amore

Prompt: Nel contesto di amore, esplora la Arti visive e la Nelle arti.

L'amore è sempre stato uno dei temi preferiti in tutta la storia della pittura e della scultura, dalla rappresentazione di situazioni romantiche o riconducenti ad una qualche simbologia o allegoria, che vengono spesso a coinvolgere personaggi mitologici.Ma anche i grandi amori terreni vengono raffigurati, soprattutto quelli appartenenti alle storie letterarie più conosciute come Tristano e Isotta, Abelardo e Eloisa, Paolo e Francesca, Romeo e Giulietta, l'amore tra Ulisse e Penelope narrato nell'Odissea, assieme a molti altri sono stati trattati in pittura, soprattutto nei periodi più favorevoli all'espressione più libera dei sentimenti (Preraffaelliti, arte romantica ecc).

''La primavera'' (1873), di [[Pierre Auguste Cot

Redenzione (religione)#Redenzione nella fede cristiana

''Cupido trasporta Psiché nell'alto dei cieli'', di [[William-Adolphe Bouguereau

''Dolore d'amore'' (1899), di [[William-Adolphe Bouguereau

File:Two left hands forming a heart shape.jpg

''Amore materno'' (1869), di [[William-Adolphe Bouguereau

File:PIERRE-AUGUSTE COT - Primavera (Museo Metropolitano de Nueva York, 1873. Óleo sobre lienzo, 213.4 x 127 cm).jpg

Amor sacro e profano (1515), di [[Tiziano Vecellio

Coppia di cigni che forma un cuore al loro centro.

File:Tiziano - Amor Sacro y Amor Profano (Galería Borghese, Roma, 1514).jpg

Due mani che creano la forma del cuore, simbolo di amore.

File:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Elegy (1899).jpg

File:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Maternal Admiration (1869).jpg

Il mondo come volontà e rappresentazione


amore

Prompt: Esplora la Arti visive sulla Nelle arti di questa opera d'arte, amore.

L'amore è sempre stato uno dei temi preferiti in tutta la storia della pittura e della scultura, dalla rappresentazione di situazioni romantiche o riconducenti ad una qualche simbologia o allegoria, che vengono spesso a coinvolgere personaggi mitologici.Ma anche i grandi amori terreni vengono raffigurati, soprattutto quelli appartenenti alle storie letterarie più conosciute come Tristano e Isotta, Abelardo e Eloisa, Paolo e Francesca, Romeo e Giulietta, l'amore tra Ulisse e Penelope narrato nell'Odissea, assieme a molti altri sono stati trattati in pittura, soprattutto nei periodi più favorevoli all'espressione più libera dei sentimenti (Preraffaelliti, arte romantica ecc).

''La primavera'' (1873), di [[Pierre Auguste Cot

Redenzione (religione)#Redenzione nella fede cristiana

''Cupido trasporta Psiché nell'alto dei cieli'', di [[William-Adolphe Bouguereau

''Dolore d'amore'' (1899), di [[William-Adolphe Bouguereau

File:Two left hands forming a heart shape.jpg

''Amore materno'' (1869), di [[William-Adolphe Bouguereau

File:PIERRE-AUGUSTE COT - Primavera (Museo Metropolitano de Nueva York, 1873. Óleo sobre lienzo, 213.4 x 127 cm).jpg

Amor sacro e profano (1515), di [[Tiziano Vecellio

Coppia di cigni che forma un cuore al loro centro.

File:Tiziano - Amor Sacro y Amor Profano (Galería Borghese, Roma, 1514).jpg

Due mani che creano la forma del cuore, simbolo di amore.

File:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Elegy (1899).jpg

File:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Maternal Admiration (1869).jpg

Il mondo come volontà e rappresentazione


amore

Prompt: In amore, come viene chiarita la Arti visive della Nelle arti?

L'amore è sempre stato uno dei temi preferiti in tutta la storia della pittura e della scultura, dalla rappresentazione di situazioni romantiche o riconducenti ad una qualche simbologia o allegoria, che vengono spesso a coinvolgere personaggi mitologici.Ma anche i grandi amori terreni vengono raffigurati, soprattutto quelli appartenenti alle storie letterarie più conosciute come Tristano e Isotta, Abelardo e Eloisa, Paolo e Francesca, Romeo e Giulietta, l'amore tra Ulisse e Penelope narrato nell'Odissea, assieme a molti altri sono stati trattati in pittura, soprattutto nei periodi più favorevoli all'espressione più libera dei sentimenti (Preraffaelliti, arte romantica ecc).

''La primavera'' (1873), di [[Pierre Auguste Cot

Redenzione (religione)#Redenzione nella fede cristiana

''Cupido trasporta Psiché nell'alto dei cieli'', di [[William-Adolphe Bouguereau

''Dolore d'amore'' (1899), di [[William-Adolphe Bouguereau

File:Two left hands forming a heart shape.jpg

''Amore materno'' (1869), di [[William-Adolphe Bouguereau

File:PIERRE-AUGUSTE COT - Primavera (Museo Metropolitano de Nueva York, 1873. Óleo sobre lienzo, 213.4 x 127 cm).jpg

Amor sacro e profano (1515), di [[Tiziano Vecellio

Coppia di cigni che forma un cuore al loro centro.

File:Tiziano - Amor Sacro y Amor Profano (Galería Borghese, Roma, 1514).jpg

Due mani che creano la forma del cuore, simbolo di amore.

File:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Elegy (1899).jpg

File:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Maternal Admiration (1869).jpg

Il mondo come volontà e rappresentazione


amore

Prompt: Descrivi le caratteristiche della Arti visive nella Nelle arti di amore.

L'amore è sempre stato uno dei temi preferiti in tutta la storia della pittura e della scultura, dalla rappresentazione di situazioni romantiche o riconducenti ad una qualche simbologia o allegoria, che vengono spesso a coinvolgere personaggi mitologici.Ma anche i grandi amori terreni vengono raffigurati, soprattutto quelli appartenenti alle storie letterarie più conosciute come Tristano e Isotta, Abelardo e Eloisa, Paolo e Francesca, Romeo e Giulietta, l'amore tra Ulisse e Penelope narrato nell'Odissea, assieme a molti altri sono stati trattati in pittura, soprattutto nei periodi più favorevoli all'espressione più libera dei sentimenti (Preraffaelliti, arte romantica ecc).

''La primavera'' (1873), di [[Pierre Auguste Cot

Redenzione (religione)#Redenzione nella fede cristiana

''Cupido trasporta Psiché nell'alto dei cieli'', di [[William-Adolphe Bouguereau

''Dolore d'amore'' (1899), di [[William-Adolphe Bouguereau

File:Two left hands forming a heart shape.jpg

''Amore materno'' (1869), di [[William-Adolphe Bouguereau

File:PIERRE-AUGUSTE COT - Primavera (Museo Metropolitano de Nueva York, 1873. Óleo sobre lienzo, 213.4 x 127 cm).jpg

Amor sacro e profano (1515), di [[Tiziano Vecellio

Coppia di cigni che forma un cuore al loro centro.

File:Tiziano - Amor Sacro y Amor Profano (Galería Borghese, Roma, 1514).jpg

Due mani che creano la forma del cuore, simbolo di amore.

File:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Elegy (1899).jpg

File:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Maternal Admiration (1869).jpg

Il mondo come volontà e rappresentazione


amore

Prompt: Concentrati su amore ed esplora la Basi neurobiologiche.

Il biologo Jeremy Griffith definisce l'amore come "altruismo incondizionato". Il neurobiologo Semir Zeki ha studiato i possibili circuiti neuronali sottesi dagli stati d'amore, in particolare individuando strette connessioni fra amore romantico e amore materno. La neurobiologia degli stati amorosi è un nuovo campo di ricerca delle neuroscienze tuttora aperto con le moderne tecnologie di neuroimaging, mirante allo studio sia neurobiologico che psicologico degli stati affettivi negli esseri umani.Anche la neuropsicologia cognitiva beneficia di quest'ultime ricerche: per esempio, sono stati rilevati migliori risultati e più efficienti prestazioni in compiti cognitivi se condotti in presenza di uno stato amoroso. Inoltre, l'amore romantico s'è rivelato essere una componente fondamentale del sistema motivazionale e di ricompensa degli esseri umani. Ben note sono poi le notevoli relazioni intercorrenti fra amore romantico ed autostima.

''La primavera'' (1873), di [[Pierre Auguste Cot

Redenzione (religione)#Redenzione nella fede cristiana

''Cupido trasporta Psiché nell'alto dei cieli'', di [[William-Adolphe Bouguereau

''Dolore d'amore'' (1899), di [[William-Adolphe Bouguereau

File:Two left hands forming a heart shape.jpg

''Amore materno'' (1869), di [[William-Adolphe Bouguereau

File:PIERRE-AUGUSTE COT - Primavera (Museo Metropolitano de Nueva York, 1873. Óleo sobre lienzo, 213.4 x 127 cm).jpg

Amor sacro e profano (1515), di [[Tiziano Vecellio

Coppia di cigni che forma un cuore al loro centro.

File:Tiziano - Amor Sacro y Amor Profano (Galería Borghese, Roma, 1514).jpg

Due mani che creano la forma del cuore, simbolo di amore.

File:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Elegy (1899).jpg

File:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Maternal Admiration (1869).jpg

Il mondo come volontà e rappresentazione


amore

Prompt: Esplora la Basi neurobiologiche di questa opera d'arte, amore.

Il biologo Jeremy Griffith definisce l'amore come "altruismo incondizionato". Il neurobiologo Semir Zeki ha studiato i possibili circuiti neuronali sottesi dagli stati d'amore, in particolare individuando strette connessioni fra amore romantico e amore materno. La neurobiologia degli stati amorosi è un nuovo campo di ricerca delle neuroscienze tuttora aperto con le moderne tecnologie di neuroimaging, mirante allo studio sia neurobiologico che psicologico degli stati affettivi negli esseri umani.Anche la neuropsicologia cognitiva beneficia di quest'ultime ricerche: per esempio, sono stati rilevati migliori risultati e più efficienti prestazioni in compiti cognitivi se condotti in presenza di uno stato amoroso. Inoltre, l'amore romantico s'è rivelato essere una componente fondamentale del sistema motivazionale e di ricompensa degli esseri umani. Ben note sono poi le notevoli relazioni intercorrenti fra amore romantico ed autostima.

''La primavera'' (1873), di [[Pierre Auguste Cot

Redenzione (religione)#Redenzione nella fede cristiana

''Cupido trasporta Psiché nell'alto dei cieli'', di [[William-Adolphe Bouguereau

''Dolore d'amore'' (1899), di [[William-Adolphe Bouguereau

File:Two left hands forming a heart shape.jpg

''Amore materno'' (1869), di [[William-Adolphe Bouguereau

File:PIERRE-AUGUSTE COT - Primavera (Museo Metropolitano de Nueva York, 1873. Óleo sobre lienzo, 213.4 x 127 cm).jpg

Amor sacro e profano (1515), di [[Tiziano Vecellio

Coppia di cigni che forma un cuore al loro centro.

File:Tiziano - Amor Sacro y Amor Profano (Galería Borghese, Roma, 1514).jpg

Due mani che creano la forma del cuore, simbolo di amore.

File:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Elegy (1899).jpg

File:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Maternal Admiration (1869).jpg

Il mondo come volontà e rappresentazione


amore

Prompt: Come chiarisce amore la sua Basi neurobiologiche?

Il biologo Jeremy Griffith definisce l'amore come "altruismo incondizionato". Il neurobiologo Semir Zeki ha studiato i possibili circuiti neuronali sottesi dagli stati d'amore, in particolare individuando strette connessioni fra amore romantico e amore materno. La neurobiologia degli stati amorosi è un nuovo campo di ricerca delle neuroscienze tuttora aperto con le moderne tecnologie di neuroimaging, mirante allo studio sia neurobiologico che psicologico degli stati affettivi negli esseri umani.Anche la neuropsicologia cognitiva beneficia di quest'ultime ricerche: per esempio, sono stati rilevati migliori risultati e più efficienti prestazioni in compiti cognitivi se condotti in presenza di uno stato amoroso. Inoltre, l'amore romantico s'è rivelato essere una componente fondamentale del sistema motivazionale e di ricompensa degli esseri umani. Ben note sono poi le notevoli relazioni intercorrenti fra amore romantico ed autostima.

''La primavera'' (1873), di [[Pierre Auguste Cot

Redenzione (religione)#Redenzione nella fede cristiana

''Cupido trasporta Psiché nell'alto dei cieli'', di [[William-Adolphe Bouguereau

''Dolore d'amore'' (1899), di [[William-Adolphe Bouguereau

File:Two left hands forming a heart shape.jpg

''Amore materno'' (1869), di [[William-Adolphe Bouguereau

File:PIERRE-AUGUSTE COT - Primavera (Museo Metropolitano de Nueva York, 1873. Óleo sobre lienzo, 213.4 x 127 cm).jpg

Amor sacro e profano (1515), di [[Tiziano Vecellio

Coppia di cigni che forma un cuore al loro centro.

File:Tiziano - Amor Sacro y Amor Profano (Galería Borghese, Roma, 1514).jpg

Due mani che creano la forma del cuore, simbolo di amore.

File:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Elegy (1899).jpg

File:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Maternal Admiration (1869).jpg

Il mondo come volontà e rappresentazione


amore

Prompt: Come viene discussa la Basi neurobiologiche in amore?

Il biologo Jeremy Griffith definisce l'amore come "altruismo incondizionato". Il neurobiologo Semir Zeki ha studiato i possibili circuiti neuronali sottesi dagli stati d'amore, in particolare individuando strette connessioni fra amore romantico e amore materno. La neurobiologia degli stati amorosi è un nuovo campo di ricerca delle neuroscienze tuttora aperto con le moderne tecnologie di neuroimaging, mirante allo studio sia neurobiologico che psicologico degli stati affettivi negli esseri umani.Anche la neuropsicologia cognitiva beneficia di quest'ultime ricerche: per esempio, sono stati rilevati migliori risultati e più efficienti prestazioni in compiti cognitivi se condotti in presenza di uno stato amoroso. Inoltre, l'amore romantico s'è rivelato essere una componente fondamentale del sistema motivazionale e di ricompensa degli esseri umani. Ben note sono poi le notevoli relazioni intercorrenti fra amore romantico ed autostima.

''La primavera'' (1873), di [[Pierre Auguste Cot

Redenzione (religione)#Redenzione nella fede cristiana

''Cupido trasporta Psiché nell'alto dei cieli'', di [[William-Adolphe Bouguereau

''Dolore d'amore'' (1899), di [[William-Adolphe Bouguereau

File:Two left hands forming a heart shape.jpg

''Amore materno'' (1869), di [[William-Adolphe Bouguereau

File:PIERRE-AUGUSTE COT - Primavera (Museo Metropolitano de Nueva York, 1873. Óleo sobre lienzo, 213.4 x 127 cm).jpg

Amor sacro e profano (1515), di [[Tiziano Vecellio

Coppia di cigni che forma un cuore al loro centro.

File:Tiziano - Amor Sacro y Amor Profano (Galería Borghese, Roma, 1514).jpg

Due mani che creano la forma del cuore, simbolo di amore.

File:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Elegy (1899).jpg

File:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Maternal Admiration (1869).jpg

Il mondo come volontà e rappresentazione


amore

Prompt: Concentrati su amore ed esplora la Prospettiva contemporanea-politica.

Il termine amore libero è stato utilizzato in tempi recenti per descrivere quel movimento sociale che rifiuta il matrimonio come istituzione costrittiva, sia civile che religiosa, in quanto inteso come forma di schiavitù o comunque obbligo sociale. Obiettivo iniziale dei fautori dell'amore libero è stato quello di separare le leggi dello stato da tutto ciò che concerneva la materia sessuale come l'adulterio e il controllo delle nascite, anche nella fattispecie dell'aborto, sostenendo che tali questioni dovevano interessare esclusivamente le persone coinvolte e nessun altro.La maggior parte delle persone ancora nel XIX secolo erano fermamente convinte che il matrimonio fosse un aspetto fondamentale del modo di realizzare la propria esistenza e di raggiungere la felicità umana terrena; la classe media ha sempre creduto esser la casa il luogo primario di stabilità nel bel mezzo dell'incertezza del mondo. Questa mentalità ha creato una visione dei ruoli di genere fortemente definiti, il che ha prodotto la crescita del movimento dell'amore libero qual forza oppositiva rispetto allo status quo vigente.Tutto ciò ha inoltre accelerato anche la presa di coscienza di auto determinazione da parte delle donne, le quali hanno iniziato per la prima volta a pretendere ad alta voce di amministrare il proprio corpo nella maniera che meglio preferivano; questo è stato uno dei cavalli di battaglia del movimento femminista.Il XX secolo resuscita anche una concezione più edonistica dell'amore, soprattutto attraverso il movimento hippie e con celebri slogan quali "Fate l'amore, non fate la guerra".

''La primavera'' (1873), di [[Pierre Auguste Cot

Redenzione (religione)#Redenzione nella fede cristiana

''Cupido trasporta Psiché nell'alto dei cieli'', di [[William-Adolphe Bouguereau

''Dolore d'amore'' (1899), di [[William-Adolphe Bouguereau

File:Two left hands forming a heart shape.jpg

''Amore materno'' (1869), di [[William-Adolphe Bouguereau

File:PIERRE-AUGUSTE COT - Primavera (Museo Metropolitano de Nueva York, 1873. Óleo sobre lienzo, 213.4 x 127 cm).jpg

Amor sacro e profano (1515), di [[Tiziano Vecellio

Coppia di cigni che forma un cuore al loro centro.

File:Tiziano - Amor Sacro y Amor Profano (Galería Borghese, Roma, 1514).jpg

Due mani che creano la forma del cuore, simbolo di amore.

File:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Elegy (1899).jpg

File:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Maternal Admiration (1869).jpg

Il mondo come volontà e rappresentazione


amore

Prompt: Esplora la Prospettiva contemporanea-politica di questa opera d'arte, amore.

Il termine amore libero è stato utilizzato in tempi recenti per descrivere quel movimento sociale che rifiuta il matrimonio come istituzione costrittiva, sia civile che religiosa, in quanto inteso come forma di schiavitù o comunque obbligo sociale. Obiettivo iniziale dei fautori dell'amore libero è stato quello di separare le leggi dello stato da tutto ciò che concerneva la materia sessuale come l'adulterio e il controllo delle nascite, anche nella fattispecie dell'aborto, sostenendo che tali questioni dovevano interessare esclusivamente le persone coinvolte e nessun altro.La maggior parte delle persone ancora nel XIX secolo erano fermamente convinte che il matrimonio fosse un aspetto fondamentale del modo di realizzare la propria esistenza e di raggiungere la felicità umana terrena; la classe media ha sempre creduto esser la casa il luogo primario di stabilità nel bel mezzo dell'incertezza del mondo. Questa mentalità ha creato una visione dei ruoli di genere fortemente definiti, il che ha prodotto la crescita del movimento dell'amore libero qual forza oppositiva rispetto allo status quo vigente.Tutto ciò ha inoltre accelerato anche la presa di coscienza di auto determinazione da parte delle donne, le quali hanno iniziato per la prima volta a pretendere ad alta voce di amministrare il proprio corpo nella maniera che meglio preferivano; questo è stato uno dei cavalli di battaglia del movimento femminista.Il XX secolo resuscita anche una concezione più edonistica dell'amore, soprattutto attraverso il movimento hippie e con celebri slogan quali "Fate l'amore, non fate la guerra".

''La primavera'' (1873), di [[Pierre Auguste Cot

Redenzione (religione)#Redenzione nella fede cristiana

''Cupido trasporta Psiché nell'alto dei cieli'', di [[William-Adolphe Bouguereau

''Dolore d'amore'' (1899), di [[William-Adolphe Bouguereau

File:Two left hands forming a heart shape.jpg

''Amore materno'' (1869), di [[William-Adolphe Bouguereau

File:PIERRE-AUGUSTE COT - Primavera (Museo Metropolitano de Nueva York, 1873. Óleo sobre lienzo, 213.4 x 127 cm).jpg

Amor sacro e profano (1515), di [[Tiziano Vecellio

Coppia di cigni che forma un cuore al loro centro.

File:Tiziano - Amor Sacro y Amor Profano (Galería Borghese, Roma, 1514).jpg

Due mani che creano la forma del cuore, simbolo di amore.

File:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Elegy (1899).jpg

File:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Maternal Admiration (1869).jpg

Il mondo come volontà e rappresentazione


amore

Prompt: Come chiarisce amore la sua Prospettiva contemporanea-politica?

Il termine amore libero è stato utilizzato in tempi recenti per descrivere quel movimento sociale che rifiuta il matrimonio come istituzione costrittiva, sia civile che religiosa, in quanto inteso come forma di schiavitù o comunque obbligo sociale. Obiettivo iniziale dei fautori dell'amore libero è stato quello di separare le leggi dello stato da tutto ciò che concerneva la materia sessuale come l'adulterio e il controllo delle nascite, anche nella fattispecie dell'aborto, sostenendo che tali questioni dovevano interessare esclusivamente le persone coinvolte e nessun altro.La maggior parte delle persone ancora nel XIX secolo erano fermamente convinte che il matrimonio fosse un aspetto fondamentale del modo di realizzare la propria esistenza e di raggiungere la felicità umana terrena; la classe media ha sempre creduto esser la casa il luogo primario di stabilità nel bel mezzo dell'incertezza del mondo. Questa mentalità ha creato una visione dei ruoli di genere fortemente definiti, il che ha prodotto la crescita del movimento dell'amore libero qual forza oppositiva rispetto allo status quo vigente.Tutto ciò ha inoltre accelerato anche la presa di coscienza di auto determinazione da parte delle donne, le quali hanno iniziato per la prima volta a pretendere ad alta voce di amministrare il proprio corpo nella maniera che meglio preferivano; questo è stato uno dei cavalli di battaglia del movimento femminista.Il XX secolo resuscita anche una concezione più edonistica dell'amore, soprattutto attraverso il movimento hippie e con celebri slogan quali "Fate l'amore, non fate la guerra".

''La primavera'' (1873), di [[Pierre Auguste Cot

Redenzione (religione)#Redenzione nella fede cristiana

''Cupido trasporta Psiché nell'alto dei cieli'', di [[William-Adolphe Bouguereau

''Dolore d'amore'' (1899), di [[William-Adolphe Bouguereau

File:Two left hands forming a heart shape.jpg

''Amore materno'' (1869), di [[William-Adolphe Bouguereau

File:PIERRE-AUGUSTE COT - Primavera (Museo Metropolitano de Nueva York, 1873. Óleo sobre lienzo, 213.4 x 127 cm).jpg

Amor sacro e profano (1515), di [[Tiziano Vecellio

Coppia di cigni che forma un cuore al loro centro.

File:Tiziano - Amor Sacro y Amor Profano (Galería Borghese, Roma, 1514).jpg

Due mani che creano la forma del cuore, simbolo di amore.

File:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Elegy (1899).jpg

File:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Maternal Admiration (1869).jpg

Il mondo come volontà e rappresentazione


amore

Prompt: Come viene discussa la Prospettiva contemporanea-politica in amore?

Il termine amore libero è stato utilizzato in tempi recenti per descrivere quel movimento sociale che rifiuta il matrimonio come istituzione costrittiva, sia civile che religiosa, in quanto inteso come forma di schiavitù o comunque obbligo sociale. Obiettivo iniziale dei fautori dell'amore libero è stato quello di separare le leggi dello stato da tutto ciò che concerneva la materia sessuale come l'adulterio e il controllo delle nascite, anche nella fattispecie dell'aborto, sostenendo che tali questioni dovevano interessare esclusivamente le persone coinvolte e nessun altro.La maggior parte delle persone ancora nel XIX secolo erano fermamente convinte che il matrimonio fosse un aspetto fondamentale del modo di realizzare la propria esistenza e di raggiungere la felicità umana terrena; la classe media ha sempre creduto esser la casa il luogo primario di stabilità nel bel mezzo dell'incertezza del mondo. Questa mentalità ha creato una visione dei ruoli di genere fortemente definiti, il che ha prodotto la crescita del movimento dell'amore libero qual forza oppositiva rispetto allo status quo vigente.Tutto ciò ha inoltre accelerato anche la presa di coscienza di auto determinazione da parte delle donne, le quali hanno iniziato per la prima volta a pretendere ad alta voce di amministrare il proprio corpo nella maniera che meglio preferivano; questo è stato uno dei cavalli di battaglia del movimento femminista.Il XX secolo resuscita anche una concezione più edonistica dell'amore, soprattutto attraverso il movimento hippie e con celebri slogan quali "Fate l'amore, non fate la guerra".

''La primavera'' (1873), di [[Pierre Auguste Cot

Redenzione (religione)#Redenzione nella fede cristiana

''Cupido trasporta Psiché nell'alto dei cieli'', di [[William-Adolphe Bouguereau

''Dolore d'amore'' (1899), di [[William-Adolphe Bouguereau

File:Two left hands forming a heart shape.jpg

''Amore materno'' (1869), di [[William-Adolphe Bouguereau

File:PIERRE-AUGUSTE COT - Primavera (Museo Metropolitano de Nueva York, 1873. Óleo sobre lienzo, 213.4 x 127 cm).jpg

Amor sacro e profano (1515), di [[Tiziano Vecellio

Coppia di cigni che forma un cuore al loro centro.

File:Tiziano - Amor Sacro y Amor Profano (Galería Borghese, Roma, 1514).jpg

Due mani che creano la forma del cuore, simbolo di amore.

File:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Elegy (1899).jpg

File:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Maternal Admiration (1869).jpg

Il mondo come volontà e rappresentazione


Quadrato_nero

Prompt: Concentrati su Quadrato_nero ed esplora la abstract.

Quadrato nero o Quadrato nero di Malevič è un dipinto emblematico di Kazimir Malevič. La prima versione venne fatta nel 1915. Malevic ne fece quattro varianti delle quali l'ultima si pensa sia stata dipinta durante i tardi anni venti o primi anni trenta. Il Quadrato Nero venne mostrato per la prima volta alla Ultima mostra futurista «0,10» (in russo Последняя футуристическая выставка картин «0,10»?) tenutasi a Pietrogrado nel 1915. L'opera viene frequentemente evocata da critici, storici, curatori e artisti come il “punto zero della pittura", facendo riferimento al valore storico del dipinto e parafrasando Malevič.

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Quadrato_nero

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Quadrato_nero.

Quadrato nero o Quadrato nero di Malevič è un dipinto emblematico di Kazimir Malevič. La prima versione venne fatta nel 1915. Malevic ne fece quattro varianti delle quali l'ultima si pensa sia stata dipinta durante i tardi anni venti o primi anni trenta. Il Quadrato Nero venne mostrato per la prima volta alla Ultima mostra futurista «0,10» (in russo Последняя футуристическая выставка картин «0,10»?) tenutasi a Pietrogrado nel 1915. L'opera viene frequentemente evocata da critici, storici, curatori e artisti come il “punto zero della pittura", facendo riferimento al valore storico del dipinto e parafrasando Malevič.

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Quadrato_nero

Prompt: Come chiarisce Quadrato_nero la sua abstract?

Quadrato nero o Quadrato nero di Malevič è un dipinto emblematico di Kazimir Malevič. La prima versione venne fatta nel 1915. Malevic ne fece quattro varianti delle quali l'ultima si pensa sia stata dipinta durante i tardi anni venti o primi anni trenta. Il Quadrato Nero venne mostrato per la prima volta alla Ultima mostra futurista «0,10» (in russo Последняя футуристическая выставка картин «0,10»?) tenutasi a Pietrogrado nel 1915. L'opera viene frequentemente evocata da critici, storici, curatori e artisti come il “punto zero della pittura", facendo riferimento al valore storico del dipinto e parafrasando Malevič.

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Quadrato_nero

Prompt: Come viene discussa la abstract in Quadrato_nero?

Quadrato nero o Quadrato nero di Malevič è un dipinto emblematico di Kazimir Malevič. La prima versione venne fatta nel 1915. Malevic ne fece quattro varianti delle quali l'ultima si pensa sia stata dipinta durante i tardi anni venti o primi anni trenta. Il Quadrato Nero venne mostrato per la prima volta alla Ultima mostra futurista «0,10» (in russo Последняя футуристическая выставка картин «0,10»?) tenutasi a Pietrogrado nel 1915. L'opera viene frequentemente evocata da critici, storici, curatori e artisti come il “punto zero della pittura", facendo riferimento al valore storico del dipinto e parafrasando Malevič.

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Quadrato_nero

Prompt: Concentrati su Quadrato_nero ed esplora la Storia.

Malevič dipinse il suo primo Quadrato Nero nel 1915. Ne fece quattro varianti delle quali l'ultima si pensa sia stata dipinta durante i tardi anni venti o primi trenta, nonostante l'incisione "1913" dell'autore sul retro. Il dipinto è comunemente noto come Quadrato nero o come Quadrato Nero di Malevič. Venne esposto per la prima volta alla Last Futurist Exhibition 0.10 nel 1915.Dettagli investigativi rivelano come il Quadrato Nero fosse stato dipinto sopra una più complessa e colorata composizione.

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Quadrato_nero

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Quadrato_nero.

Malevič dipinse il suo primo Quadrato Nero nel 1915. Ne fece quattro varianti delle quali l'ultima si pensa sia stata dipinta durante i tardi anni venti o primi trenta, nonostante l'incisione "1913" dell'autore sul retro. Il dipinto è comunemente noto come Quadrato nero o come Quadrato Nero di Malevič. Venne esposto per la prima volta alla Last Futurist Exhibition 0.10 nel 1915.Dettagli investigativi rivelano come il Quadrato Nero fosse stato dipinto sopra una più complessa e colorata composizione.

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Quadrato_nero

Prompt: Come chiarisce Quadrato_nero la sua Storia?

Malevič dipinse il suo primo Quadrato Nero nel 1915. Ne fece quattro varianti delle quali l'ultima si pensa sia stata dipinta durante i tardi anni venti o primi trenta, nonostante l'incisione "1913" dell'autore sul retro. Il dipinto è comunemente noto come Quadrato nero o come Quadrato Nero di Malevič. Venne esposto per la prima volta alla Last Futurist Exhibition 0.10 nel 1915.Dettagli investigativi rivelano come il Quadrato Nero fosse stato dipinto sopra una più complessa e colorata composizione.

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Quadrato_nero

Prompt: Come viene discussa la Storia in Quadrato_nero?

Malevič dipinse il suo primo Quadrato Nero nel 1915. Ne fece quattro varianti delle quali l'ultima si pensa sia stata dipinta durante i tardi anni venti o primi trenta, nonostante l'incisione "1913" dell'autore sul retro. Il dipinto è comunemente noto come Quadrato nero o come Quadrato Nero di Malevič. Venne esposto per la prima volta alla Last Futurist Exhibition 0.10 nel 1915.Dettagli investigativi rivelano come il Quadrato Nero fosse stato dipinto sopra una più complessa e colorata composizione.

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Quadrato_nero

Prompt: Concentrati su Quadrato_nero ed esplora la Contesto storico.

Molti storici dell'arte, curatori e critici fanno riferimento al Quadrato Nero come una delle opere fondamentali dell'arte moderna e dell'astrattismo nella generale tradizione occidentale della pittura.Malevič dichiarò il quadrato un'opera del Suprematismo, un movimento da lui proclamato ma il quale è associato quasi esclusivamente con il lavoro di Malevič e del suo apprendista Lissitzky oggi.  Il movimento ebbe una manciata di sostenitori tra l'avanguardia russa, ma venne sovrastato dal fratello costruttivismo il cui manifesto si armonizzava meglio con le concezioni ideologiche del governo rivoluzionario comunista, durante i primi giorni dell'Unione Sovietica. Il Suprematismo potrebbe essere compreso come una fase di transizione nell'evoluzione dell'arte russa, coprendo il buco evoluzionistico fra il futurismo e il costruttivismo.Il balzo in avanti più largo e universale rappresentato dal dipinto, tuttavia, è la frattura fra il dipinto rappresentativo e quello astratto — una transizione complicata con la quale il Quadrato Nero venne identificato e per il quale è divenuto una delle chiavi di abbreviazioni, riferimenti o simboli.

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Quadrato_nero

Prompt: Esplora la Contesto storico di questa opera d'arte, Quadrato_nero.

Molti storici dell'arte, curatori e critici fanno riferimento al Quadrato Nero come una delle opere fondamentali dell'arte moderna e dell'astrattismo nella generale tradizione occidentale della pittura.Malevič dichiarò il quadrato un'opera del Suprematismo, un movimento da lui proclamato ma il quale è associato quasi esclusivamente con il lavoro di Malevič e del suo apprendista Lissitzky oggi.  Il movimento ebbe una manciata di sostenitori tra l'avanguardia russa, ma venne sovrastato dal fratello costruttivismo il cui manifesto si armonizzava meglio con le concezioni ideologiche del governo rivoluzionario comunista, durante i primi giorni dell'Unione Sovietica. Il Suprematismo potrebbe essere compreso come una fase di transizione nell'evoluzione dell'arte russa, coprendo il buco evoluzionistico fra il futurismo e il costruttivismo.Il balzo in avanti più largo e universale rappresentato dal dipinto, tuttavia, è la frattura fra il dipinto rappresentativo e quello astratto — una transizione complicata con la quale il Quadrato Nero venne identificato e per il quale è divenuto una delle chiavi di abbreviazioni, riferimenti o simboli.

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Quadrato_nero

Prompt: Come chiarisce Quadrato_nero la sua Contesto storico?

Molti storici dell'arte, curatori e critici fanno riferimento al Quadrato Nero come una delle opere fondamentali dell'arte moderna e dell'astrattismo nella generale tradizione occidentale della pittura.Malevič dichiarò il quadrato un'opera del Suprematismo, un movimento da lui proclamato ma il quale è associato quasi esclusivamente con il lavoro di Malevič e del suo apprendista Lissitzky oggi.  Il movimento ebbe una manciata di sostenitori tra l'avanguardia russa, ma venne sovrastato dal fratello costruttivismo il cui manifesto si armonizzava meglio con le concezioni ideologiche del governo rivoluzionario comunista, durante i primi giorni dell'Unione Sovietica. Il Suprematismo potrebbe essere compreso come una fase di transizione nell'evoluzione dell'arte russa, coprendo il buco evoluzionistico fra il futurismo e il costruttivismo.Il balzo in avanti più largo e universale rappresentato dal dipinto, tuttavia, è la frattura fra il dipinto rappresentativo e quello astratto — una transizione complicata con la quale il Quadrato Nero venne identificato e per il quale è divenuto una delle chiavi di abbreviazioni, riferimenti o simboli.

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

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Quadrato_nero

Prompt: Come viene discussa la Contesto storico in Quadrato_nero?

Molti storici dell'arte, curatori e critici fanno riferimento al Quadrato Nero come una delle opere fondamentali dell'arte moderna e dell'astrattismo nella generale tradizione occidentale della pittura.Malevič dichiarò il quadrato un'opera del Suprematismo, un movimento da lui proclamato ma il quale è associato quasi esclusivamente con il lavoro di Malevič e del suo apprendista Lissitzky oggi.  Il movimento ebbe una manciata di sostenitori tra l'avanguardia russa, ma venne sovrastato dal fratello costruttivismo il cui manifesto si armonizzava meglio con le concezioni ideologiche del governo rivoluzionario comunista, durante i primi giorni dell'Unione Sovietica. Il Suprematismo potrebbe essere compreso come una fase di transizione nell'evoluzione dell'arte russa, coprendo il buco evoluzionistico fra il futurismo e il costruttivismo.Il balzo in avanti più largo e universale rappresentato dal dipinto, tuttavia, è la frattura fra il dipinto rappresentativo e quello astratto — una transizione complicata con la quale il Quadrato Nero venne identificato e per il quale è divenuto una delle chiavi di abbreviazioni, riferimenti o simboli.

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Quadrato_nero

Prompt: Concentrati su Quadrato_nero ed esplora la Percezione.

L'opera viene frequentemente evocata da critici, storici, curatori e artisti come il “punto zero della pittura", facendo riferimento al valore storico del dipinto come una parafrasi di alcuni commenti che Malevič fece riguardo al Quadrato nero in lettere ai suoi colleghi e fornitori.Malevič fece qualche osservazione riguardo al suo dipinto:“È da zero, nello zero, che il reale movimento dell'essere comincia.”"Ho trasformato me stesso nello zero della forma e sono emerso dal nulla alla creazione, cioè, per il Suprematismo, al nuovo realismo nella pittura - alla creazione non-oggettiva.""[Il Quadrato Nero vuole evocare] l'esperienza della pura non-oggetività nel bianco vuoto di un nulla libero."Peter Schjeldahl scrisse:

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Quadrato_nero

Prompt: Esplora la Percezione di questa opera d'arte, Quadrato_nero.

L'opera viene frequentemente evocata da critici, storici, curatori e artisti come il “punto zero della pittura", facendo riferimento al valore storico del dipinto come una parafrasi di alcuni commenti che Malevič fece riguardo al Quadrato nero in lettere ai suoi colleghi e fornitori.Malevič fece qualche osservazione riguardo al suo dipinto:“È da zero, nello zero, che il reale movimento dell'essere comincia.”"Ho trasformato me stesso nello zero della forma e sono emerso dal nulla alla creazione, cioè, per il Suprematismo, al nuovo realismo nella pittura - alla creazione non-oggettiva.""[Il Quadrato Nero vuole evocare] l'esperienza della pura non-oggetività nel bianco vuoto di un nulla libero."Peter Schjeldahl scrisse:

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

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Quadrato_nero

Prompt: Come chiarisce Quadrato_nero la sua Percezione?

L'opera viene frequentemente evocata da critici, storici, curatori e artisti come il “punto zero della pittura", facendo riferimento al valore storico del dipinto come una parafrasi di alcuni commenti che Malevič fece riguardo al Quadrato nero in lettere ai suoi colleghi e fornitori.Malevič fece qualche osservazione riguardo al suo dipinto:“È da zero, nello zero, che il reale movimento dell'essere comincia.”"Ho trasformato me stesso nello zero della forma e sono emerso dal nulla alla creazione, cioè, per il Suprematismo, al nuovo realismo nella pittura - alla creazione non-oggettiva.""[Il Quadrato Nero vuole evocare] l'esperienza della pura non-oggetività nel bianco vuoto di un nulla libero."Peter Schjeldahl scrisse:

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Quadrato_nero

Prompt: Come viene discussa la Percezione in Quadrato_nero?

L'opera viene frequentemente evocata da critici, storici, curatori e artisti come il “punto zero della pittura", facendo riferimento al valore storico del dipinto come una parafrasi di alcuni commenti che Malevič fece riguardo al Quadrato nero in lettere ai suoi colleghi e fornitori.Malevič fece qualche osservazione riguardo al suo dipinto:“È da zero, nello zero, che il reale movimento dell'essere comincia.”"Ho trasformato me stesso nello zero della forma e sono emerso dal nulla alla creazione, cioè, per il Suprematismo, al nuovo realismo nella pittura - alla creazione non-oggettiva.""[Il Quadrato Nero vuole evocare] l'esperienza della pura non-oggetività nel bianco vuoto di un nulla libero."Peter Schjeldahl scrisse:

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Quadrato_nero

Prompt: Concentrati su Quadrato_nero ed esplora la Conservazione.

La negligenza e il disprezzo da parte del governo sovietico, con il quale fu mantenuto per decenni l'originale Quadrato Nero, portò al considerevole degrado del dipinto.Peter Schjeldahl scrive:

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

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Quadrato_nero

Prompt: Esplora la Conservazione di questa opera d'arte, Quadrato_nero.

La negligenza e il disprezzo da parte del governo sovietico, con il quale fu mantenuto per decenni l'originale Quadrato Nero, portò al considerevole degrado del dipinto.Peter Schjeldahl scrive:

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''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Quadrato_nero

Prompt: Come chiarisce Quadrato_nero la sua Conservazione?

La negligenza e il disprezzo da parte del governo sovietico, con il quale fu mantenuto per decenni l'originale Quadrato Nero, portò al considerevole degrado del dipinto.Peter Schjeldahl scrive:

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Quadrato_nero

Prompt: Come viene discussa la Conservazione in Quadrato_nero?

La negligenza e il disprezzo da parte del governo sovietico, con il quale fu mantenuto per decenni l'originale Quadrato Nero, portò al considerevole degrado del dipinto.Peter Schjeldahl scrive:

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Ritratto_di_Ginevra_de'_Benci

Prompt: Concentrati su Ritratto_di_Ginevra_de'_Benci ed esplora la abstract.

Il Ritratto di Ginevra de' Benci è un dipinto a tempera e olio su tavola (38,8x36,7 cm) di Leonardo da Vinci, databile al 1474 circa e conservato nella National Gallery of Art di Washington.

Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Washington

File:Hands Leonardo (Windsor Castle).jpg


Ritratto_di_Ginevra_de'_Benci

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Ritratto_di_Ginevra_de'_Benci.

Il Ritratto di Ginevra de' Benci è un dipinto a tempera e olio su tavola (38,8x36,7 cm) di Leonardo da Vinci, databile al 1474 circa e conservato nella National Gallery of Art di Washington.

Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Washington

File:Hands Leonardo (Windsor Castle).jpg


Ritratto_di_Ginevra_de'_Benci

Prompt: Come chiarisce Ritratto_di_Ginevra_de'_Benci la sua abstract?

Il Ritratto di Ginevra de' Benci è un dipinto a tempera e olio su tavola (38,8x36,7 cm) di Leonardo da Vinci, databile al 1474 circa e conservato nella National Gallery of Art di Washington.

Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Washington

File:Hands Leonardo (Windsor Castle).jpg


Ritratto_di_Ginevra_de'_Benci

Prompt: Come viene discussa la abstract in Ritratto_di_Ginevra_de'_Benci?

Il Ritratto di Ginevra de' Benci è un dipinto a tempera e olio su tavola (38,8x36,7 cm) di Leonardo da Vinci, databile al 1474 circa e conservato nella National Gallery of Art di Washington.

Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Washington

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Ritratto_di_Ginevra_de'_Benci

Prompt: Concentrati su Ritratto_di_Ginevra_de'_Benci ed esplora la Storia.

Ginevra Benci  era la figlia di Amerigo Benci, ricco banchiere amico del padre di Leonardo, ser Piero da Vinci. Andò in sposa nel 1474 a Luigi di Bernardo di Lapo Nicolini. La sua famiglia fu a lungo legata all'attività di Leonardo a Firenze: in casa Benci fu conservata l'Adorazione dei Magi, lasciata incompiuta, dopo la partenza del pittore per Milano. Tommaso de' Benci, poeta discepolo di Marsilio Ficino, fu amico di Leonardo.Ginevra, che è ricordata anche da Lorenzo il Magnifico come una delle donne più colte della società fiorentina dell'epoca, è stata identificata come la donna del ritratto grazie alla presenza, sullo sfondo, di fronde verdi di ginepro, che alludono al suo nome per paronomasia. L'opera venne vista da Vasari che nelle Vite scrisse: "[Leonardo] ritrasse la Ginevra d'Amerigo Benci cosa bellissima" (1568). Il retro richiama l'emblema di Bernardo Bembo, con cui Ginevra ebbe uno scambio epistolare. Ciò ha anche fatto ipotizzare che il committente del ritratto fosse l'ambasciatore veneto a Firenze.L'opera, già nel Palazzo de' Benci, entrò prima del 1733 nelle collezioni dei Principi del Liechtenstein a Vienna, poi trasferite a Vaduz, come testimoniato da un sigillo in cera rossa sul retro con le armi del Liechtenstein e la data. Il 10 febbraio 1967 la galleria statunitense acquistò il quadro dal principe Francesco Giuseppe II del Liechtenstein per una somma di oltre cinque milioni di dollari, un vero record per quei tempi.

Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Washington

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Ritratto_di_Ginevra_de'_Benci

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Ritratto_di_Ginevra_de'_Benci.

Ginevra Benci  era la figlia di Amerigo Benci, ricco banchiere amico del padre di Leonardo, ser Piero da Vinci. Andò in sposa nel 1474 a Luigi di Bernardo di Lapo Nicolini. La sua famiglia fu a lungo legata all'attività di Leonardo a Firenze: in casa Benci fu conservata l'Adorazione dei Magi, lasciata incompiuta, dopo la partenza del pittore per Milano. Tommaso de' Benci, poeta discepolo di Marsilio Ficino, fu amico di Leonardo.Ginevra, che è ricordata anche da Lorenzo il Magnifico come una delle donne più colte della società fiorentina dell'epoca, è stata identificata come la donna del ritratto grazie alla presenza, sullo sfondo, di fronde verdi di ginepro, che alludono al suo nome per paronomasia. L'opera venne vista da Vasari che nelle Vite scrisse: "[Leonardo] ritrasse la Ginevra d'Amerigo Benci cosa bellissima" (1568). Il retro richiama l'emblema di Bernardo Bembo, con cui Ginevra ebbe uno scambio epistolare. Ciò ha anche fatto ipotizzare che il committente del ritratto fosse l'ambasciatore veneto a Firenze.L'opera, già nel Palazzo de' Benci, entrò prima del 1733 nelle collezioni dei Principi del Liechtenstein a Vienna, poi trasferite a Vaduz, come testimoniato da un sigillo in cera rossa sul retro con le armi del Liechtenstein e la data. Il 10 febbraio 1967 la galleria statunitense acquistò il quadro dal principe Francesco Giuseppe II del Liechtenstein per una somma di oltre cinque milioni di dollari, un vero record per quei tempi.

Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori

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Ritratto_di_Ginevra_de'_Benci

Prompt: Come chiarisce Ritratto_di_Ginevra_de'_Benci la sua Storia?

Ginevra Benci  era la figlia di Amerigo Benci, ricco banchiere amico del padre di Leonardo, ser Piero da Vinci. Andò in sposa nel 1474 a Luigi di Bernardo di Lapo Nicolini. La sua famiglia fu a lungo legata all'attività di Leonardo a Firenze: in casa Benci fu conservata l'Adorazione dei Magi, lasciata incompiuta, dopo la partenza del pittore per Milano. Tommaso de' Benci, poeta discepolo di Marsilio Ficino, fu amico di Leonardo.Ginevra, che è ricordata anche da Lorenzo il Magnifico come una delle donne più colte della società fiorentina dell'epoca, è stata identificata come la donna del ritratto grazie alla presenza, sullo sfondo, di fronde verdi di ginepro, che alludono al suo nome per paronomasia. L'opera venne vista da Vasari che nelle Vite scrisse: "[Leonardo] ritrasse la Ginevra d'Amerigo Benci cosa bellissima" (1568). Il retro richiama l'emblema di Bernardo Bembo, con cui Ginevra ebbe uno scambio epistolare. Ciò ha anche fatto ipotizzare che il committente del ritratto fosse l'ambasciatore veneto a Firenze.L'opera, già nel Palazzo de' Benci, entrò prima del 1733 nelle collezioni dei Principi del Liechtenstein a Vienna, poi trasferite a Vaduz, come testimoniato da un sigillo in cera rossa sul retro con le armi del Liechtenstein e la data. Il 10 febbraio 1967 la galleria statunitense acquistò il quadro dal principe Francesco Giuseppe II del Liechtenstein per una somma di oltre cinque milioni di dollari, un vero record per quei tempi.

Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori

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Ritratto_di_Ginevra_de'_Benci

Prompt: Come viene discussa la Storia in Ritratto_di_Ginevra_de'_Benci?

Ginevra Benci  era la figlia di Amerigo Benci, ricco banchiere amico del padre di Leonardo, ser Piero da Vinci. Andò in sposa nel 1474 a Luigi di Bernardo di Lapo Nicolini. La sua famiglia fu a lungo legata all'attività di Leonardo a Firenze: in casa Benci fu conservata l'Adorazione dei Magi, lasciata incompiuta, dopo la partenza del pittore per Milano. Tommaso de' Benci, poeta discepolo di Marsilio Ficino, fu amico di Leonardo.Ginevra, che è ricordata anche da Lorenzo il Magnifico come una delle donne più colte della società fiorentina dell'epoca, è stata identificata come la donna del ritratto grazie alla presenza, sullo sfondo, di fronde verdi di ginepro, che alludono al suo nome per paronomasia. L'opera venne vista da Vasari che nelle Vite scrisse: "[Leonardo] ritrasse la Ginevra d'Amerigo Benci cosa bellissima" (1568). Il retro richiama l'emblema di Bernardo Bembo, con cui Ginevra ebbe uno scambio epistolare. Ciò ha anche fatto ipotizzare che il committente del ritratto fosse l'ambasciatore veneto a Firenze.L'opera, già nel Palazzo de' Benci, entrò prima del 1733 nelle collezioni dei Principi del Liechtenstein a Vienna, poi trasferite a Vaduz, come testimoniato da un sigillo in cera rossa sul retro con le armi del Liechtenstein e la data. Il 10 febbraio 1967 la galleria statunitense acquistò il quadro dal principe Francesco Giuseppe II del Liechtenstein per una somma di oltre cinque milioni di dollari, un vero record per quei tempi.

Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori

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Ritratto_di_Ginevra_de'_Benci

Prompt: Concentrati su Ritratto_di_Ginevra_de'_Benci ed esplora la Descrizione e stile.

La donna è raffigurata a mezzo busto di tre quarti, girata verso destra. È risaputo che il dipinto venne decurtato, in epoca imprecisata, di almeno un terzo nella parte inferiore, tagliando via le mani che probabilmente erano danneggiate. Originariamente le proporzioni del ritratto non dovevano essere molto dissimili da quelle della Gioconda.Le mani dovevano essere in una posizione emblematica, come nei più famosi ritratti di Leonardo e, secondo alcune testimonianze dell'epoca, dovevano assomigliare nella posa a quelle della Dama del mazzolino di Verrocchio. Ne esiste uno studio nella Royal Library del Castello di Windsor. Ginevra indossa una veste con scollatura chiusa da lacci e una camicia bianca e sottilissima; dal collo pende una sciarpa nera che incornicia il petto e le spalle. L'acconciatura è tipica dell'ultimo quarto del Quattrocento a Firenze, con i capelli raccolti sulla nuca lasciando liberi alcuni ricci a incorniciare la fronte. Si tratta della stessa acconciatura usata ad esempio da Giovanna Tornabuoni, tanto che il Vasari scambiò le due fanciulle negli affreschi del Ghirlandaio nella cappella maggiore di Santa Maria Novella. Inconsueta è la mancanza di accessori e gioielli che testimoniassero la ricchezza della famiglia: fu forse la stessa donna a richiedere di essere ritratta così, rompendo con la tradizione dei ritratti dell'alta borghesia.Evidente è il confronto dell'artista con la pittura fiamminga, che tentò di emulare nelle delicate luminescenze dei capelli e nel colorismo analitico. L'ombra del ginepro esalta infatti il chiarore espressivo del volto della donna, le cui delicate sfumature vennero ottenute anche col caratteristico tocco diretto dei polpastrelli. Il colore dell'acconciatura si evolve in quello della veste e dello sfondo paesaggistico, secondo un continuum cromatico che testimonia la capacità vinciana nell'uso del timbro bruno-castano in varie tonalità.In lontananza si apre un paesaggio con tutti gli elementi cari al pittore: specchi d'acqua, campanili e torri appuntite, montagne. Il tutto è trattato con toni azzurrini secondo le regole della prospettiva aerea. L'ambientazione all'aperto è molto insolita, soprattutto per un ritratto femminile.

Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Washington

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Ritratto_di_Ginevra_de'_Benci

Prompt: Esplora la Descrizione e stile di questa opera d'arte, Ritratto_di_Ginevra_de'_Benci.

La donna è raffigurata a mezzo busto di tre quarti, girata verso destra. È risaputo che il dipinto venne decurtato, in epoca imprecisata, di almeno un terzo nella parte inferiore, tagliando via le mani che probabilmente erano danneggiate. Originariamente le proporzioni del ritratto non dovevano essere molto dissimili da quelle della Gioconda.Le mani dovevano essere in una posizione emblematica, come nei più famosi ritratti di Leonardo e, secondo alcune testimonianze dell'epoca, dovevano assomigliare nella posa a quelle della Dama del mazzolino di Verrocchio. Ne esiste uno studio nella Royal Library del Castello di Windsor. Ginevra indossa una veste con scollatura chiusa da lacci e una camicia bianca e sottilissima; dal collo pende una sciarpa nera che incornicia il petto e le spalle. L'acconciatura è tipica dell'ultimo quarto del Quattrocento a Firenze, con i capelli raccolti sulla nuca lasciando liberi alcuni ricci a incorniciare la fronte. Si tratta della stessa acconciatura usata ad esempio da Giovanna Tornabuoni, tanto che il Vasari scambiò le due fanciulle negli affreschi del Ghirlandaio nella cappella maggiore di Santa Maria Novella. Inconsueta è la mancanza di accessori e gioielli che testimoniassero la ricchezza della famiglia: fu forse la stessa donna a richiedere di essere ritratta così, rompendo con la tradizione dei ritratti dell'alta borghesia.Evidente è il confronto dell'artista con la pittura fiamminga, che tentò di emulare nelle delicate luminescenze dei capelli e nel colorismo analitico. L'ombra del ginepro esalta infatti il chiarore espressivo del volto della donna, le cui delicate sfumature vennero ottenute anche col caratteristico tocco diretto dei polpastrelli. Il colore dell'acconciatura si evolve in quello della veste e dello sfondo paesaggistico, secondo un continuum cromatico che testimonia la capacità vinciana nell'uso del timbro bruno-castano in varie tonalità.In lontananza si apre un paesaggio con tutti gli elementi cari al pittore: specchi d'acqua, campanili e torri appuntite, montagne. Il tutto è trattato con toni azzurrini secondo le regole della prospettiva aerea. L'ambientazione all'aperto è molto insolita, soprattutto per un ritratto femminile.

Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori

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Ritratto_di_Ginevra_de'_Benci

Prompt: Come chiarisce Ritratto_di_Ginevra_de'_Benci la sua Descrizione e stile?

La donna è raffigurata a mezzo busto di tre quarti, girata verso destra. È risaputo che il dipinto venne decurtato, in epoca imprecisata, di almeno un terzo nella parte inferiore, tagliando via le mani che probabilmente erano danneggiate. Originariamente le proporzioni del ritratto non dovevano essere molto dissimili da quelle della Gioconda.Le mani dovevano essere in una posizione emblematica, come nei più famosi ritratti di Leonardo e, secondo alcune testimonianze dell'epoca, dovevano assomigliare nella posa a quelle della Dama del mazzolino di Verrocchio. Ne esiste uno studio nella Royal Library del Castello di Windsor. Ginevra indossa una veste con scollatura chiusa da lacci e una camicia bianca e sottilissima; dal collo pende una sciarpa nera che incornicia il petto e le spalle. L'acconciatura è tipica dell'ultimo quarto del Quattrocento a Firenze, con i capelli raccolti sulla nuca lasciando liberi alcuni ricci a incorniciare la fronte. Si tratta della stessa acconciatura usata ad esempio da Giovanna Tornabuoni, tanto che il Vasari scambiò le due fanciulle negli affreschi del Ghirlandaio nella cappella maggiore di Santa Maria Novella. Inconsueta è la mancanza di accessori e gioielli che testimoniassero la ricchezza della famiglia: fu forse la stessa donna a richiedere di essere ritratta così, rompendo con la tradizione dei ritratti dell'alta borghesia.Evidente è il confronto dell'artista con la pittura fiamminga, che tentò di emulare nelle delicate luminescenze dei capelli e nel colorismo analitico. L'ombra del ginepro esalta infatti il chiarore espressivo del volto della donna, le cui delicate sfumature vennero ottenute anche col caratteristico tocco diretto dei polpastrelli. Il colore dell'acconciatura si evolve in quello della veste e dello sfondo paesaggistico, secondo un continuum cromatico che testimonia la capacità vinciana nell'uso del timbro bruno-castano in varie tonalità.In lontananza si apre un paesaggio con tutti gli elementi cari al pittore: specchi d'acqua, campanili e torri appuntite, montagne. Il tutto è trattato con toni azzurrini secondo le regole della prospettiva aerea. L'ambientazione all'aperto è molto insolita, soprattutto per un ritratto femminile.

Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori

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Ritratto_di_Ginevra_de'_Benci

Prompt: Come viene discussa la Descrizione e stile in Ritratto_di_Ginevra_de'_Benci?

La donna è raffigurata a mezzo busto di tre quarti, girata verso destra. È risaputo che il dipinto venne decurtato, in epoca imprecisata, di almeno un terzo nella parte inferiore, tagliando via le mani che probabilmente erano danneggiate. Originariamente le proporzioni del ritratto non dovevano essere molto dissimili da quelle della Gioconda.Le mani dovevano essere in una posizione emblematica, come nei più famosi ritratti di Leonardo e, secondo alcune testimonianze dell'epoca, dovevano assomigliare nella posa a quelle della Dama del mazzolino di Verrocchio. Ne esiste uno studio nella Royal Library del Castello di Windsor. Ginevra indossa una veste con scollatura chiusa da lacci e una camicia bianca e sottilissima; dal collo pende una sciarpa nera che incornicia il petto e le spalle. L'acconciatura è tipica dell'ultimo quarto del Quattrocento a Firenze, con i capelli raccolti sulla nuca lasciando liberi alcuni ricci a incorniciare la fronte. Si tratta della stessa acconciatura usata ad esempio da Giovanna Tornabuoni, tanto che il Vasari scambiò le due fanciulle negli affreschi del Ghirlandaio nella cappella maggiore di Santa Maria Novella. Inconsueta è la mancanza di accessori e gioielli che testimoniassero la ricchezza della famiglia: fu forse la stessa donna a richiedere di essere ritratta così, rompendo con la tradizione dei ritratti dell'alta borghesia.Evidente è il confronto dell'artista con la pittura fiamminga, che tentò di emulare nelle delicate luminescenze dei capelli e nel colorismo analitico. L'ombra del ginepro esalta infatti il chiarore espressivo del volto della donna, le cui delicate sfumature vennero ottenute anche col caratteristico tocco diretto dei polpastrelli. Il colore dell'acconciatura si evolve in quello della veste e dello sfondo paesaggistico, secondo un continuum cromatico che testimonia la capacità vinciana nell'uso del timbro bruno-castano in varie tonalità.In lontananza si apre un paesaggio con tutti gli elementi cari al pittore: specchi d'acqua, campanili e torri appuntite, montagne. Il tutto è trattato con toni azzurrini secondo le regole della prospettiva aerea. L'ambientazione all'aperto è molto insolita, soprattutto per un ritratto femminile.

Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori

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