Zelfportret

Prompt: Verklaar de Ontwikkeling/barok van dit kunstwerk, Zelfportret.

Later, als de reputatie van kunstenaars groter is dan die van andere handwerkmannen, wordt de eerste functie van het zelfportret, die van statussymbool, belangrijker. Schilders gaan zelfportretten maken om deze te verspreiden onder hun bewonderaars, zodat zij herkend worden en hun reputatie alleen maar beter wordt.Met de waardering voor de kunst wordt de kunstenaar ook autonomer, waardoor er een nieuwe, derde, mogelijkheid voor het maken van een zelfportret ontstaat. Schilders, zeker de meer gefortuneerden, gaan portretten van zichzelf maken als psychologische studies van zichzelf. Ze bestuderen hun karaktertrekken en projecteren hun zelfbeeld op de figuur. Hierdoor krijgt het zelfportret een, vaak voor die tijd ongewoon, expressieve lading mee. Rembrandt van Rijn was een meester in het maken van zelfportretten en heeft er gedurende zijn leven tegen de honderd geproduceerd, meestal als afzonderlijk kunstwerk, soms als figurant in bijvoorbeeld een kruisiging. Ook in de Nachtwacht figureert een figuur die als de schilder te identificeren is.Na de barok neemt de interesse in het zelfportret, door toedoen van de veranderende smaak, enigszins af. Kunstenaars wijden zich nu vaker aan klassieke taferelen of landschappen. Slechts enkelen, niet geïnteresseerd in de heersende normen, blijven zelfportretten maken.Zie ook het Zelfportret van Peter Paul Rubens in het Rubenshuis te Antwerpen.

Een vroeg bewaard gebleven zelfportret van Albrecht Dürer. Hij schilderde het omstreeks 1500.

Bestand:Peter Paul Rubens - Self-portrait - RH.S.180 - Rubenshuis (after restoration).jpg


Zelfportret

Prompt: Hoe verklaart Zelfportret zijn Ontwikkeling/barok?

Later, als de reputatie van kunstenaars groter is dan die van andere handwerkmannen, wordt de eerste functie van het zelfportret, die van statussymbool, belangrijker. Schilders gaan zelfportretten maken om deze te verspreiden onder hun bewonderaars, zodat zij herkend worden en hun reputatie alleen maar beter wordt.Met de waardering voor de kunst wordt de kunstenaar ook autonomer, waardoor er een nieuwe, derde, mogelijkheid voor het maken van een zelfportret ontstaat. Schilders, zeker de meer gefortuneerden, gaan portretten van zichzelf maken als psychologische studies van zichzelf. Ze bestuderen hun karaktertrekken en projecteren hun zelfbeeld op de figuur. Hierdoor krijgt het zelfportret een, vaak voor die tijd ongewoon, expressieve lading mee. Rembrandt van Rijn was een meester in het maken van zelfportretten en heeft er gedurende zijn leven tegen de honderd geproduceerd, meestal als afzonderlijk kunstwerk, soms als figurant in bijvoorbeeld een kruisiging. Ook in de Nachtwacht figureert een figuur die als de schilder te identificeren is.Na de barok neemt de interesse in het zelfportret, door toedoen van de veranderende smaak, enigszins af. Kunstenaars wijden zich nu vaker aan klassieke taferelen of landschappen. Slechts enkelen, niet geïnteresseerd in de heersende normen, blijven zelfportretten maken.Zie ook het Zelfportret van Peter Paul Rubens in het Rubenshuis te Antwerpen.

Een vroeg bewaard gebleven zelfportret van Albrecht Dürer. Hij schilderde het omstreeks 1500.

Bestand:Peter Paul Rubens - Self-portrait - RH.S.180 - Rubenshuis (after restoration).jpg


Zelfportret

Prompt: Hoe wordt de Ontwikkeling/barok besproken in Zelfportret?

Later, als de reputatie van kunstenaars groter is dan die van andere handwerkmannen, wordt de eerste functie van het zelfportret, die van statussymbool, belangrijker. Schilders gaan zelfportretten maken om deze te verspreiden onder hun bewonderaars, zodat zij herkend worden en hun reputatie alleen maar beter wordt.Met de waardering voor de kunst wordt de kunstenaar ook autonomer, waardoor er een nieuwe, derde, mogelijkheid voor het maken van een zelfportret ontstaat. Schilders, zeker de meer gefortuneerden, gaan portretten van zichzelf maken als psychologische studies van zichzelf. Ze bestuderen hun karaktertrekken en projecteren hun zelfbeeld op de figuur. Hierdoor krijgt het zelfportret een, vaak voor die tijd ongewoon, expressieve lading mee. Rembrandt van Rijn was een meester in het maken van zelfportretten en heeft er gedurende zijn leven tegen de honderd geproduceerd, meestal als afzonderlijk kunstwerk, soms als figurant in bijvoorbeeld een kruisiging. Ook in de Nachtwacht figureert een figuur die als de schilder te identificeren is.Na de barok neemt de interesse in het zelfportret, door toedoen van de veranderende smaak, enigszins af. Kunstenaars wijden zich nu vaker aan klassieke taferelen of landschappen. Slechts enkelen, niet geïnteresseerd in de heersende normen, blijven zelfportretten maken.Zie ook het Zelfportret van Peter Paul Rubens in het Rubenshuis te Antwerpen.

Een vroeg bewaard gebleven zelfportret van Albrecht Dürer. Hij schilderde het omstreeks 1500.

Bestand:Peter Paul Rubens - Self-portrait - RH.S.180 - Rubenshuis (after restoration).jpg


Zelfportret

Prompt: Focus op Zelfportret en leg de Verdere uitwerking/impressionisme en verder uit.

Met de opkomst van de tegendraadsere, persoonlijkere kunst van de impressionisten komt bij de kunstenaars weer meer de drang op de eigen persoon af te beelden. Deze kunstenaars werden lange tijd verguisd, waardoor ze mogelijk in hun kunst bij zichzelf te rade gingen. Door de vrijere toepassing van de verf worden de portretten expressiever van aard, waardoor de derde functie, het afbeelden van de kunstenaar als uiting van zijn geestestoestand, meer voor gaat komen.Een kunstenaar die in dit verband genoemd moet worden is Vincent van Gogh, een postimpressionistisch schilder die zijn turbulente carrière en levensloop verbeeldt in zijn zelfportretten. Het ongewoon grote aandeel zelfportretten in zijn totale oeuvre biedt ons een goede kijk op zijn zelfbeeld en karakter. Van Gogh schreef dat hij zich niet zozeer om de gelijkenis, als wel om de artistieke waarde en de emotionele lading bekommerde. Het kleurgebruik geeft vaak weer wat hij denkt en naarmate zijn instorting naderbij komt, verstart zijn blik steeds meer.Andere postimpressionisten, zoals Paul Gauguin en Emile Bernard ruilden zelfportretten met Van Gogh om hun waardering te tonen en als afbeelding van mensen die zij bewonderden in een tijd dat fotografie nog iets zeldzaams was.Met de toenemende waardering voor Van Gogh en een groeiend aantal kunstenaars dat in zijn geest of onder zijn invloed verder werkte, werd het zelfportret steeds meer een aparte discipline. Egon Schiele, een Oostenrijks kunstenaar die onder invloed van Sigmund Freud en Van Gogh sterk autobiografische, psychoanalytische werken van zichzelf maakte, is hier een goed voorbeeld van. Ook Frida Kahlo en Pablo Picasso zijn voorbeelden van kunstenaars die met een instelling die niet fundamenteel verschilt van die van Van Gogh veel zelfportretten gemaakt hebben.

Een vroeg bewaard gebleven zelfportret van Albrecht Dürer. Hij schilderde het omstreeks 1500.

Bestand:Peter Paul Rubens - Self-portrait - RH.S.180 - Rubenshuis (after restoration).jpg


Zelfportret

Prompt: Verklaar de Verdere uitwerking/impressionisme en verder van dit kunstwerk, Zelfportret.

Met de opkomst van de tegendraadsere, persoonlijkere kunst van de impressionisten komt bij de kunstenaars weer meer de drang op de eigen persoon af te beelden. Deze kunstenaars werden lange tijd verguisd, waardoor ze mogelijk in hun kunst bij zichzelf te rade gingen. Door de vrijere toepassing van de verf worden de portretten expressiever van aard, waardoor de derde functie, het afbeelden van de kunstenaar als uiting van zijn geestestoestand, meer voor gaat komen.Een kunstenaar die in dit verband genoemd moet worden is Vincent van Gogh, een postimpressionistisch schilder die zijn turbulente carrière en levensloop verbeeldt in zijn zelfportretten. Het ongewoon grote aandeel zelfportretten in zijn totale oeuvre biedt ons een goede kijk op zijn zelfbeeld en karakter. Van Gogh schreef dat hij zich niet zozeer om de gelijkenis, als wel om de artistieke waarde en de emotionele lading bekommerde. Het kleurgebruik geeft vaak weer wat hij denkt en naarmate zijn instorting naderbij komt, verstart zijn blik steeds meer.Andere postimpressionisten, zoals Paul Gauguin en Emile Bernard ruilden zelfportretten met Van Gogh om hun waardering te tonen en als afbeelding van mensen die zij bewonderden in een tijd dat fotografie nog iets zeldzaams was.Met de toenemende waardering voor Van Gogh en een groeiend aantal kunstenaars dat in zijn geest of onder zijn invloed verder werkte, werd het zelfportret steeds meer een aparte discipline. Egon Schiele, een Oostenrijks kunstenaar die onder invloed van Sigmund Freud en Van Gogh sterk autobiografische, psychoanalytische werken van zichzelf maakte, is hier een goed voorbeeld van. Ook Frida Kahlo en Pablo Picasso zijn voorbeelden van kunstenaars die met een instelling die niet fundamenteel verschilt van die van Van Gogh veel zelfportretten gemaakt hebben.

Een vroeg bewaard gebleven zelfportret van Albrecht Dürer. Hij schilderde het omstreeks 1500.

Bestand:Peter Paul Rubens - Self-portrait - RH.S.180 - Rubenshuis (after restoration).jpg


Zelfportret

Prompt: Hoe verklaart Zelfportret zijn Verdere uitwerking/impressionisme en verder?

Met de opkomst van de tegendraadsere, persoonlijkere kunst van de impressionisten komt bij de kunstenaars weer meer de drang op de eigen persoon af te beelden. Deze kunstenaars werden lange tijd verguisd, waardoor ze mogelijk in hun kunst bij zichzelf te rade gingen. Door de vrijere toepassing van de verf worden de portretten expressiever van aard, waardoor de derde functie, het afbeelden van de kunstenaar als uiting van zijn geestestoestand, meer voor gaat komen.Een kunstenaar die in dit verband genoemd moet worden is Vincent van Gogh, een postimpressionistisch schilder die zijn turbulente carrière en levensloop verbeeldt in zijn zelfportretten. Het ongewoon grote aandeel zelfportretten in zijn totale oeuvre biedt ons een goede kijk op zijn zelfbeeld en karakter. Van Gogh schreef dat hij zich niet zozeer om de gelijkenis, als wel om de artistieke waarde en de emotionele lading bekommerde. Het kleurgebruik geeft vaak weer wat hij denkt en naarmate zijn instorting naderbij komt, verstart zijn blik steeds meer.Andere postimpressionisten, zoals Paul Gauguin en Emile Bernard ruilden zelfportretten met Van Gogh om hun waardering te tonen en als afbeelding van mensen die zij bewonderden in een tijd dat fotografie nog iets zeldzaams was.Met de toenemende waardering voor Van Gogh en een groeiend aantal kunstenaars dat in zijn geest of onder zijn invloed verder werkte, werd het zelfportret steeds meer een aparte discipline. Egon Schiele, een Oostenrijks kunstenaar die onder invloed van Sigmund Freud en Van Gogh sterk autobiografische, psychoanalytische werken van zichzelf maakte, is hier een goed voorbeeld van. Ook Frida Kahlo en Pablo Picasso zijn voorbeelden van kunstenaars die met een instelling die niet fundamenteel verschilt van die van Van Gogh veel zelfportretten gemaakt hebben.

Een vroeg bewaard gebleven zelfportret van Albrecht Dürer. Hij schilderde het omstreeks 1500.

Bestand:Peter Paul Rubens - Self-portrait - RH.S.180 - Rubenshuis (after restoration).jpg


Zelfportret

Prompt: Hoe wordt de Verdere uitwerking/impressionisme en verder besproken in Zelfportret?

Met de opkomst van de tegendraadsere, persoonlijkere kunst van de impressionisten komt bij de kunstenaars weer meer de drang op de eigen persoon af te beelden. Deze kunstenaars werden lange tijd verguisd, waardoor ze mogelijk in hun kunst bij zichzelf te rade gingen. Door de vrijere toepassing van de verf worden de portretten expressiever van aard, waardoor de derde functie, het afbeelden van de kunstenaar als uiting van zijn geestestoestand, meer voor gaat komen.Een kunstenaar die in dit verband genoemd moet worden is Vincent van Gogh, een postimpressionistisch schilder die zijn turbulente carrière en levensloop verbeeldt in zijn zelfportretten. Het ongewoon grote aandeel zelfportretten in zijn totale oeuvre biedt ons een goede kijk op zijn zelfbeeld en karakter. Van Gogh schreef dat hij zich niet zozeer om de gelijkenis, als wel om de artistieke waarde en de emotionele lading bekommerde. Het kleurgebruik geeft vaak weer wat hij denkt en naarmate zijn instorting naderbij komt, verstart zijn blik steeds meer.Andere postimpressionisten, zoals Paul Gauguin en Emile Bernard ruilden zelfportretten met Van Gogh om hun waardering te tonen en als afbeelding van mensen die zij bewonderden in een tijd dat fotografie nog iets zeldzaams was.Met de toenemende waardering voor Van Gogh en een groeiend aantal kunstenaars dat in zijn geest of onder zijn invloed verder werkte, werd het zelfportret steeds meer een aparte discipline. Egon Schiele, een Oostenrijks kunstenaar die onder invloed van Sigmund Freud en Van Gogh sterk autobiografische, psychoanalytische werken van zichzelf maakte, is hier een goed voorbeeld van. Ook Frida Kahlo en Pablo Picasso zijn voorbeelden van kunstenaars die met een instelling die niet fundamenteel verschilt van die van Van Gogh veel zelfportretten gemaakt hebben.

Een vroeg bewaard gebleven zelfportret van Albrecht Dürer. Hij schilderde het omstreeks 1500.

Bestand:Peter Paul Rubens - Self-portrait - RH.S.180 - Rubenshuis (after restoration).jpg


Zelfportret

Prompt: Focus op Zelfportret en leg de Hedendaagse kunst uit.

Met de veelheid aan expedia in de hedendaagse kunst worden behalve tekeningen, prenten en schilderijen ook veel videofilms als zelfportret gemaakt. Dit is een ontwikkeling die ongeveer gelijk met de opkomst van de videokunst begon en die de populariteit van het thema laat zien. Beoefenaars hiervan zijn bijvoorbeeld Bruce Nauman en Gilbert & George.

Een vroeg bewaard gebleven zelfportret van Albrecht Dürer. Hij schilderde het omstreeks 1500.

Bestand:Peter Paul Rubens - Self-portrait - RH.S.180 - Rubenshuis (after restoration).jpg


Zelfportret

Prompt: Verklaar de Hedendaagse kunst van dit kunstwerk, Zelfportret.

Met de veelheid aan expedia in de hedendaagse kunst worden behalve tekeningen, prenten en schilderijen ook veel videofilms als zelfportret gemaakt. Dit is een ontwikkeling die ongeveer gelijk met de opkomst van de videokunst begon en die de populariteit van het thema laat zien. Beoefenaars hiervan zijn bijvoorbeeld Bruce Nauman en Gilbert & George.

Een vroeg bewaard gebleven zelfportret van Albrecht Dürer. Hij schilderde het omstreeks 1500.

Bestand:Peter Paul Rubens - Self-portrait - RH.S.180 - Rubenshuis (after restoration).jpg


Zelfportret

Prompt: Hoe verklaart Zelfportret zijn Hedendaagse kunst?

Met de veelheid aan expedia in de hedendaagse kunst worden behalve tekeningen, prenten en schilderijen ook veel videofilms als zelfportret gemaakt. Dit is een ontwikkeling die ongeveer gelijk met de opkomst van de videokunst begon en die de populariteit van het thema laat zien. Beoefenaars hiervan zijn bijvoorbeeld Bruce Nauman en Gilbert & George.

Een vroeg bewaard gebleven zelfportret van Albrecht Dürer. Hij schilderde het omstreeks 1500.

Bestand:Peter Paul Rubens - Self-portrait - RH.S.180 - Rubenshuis (after restoration).jpg


Zelfportret

Prompt: Hoe wordt de Hedendaagse kunst besproken in Zelfportret?

Met de veelheid aan expedia in de hedendaagse kunst worden behalve tekeningen, prenten en schilderijen ook veel videofilms als zelfportret gemaakt. Dit is een ontwikkeling die ongeveer gelijk met de opkomst van de videokunst begon en die de populariteit van het thema laat zien. Beoefenaars hiervan zijn bijvoorbeeld Bruce Nauman en Gilbert & George.

Een vroeg bewaard gebleven zelfportret van Albrecht Dürer. Hij schilderde het omstreeks 1500.

Bestand:Peter Paul Rubens - Self-portrait - RH.S.180 - Rubenshuis (after restoration).jpg


Zelfportret

Prompt: Focus op Zelfportret en leg de Lijst van kunstenaars met een interesse in het zelfportret uit.

Hieronder een korte lijst van enkele kunstenaars met een duidelijk uit het werk zichtbare interesse in het zelfportret. Veruit de meerderheid maakte vooral zelfportretten als psychologisch werk, maar vooral de vroegere kunstenaars figureerden regelmatig in hun werk. De meeste kunstenaars in deze lijst zijn moderne kunstenaars, wat iets zegt over de geschiktheid voor het thema van het zelfportret in combinatie met de idealen van de moderne kunst.MichelangeloCaravaggioRembrandt van Rijn (zie Zelfportretten van Rembrandt)Jan SteenDiego VelázquezVincent van GoghEgon SchieleErnst Ludwig KirchnerErich HeckelMax BeckmannPablo PicassoFrida KahloFrancis BaconLucian FreudArnulf RainerGilbert & GeorgePhilip AkkermanCindy ShermanCharley Toorop

Een vroeg bewaard gebleven zelfportret van Albrecht Dürer. Hij schilderde het omstreeks 1500.

Bestand:Peter Paul Rubens - Self-portrait - RH.S.180 - Rubenshuis (after restoration).jpg


Zelfportret

Prompt: Verklaar de Lijst van kunstenaars met een interesse in het zelfportret van dit kunstwerk, Zelfportret.

Hieronder een korte lijst van enkele kunstenaars met een duidelijk uit het werk zichtbare interesse in het zelfportret. Veruit de meerderheid maakte vooral zelfportretten als psychologisch werk, maar vooral de vroegere kunstenaars figureerden regelmatig in hun werk. De meeste kunstenaars in deze lijst zijn moderne kunstenaars, wat iets zegt over de geschiktheid voor het thema van het zelfportret in combinatie met de idealen van de moderne kunst.MichelangeloCaravaggioRembrandt van Rijn (zie Zelfportretten van Rembrandt)Jan SteenDiego VelázquezVincent van GoghEgon SchieleErnst Ludwig KirchnerErich HeckelMax BeckmannPablo PicassoFrida KahloFrancis BaconLucian FreudArnulf RainerGilbert & GeorgePhilip AkkermanCindy ShermanCharley Toorop

Een vroeg bewaard gebleven zelfportret van Albrecht Dürer. Hij schilderde het omstreeks 1500.

Bestand:Peter Paul Rubens - Self-portrait - RH.S.180 - Rubenshuis (after restoration).jpg


Zelfportret

Prompt: Hoe verklaart Zelfportret zijn Lijst van kunstenaars met een interesse in het zelfportret?

Hieronder een korte lijst van enkele kunstenaars met een duidelijk uit het werk zichtbare interesse in het zelfportret. Veruit de meerderheid maakte vooral zelfportretten als psychologisch werk, maar vooral de vroegere kunstenaars figureerden regelmatig in hun werk. De meeste kunstenaars in deze lijst zijn moderne kunstenaars, wat iets zegt over de geschiktheid voor het thema van het zelfportret in combinatie met de idealen van de moderne kunst.MichelangeloCaravaggioRembrandt van Rijn (zie Zelfportretten van Rembrandt)Jan SteenDiego VelázquezVincent van GoghEgon SchieleErnst Ludwig KirchnerErich HeckelMax BeckmannPablo PicassoFrida KahloFrancis BaconLucian FreudArnulf RainerGilbert & GeorgePhilip AkkermanCindy ShermanCharley Toorop

Een vroeg bewaard gebleven zelfportret van Albrecht Dürer. Hij schilderde het omstreeks 1500.

Bestand:Peter Paul Rubens - Self-portrait - RH.S.180 - Rubenshuis (after restoration).jpg


Zelfportret

Prompt: Hoe wordt de Lijst van kunstenaars met een interesse in het zelfportret besproken in Zelfportret?

Hieronder een korte lijst van enkele kunstenaars met een duidelijk uit het werk zichtbare interesse in het zelfportret. Veruit de meerderheid maakte vooral zelfportretten als psychologisch werk, maar vooral de vroegere kunstenaars figureerden regelmatig in hun werk. De meeste kunstenaars in deze lijst zijn moderne kunstenaars, wat iets zegt over de geschiktheid voor het thema van het zelfportret in combinatie met de idealen van de moderne kunst.MichelangeloCaravaggioRembrandt van Rijn (zie Zelfportretten van Rembrandt)Jan SteenDiego VelázquezVincent van GoghEgon SchieleErnst Ludwig KirchnerErich HeckelMax BeckmannPablo PicassoFrida KahloFrancis BaconLucian FreudArnulf RainerGilbert & GeorgePhilip AkkermanCindy ShermanCharley Toorop

Een vroeg bewaard gebleven zelfportret van Albrecht Dürer. Hij schilderde het omstreeks 1500.

Bestand:Peter Paul Rubens - Self-portrait - RH.S.180 - Rubenshuis (after restoration).jpg


Noli_me_tangere

Prompt: Focus op Noli_me_tangere en leg de abstract uit.

Noli me tangere is een Latijnse zin die "raak me niet aan" of "houd me niet vast" betekent. Het is de Latijnse vertaling van de woorden die volgens Johannes 20:17 door Jezus gesproken worden tegen Maria Magdalena, wanneer ze Hem herkent na zijn verrijzenis. De originele zin werd geschreven in Koinè-Grieks en luidt: Μή μου ἅπτου, mê mou haptou.De scène die Maria Magdalena afbeeldt wanneer ze Jezus herkent, kent een uitgebreide iconografische traditie in de christelijke kunst van de late oudheid tot op heden.

Categorie:Uitdrukking ontleend aan het Nieuwe Testament


Noli_me_tangere

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Noli_me_tangere.

Noli me tangere is een Latijnse zin die "raak me niet aan" of "houd me niet vast" betekent. Het is de Latijnse vertaling van de woorden die volgens Johannes 20:17 door Jezus gesproken worden tegen Maria Magdalena, wanneer ze Hem herkent na zijn verrijzenis. De originele zin werd geschreven in Koinè-Grieks en luidt: Μή μου ἅπτου, mê mou haptou.De scène die Maria Magdalena afbeeldt wanneer ze Jezus herkent, kent een uitgebreide iconografische traditie in de christelijke kunst van de late oudheid tot op heden.

Categorie:Uitdrukking ontleend aan het Nieuwe Testament


Noli_me_tangere

Prompt: Hoe verklaart Noli_me_tangere zijn abstract?

Noli me tangere is een Latijnse zin die "raak me niet aan" of "houd me niet vast" betekent. Het is de Latijnse vertaling van de woorden die volgens Johannes 20:17 door Jezus gesproken worden tegen Maria Magdalena, wanneer ze Hem herkent na zijn verrijzenis. De originele zin werd geschreven in Koinè-Grieks en luidt: Μή μου ἅπτου, mê mou haptou.De scène die Maria Magdalena afbeeldt wanneer ze Jezus herkent, kent een uitgebreide iconografische traditie in de christelijke kunst van de late oudheid tot op heden.

Categorie:Uitdrukking ontleend aan het Nieuwe Testament


Noli_me_tangere

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Noli_me_tangere?

Noli me tangere is een Latijnse zin die "raak me niet aan" of "houd me niet vast" betekent. Het is de Latijnse vertaling van de woorden die volgens Johannes 20:17 door Jezus gesproken worden tegen Maria Magdalena, wanneer ze Hem herkent na zijn verrijzenis. De originele zin werd geschreven in Koinè-Grieks en luidt: Μή μου ἅπτου, mê mou haptou.De scène die Maria Magdalena afbeeldt wanneer ze Jezus herkent, kent een uitgebreide iconografische traditie in de christelijke kunst van de late oudheid tot op heden.

Categorie:Uitdrukking ontleend aan het Nieuwe Testament


Noli_me_tangere

Prompt: Focus op Noli_me_tangere en leg de De Bijbeltekst uit.

De tekst uit Johannes 20 gaat als volgt : 11 Maria stond buiten bij het graf te wenen. En al wenende boog zij zich naar het graf toe 12 en zag op de plaats waar Jezus' lichaam gelegen had, twee in het wit geklede engelen zitten, een aan het hoofdeinde en een aan het voeteinde. 13 Zij spraken haar aan: 'Vrouw, waarom ween je?'Zij antwoordde: 'Zij hebben mijn Heer weggenomen en ik weet niet waar zij Hem hebben neergelegd.' 14 Toen zij dit gezegd had, keerde zij zich om en zag Jezus staan, maar zonder te weten dat het Jezus was. 15 Jezus zei tot haar: Vrouw, waarom ween je? Wie zoek je?' In de mening dat het de tuinman was, vroeg zij: 'Heer, mocht gij Hem hebben weggebracht, zeg mij dan waar je Hem hebt neergelegd, zodat ik Hem kan weghalen.' 16 Daarop zei Jezus tot haar: 'Maria!' Zij keerde zich om en zei tot Hem in het Hebreeuws 'Rabboeni!' - wat leraar betekent. 17 Toen sprak Jezus: 'Houd me niet vast, want Ik ben nog niet opgestegen naar mijn Vader, maar ga naar mijn broeders en zeg hun: Ik stijg op naar mijn Vader, naar mijn God en uw God.'Het evangelie zegt het niet, maar tussen vers 16 en 17 moet Maria Magdalena het gebaar hebben gemaakt om hem te omhelzen. Dit is de scène die schilders ons tweeduizend jaar lang hebben overgeleverd met de naam "Noli me tangere", waar Jezus, glorieus en verrezen, vaak wordt afgebeeld in een paars gewaad, als symbool van vergoten bloed en glorie (paars is de kleur van de keizers). Maria Magdalena wordt traditioneel afgebeeld met lang haar, omdat zij werd gelijkgesteld met de vrouw in Lucas 7:36-50 die met haar haren de voeten van Jezus droogde. In de achtergrond vinden we vaak het (rotsgraf) terug, al dan niet met de beide engelen. Dit is een van de meest vertegenwoordigde iconen van de cyclus van de Opstanding, samen met die van het "ongeloof van Thomas" en het "Emmaüsmaal".

Categorie:Uitdrukking ontleend aan het Nieuwe Testament


Noli_me_tangere

Prompt: Verklaar de De Bijbeltekst van dit kunstwerk, Noli_me_tangere.

De tekst uit Johannes 20 gaat als volgt : 11 Maria stond buiten bij het graf te wenen. En al wenende boog zij zich naar het graf toe 12 en zag op de plaats waar Jezus' lichaam gelegen had, twee in het wit geklede engelen zitten, een aan het hoofdeinde en een aan het voeteinde. 13 Zij spraken haar aan: 'Vrouw, waarom ween je?'Zij antwoordde: 'Zij hebben mijn Heer weggenomen en ik weet niet waar zij Hem hebben neergelegd.' 14 Toen zij dit gezegd had, keerde zij zich om en zag Jezus staan, maar zonder te weten dat het Jezus was. 15 Jezus zei tot haar: Vrouw, waarom ween je? Wie zoek je?' In de mening dat het de tuinman was, vroeg zij: 'Heer, mocht gij Hem hebben weggebracht, zeg mij dan waar je Hem hebt neergelegd, zodat ik Hem kan weghalen.' 16 Daarop zei Jezus tot haar: 'Maria!' Zij keerde zich om en zei tot Hem in het Hebreeuws 'Rabboeni!' - wat leraar betekent. 17 Toen sprak Jezus: 'Houd me niet vast, want Ik ben nog niet opgestegen naar mijn Vader, maar ga naar mijn broeders en zeg hun: Ik stijg op naar mijn Vader, naar mijn God en uw God.'Het evangelie zegt het niet, maar tussen vers 16 en 17 moet Maria Magdalena het gebaar hebben gemaakt om hem te omhelzen. Dit is de scène die schilders ons tweeduizend jaar lang hebben overgeleverd met de naam "Noli me tangere", waar Jezus, glorieus en verrezen, vaak wordt afgebeeld in een paars gewaad, als symbool van vergoten bloed en glorie (paars is de kleur van de keizers). Maria Magdalena wordt traditioneel afgebeeld met lang haar, omdat zij werd gelijkgesteld met de vrouw in Lucas 7:36-50 die met haar haren de voeten van Jezus droogde. In de achtergrond vinden we vaak het (rotsgraf) terug, al dan niet met de beide engelen. Dit is een van de meest vertegenwoordigde iconen van de cyclus van de Opstanding, samen met die van het "ongeloof van Thomas" en het "Emmaüsmaal".

Categorie:Uitdrukking ontleend aan het Nieuwe Testament


Noli_me_tangere

Prompt: Hoe verklaart Noli_me_tangere zijn De Bijbeltekst?

De tekst uit Johannes 20 gaat als volgt : 11 Maria stond buiten bij het graf te wenen. En al wenende boog zij zich naar het graf toe 12 en zag op de plaats waar Jezus' lichaam gelegen had, twee in het wit geklede engelen zitten, een aan het hoofdeinde en een aan het voeteinde. 13 Zij spraken haar aan: 'Vrouw, waarom ween je?'Zij antwoordde: 'Zij hebben mijn Heer weggenomen en ik weet niet waar zij Hem hebben neergelegd.' 14 Toen zij dit gezegd had, keerde zij zich om en zag Jezus staan, maar zonder te weten dat het Jezus was. 15 Jezus zei tot haar: Vrouw, waarom ween je? Wie zoek je?' In de mening dat het de tuinman was, vroeg zij: 'Heer, mocht gij Hem hebben weggebracht, zeg mij dan waar je Hem hebt neergelegd, zodat ik Hem kan weghalen.' 16 Daarop zei Jezus tot haar: 'Maria!' Zij keerde zich om en zei tot Hem in het Hebreeuws 'Rabboeni!' - wat leraar betekent. 17 Toen sprak Jezus: 'Houd me niet vast, want Ik ben nog niet opgestegen naar mijn Vader, maar ga naar mijn broeders en zeg hun: Ik stijg op naar mijn Vader, naar mijn God en uw God.'Het evangelie zegt het niet, maar tussen vers 16 en 17 moet Maria Magdalena het gebaar hebben gemaakt om hem te omhelzen. Dit is de scène die schilders ons tweeduizend jaar lang hebben overgeleverd met de naam "Noli me tangere", waar Jezus, glorieus en verrezen, vaak wordt afgebeeld in een paars gewaad, als symbool van vergoten bloed en glorie (paars is de kleur van de keizers). Maria Magdalena wordt traditioneel afgebeeld met lang haar, omdat zij werd gelijkgesteld met de vrouw in Lucas 7:36-50 die met haar haren de voeten van Jezus droogde. In de achtergrond vinden we vaak het (rotsgraf) terug, al dan niet met de beide engelen. Dit is een van de meest vertegenwoordigde iconen van de cyclus van de Opstanding, samen met die van het "ongeloof van Thomas" en het "Emmaüsmaal".

Categorie:Uitdrukking ontleend aan het Nieuwe Testament


Noli_me_tangere

Prompt: Hoe wordt de De Bijbeltekst besproken in Noli_me_tangere?

De tekst uit Johannes 20 gaat als volgt : 11 Maria stond buiten bij het graf te wenen. En al wenende boog zij zich naar het graf toe 12 en zag op de plaats waar Jezus' lichaam gelegen had, twee in het wit geklede engelen zitten, een aan het hoofdeinde en een aan het voeteinde. 13 Zij spraken haar aan: 'Vrouw, waarom ween je?'Zij antwoordde: 'Zij hebben mijn Heer weggenomen en ik weet niet waar zij Hem hebben neergelegd.' 14 Toen zij dit gezegd had, keerde zij zich om en zag Jezus staan, maar zonder te weten dat het Jezus was. 15 Jezus zei tot haar: Vrouw, waarom ween je? Wie zoek je?' In de mening dat het de tuinman was, vroeg zij: 'Heer, mocht gij Hem hebben weggebracht, zeg mij dan waar je Hem hebt neergelegd, zodat ik Hem kan weghalen.' 16 Daarop zei Jezus tot haar: 'Maria!' Zij keerde zich om en zei tot Hem in het Hebreeuws 'Rabboeni!' - wat leraar betekent. 17 Toen sprak Jezus: 'Houd me niet vast, want Ik ben nog niet opgestegen naar mijn Vader, maar ga naar mijn broeders en zeg hun: Ik stijg op naar mijn Vader, naar mijn God en uw God.'Het evangelie zegt het niet, maar tussen vers 16 en 17 moet Maria Magdalena het gebaar hebben gemaakt om hem te omhelzen. Dit is de scène die schilders ons tweeduizend jaar lang hebben overgeleverd met de naam "Noli me tangere", waar Jezus, glorieus en verrezen, vaak wordt afgebeeld in een paars gewaad, als symbool van vergoten bloed en glorie (paars is de kleur van de keizers). Maria Magdalena wordt traditioneel afgebeeld met lang haar, omdat zij werd gelijkgesteld met de vrouw in Lucas 7:36-50 die met haar haren de voeten van Jezus droogde. In de achtergrond vinden we vaak het (rotsgraf) terug, al dan niet met de beide engelen. Dit is een van de meest vertegenwoordigde iconen van de cyclus van de Opstanding, samen met die van het "ongeloof van Thomas" en het "Emmaüsmaal".

Categorie:Uitdrukking ontleend aan het Nieuwe Testament


Noli_me_tangere

Prompt: Focus op Noli_me_tangere en leg de Mogelijke Interpretatie uit.

Volgens Maurice Zundel, geeft Jezus hiermee aan dat - zodra de opstanding is voltooid - de band tussen de mens en zijn persoon niet langer fysiek moet zijn, maar een band van hart tot hart moet zijn. "Hij moet deze kloof tot stand brengen, zij moet begrijpen dat de enige mogelijke weg door het geloof is, dat handen de persoon niet kunnen bereiken en dat het van binnenuit is, van binnenuit alleen, dat men Hem kan benaderen.

Categorie:Uitdrukking ontleend aan het Nieuwe Testament


Noli_me_tangere

Prompt: Verklaar de Mogelijke Interpretatie van dit kunstwerk, Noli_me_tangere.

Volgens Maurice Zundel, geeft Jezus hiermee aan dat - zodra de opstanding is voltooid - de band tussen de mens en zijn persoon niet langer fysiek moet zijn, maar een band van hart tot hart moet zijn. "Hij moet deze kloof tot stand brengen, zij moet begrijpen dat de enige mogelijke weg door het geloof is, dat handen de persoon niet kunnen bereiken en dat het van binnenuit is, van binnenuit alleen, dat men Hem kan benaderen.

Categorie:Uitdrukking ontleend aan het Nieuwe Testament


Noli_me_tangere

Prompt: Hoe verklaart Noli_me_tangere zijn Mogelijke Interpretatie?

Volgens Maurice Zundel, geeft Jezus hiermee aan dat - zodra de opstanding is voltooid - de band tussen de mens en zijn persoon niet langer fysiek moet zijn, maar een band van hart tot hart moet zijn. "Hij moet deze kloof tot stand brengen, zij moet begrijpen dat de enige mogelijke weg door het geloof is, dat handen de persoon niet kunnen bereiken en dat het van binnenuit is, van binnenuit alleen, dat men Hem kan benaderen.

Categorie:Uitdrukking ontleend aan het Nieuwe Testament


Noli_me_tangere

Prompt: Hoe wordt de Mogelijke Interpretatie besproken in Noli_me_tangere?

Volgens Maurice Zundel, geeft Jezus hiermee aan dat - zodra de opstanding is voltooid - de band tussen de mens en zijn persoon niet langer fysiek moet zijn, maar een band van hart tot hart moet zijn. "Hij moet deze kloof tot stand brengen, zij moet begrijpen dat de enige mogelijke weg door het geloof is, dat handen de persoon niet kunnen bereiken en dat het van binnenuit is, van binnenuit alleen, dat men Hem kan benaderen.

Categorie:Uitdrukking ontleend aan het Nieuwe Testament


Noli_me_tangere

Prompt: Focus op Noli_me_tangere en leg de Beeldende kunsten uit.

Noli me tangere, miniatuur uit het Evangeliarium van Otto III, Reichenau (c. 1000)Noli me tangere, Giotto di Bondone in de Scrovegnikapel te Padua (1303)Noli me tangere, Duccio di Buoninsegna, tempera op panelen, 51 x 57 cm , Museo dell'Opera del Duomo, Siena.(c. 1310)Noli me tangere, Fra Angelico (1441), San Marco klooster in FlorenceNoli me tangere, Fra Bartolommeo (c.1506)Noli me tangere, Titiaan (c.1514), olieverf op doek, 110,5 cm × 91,9 cm, National Gallery (Londen)Noli me tangere, Hans Holbein de Jonge (1524)Noli me tangere, Antonio da Correggio (c.1525)Noli me tangere, Battista Franco (1537), Casa BuonarrotiNoli me tangere, Nicolas Poussin (c. 1657), olieverf op paneel, 47 x 39 cm, Museo Nacional del Prado, zaal 003Verschijning van Jezus aan Maria Magdalena na de verrijzenis, Aleksandr Ivanov, 1835Noli me tangere, Maurice Denis, 1895, olieverf op karton, project voor een glasraam, Musée départemental Maurice Denis, Saint-Germain-en-Laye

Categorie:Uitdrukking ontleend aan het Nieuwe Testament


Noli_me_tangere

Prompt: Verklaar de Beeldende kunsten van dit kunstwerk, Noli_me_tangere.

Noli me tangere, miniatuur uit het Evangeliarium van Otto III, Reichenau (c. 1000)Noli me tangere, Giotto di Bondone in de Scrovegnikapel te Padua (1303)Noli me tangere, Duccio di Buoninsegna, tempera op panelen, 51 x 57 cm , Museo dell'Opera del Duomo, Siena.(c. 1310)Noli me tangere, Fra Angelico (1441), San Marco klooster in FlorenceNoli me tangere, Fra Bartolommeo (c.1506)Noli me tangere, Titiaan (c.1514), olieverf op doek, 110,5 cm × 91,9 cm, National Gallery (Londen)Noli me tangere, Hans Holbein de Jonge (1524)Noli me tangere, Antonio da Correggio (c.1525)Noli me tangere, Battista Franco (1537), Casa BuonarrotiNoli me tangere, Nicolas Poussin (c. 1657), olieverf op paneel, 47 x 39 cm, Museo Nacional del Prado, zaal 003Verschijning van Jezus aan Maria Magdalena na de verrijzenis, Aleksandr Ivanov, 1835Noli me tangere, Maurice Denis, 1895, olieverf op karton, project voor een glasraam, Musée départemental Maurice Denis, Saint-Germain-en-Laye

Categorie:Uitdrukking ontleend aan het Nieuwe Testament


Noli_me_tangere

Prompt: Hoe verklaart Noli_me_tangere zijn Beeldende kunsten?

Noli me tangere, miniatuur uit het Evangeliarium van Otto III, Reichenau (c. 1000)Noli me tangere, Giotto di Bondone in de Scrovegnikapel te Padua (1303)Noli me tangere, Duccio di Buoninsegna, tempera op panelen, 51 x 57 cm , Museo dell'Opera del Duomo, Siena.(c. 1310)Noli me tangere, Fra Angelico (1441), San Marco klooster in FlorenceNoli me tangere, Fra Bartolommeo (c.1506)Noli me tangere, Titiaan (c.1514), olieverf op doek, 110,5 cm × 91,9 cm, National Gallery (Londen)Noli me tangere, Hans Holbein de Jonge (1524)Noli me tangere, Antonio da Correggio (c.1525)Noli me tangere, Battista Franco (1537), Casa BuonarrotiNoli me tangere, Nicolas Poussin (c. 1657), olieverf op paneel, 47 x 39 cm, Museo Nacional del Prado, zaal 003Verschijning van Jezus aan Maria Magdalena na de verrijzenis, Aleksandr Ivanov, 1835Noli me tangere, Maurice Denis, 1895, olieverf op karton, project voor een glasraam, Musée départemental Maurice Denis, Saint-Germain-en-Laye

Categorie:Uitdrukking ontleend aan het Nieuwe Testament


Noli_me_tangere

Prompt: Hoe wordt de Beeldende kunsten besproken in Noli_me_tangere?

Noli me tangere, miniatuur uit het Evangeliarium van Otto III, Reichenau (c. 1000)Noli me tangere, Giotto di Bondone in de Scrovegnikapel te Padua (1303)Noli me tangere, Duccio di Buoninsegna, tempera op panelen, 51 x 57 cm , Museo dell'Opera del Duomo, Siena.(c. 1310)Noli me tangere, Fra Angelico (1441), San Marco klooster in FlorenceNoli me tangere, Fra Bartolommeo (c.1506)Noli me tangere, Titiaan (c.1514), olieverf op doek, 110,5 cm × 91,9 cm, National Gallery (Londen)Noli me tangere, Hans Holbein de Jonge (1524)Noli me tangere, Antonio da Correggio (c.1525)Noli me tangere, Battista Franco (1537), Casa BuonarrotiNoli me tangere, Nicolas Poussin (c. 1657), olieverf op paneel, 47 x 39 cm, Museo Nacional del Prado, zaal 003Verschijning van Jezus aan Maria Magdalena na de verrijzenis, Aleksandr Ivanov, 1835Noli me tangere, Maurice Denis, 1895, olieverf op karton, project voor een glasraam, Musée départemental Maurice Denis, Saint-Germain-en-Laye

Categorie:Uitdrukking ontleend aan het Nieuwe Testament


Noli_me_tangere

Prompt: Focus op Noli_me_tangere en leg de Romans uit.

Noli me tangere, Filippijnse roman, José RizalNoli me tangere, Roman, Andrea Camilleri, Els van der Pluijm (vertaler),

Categorie:Uitdrukking ontleend aan het Nieuwe Testament


Noli_me_tangere

Prompt: Verklaar de Romans van dit kunstwerk, Noli_me_tangere.

Noli me tangere, Filippijnse roman, José RizalNoli me tangere, Roman, Andrea Camilleri, Els van der Pluijm (vertaler),

Categorie:Uitdrukking ontleend aan het Nieuwe Testament


Noli_me_tangere

Prompt: Hoe verklaart Noli_me_tangere zijn Romans?

Noli me tangere, Filippijnse roman, José RizalNoli me tangere, Roman, Andrea Camilleri, Els van der Pluijm (vertaler),

Categorie:Uitdrukking ontleend aan het Nieuwe Testament


Noli_me_tangere

Prompt: Hoe wordt de Romans besproken in Noli_me_tangere?

Noli me tangere, Filippijnse roman, José RizalNoli me tangere, Roman, Andrea Camilleri, Els van der Pluijm (vertaler),

Categorie:Uitdrukking ontleend aan het Nieuwe Testament


Portret_van_een_man

Prompt: Focus op Portret_van_een_man en leg de abstract uit.

Portret van een man kan verwijzen naar:Portret van een onbekende man, schilderij van Rogier van der WeydenPortret van een man (Hans Memling), schilderij van Hans MemlingMan met een Romeinse munt, schilderij van Hans MemlingPortret van een man met een rode muts, schilderij van Hans MemlingPortret van een man (El Greco), schilderij van El GrecoPortret van een man (Frans Hals), schilderij van Frans HalsPortret van een man (pastiche naar Frans Hals), 20e-eeuwse pastiche naar Frans HalsPortret van een man (Rembrandt), schilderij van RembrandtPortret van een man met handschoenen in de hand, schilderij van RembrandtPortret van een man (Justus van Attevelt), schilderij van Justus van AtteveltPortret van een man (Ferdinand Bol), schilderij van Ferdinand BolPortret van een man (Theo van Doesburg), schilderij van Theo van DoesburgPortret van een man (Lodewijk van Deyssel), tekening door Theo van Doesburg


Portret_van_een_man

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Portret_van_een_man.

Portret van een man kan verwijzen naar:Portret van een onbekende man, schilderij van Rogier van der WeydenPortret van een man (Hans Memling), schilderij van Hans MemlingMan met een Romeinse munt, schilderij van Hans MemlingPortret van een man met een rode muts, schilderij van Hans MemlingPortret van een man (El Greco), schilderij van El GrecoPortret van een man (Frans Hals), schilderij van Frans HalsPortret van een man (pastiche naar Frans Hals), 20e-eeuwse pastiche naar Frans HalsPortret van een man (Rembrandt), schilderij van RembrandtPortret van een man met handschoenen in de hand, schilderij van RembrandtPortret van een man (Justus van Attevelt), schilderij van Justus van AtteveltPortret van een man (Ferdinand Bol), schilderij van Ferdinand BolPortret van een man (Theo van Doesburg), schilderij van Theo van DoesburgPortret van een man (Lodewijk van Deyssel), tekening door Theo van Doesburg


Portret_van_een_man

Prompt: Hoe verklaart Portret_van_een_man zijn abstract?

Portret van een man kan verwijzen naar:Portret van een onbekende man, schilderij van Rogier van der WeydenPortret van een man (Hans Memling), schilderij van Hans MemlingMan met een Romeinse munt, schilderij van Hans MemlingPortret van een man met een rode muts, schilderij van Hans MemlingPortret van een man (El Greco), schilderij van El GrecoPortret van een man (Frans Hals), schilderij van Frans HalsPortret van een man (pastiche naar Frans Hals), 20e-eeuwse pastiche naar Frans HalsPortret van een man (Rembrandt), schilderij van RembrandtPortret van een man met handschoenen in de hand, schilderij van RembrandtPortret van een man (Justus van Attevelt), schilderij van Justus van AtteveltPortret van een man (Ferdinand Bol), schilderij van Ferdinand BolPortret van een man (Theo van Doesburg), schilderij van Theo van DoesburgPortret van een man (Lodewijk van Deyssel), tekening door Theo van Doesburg


Portret_van_een_man

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Portret_van_een_man?

Portret van een man kan verwijzen naar:Portret van een onbekende man, schilderij van Rogier van der WeydenPortret van een man (Hans Memling), schilderij van Hans MemlingMan met een Romeinse munt, schilderij van Hans MemlingPortret van een man met een rode muts, schilderij van Hans MemlingPortret van een man (El Greco), schilderij van El GrecoPortret van een man (Frans Hals), schilderij van Frans HalsPortret van een man (pastiche naar Frans Hals), 20e-eeuwse pastiche naar Frans HalsPortret van een man (Rembrandt), schilderij van RembrandtPortret van een man met handschoenen in de hand, schilderij van RembrandtPortret van een man (Justus van Attevelt), schilderij van Justus van AtteveltPortret van een man (Ferdinand Bol), schilderij van Ferdinand BolPortret van een man (Theo van Doesburg), schilderij van Theo van DoesburgPortret van een man (Lodewijk van Deyssel), tekening door Theo van Doesburg


Buste_van_Hercules

Prompt: Focus op Buste_van_Hercules en leg de abstract uit.

De Buste van Hercules is een terracottabeeld van een figuur in de Griekse mythologie, Herakles, ook wel bekend onder de Romeinse naam Hercules. De sculptuur werd gemaakt door beeldhouwer en architect Lucas Faydherbe. Dit barokke beeld werd vervaardigd tussen 1675 en 1685 en is tentoongesteld in het Rubenshuis te Antwerpen.


Buste_van_Hercules

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Buste_van_Hercules.

De Buste van Hercules is een terracottabeeld van een figuur in de Griekse mythologie, Herakles, ook wel bekend onder de Romeinse naam Hercules. De sculptuur werd gemaakt door beeldhouwer en architect Lucas Faydherbe. Dit barokke beeld werd vervaardigd tussen 1675 en 1685 en is tentoongesteld in het Rubenshuis te Antwerpen.


Buste_van_Hercules

Prompt: Hoe verklaart Buste_van_Hercules zijn abstract?

De Buste van Hercules is een terracottabeeld van een figuur in de Griekse mythologie, Herakles, ook wel bekend onder de Romeinse naam Hercules. De sculptuur werd gemaakt door beeldhouwer en architect Lucas Faydherbe. Dit barokke beeld werd vervaardigd tussen 1675 en 1685 en is tentoongesteld in het Rubenshuis te Antwerpen.


Buste_van_Hercules

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Buste_van_Hercules?

De Buste van Hercules is een terracottabeeld van een figuur in de Griekse mythologie, Herakles, ook wel bekend onder de Romeinse naam Hercules. De sculptuur werd gemaakt door beeldhouwer en architect Lucas Faydherbe. Dit barokke beeld werd vervaardigd tussen 1675 en 1685 en is tentoongesteld in het Rubenshuis te Antwerpen.


Buste_van_Hercules

Prompt: Focus op Buste_van_Hercules en leg de Iconografie uit.

Hercules, hier getooid met een leeuwenvacht, is een buste in een reeks van tien en prominent aanwezig in zijn werk met terracotta. Het doel, de datering en de situering van deze bustes zijn nog steeds een onderwerp van discussie. Hercules en zijn pendant Omphale hebben een gemeenschappelijke geschiedenis in de mythologie en zijn de figuren die het vaakst worden geportretteerd in de reeks bustes. De eerste kreeg van het orakel van Delphi te horen dat hij, om te genezen, een leven als slaaf moest beginnen. Die slavendienst verrichtte hij aan het hof van Omphale, de koningin van Lydië.


Buste_van_Hercules

Prompt: Verklaar de Iconografie van dit kunstwerk, Buste_van_Hercules.

Hercules, hier getooid met een leeuwenvacht, is een buste in een reeks van tien en prominent aanwezig in zijn werk met terracotta. Het doel, de datering en de situering van deze bustes zijn nog steeds een onderwerp van discussie. Hercules en zijn pendant Omphale hebben een gemeenschappelijke geschiedenis in de mythologie en zijn de figuren die het vaakst worden geportretteerd in de reeks bustes. De eerste kreeg van het orakel van Delphi te horen dat hij, om te genezen, een leven als slaaf moest beginnen. Die slavendienst verrichtte hij aan het hof van Omphale, de koningin van Lydië.


Buste_van_Hercules

Prompt: Hoe verklaart Buste_van_Hercules zijn Iconografie?

Hercules, hier getooid met een leeuwenvacht, is een buste in een reeks van tien en prominent aanwezig in zijn werk met terracotta. Het doel, de datering en de situering van deze bustes zijn nog steeds een onderwerp van discussie. Hercules en zijn pendant Omphale hebben een gemeenschappelijke geschiedenis in de mythologie en zijn de figuren die het vaakst worden geportretteerd in de reeks bustes. De eerste kreeg van het orakel van Delphi te horen dat hij, om te genezen, een leven als slaaf moest beginnen. Die slavendienst verrichtte hij aan het hof van Omphale, de koningin van Lydië.


Buste_van_Hercules

Prompt: Hoe wordt de Iconografie besproken in Buste_van_Hercules?

Hercules, hier getooid met een leeuwenvacht, is een buste in een reeks van tien en prominent aanwezig in zijn werk met terracotta. Het doel, de datering en de situering van deze bustes zijn nog steeds een onderwerp van discussie. Hercules en zijn pendant Omphale hebben een gemeenschappelijke geschiedenis in de mythologie en zijn de figuren die het vaakst worden geportretteerd in de reeks bustes. De eerste kreeg van het orakel van Delphi te horen dat hij, om te genezen, een leven als slaaf moest beginnen. Die slavendienst verrichtte hij aan het hof van Omphale, de koningin van Lydië.


Buste_van_Hercules

Prompt: Focus op Buste_van_Hercules en leg de Achtergrond uit.

Wat bekend is over deze terracottabeelden is afgeleid van één gesigneerd exemplaar, een buste van Omphale, met achteraan het opschrift FAYD. Dit beeld is samen met een buste van Hercules bewaard in het Museum Hof van Busleyden. De andere uit de reeks zijn terechtgekomen in musea in Londen, in een privéverzameling in Duffel en in Oxford. In 1998 werd er een in een kunsthandel te Firenze gezien. Alhoewel ze licht afwijkend zijn van elkaar (details, opsmuk en afmetingen) behoren ze allemaal tot het oeuvre van Faydherbe. De Omphale in Duffel wijkt meer af voor wat betreft het detail van het gelaat, decoratie en kleding en zou door een medewerker van Faydherbe zijn vervaardigd. Men kan aannemen dat het succes van deze beelden aanleiding gaf tot het vervaardigen van een aantal exemplaren met kleine afwijkingen.Hedendaagse kunstkenners zijn ervan overtuigd dat ze niet dienden als voorstudie voor marmeren beelden zoals recent nog gedacht. De beelden in het Mechels museum werden door Faydherbes monografische auteur Libertus op basis van de stijl gedateerd rond 1675-1680. Thermoluminescentiedatering uitgevoerd in Oxford op het beeld daar plaatst het werk in 1677. Britse kunstexperten dateren de Londense Hercules dan weer iets vroeger en dit op basis van stijlanalyse, meer bepaald de verfijndere detaillering. Om ze te plaatsen tussen 1675 en 1685 lijkt dus verantwoordbaar.


Buste_van_Hercules

Prompt: Verklaar de Achtergrond van dit kunstwerk, Buste_van_Hercules.

Wat bekend is over deze terracottabeelden is afgeleid van één gesigneerd exemplaar, een buste van Omphale, met achteraan het opschrift FAYD. Dit beeld is samen met een buste van Hercules bewaard in het Museum Hof van Busleyden. De andere uit de reeks zijn terechtgekomen in musea in Londen, in een privéverzameling in Duffel en in Oxford. In 1998 werd er een in een kunsthandel te Firenze gezien. Alhoewel ze licht afwijkend zijn van elkaar (details, opsmuk en afmetingen) behoren ze allemaal tot het oeuvre van Faydherbe. De Omphale in Duffel wijkt meer af voor wat betreft het detail van het gelaat, decoratie en kleding en zou door een medewerker van Faydherbe zijn vervaardigd. Men kan aannemen dat het succes van deze beelden aanleiding gaf tot het vervaardigen van een aantal exemplaren met kleine afwijkingen.Hedendaagse kunstkenners zijn ervan overtuigd dat ze niet dienden als voorstudie voor marmeren beelden zoals recent nog gedacht. De beelden in het Mechels museum werden door Faydherbes monografische auteur Libertus op basis van de stijl gedateerd rond 1675-1680. Thermoluminescentiedatering uitgevoerd in Oxford op het beeld daar plaatst het werk in 1677. Britse kunstexperten dateren de Londense Hercules dan weer iets vroeger en dit op basis van stijlanalyse, meer bepaald de verfijndere detaillering. Om ze te plaatsen tussen 1675 en 1685 lijkt dus verantwoordbaar.


Buste_van_Hercules

Prompt: Hoe verklaart Buste_van_Hercules zijn Achtergrond?

Wat bekend is over deze terracottabeelden is afgeleid van één gesigneerd exemplaar, een buste van Omphale, met achteraan het opschrift FAYD. Dit beeld is samen met een buste van Hercules bewaard in het Museum Hof van Busleyden. De andere uit de reeks zijn terechtgekomen in musea in Londen, in een privéverzameling in Duffel en in Oxford. In 1998 werd er een in een kunsthandel te Firenze gezien. Alhoewel ze licht afwijkend zijn van elkaar (details, opsmuk en afmetingen) behoren ze allemaal tot het oeuvre van Faydherbe. De Omphale in Duffel wijkt meer af voor wat betreft het detail van het gelaat, decoratie en kleding en zou door een medewerker van Faydherbe zijn vervaardigd. Men kan aannemen dat het succes van deze beelden aanleiding gaf tot het vervaardigen van een aantal exemplaren met kleine afwijkingen.Hedendaagse kunstkenners zijn ervan overtuigd dat ze niet dienden als voorstudie voor marmeren beelden zoals recent nog gedacht. De beelden in het Mechels museum werden door Faydherbes monografische auteur Libertus op basis van de stijl gedateerd rond 1675-1680. Thermoluminescentiedatering uitgevoerd in Oxford op het beeld daar plaatst het werk in 1677. Britse kunstexperten dateren de Londense Hercules dan weer iets vroeger en dit op basis van stijlanalyse, meer bepaald de verfijndere detaillering. Om ze te plaatsen tussen 1675 en 1685 lijkt dus verantwoordbaar.


Buste_van_Hercules

Prompt: Hoe wordt de Achtergrond besproken in Buste_van_Hercules?

Wat bekend is over deze terracottabeelden is afgeleid van één gesigneerd exemplaar, een buste van Omphale, met achteraan het opschrift FAYD. Dit beeld is samen met een buste van Hercules bewaard in het Museum Hof van Busleyden. De andere uit de reeks zijn terechtgekomen in musea in Londen, in een privéverzameling in Duffel en in Oxford. In 1998 werd er een in een kunsthandel te Firenze gezien. Alhoewel ze licht afwijkend zijn van elkaar (details, opsmuk en afmetingen) behoren ze allemaal tot het oeuvre van Faydherbe. De Omphale in Duffel wijkt meer af voor wat betreft het detail van het gelaat, decoratie en kleding en zou door een medewerker van Faydherbe zijn vervaardigd. Men kan aannemen dat het succes van deze beelden aanleiding gaf tot het vervaardigen van een aantal exemplaren met kleine afwijkingen.Hedendaagse kunstkenners zijn ervan overtuigd dat ze niet dienden als voorstudie voor marmeren beelden zoals recent nog gedacht. De beelden in het Mechels museum werden door Faydherbes monografische auteur Libertus op basis van de stijl gedateerd rond 1675-1680. Thermoluminescentiedatering uitgevoerd in Oxford op het beeld daar plaatst het werk in 1677. Britse kunstexperten dateren de Londense Hercules dan weer iets vroeger en dit op basis van stijlanalyse, meer bepaald de verfijndere detaillering. Om ze te plaatsen tussen 1675 en 1685 lijkt dus verantwoordbaar.


Buste_van_Hercules

Prompt: Focus op Buste_van_Hercules en leg de Geschiedenis uit.

Het werk kwam in 1935 terecht in de privéverzameling van Charles Van Herck (inventarisnummer: CVH 12B). In 1997 werd het werk als onderdeel van een groter lot van 122 terracottabeelden door het Erfgoedfonds van de Koning Boudewijnstichting aangekocht. In 2000 werd het werk in bruikleen toevertrouwd aan het Rubenshuis waar het een publieke functie kreeg en tentoongesteld wordt.


Buste_van_Hercules

Prompt: Verklaar de Geschiedenis van dit kunstwerk, Buste_van_Hercules.

Het werk kwam in 1935 terecht in de privéverzameling van Charles Van Herck (inventarisnummer: CVH 12B). In 1997 werd het werk als onderdeel van een groter lot van 122 terracottabeelden door het Erfgoedfonds van de Koning Boudewijnstichting aangekocht. In 2000 werd het werk in bruikleen toevertrouwd aan het Rubenshuis waar het een publieke functie kreeg en tentoongesteld wordt.


Buste_van_Hercules

Prompt: Hoe verklaart Buste_van_Hercules zijn Geschiedenis?

Het werk kwam in 1935 terecht in de privéverzameling van Charles Van Herck (inventarisnummer: CVH 12B). In 1997 werd het werk als onderdeel van een groter lot van 122 terracottabeelden door het Erfgoedfonds van de Koning Boudewijnstichting aangekocht. In 2000 werd het werk in bruikleen toevertrouwd aan het Rubenshuis waar het een publieke functie kreeg en tentoongesteld wordt.


Buste_van_Hercules

Prompt: Hoe wordt de Geschiedenis besproken in Buste_van_Hercules?

Het werk kwam in 1935 terecht in de privéverzameling van Charles Van Herck (inventarisnummer: CVH 12B). In 1997 werd het werk als onderdeel van een groter lot van 122 terracottabeelden door het Erfgoedfonds van de Koning Boudewijnstichting aangekocht. In 2000 werd het werk in bruikleen toevertrouwd aan het Rubenshuis waar het een publieke functie kreeg en tentoongesteld wordt.


Sulamith_und_Maria

Prompt: Focus op Sulamith_und_Maria en leg de abstract uit.

Sulamith und Maria is een paneel van de Duitse kunstschilder Franz Pforr, gemaakt in 1810-1811, klein formaat, 34 × 32 centimeter groot. Sulamith wordt afgebeeld tegen de achtergrond van een Italiaans landschap, Maria bevindt zich in een oud-Duitse kamer. Pforr maakte het werk als vriendschapsportret voor zijn vriend Friedrich Overbeck, die met Italia und Germania een pendant schilderde. Sulamith und Maria bevindt zich in het Museum Georg Schäfer te Schweinfurt. Italia und Germania in de Neue Pinakothek te München.

''Allegorie der Freundschaft'', 1808, studie van Pforr met dezelfde thematiek.


Sulamith_und_Maria

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Sulamith_und_Maria.

Sulamith und Maria is een paneel van de Duitse kunstschilder Franz Pforr, gemaakt in 1810-1811, klein formaat, 34 × 32 centimeter groot. Sulamith wordt afgebeeld tegen de achtergrond van een Italiaans landschap, Maria bevindt zich in een oud-Duitse kamer. Pforr maakte het werk als vriendschapsportret voor zijn vriend Friedrich Overbeck, die met Italia und Germania een pendant schilderde. Sulamith und Maria bevindt zich in het Museum Georg Schäfer te Schweinfurt. Italia und Germania in de Neue Pinakothek te München.

''Allegorie der Freundschaft'', 1808, studie van Pforr met dezelfde thematiek.


Sulamith_und_Maria

Prompt: Hoe verklaart Sulamith_und_Maria zijn abstract?

Sulamith und Maria is een paneel van de Duitse kunstschilder Franz Pforr, gemaakt in 1810-1811, klein formaat, 34 × 32 centimeter groot. Sulamith wordt afgebeeld tegen de achtergrond van een Italiaans landschap, Maria bevindt zich in een oud-Duitse kamer. Pforr maakte het werk als vriendschapsportret voor zijn vriend Friedrich Overbeck, die met Italia und Germania een pendant schilderde. Sulamith und Maria bevindt zich in het Museum Georg Schäfer te Schweinfurt. Italia und Germania in de Neue Pinakothek te München.

''Allegorie der Freundschaft'', 1808, studie van Pforr met dezelfde thematiek.


Sulamith_und_Maria

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Sulamith_und_Maria?

Sulamith und Maria is een paneel van de Duitse kunstschilder Franz Pforr, gemaakt in 1810-1811, klein formaat, 34 × 32 centimeter groot. Sulamith wordt afgebeeld tegen de achtergrond van een Italiaans landschap, Maria bevindt zich in een oud-Duitse kamer. Pforr maakte het werk als vriendschapsportret voor zijn vriend Friedrich Overbeck, die met Italia und Germania een pendant schilderde. Sulamith und Maria bevindt zich in het Museum Georg Schäfer te Schweinfurt. Italia und Germania in de Neue Pinakothek te München.

''Allegorie der Freundschaft'', 1808, studie van Pforr met dezelfde thematiek.


Sulamith_und_Maria

Prompt: Focus op Sulamith_und_Maria en leg de Context uit.

Franz Pforr bezocht vanaf 1806 de Kunstacademie van Wenen en raakte daar bevriend met Friedrich Overbeck. Samen met nog enkele anderen richtten ze daar de anti-academische Lucasbond op, waarin de basis werd gelegd voor de latere beweging van de Nazareners. Ze grepen terug op middeleeuwse schilderprincipes en streefden een kunst op een godsdienstige basis na. In 1810 reisde Pforr met Overbeck en enkele andere leden van de groep naar Italië, om inspiratie op te doen. Het initiatief voor de reis ging uit van Overbeck, wat Pforr betreft met de intentie na maximaal twee jaar weer terug te keren naar zijn thuishaven. Te Rome namen de kunstenaars hun intrek in het oude franciscaner klooster San Isidoro op de Pincio-heuvel. Later reisden ze naar Nemi, Napels en uiteindelijk Albano, waar Pforr in 1812 overleed aan tuberculose.

''Allegorie der Freundschaft'', 1808, studie van Pforr met dezelfde thematiek.


Sulamith_und_Maria

Prompt: Verklaar de Context van dit kunstwerk, Sulamith_und_Maria.

Franz Pforr bezocht vanaf 1806 de Kunstacademie van Wenen en raakte daar bevriend met Friedrich Overbeck. Samen met nog enkele anderen richtten ze daar de anti-academische Lucasbond op, waarin de basis werd gelegd voor de latere beweging van de Nazareners. Ze grepen terug op middeleeuwse schilderprincipes en streefden een kunst op een godsdienstige basis na. In 1810 reisde Pforr met Overbeck en enkele andere leden van de groep naar Italië, om inspiratie op te doen. Het initiatief voor de reis ging uit van Overbeck, wat Pforr betreft met de intentie na maximaal twee jaar weer terug te keren naar zijn thuishaven. Te Rome namen de kunstenaars hun intrek in het oude franciscaner klooster San Isidoro op de Pincio-heuvel. Later reisden ze naar Nemi, Napels en uiteindelijk Albano, waar Pforr in 1812 overleed aan tuberculose.

''Allegorie der Freundschaft'', 1808, studie van Pforr met dezelfde thematiek.


Sulamith_und_Maria

Prompt: Hoe verklaart Sulamith_und_Maria zijn Context?

Franz Pforr bezocht vanaf 1806 de Kunstacademie van Wenen en raakte daar bevriend met Friedrich Overbeck. Samen met nog enkele anderen richtten ze daar de anti-academische Lucasbond op, waarin de basis werd gelegd voor de latere beweging van de Nazareners. Ze grepen terug op middeleeuwse schilderprincipes en streefden een kunst op een godsdienstige basis na. In 1810 reisde Pforr met Overbeck en enkele andere leden van de groep naar Italië, om inspiratie op te doen. Het initiatief voor de reis ging uit van Overbeck, wat Pforr betreft met de intentie na maximaal twee jaar weer terug te keren naar zijn thuishaven. Te Rome namen de kunstenaars hun intrek in het oude franciscaner klooster San Isidoro op de Pincio-heuvel. Later reisden ze naar Nemi, Napels en uiteindelijk Albano, waar Pforr in 1812 overleed aan tuberculose.

''Allegorie der Freundschaft'', 1808, studie van Pforr met dezelfde thematiek.


Sulamith_und_Maria

Prompt: Hoe wordt de Context besproken in Sulamith_und_Maria?

Franz Pforr bezocht vanaf 1806 de Kunstacademie van Wenen en raakte daar bevriend met Friedrich Overbeck. Samen met nog enkele anderen richtten ze daar de anti-academische Lucasbond op, waarin de basis werd gelegd voor de latere beweging van de Nazareners. Ze grepen terug op middeleeuwse schilderprincipes en streefden een kunst op een godsdienstige basis na. In 1810 reisde Pforr met Overbeck en enkele andere leden van de groep naar Italië, om inspiratie op te doen. Het initiatief voor de reis ging uit van Overbeck, wat Pforr betreft met de intentie na maximaal twee jaar weer terug te keren naar zijn thuishaven. Te Rome namen de kunstenaars hun intrek in het oude franciscaner klooster San Isidoro op de Pincio-heuvel. Later reisden ze naar Nemi, Napels en uiteindelijk Albano, waar Pforr in 1812 overleed aan tuberculose.

''Allegorie der Freundschaft'', 1808, studie van Pforr met dezelfde thematiek.


Sulamith_und_Maria

Prompt: Focus op Sulamith_und_Maria en leg de Thema uit.

In 1810 spraken Pforr en Overbeck met elkaar af om voor elkaar een vriendschapsschilderij te maken, waarin ze via twee vrouwengestalten uitdrukking zouden geven aan het ideaal van ware schoonheid. Ze kozen daarbij voor Sulamith, een vrouw die voorkomt in het Hooglied, en Maria. Pforr werkte niet alleen een schilderij uit, maar schreef er ook een vertelling bij, waaruit duidelijk wordt dat beide figuren tweelingzussen zijn, die vroeg in hun leven werden gescheiden. Ze staan anders in het leven, hebben verschillende opvattingen, Sulamith werelds en open, met een grote zucht naar het zuiden (net als Overbeck), Maria meer bescheiden en onschuldig, bijna burgerlijk Duits (zoals Pforr zichzelf beschouwde). Beiden hebben echter dezelfde wortels en zijn daardoor innig met elkaar verbonden, zoals Pforr en Overbeck in hun vriendschap.Het thema kan tegelijkertijd verwijzen naar Pforrs heimelijke verlangen om na hun vertrek naar Italië snel weer huiswaarts te keren. Zijn vroegtijdige dood leidde ertoe dat dit niet meer plaatsvond. Overbeck zou vrijwel zijn hele leven in Rome blijven werken en groeide uit tot de belangrijkste exponent van de Nazareners, Pforr liet slechts een handvol werken na.

''Allegorie der Freundschaft'', 1808, studie van Pforr met dezelfde thematiek.


Sulamith_und_Maria

Prompt: Verklaar de Thema van dit kunstwerk, Sulamith_und_Maria.

In 1810 spraken Pforr en Overbeck met elkaar af om voor elkaar een vriendschapsschilderij te maken, waarin ze via twee vrouwengestalten uitdrukking zouden geven aan het ideaal van ware schoonheid. Ze kozen daarbij voor Sulamith, een vrouw die voorkomt in het Hooglied, en Maria. Pforr werkte niet alleen een schilderij uit, maar schreef er ook een vertelling bij, waaruit duidelijk wordt dat beide figuren tweelingzussen zijn, die vroeg in hun leven werden gescheiden. Ze staan anders in het leven, hebben verschillende opvattingen, Sulamith werelds en open, met een grote zucht naar het zuiden (net als Overbeck), Maria meer bescheiden en onschuldig, bijna burgerlijk Duits (zoals Pforr zichzelf beschouwde). Beiden hebben echter dezelfde wortels en zijn daardoor innig met elkaar verbonden, zoals Pforr en Overbeck in hun vriendschap.Het thema kan tegelijkertijd verwijzen naar Pforrs heimelijke verlangen om na hun vertrek naar Italië snel weer huiswaarts te keren. Zijn vroegtijdige dood leidde ertoe dat dit niet meer plaatsvond. Overbeck zou vrijwel zijn hele leven in Rome blijven werken en groeide uit tot de belangrijkste exponent van de Nazareners, Pforr liet slechts een handvol werken na.

''Allegorie der Freundschaft'', 1808, studie van Pforr met dezelfde thematiek.


Sulamith_und_Maria

Prompt: Hoe verklaart Sulamith_und_Maria zijn Thema?

In 1810 spraken Pforr en Overbeck met elkaar af om voor elkaar een vriendschapsschilderij te maken, waarin ze via twee vrouwengestalten uitdrukking zouden geven aan het ideaal van ware schoonheid. Ze kozen daarbij voor Sulamith, een vrouw die voorkomt in het Hooglied, en Maria. Pforr werkte niet alleen een schilderij uit, maar schreef er ook een vertelling bij, waaruit duidelijk wordt dat beide figuren tweelingzussen zijn, die vroeg in hun leven werden gescheiden. Ze staan anders in het leven, hebben verschillende opvattingen, Sulamith werelds en open, met een grote zucht naar het zuiden (net als Overbeck), Maria meer bescheiden en onschuldig, bijna burgerlijk Duits (zoals Pforr zichzelf beschouwde). Beiden hebben echter dezelfde wortels en zijn daardoor innig met elkaar verbonden, zoals Pforr en Overbeck in hun vriendschap.Het thema kan tegelijkertijd verwijzen naar Pforrs heimelijke verlangen om na hun vertrek naar Italië snel weer huiswaarts te keren. Zijn vroegtijdige dood leidde ertoe dat dit niet meer plaatsvond. Overbeck zou vrijwel zijn hele leven in Rome blijven werken en groeide uit tot de belangrijkste exponent van de Nazareners, Pforr liet slechts een handvol werken na.

''Allegorie der Freundschaft'', 1808, studie van Pforr met dezelfde thematiek.


Sulamith_und_Maria

Prompt: Hoe wordt de Thema besproken in Sulamith_und_Maria?

In 1810 spraken Pforr en Overbeck met elkaar af om voor elkaar een vriendschapsschilderij te maken, waarin ze via twee vrouwengestalten uitdrukking zouden geven aan het ideaal van ware schoonheid. Ze kozen daarbij voor Sulamith, een vrouw die voorkomt in het Hooglied, en Maria. Pforr werkte niet alleen een schilderij uit, maar schreef er ook een vertelling bij, waaruit duidelijk wordt dat beide figuren tweelingzussen zijn, die vroeg in hun leven werden gescheiden. Ze staan anders in het leven, hebben verschillende opvattingen, Sulamith werelds en open, met een grote zucht naar het zuiden (net als Overbeck), Maria meer bescheiden en onschuldig, bijna burgerlijk Duits (zoals Pforr zichzelf beschouwde). Beiden hebben echter dezelfde wortels en zijn daardoor innig met elkaar verbonden, zoals Pforr en Overbeck in hun vriendschap.Het thema kan tegelijkertijd verwijzen naar Pforrs heimelijke verlangen om na hun vertrek naar Italië snel weer huiswaarts te keren. Zijn vroegtijdige dood leidde ertoe dat dit niet meer plaatsvond. Overbeck zou vrijwel zijn hele leven in Rome blijven werken en groeide uit tot de belangrijkste exponent van de Nazareners, Pforr liet slechts een handvol werken na.

''Allegorie der Freundschaft'', 1808, studie van Pforr met dezelfde thematiek.


Sulamith_und_Maria

Prompt: Focus op Sulamith_und_Maria en leg de Afbeelding uit.

Pforr schilderde Sulamith und Maria op een klein paneel in de vorm van een middeleeuws altaarstuk met drie delen, op basis van diverse voorstudies. Door terug te grijpen op deze opzet geeft hij uitdrukking aan zijn bewondering voor de kunstbeleving uit deze periode, waarin, zoals hij ooit aan Overbeck schreef, "de waardigheid van de mens nog in volle kracht zichtbaar was".. Deze opvatting zou na zijn dood uitgroeien tot het credo van de Nazareners. In de uitwerking komt dit onder andere terug in de aandacht voor felle kleurcontrasten en het negeren van perspectiefregels, daarmee de aandacht volledig op de figuren richtend.De met Overbeck geassocieerde Sulamith wordt op het linkerpaneel afgebeeld tegen de achtergrond van een zuidelijk, Italiaans landschap. Het tafereel is weids en open. Op de achtergrond staat nog een mannelijke figuur, die de echtgenoot voorstelt. De beide figuren verwijzen naar de passage in het Hooglied waarbij Christus als bruidegom wordt voorgesteld. De bruidegomssymboliek komt meermaals terug in de correspondentie tussen Pforr en Overbeck als teken van hun onderlinge verbondenheid en het verbond dat beiden zijn aangegaan met de kunst. De vogels en bloemen staan voor vruchtbaarheid en overvloed, en komen als zodanig eveneens in het Hooglied voor. Ook de ree en een rode halsband worden in het Hooglied benoemd als bruidegomssymboliek. Het kind in Sulamiths armen kan geduid worden als de vrucht van Overbecks verbond met de kunst. Het wordt gevoed met een granaatappel dat weer staat voor innerlijke schoonheid. De duif in het bovenpaneel verwijst naar vreedzame vriendschap en wordt in het Hooglied genoemd in de zin van tortelduif.Op het rechterpaneel verwijst Pforr met Maria naar zichzelf. Afgebeeld in een besloten oud-Duitse kamer, met een boek voor zich, richt ze zich naar binnen. In een brief aan Overbeck zegt hij over de details dat ze bij moeten dragen aan een sfeer van "stille huiselijkheid". Het is er ordelijk, het bed is netjes opgemaakt, het daglicht schijnt vriendelijk naar binnen. Ook de kat, het kroonglas en de zwaluw in het bovenpaneel (bij het kruis) moeten in deze zin worden geduid. Het geheel straalt een soort van vrome zedelijkheid uit, welke als een moreel ideaalbeeld wordt gepresenteerd.In het middenbovenpaneel wordt de evangelist Johannes afgebeeld, schrijvend aan een tafel. Rechts van hem zit een adelaar. De adelaar is niet alleen het symbool voor de evangelist Johannes, maar verwijst ook naar de artistieke ambitie, welke Pforr en Overbeck verbindt. Johannes is Overbecks lievelingsevangelist, diens tweede doopnaam en ook de naam waarmee Pforr Overbeck vaak aansprak. Het onderstreept de vele persoonlijke elementen in de symboliek in het schilderij, waarvan niet alle details uit de correspondentie tussen beide kunstenaars herleid kunnen worden.

''Allegorie der Freundschaft'', 1808, studie van Pforr met dezelfde thematiek.


Sulamith_und_Maria

Prompt: Verklaar de Afbeelding van dit kunstwerk, Sulamith_und_Maria.

Pforr schilderde Sulamith und Maria op een klein paneel in de vorm van een middeleeuws altaarstuk met drie delen, op basis van diverse voorstudies. Door terug te grijpen op deze opzet geeft hij uitdrukking aan zijn bewondering voor de kunstbeleving uit deze periode, waarin, zoals hij ooit aan Overbeck schreef, "de waardigheid van de mens nog in volle kracht zichtbaar was".. Deze opvatting zou na zijn dood uitgroeien tot het credo van de Nazareners. In de uitwerking komt dit onder andere terug in de aandacht voor felle kleurcontrasten en het negeren van perspectiefregels, daarmee de aandacht volledig op de figuren richtend.De met Overbeck geassocieerde Sulamith wordt op het linkerpaneel afgebeeld tegen de achtergrond van een zuidelijk, Italiaans landschap. Het tafereel is weids en open. Op de achtergrond staat nog een mannelijke figuur, die de echtgenoot voorstelt. De beide figuren verwijzen naar de passage in het Hooglied waarbij Christus als bruidegom wordt voorgesteld. De bruidegomssymboliek komt meermaals terug in de correspondentie tussen Pforr en Overbeck als teken van hun onderlinge verbondenheid en het verbond dat beiden zijn aangegaan met de kunst. De vogels en bloemen staan voor vruchtbaarheid en overvloed, en komen als zodanig eveneens in het Hooglied voor. Ook de ree en een rode halsband worden in het Hooglied benoemd als bruidegomssymboliek. Het kind in Sulamiths armen kan geduid worden als de vrucht van Overbecks verbond met de kunst. Het wordt gevoed met een granaatappel dat weer staat voor innerlijke schoonheid. De duif in het bovenpaneel verwijst naar vreedzame vriendschap en wordt in het Hooglied genoemd in de zin van tortelduif.Op het rechterpaneel verwijst Pforr met Maria naar zichzelf. Afgebeeld in een besloten oud-Duitse kamer, met een boek voor zich, richt ze zich naar binnen. In een brief aan Overbeck zegt hij over de details dat ze bij moeten dragen aan een sfeer van "stille huiselijkheid". Het is er ordelijk, het bed is netjes opgemaakt, het daglicht schijnt vriendelijk naar binnen. Ook de kat, het kroonglas en de zwaluw in het bovenpaneel (bij het kruis) moeten in deze zin worden geduid. Het geheel straalt een soort van vrome zedelijkheid uit, welke als een moreel ideaalbeeld wordt gepresenteerd.In het middenbovenpaneel wordt de evangelist Johannes afgebeeld, schrijvend aan een tafel. Rechts van hem zit een adelaar. De adelaar is niet alleen het symbool voor de evangelist Johannes, maar verwijst ook naar de artistieke ambitie, welke Pforr en Overbeck verbindt. Johannes is Overbecks lievelingsevangelist, diens tweede doopnaam en ook de naam waarmee Pforr Overbeck vaak aansprak. Het onderstreept de vele persoonlijke elementen in de symboliek in het schilderij, waarvan niet alle details uit de correspondentie tussen beide kunstenaars herleid kunnen worden.

''Allegorie der Freundschaft'', 1808, studie van Pforr met dezelfde thematiek.


Sulamith_und_Maria

Prompt: Hoe verklaart Sulamith_und_Maria zijn Afbeelding?

Pforr schilderde Sulamith und Maria op een klein paneel in de vorm van een middeleeuws altaarstuk met drie delen, op basis van diverse voorstudies. Door terug te grijpen op deze opzet geeft hij uitdrukking aan zijn bewondering voor de kunstbeleving uit deze periode, waarin, zoals hij ooit aan Overbeck schreef, "de waardigheid van de mens nog in volle kracht zichtbaar was".. Deze opvatting zou na zijn dood uitgroeien tot het credo van de Nazareners. In de uitwerking komt dit onder andere terug in de aandacht voor felle kleurcontrasten en het negeren van perspectiefregels, daarmee de aandacht volledig op de figuren richtend.De met Overbeck geassocieerde Sulamith wordt op het linkerpaneel afgebeeld tegen de achtergrond van een zuidelijk, Italiaans landschap. Het tafereel is weids en open. Op de achtergrond staat nog een mannelijke figuur, die de echtgenoot voorstelt. De beide figuren verwijzen naar de passage in het Hooglied waarbij Christus als bruidegom wordt voorgesteld. De bruidegomssymboliek komt meermaals terug in de correspondentie tussen Pforr en Overbeck als teken van hun onderlinge verbondenheid en het verbond dat beiden zijn aangegaan met de kunst. De vogels en bloemen staan voor vruchtbaarheid en overvloed, en komen als zodanig eveneens in het Hooglied voor. Ook de ree en een rode halsband worden in het Hooglied benoemd als bruidegomssymboliek. Het kind in Sulamiths armen kan geduid worden als de vrucht van Overbecks verbond met de kunst. Het wordt gevoed met een granaatappel dat weer staat voor innerlijke schoonheid. De duif in het bovenpaneel verwijst naar vreedzame vriendschap en wordt in het Hooglied genoemd in de zin van tortelduif.Op het rechterpaneel verwijst Pforr met Maria naar zichzelf. Afgebeeld in een besloten oud-Duitse kamer, met een boek voor zich, richt ze zich naar binnen. In een brief aan Overbeck zegt hij over de details dat ze bij moeten dragen aan een sfeer van "stille huiselijkheid". Het is er ordelijk, het bed is netjes opgemaakt, het daglicht schijnt vriendelijk naar binnen. Ook de kat, het kroonglas en de zwaluw in het bovenpaneel (bij het kruis) moeten in deze zin worden geduid. Het geheel straalt een soort van vrome zedelijkheid uit, welke als een moreel ideaalbeeld wordt gepresenteerd.In het middenbovenpaneel wordt de evangelist Johannes afgebeeld, schrijvend aan een tafel. Rechts van hem zit een adelaar. De adelaar is niet alleen het symbool voor de evangelist Johannes, maar verwijst ook naar de artistieke ambitie, welke Pforr en Overbeck verbindt. Johannes is Overbecks lievelingsevangelist, diens tweede doopnaam en ook de naam waarmee Pforr Overbeck vaak aansprak. Het onderstreept de vele persoonlijke elementen in de symboliek in het schilderij, waarvan niet alle details uit de correspondentie tussen beide kunstenaars herleid kunnen worden.

''Allegorie der Freundschaft'', 1808, studie van Pforr met dezelfde thematiek.


Sulamith_und_Maria

Prompt: Hoe wordt de Afbeelding besproken in Sulamith_und_Maria?

Pforr schilderde Sulamith und Maria op een klein paneel in de vorm van een middeleeuws altaarstuk met drie delen, op basis van diverse voorstudies. Door terug te grijpen op deze opzet geeft hij uitdrukking aan zijn bewondering voor de kunstbeleving uit deze periode, waarin, zoals hij ooit aan Overbeck schreef, "de waardigheid van de mens nog in volle kracht zichtbaar was".. Deze opvatting zou na zijn dood uitgroeien tot het credo van de Nazareners. In de uitwerking komt dit onder andere terug in de aandacht voor felle kleurcontrasten en het negeren van perspectiefregels, daarmee de aandacht volledig op de figuren richtend.De met Overbeck geassocieerde Sulamith wordt op het linkerpaneel afgebeeld tegen de achtergrond van een zuidelijk, Italiaans landschap. Het tafereel is weids en open. Op de achtergrond staat nog een mannelijke figuur, die de echtgenoot voorstelt. De beide figuren verwijzen naar de passage in het Hooglied waarbij Christus als bruidegom wordt voorgesteld. De bruidegomssymboliek komt meermaals terug in de correspondentie tussen Pforr en Overbeck als teken van hun onderlinge verbondenheid en het verbond dat beiden zijn aangegaan met de kunst. De vogels en bloemen staan voor vruchtbaarheid en overvloed, en komen als zodanig eveneens in het Hooglied voor. Ook de ree en een rode halsband worden in het Hooglied benoemd als bruidegomssymboliek. Het kind in Sulamiths armen kan geduid worden als de vrucht van Overbecks verbond met de kunst. Het wordt gevoed met een granaatappel dat weer staat voor innerlijke schoonheid. De duif in het bovenpaneel verwijst naar vreedzame vriendschap en wordt in het Hooglied genoemd in de zin van tortelduif.Op het rechterpaneel verwijst Pforr met Maria naar zichzelf. Afgebeeld in een besloten oud-Duitse kamer, met een boek voor zich, richt ze zich naar binnen. In een brief aan Overbeck zegt hij over de details dat ze bij moeten dragen aan een sfeer van "stille huiselijkheid". Het is er ordelijk, het bed is netjes opgemaakt, het daglicht schijnt vriendelijk naar binnen. Ook de kat, het kroonglas en de zwaluw in het bovenpaneel (bij het kruis) moeten in deze zin worden geduid. Het geheel straalt een soort van vrome zedelijkheid uit, welke als een moreel ideaalbeeld wordt gepresenteerd.In het middenbovenpaneel wordt de evangelist Johannes afgebeeld, schrijvend aan een tafel. Rechts van hem zit een adelaar. De adelaar is niet alleen het symbool voor de evangelist Johannes, maar verwijst ook naar de artistieke ambitie, welke Pforr en Overbeck verbindt. Johannes is Overbecks lievelingsevangelist, diens tweede doopnaam en ook de naam waarmee Pforr Overbeck vaak aansprak. Het onderstreept de vele persoonlijke elementen in de symboliek in het schilderij, waarvan niet alle details uit de correspondentie tussen beide kunstenaars herleid kunnen worden.

''Allegorie der Freundschaft'', 1808, studie van Pforr met dezelfde thematiek.


Sulamith_und_Maria

Prompt: Focus op Sulamith_und_Maria en leg de Italia und Germania uit.

Rond dezelfde tijd dat Pforr aan zijn Sulamith und Maria werkte, begon Overbeck aan zijn tegenstuk, met hetzelfde thema. Links schildert hij Sulamith tegen de achtergrond van een Italiaans landschap, rechts Maria met achter haar een typisch Duitse stad, met haar nauwe straatjes. Nadat Pforr in 1812 overleed liet Overbeck het werk lange tijd onvoltooid. Zestien jaar later pakte hij het echter opnieuw op, gaf het een nieuwe draai en de titel Italia und Germania. Daarmee plaatste hij het schilderij vooral in het teken van de sterke band tussen Duitsland en Italië, meer dan in het teken van zijn vriendschap met Pforr. Sulamith wordt links afgebeeld als een donkerharige Italiaanse met een lauwerkrans om haar hoofd, overeenkomstig het schoonheidsideaal uit die tijd. Maria belichaamt het noordse type en heeft een mirtekrans in haar haren. De twee vrouwen keren zich naar elkaar toe met een uitdrukking van intiem vertrouwen en bezitten een innerlijke monumentaliteit die in Pforrs werk nagenoeg ontbreekt.

''Allegorie der Freundschaft'', 1808, studie van Pforr met dezelfde thematiek.


Sulamith_und_Maria

Prompt: Verklaar de Italia und Germania van dit kunstwerk, Sulamith_und_Maria.

Rond dezelfde tijd dat Pforr aan zijn Sulamith und Maria werkte, begon Overbeck aan zijn tegenstuk, met hetzelfde thema. Links schildert hij Sulamith tegen de achtergrond van een Italiaans landschap, rechts Maria met achter haar een typisch Duitse stad, met haar nauwe straatjes. Nadat Pforr in 1812 overleed liet Overbeck het werk lange tijd onvoltooid. Zestien jaar later pakte hij het echter opnieuw op, gaf het een nieuwe draai en de titel Italia und Germania. Daarmee plaatste hij het schilderij vooral in het teken van de sterke band tussen Duitsland en Italië, meer dan in het teken van zijn vriendschap met Pforr. Sulamith wordt links afgebeeld als een donkerharige Italiaanse met een lauwerkrans om haar hoofd, overeenkomstig het schoonheidsideaal uit die tijd. Maria belichaamt het noordse type en heeft een mirtekrans in haar haren. De twee vrouwen keren zich naar elkaar toe met een uitdrukking van intiem vertrouwen en bezitten een innerlijke monumentaliteit die in Pforrs werk nagenoeg ontbreekt.

''Allegorie der Freundschaft'', 1808, studie van Pforr met dezelfde thematiek.


Sulamith_und_Maria

Prompt: Hoe verklaart Sulamith_und_Maria zijn Italia und Germania?

Rond dezelfde tijd dat Pforr aan zijn Sulamith und Maria werkte, begon Overbeck aan zijn tegenstuk, met hetzelfde thema. Links schildert hij Sulamith tegen de achtergrond van een Italiaans landschap, rechts Maria met achter haar een typisch Duitse stad, met haar nauwe straatjes. Nadat Pforr in 1812 overleed liet Overbeck het werk lange tijd onvoltooid. Zestien jaar later pakte hij het echter opnieuw op, gaf het een nieuwe draai en de titel Italia und Germania. Daarmee plaatste hij het schilderij vooral in het teken van de sterke band tussen Duitsland en Italië, meer dan in het teken van zijn vriendschap met Pforr. Sulamith wordt links afgebeeld als een donkerharige Italiaanse met een lauwerkrans om haar hoofd, overeenkomstig het schoonheidsideaal uit die tijd. Maria belichaamt het noordse type en heeft een mirtekrans in haar haren. De twee vrouwen keren zich naar elkaar toe met een uitdrukking van intiem vertrouwen en bezitten een innerlijke monumentaliteit die in Pforrs werk nagenoeg ontbreekt.

''Allegorie der Freundschaft'', 1808, studie van Pforr met dezelfde thematiek.


Sulamith_und_Maria

Prompt: Hoe wordt de Italia und Germania besproken in Sulamith_und_Maria?

Rond dezelfde tijd dat Pforr aan zijn Sulamith und Maria werkte, begon Overbeck aan zijn tegenstuk, met hetzelfde thema. Links schildert hij Sulamith tegen de achtergrond van een Italiaans landschap, rechts Maria met achter haar een typisch Duitse stad, met haar nauwe straatjes. Nadat Pforr in 1812 overleed liet Overbeck het werk lange tijd onvoltooid. Zestien jaar later pakte hij het echter opnieuw op, gaf het een nieuwe draai en de titel Italia und Germania. Daarmee plaatste hij het schilderij vooral in het teken van de sterke band tussen Duitsland en Italië, meer dan in het teken van zijn vriendschap met Pforr. Sulamith wordt links afgebeeld als een donkerharige Italiaanse met een lauwerkrans om haar hoofd, overeenkomstig het schoonheidsideaal uit die tijd. Maria belichaamt het noordse type en heeft een mirtekrans in haar haren. De twee vrouwen keren zich naar elkaar toe met een uitdrukking van intiem vertrouwen en bezitten een innerlijke monumentaliteit die in Pforrs werk nagenoeg ontbreekt.

''Allegorie der Freundschaft'', 1808, studie van Pforr met dezelfde thematiek.


Winter_in_Union_Square

Prompt: Focus op Winter_in_Union_Square en leg de abstract uit.

Winter in Union Square (Nederlands: Winter op Union Square) is een schilderij van de Amerikaanse Impressionistische kunstschilder Childe Hassam, olieverf op doek, 46,4 × 45,7 centimeter groot, gemaakt in 1889-1890. Het toont een stadsgezicht in New York, eind negentiende eeuw. Het werk bevindt zich sinds 1943 in de collectie van het Metropolitan Museum of Art te New York.

Categorie:Schilderij van het impressionisme

Categorie:Schilderij in het Metropolitan Museum of Art


Winter_in_Union_Square

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Winter_in_Union_Square.

Winter in Union Square (Nederlands: Winter op Union Square) is een schilderij van de Amerikaanse Impressionistische kunstschilder Childe Hassam, olieverf op doek, 46,4 × 45,7 centimeter groot, gemaakt in 1889-1890. Het toont een stadsgezicht in New York, eind negentiende eeuw. Het werk bevindt zich sinds 1943 in de collectie van het Metropolitan Museum of Art te New York.

Categorie:Schilderij van het impressionisme

Categorie:Schilderij in het Metropolitan Museum of Art


Winter_in_Union_Square

Prompt: Hoe verklaart Winter_in_Union_Square zijn abstract?

Winter in Union Square (Nederlands: Winter op Union Square) is een schilderij van de Amerikaanse Impressionistische kunstschilder Childe Hassam, olieverf op doek, 46,4 × 45,7 centimeter groot, gemaakt in 1889-1890. Het toont een stadsgezicht in New York, eind negentiende eeuw. Het werk bevindt zich sinds 1943 in de collectie van het Metropolitan Museum of Art te New York.

Categorie:Schilderij van het impressionisme

Categorie:Schilderij in het Metropolitan Museum of Art


Winter_in_Union_Square

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Winter_in_Union_Square?

Winter in Union Square (Nederlands: Winter op Union Square) is een schilderij van de Amerikaanse Impressionistische kunstschilder Childe Hassam, olieverf op doek, 46,4 × 45,7 centimeter groot, gemaakt in 1889-1890. Het toont een stadsgezicht in New York, eind negentiende eeuw. Het werk bevindt zich sinds 1943 in de collectie van het Metropolitan Museum of Art te New York.

Categorie:Schilderij van het impressionisme

Categorie:Schilderij in het Metropolitan Museum of Art


Winter_in_Union_Square

Prompt: Focus op Winter_in_Union_Square en leg de Context uit.

Na een klassieke opleiding in Boston maakte Hassam in 1883 een reis naar Europa, waar hij onder de indruk raakte van het impressionisme en de wijze waarop schilders met licht en atmosfeer omgingen. Na zijn huwelijk in 1886 vestigde hij zich voor drie jaar in Parijs om zich deze nieuwe schilderkunst eigen te maken en door te ontwikkelen naar een onmiskenbare eigen stijl. In 1889 keerde hij terug naar de Verenigde Staten, niet naar Boston, maar naar New York, waar hij een atelier betrok in Manhattan, op de hoek van Seventeenth Street en Fifth Avenue, met uitzicht op Union Square. Van deze straten zei hij dat hij ze zeker zo mooi vond als de grote Parijse boulevards.

Categorie:Schilderij van het impressionisme

Categorie:Schilderij in het Metropolitan Museum of Art


Winter_in_Union_Square

Prompt: Verklaar de Context van dit kunstwerk, Winter_in_Union_Square.

Na een klassieke opleiding in Boston maakte Hassam in 1883 een reis naar Europa, waar hij onder de indruk raakte van het impressionisme en de wijze waarop schilders met licht en atmosfeer omgingen. Na zijn huwelijk in 1886 vestigde hij zich voor drie jaar in Parijs om zich deze nieuwe schilderkunst eigen te maken en door te ontwikkelen naar een onmiskenbare eigen stijl. In 1889 keerde hij terug naar de Verenigde Staten, niet naar Boston, maar naar New York, waar hij een atelier betrok in Manhattan, op de hoek van Seventeenth Street en Fifth Avenue, met uitzicht op Union Square. Van deze straten zei hij dat hij ze zeker zo mooi vond als de grote Parijse boulevards.

Categorie:Schilderij van het impressionisme

Categorie:Schilderij in het Metropolitan Museum of Art


Winter_in_Union_Square

Prompt: Hoe verklaart Winter_in_Union_Square zijn Context?

Na een klassieke opleiding in Boston maakte Hassam in 1883 een reis naar Europa, waar hij onder de indruk raakte van het impressionisme en de wijze waarop schilders met licht en atmosfeer omgingen. Na zijn huwelijk in 1886 vestigde hij zich voor drie jaar in Parijs om zich deze nieuwe schilderkunst eigen te maken en door te ontwikkelen naar een onmiskenbare eigen stijl. In 1889 keerde hij terug naar de Verenigde Staten, niet naar Boston, maar naar New York, waar hij een atelier betrok in Manhattan, op de hoek van Seventeenth Street en Fifth Avenue, met uitzicht op Union Square. Van deze straten zei hij dat hij ze zeker zo mooi vond als de grote Parijse boulevards.

Categorie:Schilderij van het impressionisme

Categorie:Schilderij in het Metropolitan Museum of Art


Winter_in_Union_Square

Prompt: Hoe wordt de Context besproken in Winter_in_Union_Square?

Na een klassieke opleiding in Boston maakte Hassam in 1883 een reis naar Europa, waar hij onder de indruk raakte van het impressionisme en de wijze waarop schilders met licht en atmosfeer omgingen. Na zijn huwelijk in 1886 vestigde hij zich voor drie jaar in Parijs om zich deze nieuwe schilderkunst eigen te maken en door te ontwikkelen naar een onmiskenbare eigen stijl. In 1889 keerde hij terug naar de Verenigde Staten, niet naar Boston, maar naar New York, waar hij een atelier betrok in Manhattan, op de hoek van Seventeenth Street en Fifth Avenue, met uitzicht op Union Square. Van deze straten zei hij dat hij ze zeker zo mooi vond als de grote Parijse boulevards.

Categorie:Schilderij van het impressionisme

Categorie:Schilderij in het Metropolitan Museum of Art


Winter_in_Union_Square

Prompt: Focus op Winter_in_Union_Square en leg de Afbeelding uit.

Hassams Winter in Union Square is geschilderd vanuit het raam in zijn atelier, kort na zijn terugkeer uit Parijs, in winter van 1889. De inspiratie die hij in Europa had opgedaan is volledig af te lezen aan dit doek, dat het eerste was dat hij na zijn terugkomst schilderde: in een vlotte en krachtige impressionistische stijl legt hij met grote vaardigheid de subtiel gedempte atmosfeer van een winterse dag vast. Twee paardentrams passeren elkaar schijnbaar willekeurig op het midden van het plein en er is levendig verkeer van rijtuigen en voetgangers, zich ras voortbewegend in de sneeuw. Het geeft het werk een sterk gevoel van authenticiteit van tijd en plaats, hetgeen een van Hassams belangrijkste handelsmerken zou worden.Het belang van het grote plein voor de commercie en het cultureel stadsvermaak lijkt er even niet toe te doen. Wazig, verborgen achter de sneeuw, zien we op de achtergrond, aan Fourteenth Street, het reusachtig hoge Morton Hotel en de enorme koepel van de Domestic Sewing Machine Company, op dat moment het hoogste gebouw van New York. Daar tussenin priemt de gotische toren van Grace Church in de wolken, nog vager, dieper naar het zuiden, bij Broadway en Tenth Street. De rechthoekige en verticale vormen dragen bij aan het gevoel van hoogte, dat ook toen al zo typerend was voor New York. Hassam hield van New York, zoals hij er ook van hield om de mensen te observeren. Van een afstandje ziet hij op het tafereel toe, vanuit zijn verhoogde gezichtspunt, hetgeen het gevoel geeft dat hij als kunstenaar volledig controle heeft over zijn weergave van de werkelijkheid, zoals alleen hij die waarneemt.Hassam zou later nog vele vergelijkbare werken van het New Yorkse stadsleven maken, vergelijkbare thema's in een vergelijkbare stijl en opzet, die doet denken aan het picturalisme van fotograaf Alfred Stieglitz. Hassam combineert de moderniteit van New York met atmosferische effecten en de drukte van het nieuwe Amerikaanse stadsleven met een gevoel van contemplatie. Uiteindelijk zouden zijn werken, die kwalitatief niet onderdeden voor zijn Franse collega-impressionisten, bijdragen aan de Amerikaanse trots, vooral omdat ze lieten zien hoe Amerika zijn eigen steden had gebouwd, met gebouwen die nog grootser en overweldigender waren dan die in Europa.

Categorie:Schilderij van het impressionisme

Categorie:Schilderij in het Metropolitan Museum of Art


Winter_in_Union_Square

Prompt: Verklaar de Afbeelding van dit kunstwerk, Winter_in_Union_Square.

Hassams Winter in Union Square is geschilderd vanuit het raam in zijn atelier, kort na zijn terugkeer uit Parijs, in winter van 1889. De inspiratie die hij in Europa had opgedaan is volledig af te lezen aan dit doek, dat het eerste was dat hij na zijn terugkomst schilderde: in een vlotte en krachtige impressionistische stijl legt hij met grote vaardigheid de subtiel gedempte atmosfeer van een winterse dag vast. Twee paardentrams passeren elkaar schijnbaar willekeurig op het midden van het plein en er is levendig verkeer van rijtuigen en voetgangers, zich ras voortbewegend in de sneeuw. Het geeft het werk een sterk gevoel van authenticiteit van tijd en plaats, hetgeen een van Hassams belangrijkste handelsmerken zou worden.Het belang van het grote plein voor de commercie en het cultureel stadsvermaak lijkt er even niet toe te doen. Wazig, verborgen achter de sneeuw, zien we op de achtergrond, aan Fourteenth Street, het reusachtig hoge Morton Hotel en de enorme koepel van de Domestic Sewing Machine Company, op dat moment het hoogste gebouw van New York. Daar tussenin priemt de gotische toren van Grace Church in de wolken, nog vager, dieper naar het zuiden, bij Broadway en Tenth Street. De rechthoekige en verticale vormen dragen bij aan het gevoel van hoogte, dat ook toen al zo typerend was voor New York. Hassam hield van New York, zoals hij er ook van hield om de mensen te observeren. Van een afstandje ziet hij op het tafereel toe, vanuit zijn verhoogde gezichtspunt, hetgeen het gevoel geeft dat hij als kunstenaar volledig controle heeft over zijn weergave van de werkelijkheid, zoals alleen hij die waarneemt.Hassam zou later nog vele vergelijkbare werken van het New Yorkse stadsleven maken, vergelijkbare thema's in een vergelijkbare stijl en opzet, die doet denken aan het picturalisme van fotograaf Alfred Stieglitz. Hassam combineert de moderniteit van New York met atmosferische effecten en de drukte van het nieuwe Amerikaanse stadsleven met een gevoel van contemplatie. Uiteindelijk zouden zijn werken, die kwalitatief niet onderdeden voor zijn Franse collega-impressionisten, bijdragen aan de Amerikaanse trots, vooral omdat ze lieten zien hoe Amerika zijn eigen steden had gebouwd, met gebouwen die nog grootser en overweldigender waren dan die in Europa.

Categorie:Schilderij van het impressionisme

Categorie:Schilderij in het Metropolitan Museum of Art


Winter_in_Union_Square

Prompt: Hoe verklaart Winter_in_Union_Square zijn Afbeelding?

Hassams Winter in Union Square is geschilderd vanuit het raam in zijn atelier, kort na zijn terugkeer uit Parijs, in winter van 1889. De inspiratie die hij in Europa had opgedaan is volledig af te lezen aan dit doek, dat het eerste was dat hij na zijn terugkomst schilderde: in een vlotte en krachtige impressionistische stijl legt hij met grote vaardigheid de subtiel gedempte atmosfeer van een winterse dag vast. Twee paardentrams passeren elkaar schijnbaar willekeurig op het midden van het plein en er is levendig verkeer van rijtuigen en voetgangers, zich ras voortbewegend in de sneeuw. Het geeft het werk een sterk gevoel van authenticiteit van tijd en plaats, hetgeen een van Hassams belangrijkste handelsmerken zou worden.Het belang van het grote plein voor de commercie en het cultureel stadsvermaak lijkt er even niet toe te doen. Wazig, verborgen achter de sneeuw, zien we op de achtergrond, aan Fourteenth Street, het reusachtig hoge Morton Hotel en de enorme koepel van de Domestic Sewing Machine Company, op dat moment het hoogste gebouw van New York. Daar tussenin priemt de gotische toren van Grace Church in de wolken, nog vager, dieper naar het zuiden, bij Broadway en Tenth Street. De rechthoekige en verticale vormen dragen bij aan het gevoel van hoogte, dat ook toen al zo typerend was voor New York. Hassam hield van New York, zoals hij er ook van hield om de mensen te observeren. Van een afstandje ziet hij op het tafereel toe, vanuit zijn verhoogde gezichtspunt, hetgeen het gevoel geeft dat hij als kunstenaar volledig controle heeft over zijn weergave van de werkelijkheid, zoals alleen hij die waarneemt.Hassam zou later nog vele vergelijkbare werken van het New Yorkse stadsleven maken, vergelijkbare thema's in een vergelijkbare stijl en opzet, die doet denken aan het picturalisme van fotograaf Alfred Stieglitz. Hassam combineert de moderniteit van New York met atmosferische effecten en de drukte van het nieuwe Amerikaanse stadsleven met een gevoel van contemplatie. Uiteindelijk zouden zijn werken, die kwalitatief niet onderdeden voor zijn Franse collega-impressionisten, bijdragen aan de Amerikaanse trots, vooral omdat ze lieten zien hoe Amerika zijn eigen steden had gebouwd, met gebouwen die nog grootser en overweldigender waren dan die in Europa.

Categorie:Schilderij van het impressionisme

Categorie:Schilderij in het Metropolitan Museum of Art


Winter_in_Union_Square

Prompt: Hoe wordt de Afbeelding besproken in Winter_in_Union_Square?

Hassams Winter in Union Square is geschilderd vanuit het raam in zijn atelier, kort na zijn terugkeer uit Parijs, in winter van 1889. De inspiratie die hij in Europa had opgedaan is volledig af te lezen aan dit doek, dat het eerste was dat hij na zijn terugkomst schilderde: in een vlotte en krachtige impressionistische stijl legt hij met grote vaardigheid de subtiel gedempte atmosfeer van een winterse dag vast. Twee paardentrams passeren elkaar schijnbaar willekeurig op het midden van het plein en er is levendig verkeer van rijtuigen en voetgangers, zich ras voortbewegend in de sneeuw. Het geeft het werk een sterk gevoel van authenticiteit van tijd en plaats, hetgeen een van Hassams belangrijkste handelsmerken zou worden.Het belang van het grote plein voor de commercie en het cultureel stadsvermaak lijkt er even niet toe te doen. Wazig, verborgen achter de sneeuw, zien we op de achtergrond, aan Fourteenth Street, het reusachtig hoge Morton Hotel en de enorme koepel van de Domestic Sewing Machine Company, op dat moment het hoogste gebouw van New York. Daar tussenin priemt de gotische toren van Grace Church in de wolken, nog vager, dieper naar het zuiden, bij Broadway en Tenth Street. De rechthoekige en verticale vormen dragen bij aan het gevoel van hoogte, dat ook toen al zo typerend was voor New York. Hassam hield van New York, zoals hij er ook van hield om de mensen te observeren. Van een afstandje ziet hij op het tafereel toe, vanuit zijn verhoogde gezichtspunt, hetgeen het gevoel geeft dat hij als kunstenaar volledig controle heeft over zijn weergave van de werkelijkheid, zoals alleen hij die waarneemt.Hassam zou later nog vele vergelijkbare werken van het New Yorkse stadsleven maken, vergelijkbare thema's in een vergelijkbare stijl en opzet, die doet denken aan het picturalisme van fotograaf Alfred Stieglitz. Hassam combineert de moderniteit van New York met atmosferische effecten en de drukte van het nieuwe Amerikaanse stadsleven met een gevoel van contemplatie. Uiteindelijk zouden zijn werken, die kwalitatief niet onderdeden voor zijn Franse collega-impressionisten, bijdragen aan de Amerikaanse trots, vooral omdat ze lieten zien hoe Amerika zijn eigen steden had gebouwd, met gebouwen die nog grootser en overweldigender waren dan die in Europa.

Categorie:Schilderij van het impressionisme

Categorie:Schilderij in het Metropolitan Museum of Art


Winter_in_Union_Square

Prompt: Focus op Winter_in_Union_Square en leg de Literatuur bron uit.

James H. Rubin: Het verhaal van het impressionisme. Ludion, Antwerpen, 2013, blz. 392-393. ISBN 978-94-6130-112-3

Categorie:Schilderij van het impressionisme

Categorie:Schilderij in het Metropolitan Museum of Art


Winter_in_Union_Square

Prompt: Verklaar de Literatuur bron van dit kunstwerk, Winter_in_Union_Square.

James H. Rubin: Het verhaal van het impressionisme. Ludion, Antwerpen, 2013, blz. 392-393. ISBN 978-94-6130-112-3

Categorie:Schilderij van het impressionisme

Categorie:Schilderij in het Metropolitan Museum of Art


Winter_in_Union_Square

Prompt: Hoe verklaart Winter_in_Union_Square zijn Literatuur bron?

James H. Rubin: Het verhaal van het impressionisme. Ludion, Antwerpen, 2013, blz. 392-393. ISBN 978-94-6130-112-3

Categorie:Schilderij van het impressionisme

Categorie:Schilderij in het Metropolitan Museum of Art