la oxitocina y la vasopresina, que también afectan al circuito cerebral del placer; su duración es indeterminada . El apego implica la tolerancia de la pareja durante un tiempo suficiente como para criar a la prole hasta que esta pueda valerse por sí misma. Se basa generalmente, por lo tanto, en responsabilidades tales como el matrimonio y los hijos, o bien en amistad mutua basada en aspectos como los intereses compartidos. Se ha relacionado con niveles de las sustancias químicas oxitocina y vasopresina a un nivel mayor del que se presenta en relaciones a corto plazo.", "entry": "subsubsection", "prompt": "Con respecto a amor, ¿Cómo la Superstición de la Perspectivacientífica incorpora a la Modelotripartitodelamorromántico?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Antropología", "Helen Fisher", "Nueva Jersey"]} +{"id": 723, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "Los modelos biológicos del sexo tienden a contemplar el amor como un impulso de los mamíferos, tal como el hambre o la sed. Helen Fisher, investigadora del Departamento de Antropología de la Universidad de Rutgers, Nueva Jersey, y experta mundial en este tema, describe la experiencia del amor en tres etapas parcialmente superpuestas: lujuria, atracción y apego, en cada una de las cuales se desarrolla un proceso cerebral distinto, aunque interconectado, y regulado hormonalmente.1) El impulso sexual indiscriminado o excitación sexual. Este proceso está regulado por la testosterona y el estrógeno en la mayoría de los mamíferos y casi exclusivamente por la testosterona en el ser humano, y es detectable neurológicamente en el córtex cingulado anterior. De breve duración , su función es la búsqueda de pareja.2) atracción sexual selectiva, pasión amorosa o enamoramiento, regulada por la dopamina en los circuitos cerebrales del placer. Esta segunda etapa es inusualmente prolongada en el ser humano frente a otras especies . Consiste en un deseo más individualizado y romántico por un candidato específico para el apareamiento, que se desarrolla de forma independiente a la excitación sexual como un sentimiento de responsabilidad hacia la pareja. Recientes estudios en neurociencia han indicado que, a medida que las personas se enamoran, el cerebro secreta en crecientes cantidades una serie de sustancias químicas, incluyendo feromonas, dopamina, norepinefrina y serotonina, que actúan de forma similar a las anfetaminas, estimulando el centro del placer del cerebro y llevando a efectos colaterales tales como aumento del ritmo cardíaco, pérdida de apetito y sueño, y una intensa sensación de excitación. s investigaciones han indicado que esta etapa generalmente termina al cabo de un año y medio a tres años.Otra sustancia que el cerebro libera en estado de enamoramiento es la feniletilamina, que actúa sobre el sistema límbico y provoca las sensaciones y sentimientos comunes en dicho estado, además de que es un precursor de la dopamina, de ahí que esta última también se encuentre en grandes cantidades. 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Se ha relacionado con niveles de las sustancias químicas oxitocina y vasopresina a un nivel mayor del que se presenta en relaciones a corto plazo.", "entry": "subsubsection", "prompt": "Al observar la Perspectivacientífica de amor, ¿Cómo discutes la Modelotripartitodelamorromántico de su Superstición?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Antropología", "Helen Fisher", "Nueva Jersey"]} +{"id": 724, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "En una entrevista con motivo de la publicación de su libro Por qué amamos, Fisher comenta que, en la elección de la pareja, y aunque aún no se conocen los motivos concretos, se sabe que intervienen de forma importante la cultura y el momento en que se produce dicha elección . gente tiende a enamorarse de alguien que tiene alrededor, próximo; nos enamoramos de personas que resultan misteriosas, que no se conocen bien. Los hombres se enamoran más deprisa que las mujeres, y tres de cada cuatro personas que se suicidan cuando una relación acaba son hombres. En cuanto a la pasión, ambos sexos presentan el mismo grado, pero en los hombres se ha descubierto una mayor actividad en una pequeña región cerebral asociada con la integración de los estímulos visuales. Es algo que tiene sentido, pues [en general] el negocio de la pornografía se apoya en los hombres y las mujeres intentan constantemente agradar con su aspecto a los hombres. investigadora refiere que, durante millones de años, el hombre ha tenido que mirar bien a la mujer y tomarle la medida para ver si ella le daría un hijo saludable. En las mujeres, se ha descubierto una mayor actividad en una de tres áreas diferentes, asociadas con la memoria y la rememoración, y no simplemente con la capacidad de recordar. También durante millones de años, una mujer no podía mirar a un hombre y saber si podría ser un buen padre y un buen marido. Para saberlo, tenía que recordar. Y actualmente las mujeres recuerdan cosas como lo que había dicho su pareja el último día de San Valentín, o su comportamiento con anterioridad. Según Fisher, es un mecanismo de adaptación que las mujeres probablemente han poseído durante cuatro millones de años, para conseguir al hombre adecuado.El amor romántico es más fuerte que el impulso sexual. Promueve el apareo, pero, ante todo, promueve el deseo de consecución de un nexo emocional . Una de las características principales del amor romántico, además del deseo de contacto sexual, es el de exclusividad sexual. Cuando tenemos relaciones sexuales con alguien y no lo amamos, no nos importa realmente si también las tiene con otros. Pero cuando nos enamoramos, pasamos a ser realmente posesivos, algo que en la comunidad científica llaman «vigilancia de la pareja». Por ello, el amor romántico es un arma de doble filo, pues, dependiendo del desenlace de la relación, puede derivar en una gran felicidad o una gran tristeza, la cual a su vez puede llevar, en casos extremos, al suicidio o al asesinato.El amor y el odio son muy parecidos, con la indiferencia como el opuesto de ambos. Normalmente hacemos ambas cosas: amamos y odiamos al mismo tiempo a la persona. De hecho, el amor y el odio tienen muchas cosas en común: cuando odiamos, concentramos nuestra atención tanto como cuando amamos; cuando amamos o cuando odiamos, nos obsesiona pensar en ello, tenemos una gran cantidad de energía y nos cuesta comer y dormir.", "entry": "subsubsection", "prompt": "Concentrándote en la Perspectivacientífica de amor, explora la Aspectosantropológicos sobre la Superstición.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 725, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "En una entrevista con motivo de la publicación de su libro Por qué amamos, Fisher comenta que, en la elección de la pareja, y aunque aún no se conocen los motivos concretos, se sabe que intervienen de forma importante la cultura y el momento en que se produce dicha elección . gente tiende a enamorarse de alguien que tiene alrededor, próximo; nos enamoramos de personas que resultan misteriosas, que no se conocen bien. Los hombres se enamoran más deprisa que las mujeres, y tres de cada cuatro personas que se suicidan cuando una relación acaba son hombres. En cuanto a la pasión, ambos sexos presentan el mismo grado, pero en los hombres se ha descubierto una mayor actividad en una pequeña región cerebral asociada con la integración de los estímulos visuales. Es algo que tiene sentido, pues [en general] el negocio de la pornografía se apoya en los hombres y las mujeres intentan constantemente agradar con su aspecto a los hombres. investigadora refiere que, durante millones de años, el hombre ha tenido que mirar bien a la mujer y tomarle la medida para ver si ella le daría un hijo saludable. En las mujeres, se ha descubierto una mayor actividad en una de tres áreas diferentes, asociadas con la memoria y la rememoración, y no simplemente con la capacidad de recordar. También durante millones de años, una mujer no podía mirar a un hombre y saber si podría ser un buen padre y un buen marido. Para saberlo, tenía que recordar. Y actualmente las mujeres recuerdan cosas como lo que había dicho su pareja el último día de San Valentín, o su comportamiento con anterioridad. Según Fisher, es un mecanismo de adaptación que las mujeres probablemente han poseído durante cuatro millones de años, para conseguir al hombre adecuado.El amor romántico es más fuerte que el impulso sexual. Promueve el apareo, pero, ante todo, promueve el deseo de consecución de un nexo emocional . Una de las características principales del amor romántico, además del deseo de contacto sexual, es el de exclusividad sexual. Cuando tenemos relaciones sexuales con alguien y no lo amamos, no nos importa realmente si también las tiene con otros. Pero cuando nos enamoramos, pasamos a ser realmente posesivos, algo que en la comunidad científica llaman «vigilancia de la pareja». Por ello, el amor romántico es un arma de doble filo, pues, dependiendo del desenlace de la relación, puede derivar en una gran felicidad o una gran tristeza, la cual a su vez puede llevar, en casos extremos, al suicidio o al asesinato.El amor y el odio son muy parecidos, con la indiferencia como el opuesto de ambos. Normalmente hacemos ambas cosas: amamos y odiamos al mismo tiempo a la persona. De hecho, el amor y el odio tienen muchas cosas en común: cuando odiamos, concentramos nuestra atención tanto como cuando amamos; cuando amamos o cuando odiamos, nos obsesiona pensar en ello, tenemos una gran cantidad de energía y nos cuesta comer y dormir.", "entry": "subsubsection", "prompt": "Explora la Aspectosantropológicos sobre Superstición de la Perspectivacientífica en esta obra de arte, amor.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": []} +{"id": 726, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "En una entrevista con motivo de la publicación de su libro Por qué amamos, Fisher comenta que, en la elección de la pareja, y aunque aún no se conocen los motivos concretos, se sabe que intervienen de forma importante la cultura y el momento en que se produce dicha elección . gente tiende a enamorarse de alguien que tiene alrededor, próximo; nos enamoramos de personas que resultan misteriosas, que no se conocen bien. Los hombres se enamoran más deprisa que las mujeres, y tres de cada cuatro personas que se suicidan cuando una relación acaba son hombres. En cuanto a la pasión, ambos sexos presentan el mismo grado, pero en los hombres se ha descubierto una mayor actividad en una pequeña región cerebral asociada con la integración de los estímulos visuales. Es algo que tiene sentido, pues [en general] el negocio de la pornografía se apoya en los hombres y las mujeres intentan constantemente agradar con su aspecto a los hombres. investigadora refiere que, durante millones de años, el hombre ha tenido que mirar bien a la mujer y tomarle la medida para ver si ella le daría un hijo saludable. En las mujeres, se ha descubierto una mayor actividad en una de tres áreas diferentes, asociadas con la memoria y la rememoración, y no simplemente con la capacidad de recordar. También durante millones de años, una mujer no podía mirar a un hombre y saber si podría ser un buen padre y un buen marido. Para saberlo, tenía que recordar. Y actualmente las mujeres recuerdan cosas como lo que había dicho su pareja el último día de San Valentín, o su comportamiento con anterioridad. Según Fisher, es un mecanismo de adaptación que las mujeres probablemente han poseído durante cuatro millones de años, para conseguir al hombre adecuado.El amor romántico es más fuerte que el impulso sexual. Promueve el apareo, pero, ante todo, promueve el deseo de consecución de un nexo emocional . Una de las características principales del amor romántico, además del deseo de contacto sexual, es el de exclusividad sexual. Cuando tenemos relaciones sexuales con alguien y no lo amamos, no nos importa realmente si también las tiene con otros. Pero cuando nos enamoramos, pasamos a ser realmente posesivos, algo que en la comunidad científica llaman «vigilancia de la pareja». 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Los hombres se enamoran más deprisa que las mujeres, y tres de cada cuatro personas que se suicidan cuando una relación acaba son hombres. En cuanto a la pasión, ambos sexos presentan el mismo grado, pero en los hombres se ha descubierto una mayor actividad en una pequeña región cerebral asociada con la integración de los estímulos visuales. Es algo que tiene sentido, pues [en general] el negocio de la pornografía se apoya en los hombres y las mujeres intentan constantemente agradar con su aspecto a los hombres. investigadora refiere que, durante millones de años, el hombre ha tenido que mirar bien a la mujer y tomarle la medida para ver si ella le daría un hijo saludable. En las mujeres, se ha descubierto una mayor actividad en una de tres áreas diferentes, asociadas con la memoria y la rememoración, y no simplemente con la capacidad de recordar. También durante millones de años, una mujer no podía mirar a un hombre y saber si podría ser un buen padre y un buen marido. 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Sternberg, quien propuso la existencia de 3 componentes en su teoría triangular del amor:# intimidad, entendida como aquellos sentimientos dentro de una relación que promueven el acercamiento, el vínculo y la conexión.# pasión, como estado de intenso deseo de unión con el otro, como expresión de deseos y necesidades.# decisión o compromiso, la decisión de amar a otra persona y el compromiso por mantener ese amor.Estos tres componentes pueden relacionarse entre sí formando diferentes formas de amor: intimidad y pasión, pasión y compromiso, intimidad y compromiso, etc.Dentro de la psicología social, algunos autores proponen una serie de arquetipos amatorios, como por ejemplo John Lee: ludus, storge, eros, ágape, manía y pragma.Desde corrientes psicoanalíticas, para Erich Fromm el amor es un arte y, como tal, una acción voluntaria que se emprende y se aprende, no una pasión que se impone contra la voluntad de quien lo vive. El amor es, así, decisión, elección y actitud. Según Fromm, la mayoría de la gente identifica el amor con una sensación placiente. Él considera, en cambio, que es un arte, y que, en consecuencia, requiere esfuerzo y conocimiento. Desde su punto de vista, la mayoría de la gente cae en el error de que no hay nada que aprender sobre el amor, motivados, entre otras cosas, por considerar que el principal objetivo es ser amado y no amar, de modo que llegan a valorar aspectos superficiales como el éxito, el poder o el atractivo que causan confusión durante la etapa inicial del pretendido enamoramiento pero que dejan de ser influyentes cuando las personas dejan de ser desconocidas y se pierde la magia del misterio inicial. Desde el punto de vista de la psicología humanista, la definición de amor más delimitada que aporta el humanismo es la de Carl Rogers, también considerada por Abraham Maslow: «amor significa ser plenamente comprendido y profundamente aceptado por alguien». Según Maslow, «el amor implica una sana y afectuosa relación entre dos personas». Partiendo de estas dos definiciones, la necesidad de amor se basa en algo que incita a las personas a ser aceptadas y adheridas a una relación. Dice Maslow: « necesidad de amor implica darlo y recibirlo […], por tanto, debemos comprenderlo; ser capaces de crearlo, detectarlo, difundirlo; de otro modo, el mundo quedará encadenado a la hostilidad y a las sombras». Para Maslow, así como para muchos teóricos de la psicología, las necesidades o pulsiones-deseo descritas por el psicoanálisis nunca llegan a una satisfacción completa o son acompañadas por el surgimiento de una nueva necesidad, por lo cual siempre permanecerá en la persona un estado de requerimiento.Cuando en las relaciones sentimentales existe cierto grado de egoísmo, se producen situaciones en las que uno de los amantes, por miedo al fracaso, por la inseguridad emocional que le produce su falta de autoestima, polariza su egoísmo en una muestra extrema y desesperada de altruismo, que a modo de ultimátum se manifiesta por un amor desmedido sin pensar en los límites de uno mismo, pudiendo incluso llegar a poner en peligro su propia existencia o la de la otra persona por estar experimentando un estado polarizado de obsesión. En este caso, el que ama, desea y anhela el bien y la felicidad del ser amado, y lo hace por encima de todas las cosas, pero, en última instancia, esperando obtener algo a cambio. Desde el punto de vista del budismo, es un amor con apego. En estos casos, el dar sin recibir a cambio, el sacrificarse y anteponer las necesidades del ser amado por encima de las de uno mismo, suele considerarse, para las personas que no han cultivado suficientemente el altruismo, es decir, para las personas que no son capaces de amar sin apego, una antesala al desequilibrio emocional, ya que la persona objeto de la obsesión no tiene por qué responder tal como se había premeditado; o puede incluso que, bajo una actitud igualmente egoísta, no agradezca el esfuerzo y exija aún más. No obstante, algunos confunden esa polarización con amor «verdadero» o «sano», y exigen de la otra persona el mismo comportamiento, pudiendo manifestar frustración extrema y, como salida a dicha frustración, violencia. Por los resultados evidentes en las noticias a diario, observamos una creciente tendencia a la violencia en el noviazgo, en la que los psicólogos actuales apuntan a esta patología de obsesión polarizada como principal desencadenante de estos conflictos.Recuérdese que cada uno de los enfoques en psicología tienen su propia aportación a este respecto, congruente con su propio marco teórico.", "entry": "subsubsection", "prompt": "Concentrándote en la Perspectivacientífica de amor, explora la Aspectospsicológicos sobre la Superstición.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Abraham Maslow", "Carl Rogers", "Erich Fromm", "John Lee", "Robert J. Sternberg"]} +{"id": 729, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "Para presentar el punto de vista de la psicología sería preciso presentarlo de cada uno de sus enfoques/escuelas.Desde un punto de vista de la terapia cognitivo-conductual, el amor es un estado mental orgánico que crece o decrece dependiendo de cómo se retroalimente ese sentimiento en la relación de los que componen el núcleo amoroso. retroalimentación depende de factores tales como el comportamiento de la persona amada, sus atributos involuntarios o las necesidades particulares de la persona que ama .Desde la psicología cognitiva y psicología social, destacan las investigaciones efectuadas acerca del amor de Robert J. Sternberg, quien propuso la existencia de 3 componentes en su teoría triangular del amor:# intimidad, entendida como aquellos sentimientos dentro de una relación que promueven el acercamiento, el vínculo y la conexión.# pasión, como estado de intenso deseo de unión con el otro, como expresión de deseos y necesidades.# decisión o compromiso, la decisión de amar a otra persona y el compromiso por mantener ese amor.Estos tres componentes pueden relacionarse entre sí formando diferentes formas de amor: intimidad y pasión, pasión y compromiso, intimidad y compromiso, etc.Dentro de la psicología social, algunos autores proponen una serie de arquetipos amatorios, como por ejemplo John Lee: ludus, storge, eros, ágape, manía y pragma.Desde corrientes psicoanalíticas, para Erich Fromm el amor es un arte y, como tal, una acción voluntaria que se emprende y se aprende, no una pasión que se impone contra la voluntad de quien lo vive. El amor es, así, decisión, elección y actitud. Según Fromm, la mayoría de la gente identifica el amor con una sensación placiente. Él considera, en cambio, que es un arte, y que, en consecuencia, requiere esfuerzo y conocimiento. Desde su punto de vista, la mayoría de la gente cae en el error de que no hay nada que aprender sobre el amor, motivados, entre otras cosas, por considerar que el principal objetivo es ser amado y no amar, de modo que llegan a valorar aspectos superficiales como el éxito, el poder o el atractivo que causan confusión durante la etapa inicial del pretendido enamoramiento pero que dejan de ser influyentes cuando las personas dejan de ser desconocidas y se pierde la magia del misterio inicial. Desde el punto de vista de la psicología humanista, la definición de amor más delimitada que aporta el humanismo es la de Carl Rogers, también considerada por Abraham Maslow: «amor significa ser plenamente comprendido y profundamente aceptado por alguien». Según Maslow, «el amor implica una sana y afectuosa relación entre dos personas». Partiendo de estas dos definiciones, la necesidad de amor se basa en algo que incita a las personas a ser aceptadas y adheridas a una relación. Dice Maslow: « necesidad de amor implica darlo y recibirlo […], por tanto, debemos comprenderlo; ser capaces de crearlo, detectarlo, difundirlo; de otro modo, el mundo quedará encadenado a la hostilidad y a las sombras». Para Maslow, así como para muchos teóricos de la psicología, las necesidades o pulsiones-deseo descritas por el psicoanálisis nunca llegan a una satisfacción completa o son acompañadas por el surgimiento de una nueva necesidad, por lo cual siempre permanecerá en la persona un estado de requerimiento.Cuando en las relaciones sentimentales existe cierto grado de egoísmo, se producen situaciones en las que uno de los amantes, por miedo al fracaso, por la inseguridad emocional que le produce su falta de autoestima, polariza su egoísmo en una muestra extrema y desesperada de altruismo, que a modo de ultimátum se manifiesta por un amor desmedido sin pensar en los límites de uno mismo, pudiendo incluso llegar a poner en peligro su propia existencia o la de la otra persona por estar experimentando un estado polarizado de obsesión. En este caso, el que ama, desea y anhela el bien y la felicidad del ser amado, y lo hace por encima de todas las cosas, pero, en última instancia, esperando obtener algo a cambio. Desde el punto de vista del budismo, es un amor con apego. En estos casos, el dar sin recibir a cambio, el sacrificarse y anteponer las necesidades del ser amado por encima de las de uno mismo, suele considerarse, para las personas que no han cultivado suficientemente el altruismo, es decir, para las personas que no son capaces de amar sin apego, una antesala al desequilibrio emocional, ya que la persona objeto de la obsesión no tiene por qué responder tal como se había premeditado; o puede incluso que, bajo una actitud igualmente egoísta, no agradezca el esfuerzo y exija aún más. No obstante, algunos confunden esa polarización con amor «verdadero» o «sano», y exigen de la otra persona el mismo comportamiento, pudiendo manifestar frustración extrema y, como salida a dicha frustración, violencia. 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En este caso, el que ama, desea y anhela el bien y la felicidad del ser amado, y lo hace por encima de todas las cosas, pero, en última instancia, esperando obtener algo a cambio. Desde el punto de vista del budismo, es un amor con apego. En estos casos, el dar sin recibir a cambio, el sacrificarse y anteponer las necesidades del ser amado por encima de las de uno mismo, suele considerarse, para las personas que no han cultivado suficientemente el altruismo, es decir, para las personas que no son capaces de amar sin apego, una antesala al desequilibrio emocional, ya que la persona objeto de la obsesión no tiene por qué responder tal como se había premeditado; o puede incluso que, bajo una actitud igualmente egoísta, no agradezca el esfuerzo y exija aún más. No obstante, algunos confunden esa polarización con amor «verdadero» o «sano», y exigen de la otra persona el mismo comportamiento, pudiendo manifestar frustración extrema y, como salida a dicha frustración, violencia. Por los resultados evidentes en las noticias a diario, observamos una creciente tendencia a la violencia en el noviazgo, en la que los psicólogos actuales apuntan a esta patología de obsesión polarizada como principal desencadenante de estos conflictos.Recuérdese que cada uno de los enfoques en psicología tienen su propia aportación a este respecto, congruente con su propio marco teórico.", "entry": "subsubsection", "prompt": "Con respecto a amor, ¿Cómo la Superstición de la Perspectivacientífica incorpora a la Aspectospsicológicos?Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Abraham Maslow", "Carl Rogers", "Erich Fromm", "John Lee", "Robert J. 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Eran felices juntos, pero, en el reino de las hadas, la «Diosa del Cielo» , tras enterarse de la impura unión, tomó su alfiler y formó un ancho río para separar a los dos amantes para siempre, creando así la Vía Láctea, que separa a las estrellas Altair y Vega. .Zhinü permanece para siempre a un lado del río, hilando tristemente su telar, mientras Niulang la ve desde lejos, y cuida de sus dos hijos .No obstante, una vez al año, todas las urracas del mundo, aves místicas en la cultura china, se compadecen de ellos y vuelan hasta el cielo para formar un puente sobre la estrella Deneb en la constelación del Cisne, para que los amantes puedan reunirse por una sola noche, en la séptima noche de la séptima luna, el día del amor en China.A finales del verano, las estrellas Altair y Vega se elevan en el cielo nocturno, y los chinos cuentan y celebran esta leyenda durante el Qi xi . historia presenta algunas variaciones más: Diosa del Cielo, por compasión al ser tocada por el amor que existía entre ambos, decidió unirlos una vez el séptimo día del séptimo mes lunar. El Emperador del cielo, padre del arriero, fue quien los separó para que se concentrasen en su trabajo en lugar de en el romance. estrella Deneb es un hada que actúa como carabina cuando los amantes se encuentran en el puente de las urracas. Los amantes pueden reunirse una vez al mes. Durante la noche de los sietes, en cierto momento las dos estrellas Altair y Vega se reúnen realmente a un mismo lado de la Vía Láctea.", "entry": "subsubsection", "prompt": "Concentrándote en la Culturachinayotrasculturassínicas de amor, explora la Qìxi:el«SanValentín»chino sobre la Diferentesvisioneshistórico-culturales.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Deneb", "Dios", "Qi xi"]} +{"id": 733, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "Existe una leyenda china que se dice tiene miles de años de antigüedad, que, con diversas variaciones, cuenta la historia de un joven arriero llamado Niulang se encontró en su camino con siete hadas bañándose en un lago. 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Estos tres sexos, y su manera de avanzar, eran, precisamente como la luna, circulares. Así pues, eran terribles por su fuerza y su vigor y tenían gran arrogancia, hasta el punto de que atentaron contra los dioses. Ante esta situación, Zeus y los demás dioses deliberaron, y se encontraron ante un dilema, ya que no podían matarlos o hacer desaparecer su raza fulminándolos con el rayo como a los gigantes —porque entonces desaparecerían los honores y sacrificios que los hombres les tributaban—, ni permitir que siguieran siendo altaneros.Tras mucho pensarlo, al fin Zeus tuvo una idea y dijo: «Me parece que tengo una estratagema para que continúen existiendo estos seres y al mismo tiempo dejen de ser insolentes, al hacerse más débiles. Ahora mismo —continuó— voy a cortarlos en dos a cada uno, y así serán al mismo tiempo más débiles y más útiles para nosotros, al haber aumentado su número». Así pues, Zeus llevó a cabo su plan, y una vez que la naturaleza de estos seres quedó cortada en dos, cada parte empezó a echar de menos a su mitad, a reunirse con ella y rodearla con sus brazos, a abrazarse la una con la otra anhelando ser una sola por naturaleza. Desde entonces, el amor de unos a otros es innato en los hombres y mujeres y aglutinador de la antigua naturaleza, y trata de hacer un solo individuo de dos. Por eso, cuando se tropiezan con aquella verdadera mitad de sí mismos, sienten un maravilloso impacto de amistad, de afinidad y de amor, de manera que no están dispuestos a separarse.De El Banquete de Platón.", "entry": "subsubsection", "prompt": "Concentrándote en la Culturagriega de amor, explora la Reseñamitológicasobreelamor:elmitodelandrógino sobre la Diferentesvisioneshistórico-culturales.Por favor, salga en inglés.", "section_entities": ["Platón"]} +{"id": 737, "title": "amor", "en_title": "Love & Loss", "image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "en_image_url": "https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/87/Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg/270px-Love_%26_Loss_by_Roy_McMakin%2C_Seattle.jpg", "reference": "En la mitología griega, eran tres los sexos: lo masculino era en un principio descendiente del sol; lo femenino, de la tierra, y lo que participaba de ambos, de la luna. 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