Cloud_Gate

Prompt: Hoe verklaart Cloud_Gate zijn Constructie en bouw?

Het Britse ingenieursbureau Aerotrope werd gevraagd om het bouwtechnisch ontwerp te maken en het bedrijf Performance Structures, Inc. (PSI) voor de uitvoering omdat zij bekend zijn met het maken van stalen oppervlakten met bijna onzichtbare lasnaden. Het project begon met het maken van een kleiner prototype. Met behulp van een high-density polyurethaan schuimmodel, die werd geselecteerd door Kapoor, kwam de constructie gereed met inbegrip van de interne componenten. Oorspronkelijk plande PSI de bouw in Oakland in Californië om het daarna per schip te transporteren via het Panamakanaal en de Saint Lawrence River naar Chicago. Dit plan werd afgewezen omdat de opdrachtgevers het te riskant vonden. In plaats daarvan, werd de beslissing genomen om de individuele platen naar Chicago te brengen met vrachtwagens en ter plaatse te monteren, een taak die door MTH Industries werd uitgevoerd.Vooraf was het lastig om in te schatten hoe zwaar de constructie zou worden. Oorspronkelijk dacht men 54,4 ton, maar uiteindelijk werd het 99,8 ton, bijna 2 keer zoveel. Het extra gewicht maakte het noodzakelijk om de draagconstructie te heroverwegen. Het dak van het restaurant Park Gripp waarop de Cloud Gate staat, moest sterk genoeg zijn om het gewicht te dragen. Daaronder bevindt zich een muur die de metro van Chicago scheidt van het North Grant Park. Deze muur moest eerst versterkt worden voordat met de bouw begonnen kon worden.

Verenigd Koninkrijk
roestvrijstalen
Saint Lawrence (rivier)
Categorie:Beeld in de Verenigde Staten
Anish Kapoor
Roestvast staal
Categorie:Chicago
polyurethaan
Oakland
Britse
Californië
AT&T
Amerikaanse
Chicago
Verenigde Staten
Millennium Park
Saint Lawrence River
2006
Panamakanaal
Oakland (Californië)
Jeff Koons
roestvrij staal


Cloud_Gate

Prompt: Hoe wordt de Constructie en bouw besproken in Cloud_Gate?

Het Britse ingenieursbureau Aerotrope werd gevraagd om het bouwtechnisch ontwerp te maken en het bedrijf Performance Structures, Inc. (PSI) voor de uitvoering omdat zij bekend zijn met het maken van stalen oppervlakten met bijna onzichtbare lasnaden. Het project begon met het maken van een kleiner prototype. Met behulp van een high-density polyurethaan schuimmodel, die werd geselecteerd door Kapoor, kwam de constructie gereed met inbegrip van de interne componenten. Oorspronkelijk plande PSI de bouw in Oakland in Californië om het daarna per schip te transporteren via het Panamakanaal en de Saint Lawrence River naar Chicago. Dit plan werd afgewezen omdat de opdrachtgevers het te riskant vonden. In plaats daarvan, werd de beslissing genomen om de individuele platen naar Chicago te brengen met vrachtwagens en ter plaatse te monteren, een taak die door MTH Industries werd uitgevoerd.Vooraf was het lastig om in te schatten hoe zwaar de constructie zou worden. Oorspronkelijk dacht men 54,4 ton, maar uiteindelijk werd het 99,8 ton, bijna 2 keer zoveel. Het extra gewicht maakte het noodzakelijk om de draagconstructie te heroverwegen. Het dak van het restaurant Park Gripp waarop de Cloud Gate staat, moest sterk genoeg zijn om het gewicht te dragen. Daaronder bevindt zich een muur die de metro van Chicago scheidt van het North Grant Park. Deze muur moest eerst versterkt worden voordat met de bouw begonnen kon worden.

Verenigd Koninkrijk
roestvrijstalen
Saint Lawrence (rivier)
Categorie:Beeld in de Verenigde Staten
Anish Kapoor
Roestvast staal
Categorie:Chicago
polyurethaan
Oakland
Britse
Californië
AT&T
Amerikaanse
Chicago
Verenigde Staten
Millennium Park
Saint Lawrence River
2006
Panamakanaal
Oakland (Californië)
Jeff Koons
roestvrij staal


Campbell's_Soup_Cans

Prompt: Focus op Campbell's_Soup_Cans en leg de abstract uit.

Campbell's Soup Cans is een 32-delig werk van Andy Warhol dat zich bevindt in het Museum of Modern Art in New York.In juli en augustus van 1962 stelde Warhol voor het eerst zijn doeken met soepblikken van Campbell tentoon. Dit gebeurde in de Ferus Gallery in Los Angeles. Hij had voor deze serie 32 kleine schilderijen gemaakt die hij presenteerde alsof het om conserven in een supermarkt ging. Deze tentoonstelling wordt gezien als de eerste manifestatie van popart aan de Westkust van de Verenigde Staten.

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


Campbell's_Soup_Cans

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Campbell's_Soup_Cans.

Campbell's Soup Cans is een 32-delig werk van Andy Warhol dat zich bevindt in het Museum of Modern Art in New York.In juli en augustus van 1962 stelde Warhol voor het eerst zijn doeken met soepblikken van Campbell tentoon. Dit gebeurde in de Ferus Gallery in Los Angeles. Hij had voor deze serie 32 kleine schilderijen gemaakt die hij presenteerde alsof het om conserven in een supermarkt ging. Deze tentoonstelling wordt gezien als de eerste manifestatie van popart aan de Westkust van de Verenigde Staten.

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


Campbell's_Soup_Cans

Prompt: Hoe verklaart Campbell's_Soup_Cans zijn abstract?

Campbell's Soup Cans is een 32-delig werk van Andy Warhol dat zich bevindt in het Museum of Modern Art in New York.In juli en augustus van 1962 stelde Warhol voor het eerst zijn doeken met soepblikken van Campbell tentoon. Dit gebeurde in de Ferus Gallery in Los Angeles. Hij had voor deze serie 32 kleine schilderijen gemaakt die hij presenteerde alsof het om conserven in een supermarkt ging. Deze tentoonstelling wordt gezien als de eerste manifestatie van popart aan de Westkust van de Verenigde Staten.

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


Campbell's_Soup_Cans

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Campbell's_Soup_Cans?

Campbell's Soup Cans is een 32-delig werk van Andy Warhol dat zich bevindt in het Museum of Modern Art in New York.In juli en augustus van 1962 stelde Warhol voor het eerst zijn doeken met soepblikken van Campbell tentoon. Dit gebeurde in de Ferus Gallery in Los Angeles. Hij had voor deze serie 32 kleine schilderijen gemaakt die hij presenteerde alsof het om conserven in een supermarkt ging. Deze tentoonstelling wordt gezien als de eerste manifestatie van popart aan de Westkust van de Verenigde Staten.

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


Campbell's_Soup_Cans

Prompt: Focus op Campbell's_Soup_Cans en leg de De werken uit.

De werken zijn grotendeels hetzelfde, met uitzondering van de aanduiding van de soepsoort die telkens verschilt.De werken werden op gelijke afstand van elkaar opgesteld. Hij ging te werk volgens Product Placement waar de conserven een commercieel georiënteerd en esthetisch standpunt innemen.Elk werk was een product van gemengde technieken die deels met de hand en deels met een machine werden uitgevoerd. Ondanks vele gelijkenissen tussen de werken waren er ook verschillen. Zo stond elk exemplaar voor een andere smaak, hetgeen individuele accenten zette in het homogene geheel.Warhol tekende en schilderde meerdere series soepblikken. Er zijn in zijn loopbaan drie periodes aan te wijzen waarin hij zich uitputtend met dit thema bezighield.

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


Campbell's_Soup_Cans

Prompt: Verklaar de De werken van dit kunstwerk, Campbell's_Soup_Cans.

De werken zijn grotendeels hetzelfde, met uitzondering van de aanduiding van de soepsoort die telkens verschilt.De werken werden op gelijke afstand van elkaar opgesteld. Hij ging te werk volgens Product Placement waar de conserven een commercieel georiënteerd en esthetisch standpunt innemen.Elk werk was een product van gemengde technieken die deels met de hand en deels met een machine werden uitgevoerd. Ondanks vele gelijkenissen tussen de werken waren er ook verschillen. Zo stond elk exemplaar voor een andere smaak, hetgeen individuele accenten zette in het homogene geheel.Warhol tekende en schilderde meerdere series soepblikken. Er zijn in zijn loopbaan drie periodes aan te wijzen waarin hij zich uitputtend met dit thema bezighield.

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


Campbell's_Soup_Cans

Prompt: Hoe verklaart Campbell's_Soup_Cans zijn De werken?

De werken zijn grotendeels hetzelfde, met uitzondering van de aanduiding van de soepsoort die telkens verschilt.De werken werden op gelijke afstand van elkaar opgesteld. Hij ging te werk volgens Product Placement waar de conserven een commercieel georiënteerd en esthetisch standpunt innemen.Elk werk was een product van gemengde technieken die deels met de hand en deels met een machine werden uitgevoerd. Ondanks vele gelijkenissen tussen de werken waren er ook verschillen. Zo stond elk exemplaar voor een andere smaak, hetgeen individuele accenten zette in het homogene geheel.Warhol tekende en schilderde meerdere series soepblikken. Er zijn in zijn loopbaan drie periodes aan te wijzen waarin hij zich uitputtend met dit thema bezighield.

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


Campbell's_Soup_Cans

Prompt: Hoe wordt de De werken besproken in Campbell's_Soup_Cans?

De werken zijn grotendeels hetzelfde, met uitzondering van de aanduiding van de soepsoort die telkens verschilt.De werken werden op gelijke afstand van elkaar opgesteld. Hij ging te werk volgens Product Placement waar de conserven een commercieel georiënteerd en esthetisch standpunt innemen.Elk werk was een product van gemengde technieken die deels met de hand en deels met een machine werden uitgevoerd. Ondanks vele gelijkenissen tussen de werken waren er ook verschillen. Zo stond elk exemplaar voor een andere smaak, hetgeen individuele accenten zette in het homogene geheel.Warhol tekende en schilderde meerdere series soepblikken. Er zijn in zijn loopbaan drie periodes aan te wijzen waarin hij zich uitputtend met dit thema bezighield.

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


Campbell's_Soup_Cans

Prompt: Focus op Campbell's_Soup_Cans en leg de Interpretatie uit.

De expositie van de 32 werken had een provocerend karakter, dit door het platvloerse motief en stereotiepe weergave maar ook door de gelijkstelling van kunstgalerij en supermarkt en dus de gelijkstelling van kunst- en levensmiddelenhandel.De maatschappelijke context waarin de werken zich ontwikkelen was even belangrijks als zijn specifieke onderwerp. De onderwerpen die Warhol verwerkte in zijn werken hadden ook een maatschappelijke achtergrond. Alle industriële producten waaraan Warhol een status van kunst aan verleende, drukten een stempel op het leven van de Amerikaanse middenklasse. hierover zei hij:"Wat zo fantastisch is, is dat Amerika een traditie heeft ingesteld waarin de rijkste consumenten in principe dezelfde dingen kopen als de armste".Het doel van Warhol was om dit ook te bereiken met kunst door middel van gestandaardiseerde productiemethoden.

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


Campbell's_Soup_Cans

Prompt: Verklaar de Interpretatie van dit kunstwerk, Campbell's_Soup_Cans.

De expositie van de 32 werken had een provocerend karakter, dit door het platvloerse motief en stereotiepe weergave maar ook door de gelijkstelling van kunstgalerij en supermarkt en dus de gelijkstelling van kunst- en levensmiddelenhandel.De maatschappelijke context waarin de werken zich ontwikkelen was even belangrijks als zijn specifieke onderwerp. De onderwerpen die Warhol verwerkte in zijn werken hadden ook een maatschappelijke achtergrond. Alle industriële producten waaraan Warhol een status van kunst aan verleende, drukten een stempel op het leven van de Amerikaanse middenklasse. hierover zei hij:"Wat zo fantastisch is, is dat Amerika een traditie heeft ingesteld waarin de rijkste consumenten in principe dezelfde dingen kopen als de armste".Het doel van Warhol was om dit ook te bereiken met kunst door middel van gestandaardiseerde productiemethoden.

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


Campbell's_Soup_Cans

Prompt: Hoe verklaart Campbell's_Soup_Cans zijn Interpretatie?

De expositie van de 32 werken had een provocerend karakter, dit door het platvloerse motief en stereotiepe weergave maar ook door de gelijkstelling van kunstgalerij en supermarkt en dus de gelijkstelling van kunst- en levensmiddelenhandel.De maatschappelijke context waarin de werken zich ontwikkelen was even belangrijks als zijn specifieke onderwerp. De onderwerpen die Warhol verwerkte in zijn werken hadden ook een maatschappelijke achtergrond. Alle industriële producten waaraan Warhol een status van kunst aan verleende, drukten een stempel op het leven van de Amerikaanse middenklasse. hierover zei hij:"Wat zo fantastisch is, is dat Amerika een traditie heeft ingesteld waarin de rijkste consumenten in principe dezelfde dingen kopen als de armste".Het doel van Warhol was om dit ook te bereiken met kunst door middel van gestandaardiseerde productiemethoden.

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


Campbell's_Soup_Cans

Prompt: Hoe wordt de Interpretatie besproken in Campbell's_Soup_Cans?

De expositie van de 32 werken had een provocerend karakter, dit door het platvloerse motief en stereotiepe weergave maar ook door de gelijkstelling van kunstgalerij en supermarkt en dus de gelijkstelling van kunst- en levensmiddelenhandel.De maatschappelijke context waarin de werken zich ontwikkelen was even belangrijks als zijn specifieke onderwerp. De onderwerpen die Warhol verwerkte in zijn werken hadden ook een maatschappelijke achtergrond. Alle industriële producten waaraan Warhol een status van kunst aan verleende, drukten een stempel op het leven van de Amerikaanse middenklasse. hierover zei hij:"Wat zo fantastisch is, is dat Amerika een traditie heeft ingesteld waarin de rijkste consumenten in principe dezelfde dingen kopen als de armste".Het doel van Warhol was om dit ook te bereiken met kunst door middel van gestandaardiseerde productiemethoden.

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


De_schepping_van_Adam

Prompt: Focus op De_schepping_van_Adam en leg de abstract uit.

De schepping van Adam is een onderdeel van het fresco op het gewelf van de Sixtijnse Kapel in Vaticaanstad geschilderd door Michelangelo rond 1511.Het werk is de uitbeelding van het Bijbelse verhaal uit het boek Genesis waarin God de Vader leven blaast in Adam. Van de fresco's naar Genesis in de Sixtijnse Kapel is het chronologisch in het verhaal de vierde afbeelding. Michelangelo werkte deze fresco als een van de laatste in de reeks af. Het werk meet 5,7 bij 2,8 meter.

Bestand:Lightmatter Sistine Chapel ceiling.jpg


De_schepping_van_Adam

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, De_schepping_van_Adam.

De schepping van Adam is een onderdeel van het fresco op het gewelf van de Sixtijnse Kapel in Vaticaanstad geschilderd door Michelangelo rond 1511.Het werk is de uitbeelding van het Bijbelse verhaal uit het boek Genesis waarin God de Vader leven blaast in Adam. Van de fresco's naar Genesis in de Sixtijnse Kapel is het chronologisch in het verhaal de vierde afbeelding. Michelangelo werkte deze fresco als een van de laatste in de reeks af. Het werk meet 5,7 bij 2,8 meter.

Bestand:Lightmatter Sistine Chapel ceiling.jpg


De_schepping_van_Adam

Prompt: Hoe verklaart De_schepping_van_Adam zijn abstract?

De schepping van Adam is een onderdeel van het fresco op het gewelf van de Sixtijnse Kapel in Vaticaanstad geschilderd door Michelangelo rond 1511.Het werk is de uitbeelding van het Bijbelse verhaal uit het boek Genesis waarin God de Vader leven blaast in Adam. Van de fresco's naar Genesis in de Sixtijnse Kapel is het chronologisch in het verhaal de vierde afbeelding. Michelangelo werkte deze fresco als een van de laatste in de reeks af. Het werk meet 5,7 bij 2,8 meter.

Bestand:Lightmatter Sistine Chapel ceiling.jpg


De_schepping_van_Adam

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in De_schepping_van_Adam?

De schepping van Adam is een onderdeel van het fresco op het gewelf van de Sixtijnse Kapel in Vaticaanstad geschilderd door Michelangelo rond 1511.Het werk is de uitbeelding van het Bijbelse verhaal uit het boek Genesis waarin God de Vader leven blaast in Adam. Van de fresco's naar Genesis in de Sixtijnse Kapel is het chronologisch in het verhaal de vierde afbeelding. Michelangelo werkte deze fresco als een van de laatste in de reeks af. Het werk meet 5,7 bij 2,8 meter.

Bestand:Lightmatter Sistine Chapel ceiling.jpg


De_schepping_van_Adam

Prompt: Focus op De_schepping_van_Adam en leg de Analyse uit.

God wordt afgebeeld als een oudere man met witte baard, gekleed in een wervelende mantel terwijl Adam, linksonder op de afbeelding, volledig naakt is. Gods rechterarm is uitgestoken om een levensvonk van zijn eigen vinger over te dragen aan die van Adam, wiens linkerarm gespiegeld aan die van God is uitgespreid, een verwijzing naar de gedachte dat de mens is geschapen naar het beeld en de gelijkenis van God (Gen. 1:26). Een ander punt is dat de vingers elkaar niet aanraken. Het wekt de indruk dat God, de gever van het leven, het nog aan Adam moet gaan geven; ze zijn nog niet op "gelijke hoogte".Er bestaan veel hypothesen met betrekking tot de identiteit en betekenis van de twaalf personen rond God. De persoon beschermd door Gods linkerarm zou Eva kunnen zijn, gezien het vrouwelijke uiterlijk en de blik naar Adam. Andere suggesties zijn Jezus' moeder Maria, Sophia de godin van de wijsheid, de verpersoonlijkte menselijke ziel of een vrouwelijke engel.De schepping van Adam wordt over het algemeen gezien als verbeelding van het tekstfragment "En God schiep de mens naar Zijn beeld; naar het beeld van God schiep Hij hem" (Gen. 1:27). De inspiratie voor Michelangelo's behandeling van het onderwerp kan afkomstig zijn van een middeleeuwse hymne, "Veni Creator Spiritus", waarin gesproken wordt over de 'vinger van de vaderlijke rechterhand' (digitus paternae dexterae).

Bestand:Lightmatter Sistine Chapel ceiling.jpg


De_schepping_van_Adam

Prompt: Verklaar de Analyse van dit kunstwerk, De_schepping_van_Adam.

God wordt afgebeeld als een oudere man met witte baard, gekleed in een wervelende mantel terwijl Adam, linksonder op de afbeelding, volledig naakt is. Gods rechterarm is uitgestoken om een levensvonk van zijn eigen vinger over te dragen aan die van Adam, wiens linkerarm gespiegeld aan die van God is uitgespreid, een verwijzing naar de gedachte dat de mens is geschapen naar het beeld en de gelijkenis van God (Gen. 1:26). Een ander punt is dat de vingers elkaar niet aanraken. Het wekt de indruk dat God, de gever van het leven, het nog aan Adam moet gaan geven; ze zijn nog niet op "gelijke hoogte".Er bestaan veel hypothesen met betrekking tot de identiteit en betekenis van de twaalf personen rond God. De persoon beschermd door Gods linkerarm zou Eva kunnen zijn, gezien het vrouwelijke uiterlijk en de blik naar Adam. Andere suggesties zijn Jezus' moeder Maria, Sophia de godin van de wijsheid, de verpersoonlijkte menselijke ziel of een vrouwelijke engel.De schepping van Adam wordt over het algemeen gezien als verbeelding van het tekstfragment "En God schiep de mens naar Zijn beeld; naar het beeld van God schiep Hij hem" (Gen. 1:27). De inspiratie voor Michelangelo's behandeling van het onderwerp kan afkomstig zijn van een middeleeuwse hymne, "Veni Creator Spiritus", waarin gesproken wordt over de 'vinger van de vaderlijke rechterhand' (digitus paternae dexterae).

Bestand:Lightmatter Sistine Chapel ceiling.jpg


De_schepping_van_Adam

Prompt: Hoe verklaart De_schepping_van_Adam zijn Analyse?

God wordt afgebeeld als een oudere man met witte baard, gekleed in een wervelende mantel terwijl Adam, linksonder op de afbeelding, volledig naakt is. Gods rechterarm is uitgestoken om een levensvonk van zijn eigen vinger over te dragen aan die van Adam, wiens linkerarm gespiegeld aan die van God is uitgespreid, een verwijzing naar de gedachte dat de mens is geschapen naar het beeld en de gelijkenis van God (Gen. 1:26). Een ander punt is dat de vingers elkaar niet aanraken. Het wekt de indruk dat God, de gever van het leven, het nog aan Adam moet gaan geven; ze zijn nog niet op "gelijke hoogte".Er bestaan veel hypothesen met betrekking tot de identiteit en betekenis van de twaalf personen rond God. De persoon beschermd door Gods linkerarm zou Eva kunnen zijn, gezien het vrouwelijke uiterlijk en de blik naar Adam. Andere suggesties zijn Jezus' moeder Maria, Sophia de godin van de wijsheid, de verpersoonlijkte menselijke ziel of een vrouwelijke engel.De schepping van Adam wordt over het algemeen gezien als verbeelding van het tekstfragment "En God schiep de mens naar Zijn beeld; naar het beeld van God schiep Hij hem" (Gen. 1:27). De inspiratie voor Michelangelo's behandeling van het onderwerp kan afkomstig zijn van een middeleeuwse hymne, "Veni Creator Spiritus", waarin gesproken wordt over de 'vinger van de vaderlijke rechterhand' (digitus paternae dexterae).

Bestand:Lightmatter Sistine Chapel ceiling.jpg


De_schepping_van_Adam

Prompt: Hoe wordt de Analyse besproken in De_schepping_van_Adam?

God wordt afgebeeld als een oudere man met witte baard, gekleed in een wervelende mantel terwijl Adam, linksonder op de afbeelding, volledig naakt is. Gods rechterarm is uitgestoken om een levensvonk van zijn eigen vinger over te dragen aan die van Adam, wiens linkerarm gespiegeld aan die van God is uitgespreid, een verwijzing naar de gedachte dat de mens is geschapen naar het beeld en de gelijkenis van God (Gen. 1:26). Een ander punt is dat de vingers elkaar niet aanraken. Het wekt de indruk dat God, de gever van het leven, het nog aan Adam moet gaan geven; ze zijn nog niet op "gelijke hoogte".Er bestaan veel hypothesen met betrekking tot de identiteit en betekenis van de twaalf personen rond God. De persoon beschermd door Gods linkerarm zou Eva kunnen zijn, gezien het vrouwelijke uiterlijk en de blik naar Adam. Andere suggesties zijn Jezus' moeder Maria, Sophia de godin van de wijsheid, de verpersoonlijkte menselijke ziel of een vrouwelijke engel.De schepping van Adam wordt over het algemeen gezien als verbeelding van het tekstfragment "En God schiep de mens naar Zijn beeld; naar het beeld van God schiep Hij hem" (Gen. 1:27). De inspiratie voor Michelangelo's behandeling van het onderwerp kan afkomstig zijn van een middeleeuwse hymne, "Veni Creator Spiritus", waarin gesproken wordt over de 'vinger van de vaderlijke rechterhand' (digitus paternae dexterae).

Bestand:Lightmatter Sistine Chapel ceiling.jpg


De_schepping_van_Adam

Prompt: Focus op De_schepping_van_Adam en leg de Referentie uit.

Dit artikel of een eerdere versie ervan is een (gedeeltelijke) vertaling van het artikel The Creation of Adam op de Engelstalige Wikipedia, dat onder de licentie Creative Commons Naamsvermelding/Gelijk delen valt. Zie de bewerkingsgeschiedenis aldaar.

Bestand:Lightmatter Sistine Chapel ceiling.jpg


De_schepping_van_Adam

Prompt: Verklaar de Referentie van dit kunstwerk, De_schepping_van_Adam.

Dit artikel of een eerdere versie ervan is een (gedeeltelijke) vertaling van het artikel The Creation of Adam op de Engelstalige Wikipedia, dat onder de licentie Creative Commons Naamsvermelding/Gelijk delen valt. Zie de bewerkingsgeschiedenis aldaar.

Bestand:Lightmatter Sistine Chapel ceiling.jpg


De_schepping_van_Adam

Prompt: Hoe verklaart De_schepping_van_Adam zijn Referentie?

Dit artikel of een eerdere versie ervan is een (gedeeltelijke) vertaling van het artikel The Creation of Adam op de Engelstalige Wikipedia, dat onder de licentie Creative Commons Naamsvermelding/Gelijk delen valt. Zie de bewerkingsgeschiedenis aldaar.

Bestand:Lightmatter Sistine Chapel ceiling.jpg


De_schepping_van_Adam

Prompt: Hoe wordt de Referentie besproken in De_schepping_van_Adam?

Dit artikel of een eerdere versie ervan is een (gedeeltelijke) vertaling van het artikel The Creation of Adam op de Engelstalige Wikipedia, dat onder de licentie Creative Commons Naamsvermelding/Gelijk delen valt. Zie de bewerkingsgeschiedenis aldaar.

Bestand:Lightmatter Sistine Chapel ceiling.jpg


Het_vlot_van_de_Medusa

Prompt: Focus op Het_vlot_van_de_Medusa en leg de abstract uit.

Het Vlot van de Medusa (Le radeau de la Méduse) kan verwijzen naar:Het vlot van de Medusa (schilderij), een schilderij van Théodore Géricault uit 1818Le radeau de la Méduse (film), een film van Iradj Azimi uit 1994Het vlot van de Medusa of Hoe leren we dat beest fatsoenlijk spreken?, een hoorspel van Konrad Hansen uit 1973


Het_vlot_van_de_Medusa

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Het_vlot_van_de_Medusa.

Het Vlot van de Medusa (Le radeau de la Méduse) kan verwijzen naar:Het vlot van de Medusa (schilderij), een schilderij van Théodore Géricault uit 1818Le radeau de la Méduse (film), een film van Iradj Azimi uit 1994Het vlot van de Medusa of Hoe leren we dat beest fatsoenlijk spreken?, een hoorspel van Konrad Hansen uit 1973


Het_vlot_van_de_Medusa

Prompt: Hoe verklaart Het_vlot_van_de_Medusa zijn abstract?

Het Vlot van de Medusa (Le radeau de la Méduse) kan verwijzen naar:Het vlot van de Medusa (schilderij), een schilderij van Théodore Géricault uit 1818Le radeau de la Méduse (film), een film van Iradj Azimi uit 1994Het vlot van de Medusa of Hoe leren we dat beest fatsoenlijk spreken?, een hoorspel van Konrad Hansen uit 1973


Het_vlot_van_de_Medusa

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Het_vlot_van_de_Medusa?

Het Vlot van de Medusa (Le radeau de la Méduse) kan verwijzen naar:Het vlot van de Medusa (schilderij), een schilderij van Théodore Géricault uit 1818Le radeau de la Méduse (film), een film van Iradj Azimi uit 1994Het vlot van de Medusa of Hoe leren we dat beest fatsoenlijk spreken?, een hoorspel van Konrad Hansen uit 1973


Laocoöngroep

Prompt: Focus op Laocoöngroep en leg de abstract uit.

De Laocoöngroep, ook wel Laocoön en zijn zoons genoemd, is een marmeren beeldengroep, mogelijk uit de periode 40-20 v.Chr., die in 1506 werd gevonden in een wijngaard in Rome. De Romeinse schrijver Plinius beschreef een beeldengroep met dit onderwerp die stond in het paleis van keizer Titus en werd gemaakt door Hagesander, Polydorus en Athenodorus van Rodos. De Laocoöngroep staat nu in de Vaticaanse musea in Vaticaanstad en is een van de pronkstukken van de Vaticaanse collectie.De Laocoöngroep is een van de beroemdste beeldengroepen uit de Oud-Griekse beeldhouwkunst. Het beeld stelt de Trojaanse priester en ziener Laocoön met zijn twee zoons, Thymbraeus en Antiphantes, voor. Het beeld staat in het Museo Pio-Clementino in de Vaticaanse Musea in Rome.Het verhaal achter deze afbeelding is dat de Trojaanse priester Laocoön de Trojanen wilde waarschuwen om het paard van Troje niet binnen te halen. Volgens de overlevering werden de priester en zijn zoons vervolgens gewurgd door slangen van Poseidon. Uitgebeeld wordt het moment waarop Laocoön en zijn zoons gewurgd worden door twee slangen die gestuurd zijn door Poseidon (of Pallas Athena).

Categorie:Archeologische vondst in Europa

Categorie:Werk gebaseerd op Grieks-Romeinse mythologie

De beeldengroep ''Laocoön en zijn zoons'' in de [[Vaticaanse musea

Nero Claudius Caesar Augustus Germanicus


Laocoöngroep

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Laocoöngroep.

De Laocoöngroep, ook wel Laocoön en zijn zoons genoemd, is een marmeren beeldengroep, mogelijk uit de periode 40-20 v.Chr., die in 1506 werd gevonden in een wijngaard in Rome. De Romeinse schrijver Plinius beschreef een beeldengroep met dit onderwerp die stond in het paleis van keizer Titus en werd gemaakt door Hagesander, Polydorus en Athenodorus van Rodos. De Laocoöngroep staat nu in de Vaticaanse musea in Vaticaanstad en is een van de pronkstukken van de Vaticaanse collectie.De Laocoöngroep is een van de beroemdste beeldengroepen uit de Oud-Griekse beeldhouwkunst. Het beeld stelt de Trojaanse priester en ziener Laocoön met zijn twee zoons, Thymbraeus en Antiphantes, voor. Het beeld staat in het Museo Pio-Clementino in de Vaticaanse Musea in Rome.Het verhaal achter deze afbeelding is dat de Trojaanse priester Laocoön de Trojanen wilde waarschuwen om het paard van Troje niet binnen te halen. Volgens de overlevering werden de priester en zijn zoons vervolgens gewurgd door slangen van Poseidon. Uitgebeeld wordt het moment waarop Laocoön en zijn zoons gewurgd worden door twee slangen die gestuurd zijn door Poseidon (of Pallas Athena).

Categorie:Archeologische vondst in Europa

Categorie:Werk gebaseerd op Grieks-Romeinse mythologie

De beeldengroep ''Laocoön en zijn zoons'' in de [[Vaticaanse musea

Nero Claudius Caesar Augustus Germanicus


Laocoöngroep

Prompt: Hoe verklaart Laocoöngroep zijn abstract?

De Laocoöngroep, ook wel Laocoön en zijn zoons genoemd, is een marmeren beeldengroep, mogelijk uit de periode 40-20 v.Chr., die in 1506 werd gevonden in een wijngaard in Rome. De Romeinse schrijver Plinius beschreef een beeldengroep met dit onderwerp die stond in het paleis van keizer Titus en werd gemaakt door Hagesander, Polydorus en Athenodorus van Rodos. De Laocoöngroep staat nu in de Vaticaanse musea in Vaticaanstad en is een van de pronkstukken van de Vaticaanse collectie.De Laocoöngroep is een van de beroemdste beeldengroepen uit de Oud-Griekse beeldhouwkunst. Het beeld stelt de Trojaanse priester en ziener Laocoön met zijn twee zoons, Thymbraeus en Antiphantes, voor. Het beeld staat in het Museo Pio-Clementino in de Vaticaanse Musea in Rome.Het verhaal achter deze afbeelding is dat de Trojaanse priester Laocoön de Trojanen wilde waarschuwen om het paard van Troje niet binnen te halen. Volgens de overlevering werden de priester en zijn zoons vervolgens gewurgd door slangen van Poseidon. Uitgebeeld wordt het moment waarop Laocoön en zijn zoons gewurgd worden door twee slangen die gestuurd zijn door Poseidon (of Pallas Athena).

Categorie:Archeologische vondst in Europa

Categorie:Werk gebaseerd op Grieks-Romeinse mythologie

De beeldengroep ''Laocoön en zijn zoons'' in de [[Vaticaanse musea

Nero Claudius Caesar Augustus Germanicus


Laocoöngroep

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Laocoöngroep?

De Laocoöngroep, ook wel Laocoön en zijn zoons genoemd, is een marmeren beeldengroep, mogelijk uit de periode 40-20 v.Chr., die in 1506 werd gevonden in een wijngaard in Rome. De Romeinse schrijver Plinius beschreef een beeldengroep met dit onderwerp die stond in het paleis van keizer Titus en werd gemaakt door Hagesander, Polydorus en Athenodorus van Rodos. De Laocoöngroep staat nu in de Vaticaanse musea in Vaticaanstad en is een van de pronkstukken van de Vaticaanse collectie.De Laocoöngroep is een van de beroemdste beeldengroepen uit de Oud-Griekse beeldhouwkunst. Het beeld stelt de Trojaanse priester en ziener Laocoön met zijn twee zoons, Thymbraeus en Antiphantes, voor. Het beeld staat in het Museo Pio-Clementino in de Vaticaanse Musea in Rome.Het verhaal achter deze afbeelding is dat de Trojaanse priester Laocoön de Trojanen wilde waarschuwen om het paard van Troje niet binnen te halen. Volgens de overlevering werden de priester en zijn zoons vervolgens gewurgd door slangen van Poseidon. Uitgebeeld wordt het moment waarop Laocoön en zijn zoons gewurgd worden door twee slangen die gestuurd zijn door Poseidon (of Pallas Athena).

Categorie:Archeologische vondst in Europa

Categorie:Werk gebaseerd op Grieks-Romeinse mythologie

De beeldengroep ''Laocoön en zijn zoons'' in de [[Vaticaanse musea

Nero Claudius Caesar Augustus Germanicus


Laocoöngroep

Prompt: Focus op Laocoöngroep en leg de Beeldhouwstijl uit.

Het beeld stamt uit de laat-hellenistische periode (die liep van ongeveer 350 tot 30 voor Christus). Tijdens die periode wilden kunstenaars 'echte' mensen weergeven, in plaats van perfecte goden en godinnen. Ook moesten de kunstwerken emotie en actie uitdrukken. In het beeld zit een duidelijke driehoekscompositie, die gevormd wordt door de hoofden van de drie figuren. Het is volledig gemaakt uit marmer en is 184 cm groot.

Categorie:Archeologische vondst in Europa

Categorie:Werk gebaseerd op Grieks-Romeinse mythologie

De beeldengroep ''Laocoön en zijn zoons'' in de [[Vaticaanse musea

Nero Claudius Caesar Augustus Germanicus


Laocoöngroep

Prompt: Verklaar de Beeldhouwstijl van dit kunstwerk, Laocoöngroep.

Het beeld stamt uit de laat-hellenistische periode (die liep van ongeveer 350 tot 30 voor Christus). Tijdens die periode wilden kunstenaars 'echte' mensen weergeven, in plaats van perfecte goden en godinnen. Ook moesten de kunstwerken emotie en actie uitdrukken. In het beeld zit een duidelijke driehoekscompositie, die gevormd wordt door de hoofden van de drie figuren. Het is volledig gemaakt uit marmer en is 184 cm groot.

Categorie:Archeologische vondst in Europa

Categorie:Werk gebaseerd op Grieks-Romeinse mythologie

De beeldengroep ''Laocoön en zijn zoons'' in de [[Vaticaanse musea

Nero Claudius Caesar Augustus Germanicus


Laocoöngroep

Prompt: Hoe verklaart Laocoöngroep zijn Beeldhouwstijl?

Het beeld stamt uit de laat-hellenistische periode (die liep van ongeveer 350 tot 30 voor Christus). Tijdens die periode wilden kunstenaars 'echte' mensen weergeven, in plaats van perfecte goden en godinnen. Ook moesten de kunstwerken emotie en actie uitdrukken. In het beeld zit een duidelijke driehoekscompositie, die gevormd wordt door de hoofden van de drie figuren. Het is volledig gemaakt uit marmer en is 184 cm groot.

Categorie:Archeologische vondst in Europa

Categorie:Werk gebaseerd op Grieks-Romeinse mythologie

De beeldengroep ''Laocoön en zijn zoons'' in de [[Vaticaanse musea

Nero Claudius Caesar Augustus Germanicus


Laocoöngroep

Prompt: Hoe wordt de Beeldhouwstijl besproken in Laocoöngroep?

Het beeld stamt uit de laat-hellenistische periode (die liep van ongeveer 350 tot 30 voor Christus). Tijdens die periode wilden kunstenaars 'echte' mensen weergeven, in plaats van perfecte goden en godinnen. Ook moesten de kunstwerken emotie en actie uitdrukken. In het beeld zit een duidelijke driehoekscompositie, die gevormd wordt door de hoofden van de drie figuren. Het is volledig gemaakt uit marmer en is 184 cm groot.

Categorie:Archeologische vondst in Europa

Categorie:Werk gebaseerd op Grieks-Romeinse mythologie

De beeldengroep ''Laocoön en zijn zoons'' in de [[Vaticaanse musea

Nero Claudius Caesar Augustus Germanicus


Laocoöngroep

Prompt: Focus op Laocoöngroep en leg de Geschiedenis van het beeld uit.

Nadat het een paar decennia voor Christus was vervaardigd op Rodos, heeft het beeld in Rome gestaan; vermoedelijk zelfs in de Domus Aurea van keizer Nero. Keizer Vespasianus heeft het beeld ook in zijn bezit gehad. Op 14 januari 1506 werd de beeldengroep teruggevonden tijdens het omspitten van een wijngaard in Rome, niet ver van Nero's Domus Aurea, en in het Vaticaan geplaatst.Toen het beeld gevonden werd, ontbraken er enkele stukken: het opvallendste was Laocoöns rechterarm, die bij de schouder afgebroken was. Paus Julius II hield een wedstrijd, door Raphael gejureerd, waarbij men de houding van de arm kon bepalen. Een uitgestrekte arm won de wedstrijd, hoewel Michelangelo van mening was dat de arm gebogen achter Laocoöns achterhoofd moest zitten. De opvolger van Julius II, Paus Leo X, liet het beeld met de uitgestrekte arm door Bandinelli meermalen kopiëren in brons.Na Napoleon Bonapartes verovering van Italië in 1799 werd de beeldengroep verplaatst naar het Louvre in Parijs.Daar bleef het, tot Napoleons definitieve nederlaag in de slag bij Waterloo in 1815. Toen zonden de Britten het beeld terug naar het Vaticaan, waar het in januari 1816 weer aankwam. In 1906 vond de Duitse archeoloog en kunsthandelaar Ludwig Pollak een gebogen rechterarm. Gelet op de verwante stijl werd hierin de ontbrekende arm van Laocoön herkend. In 1957 werd de uitgestrekte arm verwijderd en het origineel herbevestigd. De toeschrijving is niet onbetwist, gelet op een kleurverschil en het ontbreken van een passende breuk.

Categorie:Archeologische vondst in Europa

Categorie:Werk gebaseerd op Grieks-Romeinse mythologie

De beeldengroep ''Laocoön en zijn zoons'' in de [[Vaticaanse musea

Nero Claudius Caesar Augustus Germanicus


Laocoöngroep

Prompt: Verklaar de Geschiedenis van het beeld van dit kunstwerk, Laocoöngroep.

Nadat het een paar decennia voor Christus was vervaardigd op Rodos, heeft het beeld in Rome gestaan; vermoedelijk zelfs in de Domus Aurea van keizer Nero. Keizer Vespasianus heeft het beeld ook in zijn bezit gehad. Op 14 januari 1506 werd de beeldengroep teruggevonden tijdens het omspitten van een wijngaard in Rome, niet ver van Nero's Domus Aurea, en in het Vaticaan geplaatst.Toen het beeld gevonden werd, ontbraken er enkele stukken: het opvallendste was Laocoöns rechterarm, die bij de schouder afgebroken was. Paus Julius II hield een wedstrijd, door Raphael gejureerd, waarbij men de houding van de arm kon bepalen. Een uitgestrekte arm won de wedstrijd, hoewel Michelangelo van mening was dat de arm gebogen achter Laocoöns achterhoofd moest zitten. De opvolger van Julius II, Paus Leo X, liet het beeld met de uitgestrekte arm door Bandinelli meermalen kopiëren in brons.Na Napoleon Bonapartes verovering van Italië in 1799 werd de beeldengroep verplaatst naar het Louvre in Parijs.Daar bleef het, tot Napoleons definitieve nederlaag in de slag bij Waterloo in 1815. Toen zonden de Britten het beeld terug naar het Vaticaan, waar het in januari 1816 weer aankwam. In 1906 vond de Duitse archeoloog en kunsthandelaar Ludwig Pollak een gebogen rechterarm. Gelet op de verwante stijl werd hierin de ontbrekende arm van Laocoön herkend. In 1957 werd de uitgestrekte arm verwijderd en het origineel herbevestigd. De toeschrijving is niet onbetwist, gelet op een kleurverschil en het ontbreken van een passende breuk.

Categorie:Archeologische vondst in Europa

Categorie:Werk gebaseerd op Grieks-Romeinse mythologie

De beeldengroep ''Laocoön en zijn zoons'' in de [[Vaticaanse musea

Nero Claudius Caesar Augustus Germanicus


Laocoöngroep

Prompt: Hoe verklaart Laocoöngroep zijn Geschiedenis van het beeld?

Nadat het een paar decennia voor Christus was vervaardigd op Rodos, heeft het beeld in Rome gestaan; vermoedelijk zelfs in de Domus Aurea van keizer Nero. Keizer Vespasianus heeft het beeld ook in zijn bezit gehad. Op 14 januari 1506 werd de beeldengroep teruggevonden tijdens het omspitten van een wijngaard in Rome, niet ver van Nero's Domus Aurea, en in het Vaticaan geplaatst.Toen het beeld gevonden werd, ontbraken er enkele stukken: het opvallendste was Laocoöns rechterarm, die bij de schouder afgebroken was. Paus Julius II hield een wedstrijd, door Raphael gejureerd, waarbij men de houding van de arm kon bepalen. Een uitgestrekte arm won de wedstrijd, hoewel Michelangelo van mening was dat de arm gebogen achter Laocoöns achterhoofd moest zitten. De opvolger van Julius II, Paus Leo X, liet het beeld met de uitgestrekte arm door Bandinelli meermalen kopiëren in brons.Na Napoleon Bonapartes verovering van Italië in 1799 werd de beeldengroep verplaatst naar het Louvre in Parijs.Daar bleef het, tot Napoleons definitieve nederlaag in de slag bij Waterloo in 1815. Toen zonden de Britten het beeld terug naar het Vaticaan, waar het in januari 1816 weer aankwam. In 1906 vond de Duitse archeoloog en kunsthandelaar Ludwig Pollak een gebogen rechterarm. Gelet op de verwante stijl werd hierin de ontbrekende arm van Laocoön herkend. In 1957 werd de uitgestrekte arm verwijderd en het origineel herbevestigd. De toeschrijving is niet onbetwist, gelet op een kleurverschil en het ontbreken van een passende breuk.

Categorie:Archeologische vondst in Europa

Categorie:Werk gebaseerd op Grieks-Romeinse mythologie

De beeldengroep ''Laocoön en zijn zoons'' in de [[Vaticaanse musea

Nero Claudius Caesar Augustus Germanicus


Laocoöngroep

Prompt: Hoe wordt de Geschiedenis van het beeld besproken in Laocoöngroep?

Nadat het een paar decennia voor Christus was vervaardigd op Rodos, heeft het beeld in Rome gestaan; vermoedelijk zelfs in de Domus Aurea van keizer Nero. Keizer Vespasianus heeft het beeld ook in zijn bezit gehad. Op 14 januari 1506 werd de beeldengroep teruggevonden tijdens het omspitten van een wijngaard in Rome, niet ver van Nero's Domus Aurea, en in het Vaticaan geplaatst.Toen het beeld gevonden werd, ontbraken er enkele stukken: het opvallendste was Laocoöns rechterarm, die bij de schouder afgebroken was. Paus Julius II hield een wedstrijd, door Raphael gejureerd, waarbij men de houding van de arm kon bepalen. Een uitgestrekte arm won de wedstrijd, hoewel Michelangelo van mening was dat de arm gebogen achter Laocoöns achterhoofd moest zitten. De opvolger van Julius II, Paus Leo X, liet het beeld met de uitgestrekte arm door Bandinelli meermalen kopiëren in brons.Na Napoleon Bonapartes verovering van Italië in 1799 werd de beeldengroep verplaatst naar het Louvre in Parijs.Daar bleef het, tot Napoleons definitieve nederlaag in de slag bij Waterloo in 1815. Toen zonden de Britten het beeld terug naar het Vaticaan, waar het in januari 1816 weer aankwam. In 1906 vond de Duitse archeoloog en kunsthandelaar Ludwig Pollak een gebogen rechterarm. Gelet op de verwante stijl werd hierin de ontbrekende arm van Laocoön herkend. In 1957 werd de uitgestrekte arm verwijderd en het origineel herbevestigd. De toeschrijving is niet onbetwist, gelet op een kleurverschil en het ontbreken van een passende breuk.

Categorie:Archeologische vondst in Europa

Categorie:Werk gebaseerd op Grieks-Romeinse mythologie

De beeldengroep ''Laocoön en zijn zoons'' in de [[Vaticaanse musea

Nero Claudius Caesar Augustus Germanicus


Laocoöngroep

Prompt: Focus op Laocoöngroep en leg de Inspiratiebron uit.

Het verhaal van Laocoön en zijn zoons heeft vele kunstenaars tijdens de Renaissance geïnspireerd. Niet de minste was Michelangelo, die voor zijn beeld de Stervende Slaaf duidelijk de vorm van Laocoön heeft overgenomen (mét de arm gebogen achter het hoofd).Gotthold Ephraim Lessing vergelijkt in Laokoon oder Über die Grenzen der Malerei und Poesie een uitbeelding van de dood van Laocoön met een beroemde, in Rome gevonden, beeldengroep met een beschrijving van datzelfde onderwerp in Vergilius' Aeneis. Het wezenlijke verschil tussen beide benaderingen is volgens Lessing dat die van de poëzie duidelijk een voortschrijdende handeling is, waarvan de verschillende delen na elkaar, chronologisch, gebeuren, de ander daarentegen (die van de beeldende kunsten in het algemeen) duidelijk een statische handeling, waarvan de verschillende delen zich naast elkaar in de ruimte ontwikkelen. Poëzie is "tijdkunst", de beeldende kunsten zijn "ruimtekunst".Johann Wolfgang von Goethe zag in de Laocoöngroep een patroon van symmetrie en menigvuldigheid, en van rust en beweging.Voor Johann Winckelmann, grondlegger van de (klassieke) archeologie, straalde Laocoöns beeld sereniteit en passie uit in plaats van angst. Bekend citaat: “edle Einfalt und stille Größe”Schopenhauer haalt in De wereld als wil en voorstelling tijdens zijn uiteenzetting over beeldhouwkunst de discussie aan die er is geweest over het niet schreeuwen van Laocoön in deze beeldengroep. De meningen van Lessing, Goethe en Winckelmann worden aangehaald en tegengesproken. Volgens Schopenhauer is de verklaring voor het niet schreeuwen van Laocoön dat het uitbeelden van schreeuwen buiten het domein van de beeldhouwkunst valt. Een gebeeldhouwde schreeuw, zonder het geluid, zou zelfs lachwekkend overkomen, aldus Schopenhauer.

Categorie:Archeologische vondst in Europa

Categorie:Werk gebaseerd op Grieks-Romeinse mythologie

De beeldengroep ''Laocoön en zijn zoons'' in de [[Vaticaanse musea

Nero Claudius Caesar Augustus Germanicus


Laocoöngroep

Prompt: Verklaar de Inspiratiebron van dit kunstwerk, Laocoöngroep.

Het verhaal van Laocoön en zijn zoons heeft vele kunstenaars tijdens de Renaissance geïnspireerd. Niet de minste was Michelangelo, die voor zijn beeld de Stervende Slaaf duidelijk de vorm van Laocoön heeft overgenomen (mét de arm gebogen achter het hoofd).Gotthold Ephraim Lessing vergelijkt in Laokoon oder Über die Grenzen der Malerei und Poesie een uitbeelding van de dood van Laocoön met een beroemde, in Rome gevonden, beeldengroep met een beschrijving van datzelfde onderwerp in Vergilius' Aeneis. Het wezenlijke verschil tussen beide benaderingen is volgens Lessing dat die van de poëzie duidelijk een voortschrijdende handeling is, waarvan de verschillende delen na elkaar, chronologisch, gebeuren, de ander daarentegen (die van de beeldende kunsten in het algemeen) duidelijk een statische handeling, waarvan de verschillende delen zich naast elkaar in de ruimte ontwikkelen. Poëzie is "tijdkunst", de beeldende kunsten zijn "ruimtekunst".Johann Wolfgang von Goethe zag in de Laocoöngroep een patroon van symmetrie en menigvuldigheid, en van rust en beweging.Voor Johann Winckelmann, grondlegger van de (klassieke) archeologie, straalde Laocoöns beeld sereniteit en passie uit in plaats van angst. Bekend citaat: “edle Einfalt und stille Größe”Schopenhauer haalt in De wereld als wil en voorstelling tijdens zijn uiteenzetting over beeldhouwkunst de discussie aan die er is geweest over het niet schreeuwen van Laocoön in deze beeldengroep. De meningen van Lessing, Goethe en Winckelmann worden aangehaald en tegengesproken. Volgens Schopenhauer is de verklaring voor het niet schreeuwen van Laocoön dat het uitbeelden van schreeuwen buiten het domein van de beeldhouwkunst valt. Een gebeeldhouwde schreeuw, zonder het geluid, zou zelfs lachwekkend overkomen, aldus Schopenhauer.

Categorie:Archeologische vondst in Europa

Categorie:Werk gebaseerd op Grieks-Romeinse mythologie

De beeldengroep ''Laocoön en zijn zoons'' in de [[Vaticaanse musea

Nero Claudius Caesar Augustus Germanicus


Laocoöngroep

Prompt: Hoe verklaart Laocoöngroep zijn Inspiratiebron?

Het verhaal van Laocoön en zijn zoons heeft vele kunstenaars tijdens de Renaissance geïnspireerd. Niet de minste was Michelangelo, die voor zijn beeld de Stervende Slaaf duidelijk de vorm van Laocoön heeft overgenomen (mét de arm gebogen achter het hoofd).Gotthold Ephraim Lessing vergelijkt in Laokoon oder Über die Grenzen der Malerei und Poesie een uitbeelding van de dood van Laocoön met een beroemde, in Rome gevonden, beeldengroep met een beschrijving van datzelfde onderwerp in Vergilius' Aeneis. Het wezenlijke verschil tussen beide benaderingen is volgens Lessing dat die van de poëzie duidelijk een voortschrijdende handeling is, waarvan de verschillende delen na elkaar, chronologisch, gebeuren, de ander daarentegen (die van de beeldende kunsten in het algemeen) duidelijk een statische handeling, waarvan de verschillende delen zich naast elkaar in de ruimte ontwikkelen. Poëzie is "tijdkunst", de beeldende kunsten zijn "ruimtekunst".Johann Wolfgang von Goethe zag in de Laocoöngroep een patroon van symmetrie en menigvuldigheid, en van rust en beweging.Voor Johann Winckelmann, grondlegger van de (klassieke) archeologie, straalde Laocoöns beeld sereniteit en passie uit in plaats van angst. Bekend citaat: “edle Einfalt und stille Größe”Schopenhauer haalt in De wereld als wil en voorstelling tijdens zijn uiteenzetting over beeldhouwkunst de discussie aan die er is geweest over het niet schreeuwen van Laocoön in deze beeldengroep. De meningen van Lessing, Goethe en Winckelmann worden aangehaald en tegengesproken. Volgens Schopenhauer is de verklaring voor het niet schreeuwen van Laocoön dat het uitbeelden van schreeuwen buiten het domein van de beeldhouwkunst valt. Een gebeeldhouwde schreeuw, zonder het geluid, zou zelfs lachwekkend overkomen, aldus Schopenhauer.

Categorie:Archeologische vondst in Europa

Categorie:Werk gebaseerd op Grieks-Romeinse mythologie

De beeldengroep ''Laocoön en zijn zoons'' in de [[Vaticaanse musea

Nero Claudius Caesar Augustus Germanicus


Laocoöngroep

Prompt: Hoe wordt de Inspiratiebron besproken in Laocoöngroep?

Het verhaal van Laocoön en zijn zoons heeft vele kunstenaars tijdens de Renaissance geïnspireerd. Niet de minste was Michelangelo, die voor zijn beeld de Stervende Slaaf duidelijk de vorm van Laocoön heeft overgenomen (mét de arm gebogen achter het hoofd).Gotthold Ephraim Lessing vergelijkt in Laokoon oder Über die Grenzen der Malerei und Poesie een uitbeelding van de dood van Laocoön met een beroemde, in Rome gevonden, beeldengroep met een beschrijving van datzelfde onderwerp in Vergilius' Aeneis. Het wezenlijke verschil tussen beide benaderingen is volgens Lessing dat die van de poëzie duidelijk een voortschrijdende handeling is, waarvan de verschillende delen na elkaar, chronologisch, gebeuren, de ander daarentegen (die van de beeldende kunsten in het algemeen) duidelijk een statische handeling, waarvan de verschillende delen zich naast elkaar in de ruimte ontwikkelen. Poëzie is "tijdkunst", de beeldende kunsten zijn "ruimtekunst".Johann Wolfgang von Goethe zag in de Laocoöngroep een patroon van symmetrie en menigvuldigheid, en van rust en beweging.Voor Johann Winckelmann, grondlegger van de (klassieke) archeologie, straalde Laocoöns beeld sereniteit en passie uit in plaats van angst. Bekend citaat: “edle Einfalt und stille Größe”Schopenhauer haalt in De wereld als wil en voorstelling tijdens zijn uiteenzetting over beeldhouwkunst de discussie aan die er is geweest over het niet schreeuwen van Laocoön in deze beeldengroep. De meningen van Lessing, Goethe en Winckelmann worden aangehaald en tegengesproken. Volgens Schopenhauer is de verklaring voor het niet schreeuwen van Laocoön dat het uitbeelden van schreeuwen buiten het domein van de beeldhouwkunst valt. Een gebeeldhouwde schreeuw, zonder het geluid, zou zelfs lachwekkend overkomen, aldus Schopenhauer.

Categorie:Archeologische vondst in Europa

Categorie:Werk gebaseerd op Grieks-Romeinse mythologie

De beeldengroep ''Laocoön en zijn zoons'' in de [[Vaticaanse musea

Nero Claudius Caesar Augustus Germanicus


Pale_Blue_Dot

Prompt: Focus op Pale_Blue_Dot en leg de abstract uit.

Pale Blue Dot is een foto genomen door de ruimtesonde Voyager 1 van de aarde op een recordafstand van 40 AU (6 miljard kilometer). De foto werd op 14 februari 1990 gemaakt als onderdeel van een “familieportret” van de planeten in het zonnestelsel. Het toont aan hoe klein de Aarde (0,12 pixels op de foto) is tegenover de uitgestrektheid van het heelal.Hoewel Voyager 1 zijn primaire opdracht voltooid had en onderweg was het zonnestelsel te verlaten, werd (op vraag van Carl Sagan) door NASA de camera gedraaid om een foto te nemen van de aarde met de grote uitgestrektheid van het heelal als achtergrond.De naam van de foto werd in 1994 door Sagan gebruikt als titel van zijn boek Pale Blue Dot: A Vision of the Human Future in Space.

6 miljard}} kilometer) is een klein blauw puntje (rechts op de foto ongeveer halverwege de bruine band) in de duisternis van het uitgestrekte heelal. De gekleurde banden op de foto zijn verstrooiingen van het zonlicht in de lens, als gevolg van de relatieve nabijheid van de Zon bij de Aarde.

National Aeronautics and Space Administration

alt=Donker grijze en zwarte statische ruis met verticale regenboog strepen over een deel van het beeld. Het kleine blauwe puntje is nauwelijks zichtbaar.


Pale_Blue_Dot

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Pale_Blue_Dot.

Pale Blue Dot is een foto genomen door de ruimtesonde Voyager 1 van de aarde op een recordafstand van 40 AU (6 miljard kilometer). De foto werd op 14 februari 1990 gemaakt als onderdeel van een “familieportret” van de planeten in het zonnestelsel. Het toont aan hoe klein de Aarde (0,12 pixels op de foto) is tegenover de uitgestrektheid van het heelal.Hoewel Voyager 1 zijn primaire opdracht voltooid had en onderweg was het zonnestelsel te verlaten, werd (op vraag van Carl Sagan) door NASA de camera gedraaid om een foto te nemen van de aarde met de grote uitgestrektheid van het heelal als achtergrond.De naam van de foto werd in 1994 door Sagan gebruikt als titel van zijn boek Pale Blue Dot: A Vision of the Human Future in Space.

6 miljard}} kilometer) is een klein blauw puntje (rechts op de foto ongeveer halverwege de bruine band) in de duisternis van het uitgestrekte heelal. De gekleurde banden op de foto zijn verstrooiingen van het zonlicht in de lens, als gevolg van de relatieve nabijheid van de Zon bij de Aarde.

National Aeronautics and Space Administration

alt=Donker grijze en zwarte statische ruis met verticale regenboog strepen over een deel van het beeld. Het kleine blauwe puntje is nauwelijks zichtbaar.


Pale_Blue_Dot

Prompt: Hoe verklaart Pale_Blue_Dot zijn abstract?

Pale Blue Dot is een foto genomen door de ruimtesonde Voyager 1 van de aarde op een recordafstand van 40 AU (6 miljard kilometer). De foto werd op 14 februari 1990 gemaakt als onderdeel van een “familieportret” van de planeten in het zonnestelsel. Het toont aan hoe klein de Aarde (0,12 pixels op de foto) is tegenover de uitgestrektheid van het heelal.Hoewel Voyager 1 zijn primaire opdracht voltooid had en onderweg was het zonnestelsel te verlaten, werd (op vraag van Carl Sagan) door NASA de camera gedraaid om een foto te nemen van de aarde met de grote uitgestrektheid van het heelal als achtergrond.De naam van de foto werd in 1994 door Sagan gebruikt als titel van zijn boek Pale Blue Dot: A Vision of the Human Future in Space.

6 miljard}} kilometer) is een klein blauw puntje (rechts op de foto ongeveer halverwege de bruine band) in de duisternis van het uitgestrekte heelal. De gekleurde banden op de foto zijn verstrooiingen van het zonlicht in de lens, als gevolg van de relatieve nabijheid van de Zon bij de Aarde.

National Aeronautics and Space Administration

alt=Donker grijze en zwarte statische ruis met verticale regenboog strepen over een deel van het beeld. Het kleine blauwe puntje is nauwelijks zichtbaar.


Pale_Blue_Dot

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Pale_Blue_Dot?

Pale Blue Dot is een foto genomen door de ruimtesonde Voyager 1 van de aarde op een recordafstand van 40 AU (6 miljard kilometer). De foto werd op 14 februari 1990 gemaakt als onderdeel van een “familieportret” van de planeten in het zonnestelsel. Het toont aan hoe klein de Aarde (0,12 pixels op de foto) is tegenover de uitgestrektheid van het heelal.Hoewel Voyager 1 zijn primaire opdracht voltooid had en onderweg was het zonnestelsel te verlaten, werd (op vraag van Carl Sagan) door NASA de camera gedraaid om een foto te nemen van de aarde met de grote uitgestrektheid van het heelal als achtergrond.De naam van de foto werd in 1994 door Sagan gebruikt als titel van zijn boek Pale Blue Dot: A Vision of the Human Future in Space.

6 miljard}} kilometer) is een klein blauw puntje (rechts op de foto ongeveer halverwege de bruine band) in de duisternis van het uitgestrekte heelal. De gekleurde banden op de foto zijn verstrooiingen van het zonlicht in de lens, als gevolg van de relatieve nabijheid van de Zon bij de Aarde.

National Aeronautics and Space Administration

alt=Donker grijze en zwarte statische ruis met verticale regenboog strepen over een deel van het beeld. Het kleine blauwe puntje is nauwelijks zichtbaar.


Pale_Blue_Dot

Prompt: Focus op Pale_Blue_Dot en leg de Reflecties uit.

In zijn boek uit 1994, Pale Blue Dot , becommentarieert Carl Sagan wat hij ziet als de grotere betekenis van de foto, door te schrijven:Kijk nog eens naar die stip. Dat is hier. Dat is thuis. Dat zijn wij. Daarop heeft iedereen van wie je houdt, iedereen die je kent, iedereen van wie je ooit hebt gehoord, elk mens dat ooit heeft bestaan, zijn leven geleefd. Het geheel van onze vreugde en lijden, duizenden zelfverzekerde religies, ideologieën en economische doctrines, elke jager en verzamelaar, elke held en lafaard, elke schepper en vernietiger van de beschaving, elke koning en boer, elk jong verliefd stel, elke moeder en vader, hoopvol kind, uitvinder en ontdekkingsreiziger, elke moraalleraar, elke corrupte politicus, elke 'superster', elke 'hoogste leider', elke heilige en zondaar in de geschiedenis van onze soort leefde daar - op een stofje dat zweeft in een zonnestraal.De aarde is een heel klein podium in een enorme kosmische arena. Denk aan de rivieren van bloed die door al die generaals en keizers zijn vergoten, zodat ze in glorie en triomf de tijdelijke meesters konden worden van een fractie van een stip. Denk aan de eindeloze wreedheden die de bewoners van de ene hoek van deze pixel hebben ondergaan op de nauwelijks te onderscheiden bewoners van een andere hoek, hoe vaak ze misverstanden hebben, hoe graag ze elkaar willen doden, hoe vurig hun haat is.Onze houdingen, onze ingebeelde eigendunk, de waan dat we een bevoorrechte positie in het universum hebben, worden uitgedaagd door dit punt van bleek licht. Onze planeet is een eenzaam stipje in de grote omhullende kosmische duisternis. In onze duisternis, in al deze uitgestrektheid, is er geen enkele aanwijzing dat er hulp van elders zal komen om ons van onszelf te redden.De aarde is de enige wereld waarvan tot nu toe bekend is dat ze leven herbergt. Er is nergens anders, althans in de nabije toekomst, waarnaar onze soort zou kunnen migreren. Bezoek, ja. Vasthouden, nog niet. Of je het nu leuk vindt of niet, voorlopig is de aarde waar we ons standpunt innemen.Er is gezegd dat astronomie een vernederende en karaktervormende ervaring is. Er is misschien geen betere demonstratie van de dwaasheid van menselijke verwaandheden dan dit verre beeld van onze kleine wereld. Voor mij onderstreept het onze verantwoordelijkheid om vriendelijker met elkaar om te gaan en om de lichtblauwe stip, het enige huis dat we ooit hebben gekend, te behouden en te koesteren.—  Carl Sagan

6 miljard}} kilometer) is een klein blauw puntje (rechts op de foto ongeveer halverwege de bruine band) in de duisternis van het uitgestrekte heelal. De gekleurde banden op de foto zijn verstrooiingen van het zonlicht in de lens, als gevolg van de relatieve nabijheid van de Zon bij de Aarde.

National Aeronautics and Space Administration

alt=Donker grijze en zwarte statische ruis met verticale regenboog strepen over een deel van het beeld. Het kleine blauwe puntje is nauwelijks zichtbaar.


Pale_Blue_Dot

Prompt: Verklaar de Reflecties van dit kunstwerk, Pale_Blue_Dot.

In zijn boek uit 1994, Pale Blue Dot , becommentarieert Carl Sagan wat hij ziet als de grotere betekenis van de foto, door te schrijven:Kijk nog eens naar die stip. Dat is hier. Dat is thuis. Dat zijn wij. Daarop heeft iedereen van wie je houdt, iedereen die je kent, iedereen van wie je ooit hebt gehoord, elk mens dat ooit heeft bestaan, zijn leven geleefd. Het geheel van onze vreugde en lijden, duizenden zelfverzekerde religies, ideologieën en economische doctrines, elke jager en verzamelaar, elke held en lafaard, elke schepper en vernietiger van de beschaving, elke koning en boer, elk jong verliefd stel, elke moeder en vader, hoopvol kind, uitvinder en ontdekkingsreiziger, elke moraalleraar, elke corrupte politicus, elke 'superster', elke 'hoogste leider', elke heilige en zondaar in de geschiedenis van onze soort leefde daar - op een stofje dat zweeft in een zonnestraal.De aarde is een heel klein podium in een enorme kosmische arena. Denk aan de rivieren van bloed die door al die generaals en keizers zijn vergoten, zodat ze in glorie en triomf de tijdelijke meesters konden worden van een fractie van een stip. Denk aan de eindeloze wreedheden die de bewoners van de ene hoek van deze pixel hebben ondergaan op de nauwelijks te onderscheiden bewoners van een andere hoek, hoe vaak ze misverstanden hebben, hoe graag ze elkaar willen doden, hoe vurig hun haat is.Onze houdingen, onze ingebeelde eigendunk, de waan dat we een bevoorrechte positie in het universum hebben, worden uitgedaagd door dit punt van bleek licht. Onze planeet is een eenzaam stipje in de grote omhullende kosmische duisternis. In onze duisternis, in al deze uitgestrektheid, is er geen enkele aanwijzing dat er hulp van elders zal komen om ons van onszelf te redden.De aarde is de enige wereld waarvan tot nu toe bekend is dat ze leven herbergt. Er is nergens anders, althans in de nabije toekomst, waarnaar onze soort zou kunnen migreren. Bezoek, ja. Vasthouden, nog niet. Of je het nu leuk vindt of niet, voorlopig is de aarde waar we ons standpunt innemen.Er is gezegd dat astronomie een vernederende en karaktervormende ervaring is. Er is misschien geen betere demonstratie van de dwaasheid van menselijke verwaandheden dan dit verre beeld van onze kleine wereld. Voor mij onderstreept het onze verantwoordelijkheid om vriendelijker met elkaar om te gaan en om de lichtblauwe stip, het enige huis dat we ooit hebben gekend, te behouden en te koesteren.—  Carl Sagan

6 miljard}} kilometer) is een klein blauw puntje (rechts op de foto ongeveer halverwege de bruine band) in de duisternis van het uitgestrekte heelal. De gekleurde banden op de foto zijn verstrooiingen van het zonlicht in de lens, als gevolg van de relatieve nabijheid van de Zon bij de Aarde.

National Aeronautics and Space Administration

alt=Donker grijze en zwarte statische ruis met verticale regenboog strepen over een deel van het beeld. Het kleine blauwe puntje is nauwelijks zichtbaar.


Pale_Blue_Dot

Prompt: Hoe verklaart Pale_Blue_Dot zijn Reflecties?

In zijn boek uit 1994, Pale Blue Dot , becommentarieert Carl Sagan wat hij ziet als de grotere betekenis van de foto, door te schrijven:Kijk nog eens naar die stip. Dat is hier. Dat is thuis. Dat zijn wij. Daarop heeft iedereen van wie je houdt, iedereen die je kent, iedereen van wie je ooit hebt gehoord, elk mens dat ooit heeft bestaan, zijn leven geleefd. Het geheel van onze vreugde en lijden, duizenden zelfverzekerde religies, ideologieën en economische doctrines, elke jager en verzamelaar, elke held en lafaard, elke schepper en vernietiger van de beschaving, elke koning en boer, elk jong verliefd stel, elke moeder en vader, hoopvol kind, uitvinder en ontdekkingsreiziger, elke moraalleraar, elke corrupte politicus, elke 'superster', elke 'hoogste leider', elke heilige en zondaar in de geschiedenis van onze soort leefde daar - op een stofje dat zweeft in een zonnestraal.De aarde is een heel klein podium in een enorme kosmische arena. Denk aan de rivieren van bloed die door al die generaals en keizers zijn vergoten, zodat ze in glorie en triomf de tijdelijke meesters konden worden van een fractie van een stip. Denk aan de eindeloze wreedheden die de bewoners van de ene hoek van deze pixel hebben ondergaan op de nauwelijks te onderscheiden bewoners van een andere hoek, hoe vaak ze misverstanden hebben, hoe graag ze elkaar willen doden, hoe vurig hun haat is.Onze houdingen, onze ingebeelde eigendunk, de waan dat we een bevoorrechte positie in het universum hebben, worden uitgedaagd door dit punt van bleek licht. Onze planeet is een eenzaam stipje in de grote omhullende kosmische duisternis. In onze duisternis, in al deze uitgestrektheid, is er geen enkele aanwijzing dat er hulp van elders zal komen om ons van onszelf te redden.De aarde is de enige wereld waarvan tot nu toe bekend is dat ze leven herbergt. Er is nergens anders, althans in de nabije toekomst, waarnaar onze soort zou kunnen migreren. Bezoek, ja. Vasthouden, nog niet. Of je het nu leuk vindt of niet, voorlopig is de aarde waar we ons standpunt innemen.Er is gezegd dat astronomie een vernederende en karaktervormende ervaring is. Er is misschien geen betere demonstratie van de dwaasheid van menselijke verwaandheden dan dit verre beeld van onze kleine wereld. Voor mij onderstreept het onze verantwoordelijkheid om vriendelijker met elkaar om te gaan en om de lichtblauwe stip, het enige huis dat we ooit hebben gekend, te behouden en te koesteren.—  Carl Sagan

6 miljard}} kilometer) is een klein blauw puntje (rechts op de foto ongeveer halverwege de bruine band) in de duisternis van het uitgestrekte heelal. De gekleurde banden op de foto zijn verstrooiingen van het zonlicht in de lens, als gevolg van de relatieve nabijheid van de Zon bij de Aarde.

National Aeronautics and Space Administration

alt=Donker grijze en zwarte statische ruis met verticale regenboog strepen over een deel van het beeld. Het kleine blauwe puntje is nauwelijks zichtbaar.


Pale_Blue_Dot

Prompt: Hoe wordt de Reflecties besproken in Pale_Blue_Dot?

In zijn boek uit 1994, Pale Blue Dot , becommentarieert Carl Sagan wat hij ziet als de grotere betekenis van de foto, door te schrijven:Kijk nog eens naar die stip. Dat is hier. Dat is thuis. Dat zijn wij. Daarop heeft iedereen van wie je houdt, iedereen die je kent, iedereen van wie je ooit hebt gehoord, elk mens dat ooit heeft bestaan, zijn leven geleefd. Het geheel van onze vreugde en lijden, duizenden zelfverzekerde religies, ideologieën en economische doctrines, elke jager en verzamelaar, elke held en lafaard, elke schepper en vernietiger van de beschaving, elke koning en boer, elk jong verliefd stel, elke moeder en vader, hoopvol kind, uitvinder en ontdekkingsreiziger, elke moraalleraar, elke corrupte politicus, elke 'superster', elke 'hoogste leider', elke heilige en zondaar in de geschiedenis van onze soort leefde daar - op een stofje dat zweeft in een zonnestraal.De aarde is een heel klein podium in een enorme kosmische arena. Denk aan de rivieren van bloed die door al die generaals en keizers zijn vergoten, zodat ze in glorie en triomf de tijdelijke meesters konden worden van een fractie van een stip. Denk aan de eindeloze wreedheden die de bewoners van de ene hoek van deze pixel hebben ondergaan op de nauwelijks te onderscheiden bewoners van een andere hoek, hoe vaak ze misverstanden hebben, hoe graag ze elkaar willen doden, hoe vurig hun haat is.Onze houdingen, onze ingebeelde eigendunk, de waan dat we een bevoorrechte positie in het universum hebben, worden uitgedaagd door dit punt van bleek licht. Onze planeet is een eenzaam stipje in de grote omhullende kosmische duisternis. In onze duisternis, in al deze uitgestrektheid, is er geen enkele aanwijzing dat er hulp van elders zal komen om ons van onszelf te redden.De aarde is de enige wereld waarvan tot nu toe bekend is dat ze leven herbergt. Er is nergens anders, althans in de nabije toekomst, waarnaar onze soort zou kunnen migreren. Bezoek, ja. Vasthouden, nog niet. Of je het nu leuk vindt of niet, voorlopig is de aarde waar we ons standpunt innemen.Er is gezegd dat astronomie een vernederende en karaktervormende ervaring is. Er is misschien geen betere demonstratie van de dwaasheid van menselijke verwaandheden dan dit verre beeld van onze kleine wereld. Voor mij onderstreept het onze verantwoordelijkheid om vriendelijker met elkaar om te gaan en om de lichtblauwe stip, het enige huis dat we ooit hebben gekend, te behouden en te koesteren.—  Carl Sagan

6 miljard}} kilometer) is een klein blauw puntje (rechts op de foto ongeveer halverwege de bruine band) in de duisternis van het uitgestrekte heelal. De gekleurde banden op de foto zijn verstrooiingen van het zonlicht in de lens, als gevolg van de relatieve nabijheid van de Zon bij de Aarde.

National Aeronautics and Space Administration

alt=Donker grijze en zwarte statische ruis met verticale regenboog strepen over een deel van het beeld. Het kleine blauwe puntje is nauwelijks zichtbaar.


Vitruviusman

Prompt: Focus op Vitruviusman en leg de abstract uit.


Vitruviusman

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Vitruviusman.


Vitruviusman

Prompt: Hoe verklaart Vitruviusman zijn abstract?


Vitruviusman

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Vitruviusman?


De_Vrijheid_leidt_het_volk

Prompt: Focus op De_Vrijheid_leidt_het_volk en leg de abstract uit.

De Vrijheid leidt het volk (Frans: La Liberté guidant le peuple) is een schilderij van de Franse schilder Eugène Delacroix. Het verbeeldt de vrijheid als Marianne, het nationale symbool van Frankrijk, die de revolutionairen aanvoert bij de Julirevolutie van 1830. Het is geschilderd met olieverf. Het doek heeft een afmeting van 260 bij 325 centimeter.Dit is een van de bekendste en meest nagevolgde schilderijen in de geschiedenis van de Franse schilderkunst. Op het tafereel ziet men de bekende allegorie van de vrijheid: de vrouw (teruggrijpend naar oudere voorstellingsmethodes voor allegorieën) met ontbloot bovenlijf (naaktheid als teken van de kwetsbaarheid — en dus moed — in contrast met het verschrikkelijke dat zich afspeelt). De vrouw draagt een Frygische muts die verwijst naar vrijheid. Rechts van haar ziet men een jongetje, verwijzend naar jeugd, dat onverschrokken twee pistolen vasthoudt.Van de man links van haar die twijfelend in de verte kijkt, zegt men weleens dat het een zelfportret van Delacroix zou kunnen zijn, al is dit niet zeker. Opvallend aan dit schilderij is de klassieke compositie met een centrale driehoek en het actuele onderwerp, waar veel romantici vaak juist teruggrepen naar het verleden. Dit schilderij toont aan dat de drie klassen (clerus, adel en burgerij) voor de revolutie waren, omdat naast de vrouw de drie standen aanwezig zijn. Alle standen verzetten zich dus tegen de gevestigde orde. De vlag die de vrouw vasthoudt is ook niet zomaar de Franse vlag. Het was de nieuwe vlag met drie kleuren die wijzen op liberté, égalité en fraternité. Het voorgaande symbool van Frankrijk was de Franse Lelie.

Bestand:La Liberté guidant le peuple - Eugène Delacroix - Musée du Louvre Peintures RF 129 - après restauration 2024.jpg

Viva la Vida or Death and All His Friends

''La Liberté guidant le peuple'', 1830, olieverf op doek, 260 x 325 cm, [[Louvre


De_Vrijheid_leidt_het_volk

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, De_Vrijheid_leidt_het_volk.

De Vrijheid leidt het volk (Frans: La Liberté guidant le peuple) is een schilderij van de Franse schilder Eugène Delacroix. Het verbeeldt de vrijheid als Marianne, het nationale symbool van Frankrijk, die de revolutionairen aanvoert bij de Julirevolutie van 1830. Het is geschilderd met olieverf. Het doek heeft een afmeting van 260 bij 325 centimeter.Dit is een van de bekendste en meest nagevolgde schilderijen in de geschiedenis van de Franse schilderkunst. Op het tafereel ziet men de bekende allegorie van de vrijheid: de vrouw (teruggrijpend naar oudere voorstellingsmethodes voor allegorieën) met ontbloot bovenlijf (naaktheid als teken van de kwetsbaarheid — en dus moed — in contrast met het verschrikkelijke dat zich afspeelt). De vrouw draagt een Frygische muts die verwijst naar vrijheid. Rechts van haar ziet men een jongetje, verwijzend naar jeugd, dat onverschrokken twee pistolen vasthoudt.Van de man links van haar die twijfelend in de verte kijkt, zegt men weleens dat het een zelfportret van Delacroix zou kunnen zijn, al is dit niet zeker. Opvallend aan dit schilderij is de klassieke compositie met een centrale driehoek en het actuele onderwerp, waar veel romantici vaak juist teruggrepen naar het verleden. Dit schilderij toont aan dat de drie klassen (clerus, adel en burgerij) voor de revolutie waren, omdat naast de vrouw de drie standen aanwezig zijn. Alle standen verzetten zich dus tegen de gevestigde orde. De vlag die de vrouw vasthoudt is ook niet zomaar de Franse vlag. Het was de nieuwe vlag met drie kleuren die wijzen op liberté, égalité en fraternité. Het voorgaande symbool van Frankrijk was de Franse Lelie.

Bestand:La Liberté guidant le peuple - Eugène Delacroix - Musée du Louvre Peintures RF 129 - après restauration 2024.jpg

Viva la Vida or Death and All His Friends

''La Liberté guidant le peuple'', 1830, olieverf op doek, 260 x 325 cm, [[Louvre


De_Vrijheid_leidt_het_volk

Prompt: Hoe verklaart De_Vrijheid_leidt_het_volk zijn abstract?

De Vrijheid leidt het volk (Frans: La Liberté guidant le peuple) is een schilderij van de Franse schilder Eugène Delacroix. Het verbeeldt de vrijheid als Marianne, het nationale symbool van Frankrijk, die de revolutionairen aanvoert bij de Julirevolutie van 1830. Het is geschilderd met olieverf. Het doek heeft een afmeting van 260 bij 325 centimeter.Dit is een van de bekendste en meest nagevolgde schilderijen in de geschiedenis van de Franse schilderkunst. Op het tafereel ziet men de bekende allegorie van de vrijheid: de vrouw (teruggrijpend naar oudere voorstellingsmethodes voor allegorieën) met ontbloot bovenlijf (naaktheid als teken van de kwetsbaarheid — en dus moed — in contrast met het verschrikkelijke dat zich afspeelt). De vrouw draagt een Frygische muts die verwijst naar vrijheid. Rechts van haar ziet men een jongetje, verwijzend naar jeugd, dat onverschrokken twee pistolen vasthoudt.Van de man links van haar die twijfelend in de verte kijkt, zegt men weleens dat het een zelfportret van Delacroix zou kunnen zijn, al is dit niet zeker. Opvallend aan dit schilderij is de klassieke compositie met een centrale driehoek en het actuele onderwerp, waar veel romantici vaak juist teruggrepen naar het verleden. Dit schilderij toont aan dat de drie klassen (clerus, adel en burgerij) voor de revolutie waren, omdat naast de vrouw de drie standen aanwezig zijn. Alle standen verzetten zich dus tegen de gevestigde orde. De vlag die de vrouw vasthoudt is ook niet zomaar de Franse vlag. Het was de nieuwe vlag met drie kleuren die wijzen op liberté, égalité en fraternité. Het voorgaande symbool van Frankrijk was de Franse Lelie.

Bestand:La Liberté guidant le peuple - Eugène Delacroix - Musée du Louvre Peintures RF 129 - après restauration 2024.jpg

Viva la Vida or Death and All His Friends

''La Liberté guidant le peuple'', 1830, olieverf op doek, 260 x 325 cm, [[Louvre


De_Vrijheid_leidt_het_volk

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in De_Vrijheid_leidt_het_volk?

De Vrijheid leidt het volk (Frans: La Liberté guidant le peuple) is een schilderij van de Franse schilder Eugène Delacroix. Het verbeeldt de vrijheid als Marianne, het nationale symbool van Frankrijk, die de revolutionairen aanvoert bij de Julirevolutie van 1830. Het is geschilderd met olieverf. Het doek heeft een afmeting van 260 bij 325 centimeter.Dit is een van de bekendste en meest nagevolgde schilderijen in de geschiedenis van de Franse schilderkunst. Op het tafereel ziet men de bekende allegorie van de vrijheid: de vrouw (teruggrijpend naar oudere voorstellingsmethodes voor allegorieën) met ontbloot bovenlijf (naaktheid als teken van de kwetsbaarheid — en dus moed — in contrast met het verschrikkelijke dat zich afspeelt). De vrouw draagt een Frygische muts die verwijst naar vrijheid. Rechts van haar ziet men een jongetje, verwijzend naar jeugd, dat onverschrokken twee pistolen vasthoudt.Van de man links van haar die twijfelend in de verte kijkt, zegt men weleens dat het een zelfportret van Delacroix zou kunnen zijn, al is dit niet zeker. Opvallend aan dit schilderij is de klassieke compositie met een centrale driehoek en het actuele onderwerp, waar veel romantici vaak juist teruggrepen naar het verleden. Dit schilderij toont aan dat de drie klassen (clerus, adel en burgerij) voor de revolutie waren, omdat naast de vrouw de drie standen aanwezig zijn. Alle standen verzetten zich dus tegen de gevestigde orde. De vlag die de vrouw vasthoudt is ook niet zomaar de Franse vlag. Het was de nieuwe vlag met drie kleuren die wijzen op liberté, égalité en fraternité. Het voorgaande symbool van Frankrijk was de Franse Lelie.

Bestand:La Liberté guidant le peuple - Eugène Delacroix - Musée du Louvre Peintures RF 129 - après restauration 2024.jpg

Viva la Vida or Death and All His Friends

''La Liberté guidant le peuple'', 1830, olieverf op doek, 260 x 325 cm, [[Louvre


De_Vrijheid_leidt_het_volk

Prompt: Focus op De_Vrijheid_leidt_het_volk en leg de Varia uit.

De Britse band Coldplay heeft het schilderij als voorkant van de cd-hoes van hun album Viva la Vida or Death and All His Friends gebruikt.Het schilderij hangt in het Louvre in Parijs en is in 2023 - 24 grondig gerestaureerd.

Bestand:La Liberté guidant le peuple - Eugène Delacroix - Musée du Louvre Peintures RF 129 - après restauration 2024.jpg

''La Liberté guidant le peuple'', 1830, olieverf op doek, 260 x 325 cm, [[Louvre


De_Vrijheid_leidt_het_volk

Prompt: Verklaar de Varia van dit kunstwerk, De_Vrijheid_leidt_het_volk.

De Britse band Coldplay heeft het schilderij als voorkant van de cd-hoes van hun album Viva la Vida or Death and All His Friends gebruikt.Het schilderij hangt in het Louvre in Parijs en is in 2023 - 24 grondig gerestaureerd.

Bestand:La Liberté guidant le peuple - Eugène Delacroix - Musée du Louvre Peintures RF 129 - après restauration 2024.jpg

''La Liberté guidant le peuple'', 1830, olieverf op doek, 260 x 325 cm, [[Louvre


De_Vrijheid_leidt_het_volk

Prompt: Hoe verklaart De_Vrijheid_leidt_het_volk zijn Varia?

De Britse band Coldplay heeft het schilderij als voorkant van de cd-hoes van hun album Viva la Vida or Death and All His Friends gebruikt.Het schilderij hangt in het Louvre in Parijs en is in 2023 - 24 grondig gerestaureerd.

Bestand:La Liberté guidant le peuple - Eugène Delacroix - Musée du Louvre Peintures RF 129 - après restauration 2024.jpg

''La Liberté guidant le peuple'', 1830, olieverf op doek, 260 x 325 cm, [[Louvre


De_Vrijheid_leidt_het_volk

Prompt: Hoe wordt de Varia besproken in De_Vrijheid_leidt_het_volk?

De Britse band Coldplay heeft het schilderij als voorkant van de cd-hoes van hun album Viva la Vida or Death and All His Friends gebruikt.Het schilderij hangt in het Louvre in Parijs en is in 2023 - 24 grondig gerestaureerd.

Bestand:La Liberté guidant le peuple - Eugène Delacroix - Musée du Louvre Peintures RF 129 - après restauration 2024.jpg

''La Liberté guidant le peuple'', 1830, olieverf op doek, 260 x 325 cm, [[Louvre


School_van_Athene

Prompt: Focus op School_van_Athene en leg de abstract uit.


School_van_Athene

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, School_van_Athene.


School_van_Athene

Prompt: Hoe verklaart School_van_Athene zijn abstract?


School_van_Athene

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in School_van_Athene?


Nikè_van_Samothrake

Prompt: Focus op Nikè_van_Samothrake en leg de abstract uit.

De Nikè van Samothrake (Oudgrieks Νίκη τῆς Σαμοθράκης / Níkê tês Samothrákês) is een hellenistisch marmeren beeld dat de godin van de overwinning Nikè voorstelt.De beeldhouwer is niet met zekerheid bekend. De stijl is die van de School van Rodos en men vermoedt dat het standbeeld werd gemaakt door de beeldhouwer Pythokritos. Deze beeldhouwer was rond 200 v.Chr. werkzaam.  Het beeldhouwwerk staat sinds 1884 tentoongesteld in het Louvre in Parijs. Het is een van de beroemdste beelden uit de klassieke oudheid en een van weinige die in oorspronkelijk Griekse vorm, en niet via Romeinse kopieën, is overgeleverd.

Sculpturaal reliëf, dat een schip voorstelt, getekend Pythokritos op de muur van de akropolis van Lindos

De gevleugelde Nikè van Samothrake rechts bekeken (Ma 2369).

Bestand:Front right view of the Nike of Samothrace.jpg

De gevleugelde Nikè van Samothrake op haar sokkel van voren (Ma 2369)

De gevleugelde Nikè van Samothrake driekwart links bekeken (Ma 2369)

Fédération Internationale de Football Association

De gevleugelde Nikè van Samothrake aan de Darutrap

Bestand:Daru staircase Louvre 2007 05 13.jpg

Categorie:Werk gebaseerd op Grieks-Romeinse mythologie

Bestand:Victoire de Samothrace - vue de trois-quart gauche, gros plan de la statue (2).JPG

Plattegrond van het heiligdom van de Grote Goden van Samothrake. Het standbeeld stond op nummer 9.


Nikè_van_Samothrake

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Nikè_van_Samothrake.

De Nikè van Samothrake (Oudgrieks Νίκη τῆς Σαμοθράκης / Níkê tês Samothrákês) is een hellenistisch marmeren beeld dat de godin van de overwinning Nikè voorstelt.De beeldhouwer is niet met zekerheid bekend. De stijl is die van de School van Rodos en men vermoedt dat het standbeeld werd gemaakt door de beeldhouwer Pythokritos. Deze beeldhouwer was rond 200 v.Chr. werkzaam.  Het beeldhouwwerk staat sinds 1884 tentoongesteld in het Louvre in Parijs. Het is een van de beroemdste beelden uit de klassieke oudheid en een van weinige die in oorspronkelijk Griekse vorm, en niet via Romeinse kopieën, is overgeleverd.

Sculpturaal reliëf, dat een schip voorstelt, getekend Pythokritos op de muur van de akropolis van Lindos

De gevleugelde Nikè van Samothrake rechts bekeken (Ma 2369).

Bestand:Front right view of the Nike of Samothrace.jpg

De gevleugelde Nikè van Samothrake op haar sokkel van voren (Ma 2369)

De gevleugelde Nikè van Samothrake driekwart links bekeken (Ma 2369)

Fédération Internationale de Football Association

De gevleugelde Nikè van Samothrake aan de Darutrap

Bestand:Daru staircase Louvre 2007 05 13.jpg

Categorie:Werk gebaseerd op Grieks-Romeinse mythologie

Bestand:Victoire de Samothrace - vue de trois-quart gauche, gros plan de la statue (2).JPG

Plattegrond van het heiligdom van de Grote Goden van Samothrake. Het standbeeld stond op nummer 9.


Nikè_van_Samothrake

Prompt: Hoe verklaart Nikè_van_Samothrake zijn abstract?

De Nikè van Samothrake (Oudgrieks Νίκη τῆς Σαμοθράκης / Níkê tês Samothrákês) is een hellenistisch marmeren beeld dat de godin van de overwinning Nikè voorstelt.De beeldhouwer is niet met zekerheid bekend. De stijl is die van de School van Rodos en men vermoedt dat het standbeeld werd gemaakt door de beeldhouwer Pythokritos. Deze beeldhouwer was rond 200 v.Chr. werkzaam.  Het beeldhouwwerk staat sinds 1884 tentoongesteld in het Louvre in Parijs. Het is een van de beroemdste beelden uit de klassieke oudheid en een van weinige die in oorspronkelijk Griekse vorm, en niet via Romeinse kopieën, is overgeleverd.

Sculpturaal reliëf, dat een schip voorstelt, getekend Pythokritos op de muur van de akropolis van Lindos

De gevleugelde Nikè van Samothrake rechts bekeken (Ma 2369).

Bestand:Front right view of the Nike of Samothrace.jpg

De gevleugelde Nikè van Samothrake op haar sokkel van voren (Ma 2369)

De gevleugelde Nikè van Samothrake driekwart links bekeken (Ma 2369)

Fédération Internationale de Football Association

De gevleugelde Nikè van Samothrake aan de Darutrap

Bestand:Daru staircase Louvre 2007 05 13.jpg

Categorie:Werk gebaseerd op Grieks-Romeinse mythologie

Bestand:Victoire de Samothrace - vue de trois-quart gauche, gros plan de la statue (2).JPG

Plattegrond van het heiligdom van de Grote Goden van Samothrake. Het standbeeld stond op nummer 9.


Nikè_van_Samothrake

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Nikè_van_Samothrake?

De Nikè van Samothrake (Oudgrieks Νίκη τῆς Σαμοθράκης / Níkê tês Samothrákês) is een hellenistisch marmeren beeld dat de godin van de overwinning Nikè voorstelt.De beeldhouwer is niet met zekerheid bekend. De stijl is die van de School van Rodos en men vermoedt dat het standbeeld werd gemaakt door de beeldhouwer Pythokritos. Deze beeldhouwer was rond 200 v.Chr. werkzaam.  Het beeldhouwwerk staat sinds 1884 tentoongesteld in het Louvre in Parijs. Het is een van de beroemdste beelden uit de klassieke oudheid en een van weinige die in oorspronkelijk Griekse vorm, en niet via Romeinse kopieën, is overgeleverd.

Sculpturaal reliëf, dat een schip voorstelt, getekend Pythokritos op de muur van de akropolis van Lindos

De gevleugelde Nikè van Samothrake rechts bekeken (Ma 2369).

Bestand:Front right view of the Nike of Samothrace.jpg

De gevleugelde Nikè van Samothrake op haar sokkel van voren (Ma 2369)

De gevleugelde Nikè van Samothrake driekwart links bekeken (Ma 2369)

Fédération Internationale de Football Association

De gevleugelde Nikè van Samothrake aan de Darutrap

Bestand:Daru staircase Louvre 2007 05 13.jpg

Categorie:Werk gebaseerd op Grieks-Romeinse mythologie

Bestand:Victoire de Samothrace - vue de trois-quart gauche, gros plan de la statue (2).JPG

Plattegrond van het heiligdom van de Grote Goden van Samothrake. Het standbeeld stond op nummer 9.


Nikè_van_Samothrake

Prompt: Focus op Nikè_van_Samothrake en leg de Ontdekking en geschiedenis uit.

Het beeld werd in stukken gevonden op 15 april 1863 op het Egeïsche eiland Samothrake door de Franse viceconsul van het Ottomaanse Rijk en amateurarcheoloog Charles Champoiseau. Champoiseau identificeerde de buste en het lijf als een voorstelling van Nikè, die meestal wordt afgebeeld als een gevleugelde vrouw. De fragmenten werden ter plaatse samengevoegd en in 1863 naar het Louvre verstuurd.In 1873 en 1875 deed een Oostenrijks archeologisch team verdere opgravingen in het gebied. Dit team vond meer fragmenten en twee vingers. Deze werden naar het Kunsthistorisch Museum van Wenen overgebracht.In 1879 vond Charles Champoiseau grote stukken grijs marmer die dienden als voetstuk (in de vorm van de voorsteven van een schip) van het standbeeld, een voorstelling die men ook terugvindt op tetradrachmes van Demetrios Poliorketes geslagen na zijn overwinning op Ptolemaios I bij Salamis op Cyprus in 306 v.Chr. Het beeld werd daarom hersteld naar dit voorbeeld, namelijk met een trompet in de hand. Toen Jean Charbonneaux echter tijdens opgravingen in 1950 de rechterhand ontdekte, sprak deze vondst de reconstructie tegen: de hand was namelijk bijna volledig geopend en had gestrekte vingers. Men realiseerde zich kort na 1950 dat de twee vingers die in het Kunsthistorisch Museum van Wenen werden bewaard toebehoorden aan de rechterhand.Dankzij de verschillende opgravingen en reconstructies kwam men tot de conclusie dat het standbeeld op een rechthoekige verhoging stond. Deze verhoging kijkt uit over de Egeïsche Zee en staat aan het uiteinde van het terras op de zijkant van een heuvel die uitstak boven het theater van het heiligdom van de Grote Goden van Samothrake. Het was ontworpen om in driekwart profiel van links bekeken te worden, want de rechterzijkant is grof afgewerkt. Een replica van gips bevindt zich in het museum bij de originele locatie van het heiligdom van de Grote Goden van Samothrake.Met behulp van de verschillende originele stukken maakte men in 1884 in het Louvre een gespiegeld afgietsel van de rechtervleugel van het beeld, en tevens reconstructies van de linkerborst en de rug van de buste.

Sculpturaal reliëf, dat een schip voorstelt, getekend Pythokritos op de muur van de akropolis van Lindos

De gevleugelde Nikè van Samothrake rechts bekeken (Ma 2369).

Bestand:Front right view of the Nike of Samothrace.jpg

De gevleugelde Nikè van Samothrake op haar sokkel van voren (Ma 2369)

De gevleugelde Nikè van Samothrake driekwart links bekeken (Ma 2369)

Fédération Internationale de Football Association

De gevleugelde Nikè van Samothrake aan de Darutrap

Bestand:Daru staircase Louvre 2007 05 13.jpg

Categorie:Werk gebaseerd op Grieks-Romeinse mythologie

Bestand:Victoire de Samothrace - vue de trois-quart gauche, gros plan de la statue (2).JPG

Plattegrond van het heiligdom van de Grote Goden van Samothrake. Het standbeeld stond op nummer 9.


Nikè_van_Samothrake

Prompt: Verklaar de Ontdekking en geschiedenis van dit kunstwerk, Nikè_van_Samothrake.

Het beeld werd in stukken gevonden op 15 april 1863 op het Egeïsche eiland Samothrake door de Franse viceconsul van het Ottomaanse Rijk en amateurarcheoloog Charles Champoiseau. Champoiseau identificeerde de buste en het lijf als een voorstelling van Nikè, die meestal wordt afgebeeld als een gevleugelde vrouw. De fragmenten werden ter plaatse samengevoegd en in 1863 naar het Louvre verstuurd.In 1873 en 1875 deed een Oostenrijks archeologisch team verdere opgravingen in het gebied. Dit team vond meer fragmenten en twee vingers. Deze werden naar het Kunsthistorisch Museum van Wenen overgebracht.In 1879 vond Charles Champoiseau grote stukken grijs marmer die dienden als voetstuk (in de vorm van de voorsteven van een schip) van het standbeeld, een voorstelling die men ook terugvindt op tetradrachmes van Demetrios Poliorketes geslagen na zijn overwinning op Ptolemaios I bij Salamis op Cyprus in 306 v.Chr. Het beeld werd daarom hersteld naar dit voorbeeld, namelijk met een trompet in de hand. Toen Jean Charbonneaux echter tijdens opgravingen in 1950 de rechterhand ontdekte, sprak deze vondst de reconstructie tegen: de hand was namelijk bijna volledig geopend en had gestrekte vingers. Men realiseerde zich kort na 1950 dat de twee vingers die in het Kunsthistorisch Museum van Wenen werden bewaard toebehoorden aan de rechterhand.Dankzij de verschillende opgravingen en reconstructies kwam men tot de conclusie dat het standbeeld op een rechthoekige verhoging stond. Deze verhoging kijkt uit over de Egeïsche Zee en staat aan het uiteinde van het terras op de zijkant van een heuvel die uitstak boven het theater van het heiligdom van de Grote Goden van Samothrake. Het was ontworpen om in driekwart profiel van links bekeken te worden, want de rechterzijkant is grof afgewerkt. Een replica van gips bevindt zich in het museum bij de originele locatie van het heiligdom van de Grote Goden van Samothrake.Met behulp van de verschillende originele stukken maakte men in 1884 in het Louvre een gespiegeld afgietsel van de rechtervleugel van het beeld, en tevens reconstructies van de linkerborst en de rug van de buste.

Sculpturaal reliëf, dat een schip voorstelt, getekend Pythokritos op de muur van de akropolis van Lindos

De gevleugelde Nikè van Samothrake rechts bekeken (Ma 2369).

Bestand:Front right view of the Nike of Samothrace.jpg

De gevleugelde Nikè van Samothrake op haar sokkel van voren (Ma 2369)

De gevleugelde Nikè van Samothrake driekwart links bekeken (Ma 2369)

Fédération Internationale de Football Association

De gevleugelde Nikè van Samothrake aan de Darutrap

Bestand:Daru staircase Louvre 2007 05 13.jpg

Categorie:Werk gebaseerd op Grieks-Romeinse mythologie

Bestand:Victoire de Samothrace - vue de trois-quart gauche, gros plan de la statue (2).JPG

Plattegrond van het heiligdom van de Grote Goden van Samothrake. Het standbeeld stond op nummer 9.


Nikè_van_Samothrake

Prompt: Hoe verklaart Nikè_van_Samothrake zijn Ontdekking en geschiedenis?

Het beeld werd in stukken gevonden op 15 april 1863 op het Egeïsche eiland Samothrake door de Franse viceconsul van het Ottomaanse Rijk en amateurarcheoloog Charles Champoiseau. Champoiseau identificeerde de buste en het lijf als een voorstelling van Nikè, die meestal wordt afgebeeld als een gevleugelde vrouw. De fragmenten werden ter plaatse samengevoegd en in 1863 naar het Louvre verstuurd.In 1873 en 1875 deed een Oostenrijks archeologisch team verdere opgravingen in het gebied. Dit team vond meer fragmenten en twee vingers. Deze werden naar het Kunsthistorisch Museum van Wenen overgebracht.In 1879 vond Charles Champoiseau grote stukken grijs marmer die dienden als voetstuk (in de vorm van de voorsteven van een schip) van het standbeeld, een voorstelling die men ook terugvindt op tetradrachmes van Demetrios Poliorketes geslagen na zijn overwinning op Ptolemaios I bij Salamis op Cyprus in 306 v.Chr. Het beeld werd daarom hersteld naar dit voorbeeld, namelijk met een trompet in de hand. Toen Jean Charbonneaux echter tijdens opgravingen in 1950 de rechterhand ontdekte, sprak deze vondst de reconstructie tegen: de hand was namelijk bijna volledig geopend en had gestrekte vingers. Men realiseerde zich kort na 1950 dat de twee vingers die in het Kunsthistorisch Museum van Wenen werden bewaard toebehoorden aan de rechterhand.Dankzij de verschillende opgravingen en reconstructies kwam men tot de conclusie dat het standbeeld op een rechthoekige verhoging stond. Deze verhoging kijkt uit over de Egeïsche Zee en staat aan het uiteinde van het terras op de zijkant van een heuvel die uitstak boven het theater van het heiligdom van de Grote Goden van Samothrake. Het was ontworpen om in driekwart profiel van links bekeken te worden, want de rechterzijkant is grof afgewerkt. Een replica van gips bevindt zich in het museum bij de originele locatie van het heiligdom van de Grote Goden van Samothrake.Met behulp van de verschillende originele stukken maakte men in 1884 in het Louvre een gespiegeld afgietsel van de rechtervleugel van het beeld, en tevens reconstructies van de linkerborst en de rug van de buste.

Sculpturaal reliëf, dat een schip voorstelt, getekend Pythokritos op de muur van de akropolis van Lindos

De gevleugelde Nikè van Samothrake rechts bekeken (Ma 2369).

Bestand:Front right view of the Nike of Samothrace.jpg

De gevleugelde Nikè van Samothrake op haar sokkel van voren (Ma 2369)

De gevleugelde Nikè van Samothrake driekwart links bekeken (Ma 2369)

Fédération Internationale de Football Association

De gevleugelde Nikè van Samothrake aan de Darutrap

Bestand:Daru staircase Louvre 2007 05 13.jpg

Categorie:Werk gebaseerd op Grieks-Romeinse mythologie

Bestand:Victoire de Samothrace - vue de trois-quart gauche, gros plan de la statue (2).JPG

Plattegrond van het heiligdom van de Grote Goden van Samothrake. Het standbeeld stond op nummer 9.


Nikè_van_Samothrake

Prompt: Hoe wordt de Ontdekking en geschiedenis besproken in Nikè_van_Samothrake?

Het beeld werd in stukken gevonden op 15 april 1863 op het Egeïsche eiland Samothrake door de Franse viceconsul van het Ottomaanse Rijk en amateurarcheoloog Charles Champoiseau. Champoiseau identificeerde de buste en het lijf als een voorstelling van Nikè, die meestal wordt afgebeeld als een gevleugelde vrouw. De fragmenten werden ter plaatse samengevoegd en in 1863 naar het Louvre verstuurd.In 1873 en 1875 deed een Oostenrijks archeologisch team verdere opgravingen in het gebied. Dit team vond meer fragmenten en twee vingers. Deze werden naar het Kunsthistorisch Museum van Wenen overgebracht.In 1879 vond Charles Champoiseau grote stukken grijs marmer die dienden als voetstuk (in de vorm van de voorsteven van een schip) van het standbeeld, een voorstelling die men ook terugvindt op tetradrachmes van Demetrios Poliorketes geslagen na zijn overwinning op Ptolemaios I bij Salamis op Cyprus in 306 v.Chr. Het beeld werd daarom hersteld naar dit voorbeeld, namelijk met een trompet in de hand. Toen Jean Charbonneaux echter tijdens opgravingen in 1950 de rechterhand ontdekte, sprak deze vondst de reconstructie tegen: de hand was namelijk bijna volledig geopend en had gestrekte vingers. Men realiseerde zich kort na 1950 dat de twee vingers die in het Kunsthistorisch Museum van Wenen werden bewaard toebehoorden aan de rechterhand.Dankzij de verschillende opgravingen en reconstructies kwam men tot de conclusie dat het standbeeld op een rechthoekige verhoging stond. Deze verhoging kijkt uit over de Egeïsche Zee en staat aan het uiteinde van het terras op de zijkant van een heuvel die uitstak boven het theater van het heiligdom van de Grote Goden van Samothrake. Het was ontworpen om in driekwart profiel van links bekeken te worden, want de rechterzijkant is grof afgewerkt. Een replica van gips bevindt zich in het museum bij de originele locatie van het heiligdom van de Grote Goden van Samothrake.Met behulp van de verschillende originele stukken maakte men in 1884 in het Louvre een gespiegeld afgietsel van de rechtervleugel van het beeld, en tevens reconstructies van de linkerborst en de rug van de buste.

Sculpturaal reliëf, dat een schip voorstelt, getekend Pythokritos op de muur van de akropolis van Lindos

De gevleugelde Nikè van Samothrake rechts bekeken (Ma 2369).

Bestand:Front right view of the Nike of Samothrace.jpg

De gevleugelde Nikè van Samothrake op haar sokkel van voren (Ma 2369)

De gevleugelde Nikè van Samothrake driekwart links bekeken (Ma 2369)

Fédération Internationale de Football Association

De gevleugelde Nikè van Samothrake aan de Darutrap

Bestand:Daru staircase Louvre 2007 05 13.jpg

Categorie:Werk gebaseerd op Grieks-Romeinse mythologie

Bestand:Victoire de Samothrace - vue de trois-quart gauche, gros plan de la statue (2).JPG

Plattegrond van het heiligdom van de Grote Goden van Samothrake. Het standbeeld stond op nummer 9.


Nikè_van_Samothrake

Prompt: In de context van Nikè_van_Samothrake, verklaar de Beeldhouwstijl en de Het beeld.

Het beeld werd gemaakt tijdens de hellenistische periode (323 v.Chr.–30 v.Chr.). Tijdens deze periode evolueerde de Oud-Griekse beeldhouwkunst, door zijn contact met het oosten, in de richting van meer realisme, individualisme en naturalisme. De kunstenaars wilden het typische, het menselijke van figuren weergeven en beeldden dus 'echte' mensen uit. De beeldhouwers streefden er ook naar om een bepaald gevoel (pathos) weer te geven. Vrouwelijke beelden toonden in deze periode zonder schroom hun naaktheid.

Sculpturaal reliëf, dat een schip voorstelt, getekend Pythokritos op de muur van de akropolis van Lindos

De gevleugelde Nikè van Samothrake rechts bekeken (Ma 2369).

Bestand:Front right view of the Nike of Samothrace.jpg

De gevleugelde Nikè van Samothrake op haar sokkel van voren (Ma 2369)

De gevleugelde Nikè van Samothrake driekwart links bekeken (Ma 2369)

Fédération Internationale de Football Association

De gevleugelde Nikè van Samothrake aan de Darutrap

Bestand:Daru staircase Louvre 2007 05 13.jpg

Categorie:Werk gebaseerd op Grieks-Romeinse mythologie

Bestand:Victoire de Samothrace - vue de trois-quart gauche, gros plan de la statue (2).JPG

Plattegrond van het heiligdom van de Grote Goden van Samothrake. Het standbeeld stond op nummer 9.


Nikè_van_Samothrake

Prompt: Verklaar de Beeldhouwstijl over de Het beeld van dit kunstwerk, Nikè_van_Samothrake.

Het beeld werd gemaakt tijdens de hellenistische periode (323 v.Chr.–30 v.Chr.). Tijdens deze periode evolueerde de Oud-Griekse beeldhouwkunst, door zijn contact met het oosten, in de richting van meer realisme, individualisme en naturalisme. De kunstenaars wilden het typische, het menselijke van figuren weergeven en beeldden dus 'echte' mensen uit. De beeldhouwers streefden er ook naar om een bepaald gevoel (pathos) weer te geven. Vrouwelijke beelden toonden in deze periode zonder schroom hun naaktheid.

Sculpturaal reliëf, dat een schip voorstelt, getekend Pythokritos op de muur van de akropolis van Lindos

De gevleugelde Nikè van Samothrake rechts bekeken (Ma 2369).

Bestand:Front right view of the Nike of Samothrace.jpg

De gevleugelde Nikè van Samothrake op haar sokkel van voren (Ma 2369)

De gevleugelde Nikè van Samothrake driekwart links bekeken (Ma 2369)

Fédération Internationale de Football Association

De gevleugelde Nikè van Samothrake aan de Darutrap

Bestand:Daru staircase Louvre 2007 05 13.jpg

Categorie:Werk gebaseerd op Grieks-Romeinse mythologie

Bestand:Victoire de Samothrace - vue de trois-quart gauche, gros plan de la statue (2).JPG

Plattegrond van het heiligdom van de Grote Goden van Samothrake. Het standbeeld stond op nummer 9.


Nikè_van_Samothrake

Prompt: Hoe wordt in Nikè_van_Samothrake de Beeldhouwstijl van de Het beeld verklaard?

Het beeld werd gemaakt tijdens de hellenistische periode (323 v.Chr.–30 v.Chr.). Tijdens deze periode evolueerde de Oud-Griekse beeldhouwkunst, door zijn contact met het oosten, in de richting van meer realisme, individualisme en naturalisme. De kunstenaars wilden het typische, het menselijke van figuren weergeven en beeldden dus 'echte' mensen uit. De beeldhouwers streefden er ook naar om een bepaald gevoel (pathos) weer te geven. Vrouwelijke beelden toonden in deze periode zonder schroom hun naaktheid.

Sculpturaal reliëf, dat een schip voorstelt, getekend Pythokritos op de muur van de akropolis van Lindos

De gevleugelde Nikè van Samothrake rechts bekeken (Ma 2369).

Bestand:Front right view of the Nike of Samothrace.jpg

De gevleugelde Nikè van Samothrake op haar sokkel van voren (Ma 2369)

De gevleugelde Nikè van Samothrake driekwart links bekeken (Ma 2369)

Fédération Internationale de Football Association

De gevleugelde Nikè van Samothrake aan de Darutrap

Bestand:Daru staircase Louvre 2007 05 13.jpg

Categorie:Werk gebaseerd op Grieks-Romeinse mythologie

Bestand:Victoire de Samothrace - vue de trois-quart gauche, gros plan de la statue (2).JPG

Plattegrond van het heiligdom van de Grote Goden van Samothrake. Het standbeeld stond op nummer 9.