Brieflezend_meisje_bij_het_venster

Prompt: Hoe verklaart Brieflezend_meisje_bij_het_venster zijn Afkomst?

De sporen van het schilderij leiden niet tot zijn ontstaan terug. Mogelijk wordt het Brieflezende meisje bij het venster bedoeld in de catalogus van een veiling in Amsterdam op 14 juni 1712 voor kunsthandelaar Pieter van der Lip. Als catalogusnummer 72 staat daar vermeld Een leezent Vrouwtje in een kamer, door vander Meer van Delft, maar hiermee kan ook het schilderij Brieflezende vrouw in het blauw bedoeld zijn. Het werd in elk geval verkocht voor 110 gulden. De Brais kocht het in 1742 in Parijs voor Frederik August II, keurvorst van Saksen, in de veronderstelling dat het een werk van Rembrandt was. In 1826 werd het toegeschreven aan Pieter de Hooch. De Franse kunsthistoricus Théophile Thoré-Bürger herkende het als een van de zeldzame schilderijen van Vermeer en herstelde de juiste toekenning met zijn onderzoek in 1860.Het schilderij maakte deel uit van de verzameling kunstvoorwerpen die ontsnapten aan het Bombardement op Dresden in de Tweede Wereldoorlog. De collectie werd tijdig verborgen in een tunnel in de bergen van de Sächsische Schweiz. Het Rode Leger vond de verzameling terug en nam de voorwerpen mee naar de Sovjet-Unie. Na de dood van Stalin werd het schilderij in 1955 geschonken aan de DDR ter bevordering van de vriendschap tussen beide landen en kwam het weer in Dresden terecht. Het naar omstandigheden goed bewaard gebleven doek is in bezit van de Gemäldegalerie Alte Meister, onderdeel van de Staatliche Kunstsammlungen in Dresden, de hoofdstad van de Duitse deelstaat Saksen.

Het schilderij zonder de afbeelding van [[Cupido (mythologie)

Bestand:Johannes Vermeer - Girl Reading a Letter by an Open Window - Google Art Project.jpg


Brieflezend_meisje_bij_het_venster

Prompt: Hoe wordt de Afkomst besproken in Brieflezend_meisje_bij_het_venster?

De sporen van het schilderij leiden niet tot zijn ontstaan terug. Mogelijk wordt het Brieflezende meisje bij het venster bedoeld in de catalogus van een veiling in Amsterdam op 14 juni 1712 voor kunsthandelaar Pieter van der Lip. Als catalogusnummer 72 staat daar vermeld Een leezent Vrouwtje in een kamer, door vander Meer van Delft, maar hiermee kan ook het schilderij Brieflezende vrouw in het blauw bedoeld zijn. Het werd in elk geval verkocht voor 110 gulden. De Brais kocht het in 1742 in Parijs voor Frederik August II, keurvorst van Saksen, in de veronderstelling dat het een werk van Rembrandt was. In 1826 werd het toegeschreven aan Pieter de Hooch. De Franse kunsthistoricus Théophile Thoré-Bürger herkende het als een van de zeldzame schilderijen van Vermeer en herstelde de juiste toekenning met zijn onderzoek in 1860.Het schilderij maakte deel uit van de verzameling kunstvoorwerpen die ontsnapten aan het Bombardement op Dresden in de Tweede Wereldoorlog. De collectie werd tijdig verborgen in een tunnel in de bergen van de Sächsische Schweiz. Het Rode Leger vond de verzameling terug en nam de voorwerpen mee naar de Sovjet-Unie. Na de dood van Stalin werd het schilderij in 1955 geschonken aan de DDR ter bevordering van de vriendschap tussen beide landen en kwam het weer in Dresden terecht. Het naar omstandigheden goed bewaard gebleven doek is in bezit van de Gemäldegalerie Alte Meister, onderdeel van de Staatliche Kunstsammlungen in Dresden, de hoofdstad van de Duitse deelstaat Saksen.

Het schilderij zonder de afbeelding van [[Cupido (mythologie)

Bestand:Johannes Vermeer - Girl Reading a Letter by an Open Window - Google Art Project.jpg


Brieflezend_meisje_bij_het_venster

Prompt: Focus op Brieflezend_meisje_bij_het_venster en leg de Restauratie 21e eeuw uit.

Het schilderij werd van 2017 tot 2021 gerestaureerd door Christoph Schölzel van het restauratieatelier van de Gemäldegalerie Alte Meister in Dresden. Aanleiding was de afgeronde restauratie in 2004 van Vermeers schilderij De Koppelaarster, dat zich in hetzelfde museum bevindt. De weergave van de kleuren werd toen behoorlijk verbeterd en de vraag kwam op of hetzelfde resultaat bereikt kon worden bij het Brieflezend meisje bij het venster. Het schilderij werd sindsdien twee keer uitgeleend aan musea in Spanje en Japan en ter voorbereiding daarop werden al kleine restauraties uitgevoerd, zoals het herbevestigen aan de achterkant van het schilderij van een klein deel van het doek. In 2010 volgde ter gelegenheid van een Vermeer-expositie in Dresden schildertechnisch onderzoek naar het schilderij en in maart 2017 werden experts op het gebied van restauratie uitgenodigd om een ingrijpender restauratie te bespreken; allemaal hadden ze eerder een schilderij van Vermeer gerenoveerd, in Amsterdam, Kopenhagen en Wenen. Na het verwijderen van het bruin en gelig geworden vernis bleken de kleuren inderdaad beter tot hun recht te komen, onder meer bij de handen en het fruit. Het schilderij had daarnaast geleden van oud retoucheerwerk en overschilderingen. Al in 1979 was met een röntgenfoto aangetoond dat zich onder de verf op de achtermuur een beeltenis bevond van een naakte Cupido. Het was echter niet bekend of deze overschildering door Vermeer gedaan was of door iemand anders. Uit onderzoek van monsters die van het schilderij waren afgenomen, bleek dat op de plek waar Cupido zich bevindt onder de overschildering twee vernislagen met vuil waren waar te nemen. Geconcludeerd werd dat de overschildering niet van Vermeer kon zijn en pas geruime tijd na de voltooiing van het schilderij was aangebracht; minimaal enkele decennia erna en zo goed als zeker na het overlijden van Vermeer. Besloten werd de nog geen millimeter dikke overschildering te verwijderen. Dat gebeurde onder een microscoop met een scalpel. Halverwege 2019 was de verwijdering half voltooid en was een deel van Cupido zichtbaar. Het schilderij werd in die staat van 8 tot 16 juni dat jaar in de Gemäldegalerie Alte Meister tentoongesteld. De restauratie werd voltooid in 2021 en toont sindsdien opnieuw een schilderij van een naakte Cupido aan de muur achter het lezende meisje. De restauratie werd mogelijk gemaakt door een bijdrage van de Hata Foundation uit Tokio.

Het schilderij zonder de afbeelding van [[Cupido (mythologie)

Bestand:Johannes Vermeer - Girl Reading a Letter by an Open Window - Google Art Project.jpg


Brieflezend_meisje_bij_het_venster

Prompt: Verklaar de Restauratie 21e eeuw van dit kunstwerk, Brieflezend_meisje_bij_het_venster.

Het schilderij werd van 2017 tot 2021 gerestaureerd door Christoph Schölzel van het restauratieatelier van de Gemäldegalerie Alte Meister in Dresden. Aanleiding was de afgeronde restauratie in 2004 van Vermeers schilderij De Koppelaarster, dat zich in hetzelfde museum bevindt. De weergave van de kleuren werd toen behoorlijk verbeterd en de vraag kwam op of hetzelfde resultaat bereikt kon worden bij het Brieflezend meisje bij het venster. Het schilderij werd sindsdien twee keer uitgeleend aan musea in Spanje en Japan en ter voorbereiding daarop werden al kleine restauraties uitgevoerd, zoals het herbevestigen aan de achterkant van het schilderij van een klein deel van het doek. In 2010 volgde ter gelegenheid van een Vermeer-expositie in Dresden schildertechnisch onderzoek naar het schilderij en in maart 2017 werden experts op het gebied van restauratie uitgenodigd om een ingrijpender restauratie te bespreken; allemaal hadden ze eerder een schilderij van Vermeer gerenoveerd, in Amsterdam, Kopenhagen en Wenen. Na het verwijderen van het bruin en gelig geworden vernis bleken de kleuren inderdaad beter tot hun recht te komen, onder meer bij de handen en het fruit. Het schilderij had daarnaast geleden van oud retoucheerwerk en overschilderingen. Al in 1979 was met een röntgenfoto aangetoond dat zich onder de verf op de achtermuur een beeltenis bevond van een naakte Cupido. Het was echter niet bekend of deze overschildering door Vermeer gedaan was of door iemand anders. Uit onderzoek van monsters die van het schilderij waren afgenomen, bleek dat op de plek waar Cupido zich bevindt onder de overschildering twee vernislagen met vuil waren waar te nemen. Geconcludeerd werd dat de overschildering niet van Vermeer kon zijn en pas geruime tijd na de voltooiing van het schilderij was aangebracht; minimaal enkele decennia erna en zo goed als zeker na het overlijden van Vermeer. Besloten werd de nog geen millimeter dikke overschildering te verwijderen. Dat gebeurde onder een microscoop met een scalpel. Halverwege 2019 was de verwijdering half voltooid en was een deel van Cupido zichtbaar. Het schilderij werd in die staat van 8 tot 16 juni dat jaar in de Gemäldegalerie Alte Meister tentoongesteld. De restauratie werd voltooid in 2021 en toont sindsdien opnieuw een schilderij van een naakte Cupido aan de muur achter het lezende meisje. De restauratie werd mogelijk gemaakt door een bijdrage van de Hata Foundation uit Tokio.

Het schilderij zonder de afbeelding van [[Cupido (mythologie)

Bestand:Johannes Vermeer - Girl Reading a Letter by an Open Window - Google Art Project.jpg


Brieflezend_meisje_bij_het_venster

Prompt: Hoe verklaart Brieflezend_meisje_bij_het_venster zijn Restauratie 21e eeuw?

Het schilderij werd van 2017 tot 2021 gerestaureerd door Christoph Schölzel van het restauratieatelier van de Gemäldegalerie Alte Meister in Dresden. Aanleiding was de afgeronde restauratie in 2004 van Vermeers schilderij De Koppelaarster, dat zich in hetzelfde museum bevindt. De weergave van de kleuren werd toen behoorlijk verbeterd en de vraag kwam op of hetzelfde resultaat bereikt kon worden bij het Brieflezend meisje bij het venster. Het schilderij werd sindsdien twee keer uitgeleend aan musea in Spanje en Japan en ter voorbereiding daarop werden al kleine restauraties uitgevoerd, zoals het herbevestigen aan de achterkant van het schilderij van een klein deel van het doek. In 2010 volgde ter gelegenheid van een Vermeer-expositie in Dresden schildertechnisch onderzoek naar het schilderij en in maart 2017 werden experts op het gebied van restauratie uitgenodigd om een ingrijpender restauratie te bespreken; allemaal hadden ze eerder een schilderij van Vermeer gerenoveerd, in Amsterdam, Kopenhagen en Wenen. Na het verwijderen van het bruin en gelig geworden vernis bleken de kleuren inderdaad beter tot hun recht te komen, onder meer bij de handen en het fruit. Het schilderij had daarnaast geleden van oud retoucheerwerk en overschilderingen. Al in 1979 was met een röntgenfoto aangetoond dat zich onder de verf op de achtermuur een beeltenis bevond van een naakte Cupido. Het was echter niet bekend of deze overschildering door Vermeer gedaan was of door iemand anders. Uit onderzoek van monsters die van het schilderij waren afgenomen, bleek dat op de plek waar Cupido zich bevindt onder de overschildering twee vernislagen met vuil waren waar te nemen. Geconcludeerd werd dat de overschildering niet van Vermeer kon zijn en pas geruime tijd na de voltooiing van het schilderij was aangebracht; minimaal enkele decennia erna en zo goed als zeker na het overlijden van Vermeer. Besloten werd de nog geen millimeter dikke overschildering te verwijderen. Dat gebeurde onder een microscoop met een scalpel. Halverwege 2019 was de verwijdering half voltooid en was een deel van Cupido zichtbaar. Het schilderij werd in die staat van 8 tot 16 juni dat jaar in de Gemäldegalerie Alte Meister tentoongesteld. De restauratie werd voltooid in 2021 en toont sindsdien opnieuw een schilderij van een naakte Cupido aan de muur achter het lezende meisje. De restauratie werd mogelijk gemaakt door een bijdrage van de Hata Foundation uit Tokio.

Het schilderij zonder de afbeelding van [[Cupido (mythologie)

Bestand:Johannes Vermeer - Girl Reading a Letter by an Open Window - Google Art Project.jpg


Brieflezend_meisje_bij_het_venster

Prompt: Hoe wordt de Restauratie 21e eeuw besproken in Brieflezend_meisje_bij_het_venster?

Het schilderij werd van 2017 tot 2021 gerestaureerd door Christoph Schölzel van het restauratieatelier van de Gemäldegalerie Alte Meister in Dresden. Aanleiding was de afgeronde restauratie in 2004 van Vermeers schilderij De Koppelaarster, dat zich in hetzelfde museum bevindt. De weergave van de kleuren werd toen behoorlijk verbeterd en de vraag kwam op of hetzelfde resultaat bereikt kon worden bij het Brieflezend meisje bij het venster. Het schilderij werd sindsdien twee keer uitgeleend aan musea in Spanje en Japan en ter voorbereiding daarop werden al kleine restauraties uitgevoerd, zoals het herbevestigen aan de achterkant van het schilderij van een klein deel van het doek. In 2010 volgde ter gelegenheid van een Vermeer-expositie in Dresden schildertechnisch onderzoek naar het schilderij en in maart 2017 werden experts op het gebied van restauratie uitgenodigd om een ingrijpender restauratie te bespreken; allemaal hadden ze eerder een schilderij van Vermeer gerenoveerd, in Amsterdam, Kopenhagen en Wenen. Na het verwijderen van het bruin en gelig geworden vernis bleken de kleuren inderdaad beter tot hun recht te komen, onder meer bij de handen en het fruit. Het schilderij had daarnaast geleden van oud retoucheerwerk en overschilderingen. Al in 1979 was met een röntgenfoto aangetoond dat zich onder de verf op de achtermuur een beeltenis bevond van een naakte Cupido. Het was echter niet bekend of deze overschildering door Vermeer gedaan was of door iemand anders. Uit onderzoek van monsters die van het schilderij waren afgenomen, bleek dat op de plek waar Cupido zich bevindt onder de overschildering twee vernislagen met vuil waren waar te nemen. Geconcludeerd werd dat de overschildering niet van Vermeer kon zijn en pas geruime tijd na de voltooiing van het schilderij was aangebracht; minimaal enkele decennia erna en zo goed als zeker na het overlijden van Vermeer. Besloten werd de nog geen millimeter dikke overschildering te verwijderen. Dat gebeurde onder een microscoop met een scalpel. Halverwege 2019 was de verwijdering half voltooid en was een deel van Cupido zichtbaar. Het schilderij werd in die staat van 8 tot 16 juni dat jaar in de Gemäldegalerie Alte Meister tentoongesteld. De restauratie werd voltooid in 2021 en toont sindsdien opnieuw een schilderij van een naakte Cupido aan de muur achter het lezende meisje. De restauratie werd mogelijk gemaakt door een bijdrage van de Hata Foundation uit Tokio.

Het schilderij zonder de afbeelding van [[Cupido (mythologie)

Bestand:Johannes Vermeer - Girl Reading a Letter by an Open Window - Google Art Project.jpg


De_dans

Prompt: Focus op De_dans en leg de abstract uit.

De Dans, in het Frans La Danse, is een groot olieverfschilderij van de Franse kunstschilder Henri Matisse (1869-1954). Matisse maakte er twee versies van: de eerste dateert uit begin 1909, de tweede van hooguit een jaar later. Beide werken tonen vijf naakte, vrouwelijke figuren die ronddansen in een kring en daarbij elkaars hand vasthouden, geschilderd tegen een sterk vereenvoudigd groen landschap en een blauwe hemel. Slagschaduwen en diepte ontbreken (de figuren dichtbij en ver weg zijn even groot) en de kleurvlakken zijn door sterke contouren begrensd.

Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


De_dans

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, De_dans.

De Dans, in het Frans La Danse, is een groot olieverfschilderij van de Franse kunstschilder Henri Matisse (1869-1954). Matisse maakte er twee versies van: de eerste dateert uit begin 1909, de tweede van hooguit een jaar later. Beide werken tonen vijf naakte, vrouwelijke figuren die ronddansen in een kring en daarbij elkaars hand vasthouden, geschilderd tegen een sterk vereenvoudigd groen landschap en een blauwe hemel. Slagschaduwen en diepte ontbreken (de figuren dichtbij en ver weg zijn even groot) en de kleurvlakken zijn door sterke contouren begrensd.

Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


De_dans

Prompt: Hoe verklaart De_dans zijn abstract?

De Dans, in het Frans La Danse, is een groot olieverfschilderij van de Franse kunstschilder Henri Matisse (1869-1954). Matisse maakte er twee versies van: de eerste dateert uit begin 1909, de tweede van hooguit een jaar later. Beide werken tonen vijf naakte, vrouwelijke figuren die ronddansen in een kring en daarbij elkaars hand vasthouden, geschilderd tegen een sterk vereenvoudigd groen landschap en een blauwe hemel. Slagschaduwen en diepte ontbreken (de figuren dichtbij en ver weg zijn even groot) en de kleurvlakken zijn door sterke contouren begrensd.

Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


De_dans

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in De_dans?

De Dans, in het Frans La Danse, is een groot olieverfschilderij van de Franse kunstschilder Henri Matisse (1869-1954). Matisse maakte er twee versies van: de eerste dateert uit begin 1909, de tweede van hooguit een jaar later. Beide werken tonen vijf naakte, vrouwelijke figuren die ronddansen in een kring en daarbij elkaars hand vasthouden, geschilderd tegen een sterk vereenvoudigd groen landschap en een blauwe hemel. Slagschaduwen en diepte ontbreken (de figuren dichtbij en ver weg zijn even groot) en de kleurvlakken zijn door sterke contouren begrensd.

Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


De_dans

Prompt: Focus op De_dans en leg de De dans (I) uit.

Het doek uit 1909, vervaardigd aan de Boulevard des Invalides in Parijs, is een vlug geschilderde compositorische studie voor het uiteindelijke schilderij en meet 259,7 cm × 390,1 cm. De kleuren in deze oerversie zijn veel bleker dan op het latere doek: Matisse gebruikte roze in plaats van rood voor de menselijke gestalten, hemelsblauw in plaats van ultramarijn voor de hemel en zeegroen in plaats van smaragdgroen voor het gras.Het doek bevindt zich in het Museum of Modern Art (MoMA) in New York.

Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


De_dans

Prompt: Verklaar de De dans (I) van dit kunstwerk, De_dans.

Het doek uit 1909, vervaardigd aan de Boulevard des Invalides in Parijs, is een vlug geschilderde compositorische studie voor het uiteindelijke schilderij en meet 259,7 cm × 390,1 cm. De kleuren in deze oerversie zijn veel bleker dan op het latere doek: Matisse gebruikte roze in plaats van rood voor de menselijke gestalten, hemelsblauw in plaats van ultramarijn voor de hemel en zeegroen in plaats van smaragdgroen voor het gras.Het doek bevindt zich in het Museum of Modern Art (MoMA) in New York.

Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


De_dans

Prompt: Hoe verklaart De_dans zijn De dans (I)?

Het doek uit 1909, vervaardigd aan de Boulevard des Invalides in Parijs, is een vlug geschilderde compositorische studie voor het uiteindelijke schilderij en meet 259,7 cm × 390,1 cm. De kleuren in deze oerversie zijn veel bleker dan op het latere doek: Matisse gebruikte roze in plaats van rood voor de menselijke gestalten, hemelsblauw in plaats van ultramarijn voor de hemel en zeegroen in plaats van smaragdgroen voor het gras.Het doek bevindt zich in het Museum of Modern Art (MoMA) in New York.

Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


De_dans

Prompt: Hoe wordt de De dans (I) besproken in De_dans?

Het doek uit 1909, vervaardigd aan de Boulevard des Invalides in Parijs, is een vlug geschilderde compositorische studie voor het uiteindelijke schilderij en meet 259,7 cm × 390,1 cm. De kleuren in deze oerversie zijn veel bleker dan op het latere doek: Matisse gebruikte roze in plaats van rood voor de menselijke gestalten, hemelsblauw in plaats van ultramarijn voor de hemel en zeegroen in plaats van smaragdgroen voor het gras.Het doek bevindt zich in het Museum of Modern Art (MoMA) in New York.

Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


De_dans

Prompt: Focus op De_dans en leg de De dans (II) uit.

De versie uit 1909/1910 meet 260 cm × 391 cm. Matisse maakte het werk samen met Muziek (1910) in opdracht van de Russische zakenman en kunstverzamelaar Sergej Sjtsjoekin, die beide schilderijen boven de trap in zijn huis in Moskou hing, dat regelmatig gratis open was voor het publiek. Daar bleven zij tot de Oktoberrevolutie van 1917 hangen. Vooral het rood is veel krachtiger dan op het eerste doek. De lichamen van de vrouwen zijn gespierder en energieker dan in de voorstudie.Dit doek bevindt zich tegenwoordig in de Hermitage in Sint-Petersburg (evenals Muziek). In 2010 was het zes weken uitgeleend aan de Hermitage Amsterdam in het kader van de tentoonstelling Matisse tot Malevich.

Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


De_dans

Prompt: Verklaar de De dans (II) van dit kunstwerk, De_dans.

De versie uit 1909/1910 meet 260 cm × 391 cm. Matisse maakte het werk samen met Muziek (1910) in opdracht van de Russische zakenman en kunstverzamelaar Sergej Sjtsjoekin, die beide schilderijen boven de trap in zijn huis in Moskou hing, dat regelmatig gratis open was voor het publiek. Daar bleven zij tot de Oktoberrevolutie van 1917 hangen. Vooral het rood is veel krachtiger dan op het eerste doek. De lichamen van de vrouwen zijn gespierder en energieker dan in de voorstudie.Dit doek bevindt zich tegenwoordig in de Hermitage in Sint-Petersburg (evenals Muziek). In 2010 was het zes weken uitgeleend aan de Hermitage Amsterdam in het kader van de tentoonstelling Matisse tot Malevich.

Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


De_dans

Prompt: Hoe verklaart De_dans zijn De dans (II)?

De versie uit 1909/1910 meet 260 cm × 391 cm. Matisse maakte het werk samen met Muziek (1910) in opdracht van de Russische zakenman en kunstverzamelaar Sergej Sjtsjoekin, die beide schilderijen boven de trap in zijn huis in Moskou hing, dat regelmatig gratis open was voor het publiek. Daar bleven zij tot de Oktoberrevolutie van 1917 hangen. Vooral het rood is veel krachtiger dan op het eerste doek. De lichamen van de vrouwen zijn gespierder en energieker dan in de voorstudie.Dit doek bevindt zich tegenwoordig in de Hermitage in Sint-Petersburg (evenals Muziek). In 2010 was het zes weken uitgeleend aan de Hermitage Amsterdam in het kader van de tentoonstelling Matisse tot Malevich.

Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


De_dans

Prompt: Hoe wordt de De dans (II) besproken in De_dans?

De versie uit 1909/1910 meet 260 cm × 391 cm. Matisse maakte het werk samen met Muziek (1910) in opdracht van de Russische zakenman en kunstverzamelaar Sergej Sjtsjoekin, die beide schilderijen boven de trap in zijn huis in Moskou hing, dat regelmatig gratis open was voor het publiek. Daar bleven zij tot de Oktoberrevolutie van 1917 hangen. Vooral het rood is veel krachtiger dan op het eerste doek. De lichamen van de vrouwen zijn gespierder en energieker dan in de voorstudie.Dit doek bevindt zich tegenwoordig in de Hermitage in Sint-Petersburg (evenals Muziek). In 2010 was het zes weken uitgeleend aan de Hermitage Amsterdam in het kader van de tentoonstelling Matisse tot Malevich.

Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


De_dans

Prompt: Focus op De_dans en leg de Betekenis uit.

De dans geldt als het bekendste schilderij van Matisse en wordt algemeen erkend als keerpunt in zijn werk en in de ontwikkeling van de moderne schilderkunst. Zijn tijdgenoten vonden het onbeholpen en ruw, maar tegenwoordig is het zeer populair.Uit het schilderij spreekt de ontluikende fascinatie van de schilder voor primitieve kunst. Hij gebruikte een klassiek, fauvistisch kleurenpalet: de intense, warme kleuren tegen de koele, blauw-groene achtergrond en de ritmische herhaling van de dansende naakten brengen een hedonistische levenshouding en gevoelens van emotionele bevrijding tot uitdrukking.

Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


De_dans

Prompt: Verklaar de Betekenis van dit kunstwerk, De_dans.

De dans geldt als het bekendste schilderij van Matisse en wordt algemeen erkend als keerpunt in zijn werk en in de ontwikkeling van de moderne schilderkunst. Zijn tijdgenoten vonden het onbeholpen en ruw, maar tegenwoordig is het zeer populair.Uit het schilderij spreekt de ontluikende fascinatie van de schilder voor primitieve kunst. Hij gebruikte een klassiek, fauvistisch kleurenpalet: de intense, warme kleuren tegen de koele, blauw-groene achtergrond en de ritmische herhaling van de dansende naakten brengen een hedonistische levenshouding en gevoelens van emotionele bevrijding tot uitdrukking.

Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


De_dans

Prompt: Hoe verklaart De_dans zijn Betekenis?

De dans geldt als het bekendste schilderij van Matisse en wordt algemeen erkend als keerpunt in zijn werk en in de ontwikkeling van de moderne schilderkunst. Zijn tijdgenoten vonden het onbeholpen en ruw, maar tegenwoordig is het zeer populair.Uit het schilderij spreekt de ontluikende fascinatie van de schilder voor primitieve kunst. Hij gebruikte een klassiek, fauvistisch kleurenpalet: de intense, warme kleuren tegen de koele, blauw-groene achtergrond en de ritmische herhaling van de dansende naakten brengen een hedonistische levenshouding en gevoelens van emotionele bevrijding tot uitdrukking.

Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


De_dans

Prompt: Hoe wordt de Betekenis besproken in De_dans?

De dans geldt als het bekendste schilderij van Matisse en wordt algemeen erkend als keerpunt in zijn werk en in de ontwikkeling van de moderne schilderkunst. Zijn tijdgenoten vonden het onbeholpen en ruw, maar tegenwoordig is het zeer populair.Uit het schilderij spreekt de ontluikende fascinatie van de schilder voor primitieve kunst. Hij gebruikte een klassiek, fauvistisch kleurenpalet: de intense, warme kleuren tegen de koele, blauw-groene achtergrond en de ritmische herhaling van de dansende naakten brengen een hedonistische levenshouding en gevoelens van emotionele bevrijding tot uitdrukking.

Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


De_dans

Prompt: Focus op De_dans en leg de Triptiek uit.

In 1931 maakte Matisse in opdracht van de Amerikaanse arts-farmaceut en kunstverzamelaar Albert C. Barnes een triptiek met hetzelfde motief (dansende naakten) bedoeld als muurschildering voor de centrale hal van diens school annex kunstmuseum in Merion (net buiten Philadelphia), in 1932-1933 gevolgd door een tweede versie omdat de eerste te klein bleek. Hij gebruikte voor het opbouwen van zijn compositie een nieuwe techniek: met geverfde en uitgeknipte stukken papier probeerde hij verschillende vormen uit. De wanddecoratie bestaat uit drie panelen van olieverf op doek en is de grootste die Matisse ooit vervaardigd heeft. De compositie, aangeduid als The Dance II, bevindt zich sinds 2012 in een nieuw gebouw van de Barnes Foundation in Philadelphia. Matisse voltooide de eerste versie alsnog in 1933 en maakte ook nog een onvoltooide versie (1931), die in 1992 opgerold werd teruggevonden in zijn oude appartement-atelier in Cimiez, een buitenwijk van Nice. De eerste en de onvoltooide versie worden in het MAM in Parijs bewaard.

Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


De_dans

Prompt: Verklaar de Triptiek van dit kunstwerk, De_dans.

In 1931 maakte Matisse in opdracht van de Amerikaanse arts-farmaceut en kunstverzamelaar Albert C. Barnes een triptiek met hetzelfde motief (dansende naakten) bedoeld als muurschildering voor de centrale hal van diens school annex kunstmuseum in Merion (net buiten Philadelphia), in 1932-1933 gevolgd door een tweede versie omdat de eerste te klein bleek. Hij gebruikte voor het opbouwen van zijn compositie een nieuwe techniek: met geverfde en uitgeknipte stukken papier probeerde hij verschillende vormen uit. De wanddecoratie bestaat uit drie panelen van olieverf op doek en is de grootste die Matisse ooit vervaardigd heeft. De compositie, aangeduid als The Dance II, bevindt zich sinds 2012 in een nieuw gebouw van de Barnes Foundation in Philadelphia. Matisse voltooide de eerste versie alsnog in 1933 en maakte ook nog een onvoltooide versie (1931), die in 1992 opgerold werd teruggevonden in zijn oude appartement-atelier in Cimiez, een buitenwijk van Nice. De eerste en de onvoltooide versie worden in het MAM in Parijs bewaard.

Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


De_dans

Prompt: Hoe verklaart De_dans zijn Triptiek?

In 1931 maakte Matisse in opdracht van de Amerikaanse arts-farmaceut en kunstverzamelaar Albert C. Barnes een triptiek met hetzelfde motief (dansende naakten) bedoeld als muurschildering voor de centrale hal van diens school annex kunstmuseum in Merion (net buiten Philadelphia), in 1932-1933 gevolgd door een tweede versie omdat de eerste te klein bleek. Hij gebruikte voor het opbouwen van zijn compositie een nieuwe techniek: met geverfde en uitgeknipte stukken papier probeerde hij verschillende vormen uit. De wanddecoratie bestaat uit drie panelen van olieverf op doek en is de grootste die Matisse ooit vervaardigd heeft. De compositie, aangeduid als The Dance II, bevindt zich sinds 2012 in een nieuw gebouw van de Barnes Foundation in Philadelphia. Matisse voltooide de eerste versie alsnog in 1933 en maakte ook nog een onvoltooide versie (1931), die in 1992 opgerold werd teruggevonden in zijn oude appartement-atelier in Cimiez, een buitenwijk van Nice. De eerste en de onvoltooide versie worden in het MAM in Parijs bewaard.

Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


De_dans

Prompt: Hoe wordt de Triptiek besproken in De_dans?

In 1931 maakte Matisse in opdracht van de Amerikaanse arts-farmaceut en kunstverzamelaar Albert C. Barnes een triptiek met hetzelfde motief (dansende naakten) bedoeld als muurschildering voor de centrale hal van diens school annex kunstmuseum in Merion (net buiten Philadelphia), in 1932-1933 gevolgd door een tweede versie omdat de eerste te klein bleek. Hij gebruikte voor het opbouwen van zijn compositie een nieuwe techniek: met geverfde en uitgeknipte stukken papier probeerde hij verschillende vormen uit. De wanddecoratie bestaat uit drie panelen van olieverf op doek en is de grootste die Matisse ooit vervaardigd heeft. De compositie, aangeduid als The Dance II, bevindt zich sinds 2012 in een nieuw gebouw van de Barnes Foundation in Philadelphia. Matisse voltooide de eerste versie alsnog in 1933 en maakte ook nog een onvoltooide versie (1931), die in 1992 opgerold werd teruggevonden in zijn oude appartement-atelier in Cimiez, een buitenwijk van Nice. De eerste en de onvoltooide versie worden in het MAM in Parijs bewaard.

Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Categorie:Schilderij in het Museum of Modern Art


Arbeider_en_kolchozboerin

Prompt: Focus op Arbeider_en_kolchozboerin en leg de abstract uit.

Arbeider en kolchozboerin (Russisch: Рабо́чий и колхо́зница, Rabotsji i kolchoznitsa) is een 24,5 meter hoge sculptuur van roestvast staal, gemaakt door Vera Moechina voor de wereldtentoonstelling van 1937 in Parijs. Na afloop van de tentoonstelling werd het beeld verplaatst naar Moskou. Het beeld is een typisch voorbeeld van de socialistisch realistische stijl, alsmede de art-decostijl.Het beeld stelt een man en een vrouw voor, die naast elkaar staan. De man (de arbeider) houdt een hamer vast, en de vrouw (de kolchozboerin) een sikkel, welke samen het Hamer en sikkel-symbool vormen.Moechina kreeg inspiratie voor het beeld door haar studie van de klassieke Harmodius en Aristogiton, de Nikè van Samothrake, en de Marseillaise, François Rudes sculptuurgroep voor de Arc de Triomphe.In 1941 leverde het beeld Moechina de Stalinprijs voor de kunsten op. en in 1947 werd het beeld gekozen als logo voor de filmstudio Mosfilm.Het standbeeld werd in 2003 van zijn plek gehaald voor restauratie ter voorbereiding op Expo 2010. Het beeld zou in 2005 terugkeren, maar omdat niet Moskou maar Shanghai de locatie voor de wereldtentoonstelling kreeg toegewezen, liep de restauratie vertraging op. Het beeld is op 28 november 2009 teruggezet op zijn plek.

''Arbeider en kolchozboerin'' op de wereldtentoonstelling van 1936

Bestand:Russia-2000-stamp-Tatlin Tower and Worker and Kolkhoz Woman by Vera Mukhina.jpg

''Arbeider en kolchozboerin'' op een postzegel uit 2000


Arbeider_en_kolchozboerin

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Arbeider_en_kolchozboerin.

Arbeider en kolchozboerin (Russisch: Рабо́чий и колхо́зница, Rabotsji i kolchoznitsa) is een 24,5 meter hoge sculptuur van roestvast staal, gemaakt door Vera Moechina voor de wereldtentoonstelling van 1937 in Parijs. Na afloop van de tentoonstelling werd het beeld verplaatst naar Moskou. Het beeld is een typisch voorbeeld van de socialistisch realistische stijl, alsmede de art-decostijl.Het beeld stelt een man en een vrouw voor, die naast elkaar staan. De man (de arbeider) houdt een hamer vast, en de vrouw (de kolchozboerin) een sikkel, welke samen het Hamer en sikkel-symbool vormen.Moechina kreeg inspiratie voor het beeld door haar studie van de klassieke Harmodius en Aristogiton, de Nikè van Samothrake, en de Marseillaise, François Rudes sculptuurgroep voor de Arc de Triomphe.In 1941 leverde het beeld Moechina de Stalinprijs voor de kunsten op. en in 1947 werd het beeld gekozen als logo voor de filmstudio Mosfilm.Het standbeeld werd in 2003 van zijn plek gehaald voor restauratie ter voorbereiding op Expo 2010. Het beeld zou in 2005 terugkeren, maar omdat niet Moskou maar Shanghai de locatie voor de wereldtentoonstelling kreeg toegewezen, liep de restauratie vertraging op. Het beeld is op 28 november 2009 teruggezet op zijn plek.

''Arbeider en kolchozboerin'' op de wereldtentoonstelling van 1936

Bestand:Russia-2000-stamp-Tatlin Tower and Worker and Kolkhoz Woman by Vera Mukhina.jpg

''Arbeider en kolchozboerin'' op een postzegel uit 2000


Arbeider_en_kolchozboerin

Prompt: Hoe verklaart Arbeider_en_kolchozboerin zijn abstract?

Arbeider en kolchozboerin (Russisch: Рабо́чий и колхо́зница, Rabotsji i kolchoznitsa) is een 24,5 meter hoge sculptuur van roestvast staal, gemaakt door Vera Moechina voor de wereldtentoonstelling van 1937 in Parijs. Na afloop van de tentoonstelling werd het beeld verplaatst naar Moskou. Het beeld is een typisch voorbeeld van de socialistisch realistische stijl, alsmede de art-decostijl.Het beeld stelt een man en een vrouw voor, die naast elkaar staan. De man (de arbeider) houdt een hamer vast, en de vrouw (de kolchozboerin) een sikkel, welke samen het Hamer en sikkel-symbool vormen.Moechina kreeg inspiratie voor het beeld door haar studie van de klassieke Harmodius en Aristogiton, de Nikè van Samothrake, en de Marseillaise, François Rudes sculptuurgroep voor de Arc de Triomphe.In 1941 leverde het beeld Moechina de Stalinprijs voor de kunsten op. en in 1947 werd het beeld gekozen als logo voor de filmstudio Mosfilm.Het standbeeld werd in 2003 van zijn plek gehaald voor restauratie ter voorbereiding op Expo 2010. Het beeld zou in 2005 terugkeren, maar omdat niet Moskou maar Shanghai de locatie voor de wereldtentoonstelling kreeg toegewezen, liep de restauratie vertraging op. Het beeld is op 28 november 2009 teruggezet op zijn plek.

''Arbeider en kolchozboerin'' op de wereldtentoonstelling van 1936

Bestand:Russia-2000-stamp-Tatlin Tower and Worker and Kolkhoz Woman by Vera Mukhina.jpg

''Arbeider en kolchozboerin'' op een postzegel uit 2000


Arbeider_en_kolchozboerin

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Arbeider_en_kolchozboerin?

Arbeider en kolchozboerin (Russisch: Рабо́чий и колхо́зница, Rabotsji i kolchoznitsa) is een 24,5 meter hoge sculptuur van roestvast staal, gemaakt door Vera Moechina voor de wereldtentoonstelling van 1937 in Parijs. Na afloop van de tentoonstelling werd het beeld verplaatst naar Moskou. Het beeld is een typisch voorbeeld van de socialistisch realistische stijl, alsmede de art-decostijl.Het beeld stelt een man en een vrouw voor, die naast elkaar staan. De man (de arbeider) houdt een hamer vast, en de vrouw (de kolchozboerin) een sikkel, welke samen het Hamer en sikkel-symbool vormen.Moechina kreeg inspiratie voor het beeld door haar studie van de klassieke Harmodius en Aristogiton, de Nikè van Samothrake, en de Marseillaise, François Rudes sculptuurgroep voor de Arc de Triomphe.In 1941 leverde het beeld Moechina de Stalinprijs voor de kunsten op. en in 1947 werd het beeld gekozen als logo voor de filmstudio Mosfilm.Het standbeeld werd in 2003 van zijn plek gehaald voor restauratie ter voorbereiding op Expo 2010. Het beeld zou in 2005 terugkeren, maar omdat niet Moskou maar Shanghai de locatie voor de wereldtentoonstelling kreeg toegewezen, liep de restauratie vertraging op. Het beeld is op 28 november 2009 teruggezet op zijn plek.

''Arbeider en kolchozboerin'' op de wereldtentoonstelling van 1936

Bestand:Russia-2000-stamp-Tatlin Tower and Worker and Kolkhoz Woman by Vera Mukhina.jpg

''Arbeider en kolchozboerin'' op een postzegel uit 2000


Tahitiaanse_vrouwen_op_het_strand

Prompt: Focus op Tahitiaanse_vrouwen_op_het_strand en leg de abstract uit.

Tahitiaanse vrouwen op het strand (Frans: Femmes de Tahiti) is een schilderij van Paul Gauguin. Het beeldt twee vrouwen op het strand van het eiland Tahiti uit. Het schilderij in olieverf op linnen is 69 x 91 cm en is gemaakt in 1891. Het hangt in het Musée d'Orsay in Parijs.

Categorie:Schilderij in het Musée d'Orsay


Tahitiaanse_vrouwen_op_het_strand

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Tahitiaanse_vrouwen_op_het_strand.

Tahitiaanse vrouwen op het strand (Frans: Femmes de Tahiti) is een schilderij van Paul Gauguin. Het beeldt twee vrouwen op het strand van het eiland Tahiti uit. Het schilderij in olieverf op linnen is 69 x 91 cm en is gemaakt in 1891. Het hangt in het Musée d'Orsay in Parijs.

Categorie:Schilderij in het Musée d'Orsay


Tahitiaanse_vrouwen_op_het_strand

Prompt: Hoe verklaart Tahitiaanse_vrouwen_op_het_strand zijn abstract?

Tahitiaanse vrouwen op het strand (Frans: Femmes de Tahiti) is een schilderij van Paul Gauguin. Het beeldt twee vrouwen op het strand van het eiland Tahiti uit. Het schilderij in olieverf op linnen is 69 x 91 cm en is gemaakt in 1891. Het hangt in het Musée d'Orsay in Parijs.

Categorie:Schilderij in het Musée d'Orsay


Tahitiaanse_vrouwen_op_het_strand

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Tahitiaanse_vrouwen_op_het_strand?

Tahitiaanse vrouwen op het strand (Frans: Femmes de Tahiti) is een schilderij van Paul Gauguin. Het beeldt twee vrouwen op het strand van het eiland Tahiti uit. Het schilderij in olieverf op linnen is 69 x 91 cm en is gemaakt in 1891. Het hangt in het Musée d'Orsay in Parijs.

Categorie:Schilderij in het Musée d'Orsay


De_onthoofding_van_Johannes_de_Doper

The Beheading of Saint John the Baptist (Caravaggio)

Prompt: Focus op De_onthoofding_van_Johannes_de_Doper en leg de abstract uit.

De onthoofding van Johannes de Doper (Caravaggio)


De_onthoofding_van_Johannes_de_Doper

The Beheading of Saint John the Baptist (Caravaggio)

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, De_onthoofding_van_Johannes_de_Doper.

De onthoofding van Johannes de Doper (Caravaggio)


De_onthoofding_van_Johannes_de_Doper

The Beheading of Saint John the Baptist (Caravaggio)

Prompt: Hoe verklaart De_onthoofding_van_Johannes_de_Doper zijn abstract?

De onthoofding van Johannes de Doper (Caravaggio)


De_onthoofding_van_Johannes_de_Doper

The Beheading of Saint John the Baptist (Caravaggio)

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in De_onthoofding_van_Johannes_de_Doper?

De onthoofding van Johannes de Doper (Caravaggio)


Madonna_van_Loreto

Prompt: Focus op Madonna_van_Loreto en leg de abstract uit.

Madonna van Loreto kan verwijzen naar:Madonna van Loreto (Perugino), schilderij van PeruginoMadonna van Loreto (Rafaël), schilderij van RafaëlMadonna di Loreto, schilderij van CaravaggioMadonna van Loreto (heiligenbeeld), Madonnabeeld in de Basilica della Santa Casa in Loreto

Madonna van Loreto (Perugino)
Madonna di Loreto
Madonna van Loreto (heiligenbeeld)
Madonna van Loreto (Rafaël)


Madonna_van_Loreto

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Madonna_van_Loreto.

Madonna van Loreto kan verwijzen naar:Madonna van Loreto (Perugino), schilderij van PeruginoMadonna van Loreto (Rafaël), schilderij van RafaëlMadonna di Loreto, schilderij van CaravaggioMadonna van Loreto (heiligenbeeld), Madonnabeeld in de Basilica della Santa Casa in Loreto

Madonna van Loreto (Perugino)
Madonna di Loreto
Madonna van Loreto (heiligenbeeld)
Madonna van Loreto (Rafaël)


Madonna_van_Loreto

Prompt: Hoe verklaart Madonna_van_Loreto zijn abstract?

Madonna van Loreto kan verwijzen naar:Madonna van Loreto (Perugino), schilderij van PeruginoMadonna van Loreto (Rafaël), schilderij van RafaëlMadonna di Loreto, schilderij van CaravaggioMadonna van Loreto (heiligenbeeld), Madonnabeeld in de Basilica della Santa Casa in Loreto

Madonna van Loreto (Perugino)
Madonna di Loreto
Madonna van Loreto (heiligenbeeld)
Madonna van Loreto (Rafaël)


Madonna_van_Loreto

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Madonna_van_Loreto?

Madonna van Loreto kan verwijzen naar:Madonna van Loreto (Perugino), schilderij van PeruginoMadonna van Loreto (Rafaël), schilderij van RafaëlMadonna di Loreto, schilderij van CaravaggioMadonna van Loreto (heiligenbeeld), Madonnabeeld in de Basilica della Santa Casa in Loreto

Madonna van Loreto (Perugino)
Madonna di Loreto
Madonna van Loreto (heiligenbeeld)
Madonna van Loreto (Rafaël)


Portret_van_de_moeder_van_Van_Gogh

Portrait of the Artist's Mother (Van Gogh)

Prompt: Focus op Portret_van_de_moeder_van_Van_Gogh en leg de abstract uit.

Portret van de moeder van Van Gogh is een schilderij van Vincent van Gogh uit 1888.Van Gogh schilderde zijn moeder, Anna Cornelia Carbentus (1819-1907), naar een zwart-witfoto. Deze foto had Vincent, via zijn zus Willemien, van haar gekregen. Uit een briefwisseling met zijn broer Theo van Gogh blijkt dat Vincent moeite had met de kleurloze aanblik van zijn moeder en trachtte hij een portret te schilderen met harmonieuze kleuren, zoals hij zich haar herinnerde. Het portret maakt een 'bleke' indruk. Een gedeeltelijke oorzaak hiervoor is het verbleken van de door Van Gogh gekozen (rode) pigmenten in de loop der tijd. Overigens was Van Gogh zelf niet erg tevreden met het uiteindelijke resultaat.Het schilderij bevindt zich in de collectie van het Norton Simon Museum in Pasadena (Californië).

Foto op basis waarvan Vincent van Gogh het portret van zijn moeder schilderde.  (''Anna van Gogh-Carbentus'', ca. 1888, fotograaf: J.L. de Lavieter & Co.)

Bestand:Photo of Anna van Gogh Carbentus (mother of Vincent van Gogh).jpg


Portret_van_de_moeder_van_Van_Gogh

Portrait of the Artist's Mother (Van Gogh)

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Portret_van_de_moeder_van_Van_Gogh.

Portret van de moeder van Van Gogh is een schilderij van Vincent van Gogh uit 1888.Van Gogh schilderde zijn moeder, Anna Cornelia Carbentus (1819-1907), naar een zwart-witfoto. Deze foto had Vincent, via zijn zus Willemien, van haar gekregen. Uit een briefwisseling met zijn broer Theo van Gogh blijkt dat Vincent moeite had met de kleurloze aanblik van zijn moeder en trachtte hij een portret te schilderen met harmonieuze kleuren, zoals hij zich haar herinnerde. Het portret maakt een 'bleke' indruk. Een gedeeltelijke oorzaak hiervoor is het verbleken van de door Van Gogh gekozen (rode) pigmenten in de loop der tijd. Overigens was Van Gogh zelf niet erg tevreden met het uiteindelijke resultaat.Het schilderij bevindt zich in de collectie van het Norton Simon Museum in Pasadena (Californië).

Foto op basis waarvan Vincent van Gogh het portret van zijn moeder schilderde.  (''Anna van Gogh-Carbentus'', ca. 1888, fotograaf: J.L. de Lavieter & Co.)

Bestand:Photo of Anna van Gogh Carbentus (mother of Vincent van Gogh).jpg


Portret_van_de_moeder_van_Van_Gogh

Portrait of the Artist's Mother (Van Gogh)

Prompt: Hoe verklaart Portret_van_de_moeder_van_Van_Gogh zijn abstract?

Portret van de moeder van Van Gogh is een schilderij van Vincent van Gogh uit 1888.Van Gogh schilderde zijn moeder, Anna Cornelia Carbentus (1819-1907), naar een zwart-witfoto. Deze foto had Vincent, via zijn zus Willemien, van haar gekregen. Uit een briefwisseling met zijn broer Theo van Gogh blijkt dat Vincent moeite had met de kleurloze aanblik van zijn moeder en trachtte hij een portret te schilderen met harmonieuze kleuren, zoals hij zich haar herinnerde. Het portret maakt een 'bleke' indruk. Een gedeeltelijke oorzaak hiervoor is het verbleken van de door Van Gogh gekozen (rode) pigmenten in de loop der tijd. Overigens was Van Gogh zelf niet erg tevreden met het uiteindelijke resultaat.Het schilderij bevindt zich in de collectie van het Norton Simon Museum in Pasadena (Californië).

Foto op basis waarvan Vincent van Gogh het portret van zijn moeder schilderde.  (''Anna van Gogh-Carbentus'', ca. 1888, fotograaf: J.L. de Lavieter & Co.)

Bestand:Photo of Anna van Gogh Carbentus (mother of Vincent van Gogh).jpg


Portret_van_de_moeder_van_Van_Gogh

Portrait of the Artist's Mother (Van Gogh)

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Portret_van_de_moeder_van_Van_Gogh?

Portret van de moeder van Van Gogh is een schilderij van Vincent van Gogh uit 1888.Van Gogh schilderde zijn moeder, Anna Cornelia Carbentus (1819-1907), naar een zwart-witfoto. Deze foto had Vincent, via zijn zus Willemien, van haar gekregen. Uit een briefwisseling met zijn broer Theo van Gogh blijkt dat Vincent moeite had met de kleurloze aanblik van zijn moeder en trachtte hij een portret te schilderen met harmonieuze kleuren, zoals hij zich haar herinnerde. Het portret maakt een 'bleke' indruk. Een gedeeltelijke oorzaak hiervoor is het verbleken van de door Van Gogh gekozen (rode) pigmenten in de loop der tijd. Overigens was Van Gogh zelf niet erg tevreden met het uiteindelijke resultaat.Het schilderij bevindt zich in de collectie van het Norton Simon Museum in Pasadena (Californië).

Foto op basis waarvan Vincent van Gogh het portret van zijn moeder schilderde.  (''Anna van Gogh-Carbentus'', ca. 1888, fotograaf: J.L. de Lavieter & Co.)

Bestand:Photo of Anna van Gogh Carbentus (mother of Vincent van Gogh).jpg


Mariana

Prompt: Focus op Mariana en leg de abstract uit.

Mariana kan verwijzen naar:gemeente in de Spaanse provincie Cuenca: Mariana (Spanje)plaats in de Braziliaanse deelstaat Minas Gerais: Mariana (Brazilië)Mariana, schilderij van John Everett Millais

Mariana (Millais)
Mariana (Spanje)
John Everett Millais
Mariana (Brazilië)
Mariana


Mariana

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Mariana.

Mariana kan verwijzen naar:gemeente in de Spaanse provincie Cuenca: Mariana (Spanje)plaats in de Braziliaanse deelstaat Minas Gerais: Mariana (Brazilië)Mariana, schilderij van John Everett Millais

Mariana (Millais)
Mariana (Spanje)
John Everett Millais
Mariana (Brazilië)
Mariana


Mariana

Prompt: Hoe verklaart Mariana zijn abstract?

Mariana kan verwijzen naar:gemeente in de Spaanse provincie Cuenca: Mariana (Spanje)plaats in de Braziliaanse deelstaat Minas Gerais: Mariana (Brazilië)Mariana, schilderij van John Everett Millais

Mariana (Millais)
Mariana (Spanje)
John Everett Millais
Mariana (Brazilië)
Mariana


Mariana

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Mariana?

Mariana kan verwijzen naar:gemeente in de Spaanse provincie Cuenca: Mariana (Spanje)plaats in de Braziliaanse deelstaat Minas Gerais: Mariana (Brazilië)Mariana, schilderij van John Everett Millais

Mariana (Millais)
Mariana (Spanje)
John Everett Millais
Mariana (Brazilië)
Mariana


Ecce_Homo

Prompt: Focus op Ecce_Homo en leg de abstract uit.

"Ecce Homo" is Latijn en betekent "Zie de mens". Volgens Johannes 19:5 in de Vulgaat (de Latijnse vertaling van het Nieuwe Testament) zei de Romeinse prefect Pontius Pilatus dit toen hij Jezus toonde aan het joodse volk. Kort daarvoor had hij Jezus laten geselen en hadden de Romeinse soldaten Jezus met een doornenkroon, spotmantel en koninklijke attributen uitgedost. Deze scene behoort tot het verhaal over het proces tegen Jezus.

Ecce Homo (toegeschreven aan Jheronimus Bosch)

Ecce Homo (navolger van Jheronimus Bosch)

Madonna met zegenend kind en een franciscaan in aanbidding

Ecce Homo (ca. 1500-1510), Zuidelijke Nederlanden, gepolychromeerd eikenhout

Bestand:Quentin Massys-Ecce Homo-1520,Doge's Palace,Venice.jpg


Ecce_Homo

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Ecce_Homo.

"Ecce Homo" is Latijn en betekent "Zie de mens". Volgens Johannes 19:5 in de Vulgaat (de Latijnse vertaling van het Nieuwe Testament) zei de Romeinse prefect Pontius Pilatus dit toen hij Jezus toonde aan het joodse volk. Kort daarvoor had hij Jezus laten geselen en hadden de Romeinse soldaten Jezus met een doornenkroon, spotmantel en koninklijke attributen uitgedost. Deze scene behoort tot het verhaal over het proces tegen Jezus.

Ecce Homo (toegeschreven aan Jheronimus Bosch)

Ecce Homo (navolger van Jheronimus Bosch)

Madonna met zegenend kind en een franciscaan in aanbidding

Ecce Homo (ca. 1500-1510), Zuidelijke Nederlanden, gepolychromeerd eikenhout

Bestand:Quentin Massys-Ecce Homo-1520,Doge's Palace,Venice.jpg


Ecce_Homo

Prompt: Hoe verklaart Ecce_Homo zijn abstract?

"Ecce Homo" is Latijn en betekent "Zie de mens". Volgens Johannes 19:5 in de Vulgaat (de Latijnse vertaling van het Nieuwe Testament) zei de Romeinse prefect Pontius Pilatus dit toen hij Jezus toonde aan het joodse volk. Kort daarvoor had hij Jezus laten geselen en hadden de Romeinse soldaten Jezus met een doornenkroon, spotmantel en koninklijke attributen uitgedost. Deze scene behoort tot het verhaal over het proces tegen Jezus.

Ecce Homo (toegeschreven aan Jheronimus Bosch)

Ecce Homo (navolger van Jheronimus Bosch)

Madonna met zegenend kind en een franciscaan in aanbidding

Ecce Homo (ca. 1500-1510), Zuidelijke Nederlanden, gepolychromeerd eikenhout

Bestand:Quentin Massys-Ecce Homo-1520,Doge's Palace,Venice.jpg


Ecce_Homo

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Ecce_Homo?

"Ecce Homo" is Latijn en betekent "Zie de mens". Volgens Johannes 19:5 in de Vulgaat (de Latijnse vertaling van het Nieuwe Testament) zei de Romeinse prefect Pontius Pilatus dit toen hij Jezus toonde aan het joodse volk. Kort daarvoor had hij Jezus laten geselen en hadden de Romeinse soldaten Jezus met een doornenkroon, spotmantel en koninklijke attributen uitgedost. Deze scene behoort tot het verhaal over het proces tegen Jezus.

Ecce Homo (toegeschreven aan Jheronimus Bosch)

Ecce Homo (navolger van Jheronimus Bosch)

Madonna met zegenend kind en een franciscaan in aanbidding

Ecce Homo (ca. 1500-1510), Zuidelijke Nederlanden, gepolychromeerd eikenhout

Bestand:Quentin Massys-Ecce Homo-1520,Doge's Palace,Venice.jpg


Ecce_Homo

Prompt: Focus op Ecce_Homo en leg de Doorwerking in de kunst uit.

De verbeelding van de gegeselde Christus met doornenkroon, spotmantel en gesel in de gewonde handen vormt in de Westerse beeldende kunst een geliefd thema, zowel in de schilderkunst als de beeldhouwkunst. Deze werken worden vaak met Ecce homo aangeduid, ook al is de officiële titel vaak "Christus voor Pilatus". Om die reden wordt ecce homo ook gebruikt als aanduiding voor deze categorie kunstwerken.De eerste afbeeldingen van ecce homo in de kunst verschenen in de 9e en 10e eeuw in de Syrisch-Byzantijnse cultuur van de Antiochisch-Griekse christenen.De vroegste afbeeldingen van ecce homo in het westen stammen uit de middeleeuwen, zoals in de Codex Egberti en de Codex Aureus Epternacensis, maar de meeste afbeeldingen in die periode betreffen het plaatsen van de doornenkroon en het bespotten van Jezus.Pas ergens in de 15e eeuw werden afbeeldingen van taferelen in het passieverhaal gebruikelijk. Rond 1450 werd ecce homo voor het eerst geschilderd, mogelijk in de schildersschool van Rogier van der Weyden, maar ook het tafereel "Große Passion" van Albrecht Dürer geldt als zeer vroeg. Het is de toenaam van enkele etsen van Rembrandt, waarin hij deze Bijbelse scène afbeeldt. In de Zuidelijke Nederlanden rond 1500 na Chr. wordt ecce homo ook uitgebeeld via eikenhouten levensgroot gepolychromeerde beelden.In 2012 kwam een Ecce homo-fresco in het Spaanse stadje Borja in het nieuws toen deze na beschadiging bij een schoonmaakactie op amateuristische wijze werd bijgetekend."Ecce homo" is ook de titel van een werk van de filosoof Friedrich Nietzsche (1888). Bovendien is er een aantal films onder deze titel verschenen, zoals in 2001 een Italiaans gesproken Duitse film, geregisseerd door Mirjam Kubescha. Een andere culturele referentie vindt men terug in het album Mauvaises Nouvelles des Étoiles van de Franse artiest Serge Gainsbourg, waarin het thema "Ecce homo" in het gelijknamige lied herhaaldelijk terugkeert.

Ecce Homo (toegeschreven aan Jheronimus Bosch)

Ecce Homo (navolger van Jheronimus Bosch)

Madonna met zegenend kind en een franciscaan in aanbidding

Ecce Homo (ca. 1500-1510), Zuidelijke Nederlanden, gepolychromeerd eikenhout

Bestand:Quentin Massys-Ecce Homo-1520,Doge's Palace,Venice.jpg


Ecce_Homo

Prompt: Verklaar de Doorwerking in de kunst van dit kunstwerk, Ecce_Homo.

De verbeelding van de gegeselde Christus met doornenkroon, spotmantel en gesel in de gewonde handen vormt in de Westerse beeldende kunst een geliefd thema, zowel in de schilderkunst als de beeldhouwkunst. Deze werken worden vaak met Ecce homo aangeduid, ook al is de officiële titel vaak "Christus voor Pilatus". Om die reden wordt ecce homo ook gebruikt als aanduiding voor deze categorie kunstwerken.De eerste afbeeldingen van ecce homo in de kunst verschenen in de 9e en 10e eeuw in de Syrisch-Byzantijnse cultuur van de Antiochisch-Griekse christenen.De vroegste afbeeldingen van ecce homo in het westen stammen uit de middeleeuwen, zoals in de Codex Egberti en de Codex Aureus Epternacensis, maar de meeste afbeeldingen in die periode betreffen het plaatsen van de doornenkroon en het bespotten van Jezus.Pas ergens in de 15e eeuw werden afbeeldingen van taferelen in het passieverhaal gebruikelijk. Rond 1450 werd ecce homo voor het eerst geschilderd, mogelijk in de schildersschool van Rogier van der Weyden, maar ook het tafereel "Große Passion" van Albrecht Dürer geldt als zeer vroeg. Het is de toenaam van enkele etsen van Rembrandt, waarin hij deze Bijbelse scène afbeeldt. In de Zuidelijke Nederlanden rond 1500 na Chr. wordt ecce homo ook uitgebeeld via eikenhouten levensgroot gepolychromeerde beelden.In 2012 kwam een Ecce homo-fresco in het Spaanse stadje Borja in het nieuws toen deze na beschadiging bij een schoonmaakactie op amateuristische wijze werd bijgetekend."Ecce homo" is ook de titel van een werk van de filosoof Friedrich Nietzsche (1888). Bovendien is er een aantal films onder deze titel verschenen, zoals in 2001 een Italiaans gesproken Duitse film, geregisseerd door Mirjam Kubescha. Een andere culturele referentie vindt men terug in het album Mauvaises Nouvelles des Étoiles van de Franse artiest Serge Gainsbourg, waarin het thema "Ecce homo" in het gelijknamige lied herhaaldelijk terugkeert.

Ecce Homo (toegeschreven aan Jheronimus Bosch)

Ecce Homo (navolger van Jheronimus Bosch)

Madonna met zegenend kind en een franciscaan in aanbidding

Ecce Homo (ca. 1500-1510), Zuidelijke Nederlanden, gepolychromeerd eikenhout

Bestand:Quentin Massys-Ecce Homo-1520,Doge's Palace,Venice.jpg


Ecce_Homo

Prompt: Hoe verklaart Ecce_Homo zijn Doorwerking in de kunst?

De verbeelding van de gegeselde Christus met doornenkroon, spotmantel en gesel in de gewonde handen vormt in de Westerse beeldende kunst een geliefd thema, zowel in de schilderkunst als de beeldhouwkunst. Deze werken worden vaak met Ecce homo aangeduid, ook al is de officiële titel vaak "Christus voor Pilatus". Om die reden wordt ecce homo ook gebruikt als aanduiding voor deze categorie kunstwerken.De eerste afbeeldingen van ecce homo in de kunst verschenen in de 9e en 10e eeuw in de Syrisch-Byzantijnse cultuur van de Antiochisch-Griekse christenen.De vroegste afbeeldingen van ecce homo in het westen stammen uit de middeleeuwen, zoals in de Codex Egberti en de Codex Aureus Epternacensis, maar de meeste afbeeldingen in die periode betreffen het plaatsen van de doornenkroon en het bespotten van Jezus.Pas ergens in de 15e eeuw werden afbeeldingen van taferelen in het passieverhaal gebruikelijk. Rond 1450 werd ecce homo voor het eerst geschilderd, mogelijk in de schildersschool van Rogier van der Weyden, maar ook het tafereel "Große Passion" van Albrecht Dürer geldt als zeer vroeg. Het is de toenaam van enkele etsen van Rembrandt, waarin hij deze Bijbelse scène afbeeldt. In de Zuidelijke Nederlanden rond 1500 na Chr. wordt ecce homo ook uitgebeeld via eikenhouten levensgroot gepolychromeerde beelden.In 2012 kwam een Ecce homo-fresco in het Spaanse stadje Borja in het nieuws toen deze na beschadiging bij een schoonmaakactie op amateuristische wijze werd bijgetekend."Ecce homo" is ook de titel van een werk van de filosoof Friedrich Nietzsche (1888). Bovendien is er een aantal films onder deze titel verschenen, zoals in 2001 een Italiaans gesproken Duitse film, geregisseerd door Mirjam Kubescha. Een andere culturele referentie vindt men terug in het album Mauvaises Nouvelles des Étoiles van de Franse artiest Serge Gainsbourg, waarin het thema "Ecce homo" in het gelijknamige lied herhaaldelijk terugkeert.

Ecce Homo (toegeschreven aan Jheronimus Bosch)

Ecce Homo (navolger van Jheronimus Bosch)

Madonna met zegenend kind en een franciscaan in aanbidding

Ecce Homo (ca. 1500-1510), Zuidelijke Nederlanden, gepolychromeerd eikenhout

Bestand:Quentin Massys-Ecce Homo-1520,Doge's Palace,Venice.jpg


Ecce_Homo

Prompt: Hoe wordt de Doorwerking in de kunst besproken in Ecce_Homo?

De verbeelding van de gegeselde Christus met doornenkroon, spotmantel en gesel in de gewonde handen vormt in de Westerse beeldende kunst een geliefd thema, zowel in de schilderkunst als de beeldhouwkunst. Deze werken worden vaak met Ecce homo aangeduid, ook al is de officiële titel vaak "Christus voor Pilatus". Om die reden wordt ecce homo ook gebruikt als aanduiding voor deze categorie kunstwerken.De eerste afbeeldingen van ecce homo in de kunst verschenen in de 9e en 10e eeuw in de Syrisch-Byzantijnse cultuur van de Antiochisch-Griekse christenen.De vroegste afbeeldingen van ecce homo in het westen stammen uit de middeleeuwen, zoals in de Codex Egberti en de Codex Aureus Epternacensis, maar de meeste afbeeldingen in die periode betreffen het plaatsen van de doornenkroon en het bespotten van Jezus.Pas ergens in de 15e eeuw werden afbeeldingen van taferelen in het passieverhaal gebruikelijk. Rond 1450 werd ecce homo voor het eerst geschilderd, mogelijk in de schildersschool van Rogier van der Weyden, maar ook het tafereel "Große Passion" van Albrecht Dürer geldt als zeer vroeg. Het is de toenaam van enkele etsen van Rembrandt, waarin hij deze Bijbelse scène afbeeldt. In de Zuidelijke Nederlanden rond 1500 na Chr. wordt ecce homo ook uitgebeeld via eikenhouten levensgroot gepolychromeerde beelden.In 2012 kwam een Ecce homo-fresco in het Spaanse stadje Borja in het nieuws toen deze na beschadiging bij een schoonmaakactie op amateuristische wijze werd bijgetekend."Ecce homo" is ook de titel van een werk van de filosoof Friedrich Nietzsche (1888). Bovendien is er een aantal films onder deze titel verschenen, zoals in 2001 een Italiaans gesproken Duitse film, geregisseerd door Mirjam Kubescha. Een andere culturele referentie vindt men terug in het album Mauvaises Nouvelles des Étoiles van de Franse artiest Serge Gainsbourg, waarin het thema "Ecce homo" in het gelijknamige lied herhaaldelijk terugkeert.

Ecce Homo (toegeschreven aan Jheronimus Bosch)

Ecce Homo (navolger van Jheronimus Bosch)

Madonna met zegenend kind en een franciscaan in aanbidding

Ecce Homo (ca. 1500-1510), Zuidelijke Nederlanden, gepolychromeerd eikenhout

Bestand:Quentin Massys-Ecce Homo-1520,Doge's Palace,Venice.jpg


Ecce_Homo

Prompt: Focus op Ecce_Homo en leg de Voorbeelden uit.

Ecce Homo (Jheronimus Bosch)Ecce Homo (toegeschreven aan Jheronimus Bosch)Ecce Homo (navolger van Jheronimus Bosch)Achterzijde van paneel Madonna met zegenend kind en een franciscaan in aanbidding, circa 1465, Antonello da MessinaEcce Homo (Gerard Seghers, c. 1650), Sint-Pieterskerk in Leuven.

Ecce Homo (ca. 1500-1510), Zuidelijke Nederlanden, gepolychromeerd eikenhout

Bestand:Quentin Massys-Ecce Homo-1520,Doge's Palace,Venice.jpg


Ecce_Homo

Prompt: Verklaar de Voorbeelden van dit kunstwerk, Ecce_Homo.

Ecce Homo (Jheronimus Bosch)Ecce Homo (toegeschreven aan Jheronimus Bosch)Ecce Homo (navolger van Jheronimus Bosch)Achterzijde van paneel Madonna met zegenend kind en een franciscaan in aanbidding, circa 1465, Antonello da MessinaEcce Homo (Gerard Seghers, c. 1650), Sint-Pieterskerk in Leuven.

Ecce Homo (ca. 1500-1510), Zuidelijke Nederlanden, gepolychromeerd eikenhout

Bestand:Quentin Massys-Ecce Homo-1520,Doge's Palace,Venice.jpg


Ecce_Homo

Prompt: Hoe verklaart Ecce_Homo zijn Voorbeelden?

Ecce Homo (Jheronimus Bosch)Ecce Homo (toegeschreven aan Jheronimus Bosch)Ecce Homo (navolger van Jheronimus Bosch)Achterzijde van paneel Madonna met zegenend kind en een franciscaan in aanbidding, circa 1465, Antonello da MessinaEcce Homo (Gerard Seghers, c. 1650), Sint-Pieterskerk in Leuven.

Ecce Homo (ca. 1500-1510), Zuidelijke Nederlanden, gepolychromeerd eikenhout

Bestand:Quentin Massys-Ecce Homo-1520,Doge's Palace,Venice.jpg


Ecce_Homo

Prompt: Hoe wordt de Voorbeelden besproken in Ecce_Homo?

Ecce Homo (Jheronimus Bosch)Ecce Homo (toegeschreven aan Jheronimus Bosch)Ecce Homo (navolger van Jheronimus Bosch)Achterzijde van paneel Madonna met zegenend kind en een franciscaan in aanbidding, circa 1465, Antonello da MessinaEcce Homo (Gerard Seghers, c. 1650), Sint-Pieterskerk in Leuven.

Ecce Homo (ca. 1500-1510), Zuidelijke Nederlanden, gepolychromeerd eikenhout

Bestand:Quentin Massys-Ecce Homo-1520,Doge's Palace,Venice.jpg


De_kerk_van_Auvers

Prompt: Focus op De_kerk_van_Auvers en leg de abstract uit.

De kerk van Auvers is een schilderij van Vincent van Gogh. Hij schilderde de gotische dorpskerk omstreeks 5 juni 1890. Het schilderij is olieverf op doek en is 94 x 74 cm groot.

Lijst van schilderijen van Vincent van Gogh

Categorie:Schilderij in het Musée d'Orsay


De_kerk_van_Auvers

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, De_kerk_van_Auvers.

De kerk van Auvers is een schilderij van Vincent van Gogh. Hij schilderde de gotische dorpskerk omstreeks 5 juni 1890. Het schilderij is olieverf op doek en is 94 x 74 cm groot.

Lijst van schilderijen van Vincent van Gogh

Categorie:Schilderij in het Musée d'Orsay


De_kerk_van_Auvers

Prompt: Hoe verklaart De_kerk_van_Auvers zijn abstract?

De kerk van Auvers is een schilderij van Vincent van Gogh. Hij schilderde de gotische dorpskerk omstreeks 5 juni 1890. Het schilderij is olieverf op doek en is 94 x 74 cm groot.

Lijst van schilderijen van Vincent van Gogh

Categorie:Schilderij in het Musée d'Orsay


De_kerk_van_Auvers

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in De_kerk_van_Auvers?

De kerk van Auvers is een schilderij van Vincent van Gogh. Hij schilderde de gotische dorpskerk omstreeks 5 juni 1890. Het schilderij is olieverf op doek en is 94 x 74 cm groot.

Lijst van schilderijen van Vincent van Gogh

Categorie:Schilderij in het Musée d'Orsay


De_kerk_van_Auvers

Prompt: Focus op De_kerk_van_Auvers en leg de De vorm uit.

De weergave is expressief maar toch realistisch. Van Gogh heeft op zijn eigen manier het gebouw zuiver en realistisch weergegeven. Toch is de gevoelsexpressie van de vorm dynamisch. Doordat Van Gogh enkel gebruikmaakt van organische lijnen zit er beweging in het schilderij. Bovendien zorgen alle afzonderlijke penseelhalen die de typische stijl van Van Gogh kenmerken voor dynamiek.

Lijst van schilderijen van Vincent van Gogh

Categorie:Schilderij in het Musée d'Orsay


De_kerk_van_Auvers

Prompt: Verklaar de De vorm van dit kunstwerk, De_kerk_van_Auvers.

De weergave is expressief maar toch realistisch. Van Gogh heeft op zijn eigen manier het gebouw zuiver en realistisch weergegeven. Toch is de gevoelsexpressie van de vorm dynamisch. Doordat Van Gogh enkel gebruikmaakt van organische lijnen zit er beweging in het schilderij. Bovendien zorgen alle afzonderlijke penseelhalen die de typische stijl van Van Gogh kenmerken voor dynamiek.

Lijst van schilderijen van Vincent van Gogh

Categorie:Schilderij in het Musée d'Orsay


De_kerk_van_Auvers

Prompt: Hoe verklaart De_kerk_van_Auvers zijn De vorm?

De weergave is expressief maar toch realistisch. Van Gogh heeft op zijn eigen manier het gebouw zuiver en realistisch weergegeven. Toch is de gevoelsexpressie van de vorm dynamisch. Doordat Van Gogh enkel gebruikmaakt van organische lijnen zit er beweging in het schilderij. Bovendien zorgen alle afzonderlijke penseelhalen die de typische stijl van Van Gogh kenmerken voor dynamiek.

Lijst van schilderijen van Vincent van Gogh

Categorie:Schilderij in het Musée d'Orsay


De_kerk_van_Auvers

Prompt: Hoe wordt de De vorm besproken in De_kerk_van_Auvers?

De weergave is expressief maar toch realistisch. Van Gogh heeft op zijn eigen manier het gebouw zuiver en realistisch weergegeven. Toch is de gevoelsexpressie van de vorm dynamisch. Doordat Van Gogh enkel gebruikmaakt van organische lijnen zit er beweging in het schilderij. Bovendien zorgen alle afzonderlijke penseelhalen die de typische stijl van Van Gogh kenmerken voor dynamiek.

Lijst van schilderijen van Vincent van Gogh

Categorie:Schilderij in het Musée d'Orsay


De_kerk_van_Auvers

Prompt: Focus op De_kerk_van_Auvers en leg de De kleur uit.

De monochrome kleuren blauw en groen zorgen voor een koud contrast omdat ze allebei tot dezelfde kleurfamilie behoren. Door het gebruik van de complementaire kleuren oranje en blauw ontstaat er toch een gematigd effect. Ook in het kleurgebruik komt de expressiviteit terug. Door de lucht blauwer te maken en het gras groener wordt het schilderij veel intenser en wordt de expressie vergroot. Van Gogh maakt veelvuldig gebruik van dezelfde kleuren, toch is geen enkele streep van exact dezelfde kleur. Dit maakt de gevoelsexpressie van de kleur dynamisch. Bijna alle kleuren hebben als primaire kleur blauw wat het schilderij toch een droevige en sombere indruk geeft. Zelfs het relatief felle en opgewekte oranje kan geen verandering brengen in de overwegend droevige sfeer.

Lijst van schilderijen van Vincent van Gogh

Categorie:Schilderij in het Musée d'Orsay


De_kerk_van_Auvers

Prompt: Verklaar de De kleur van dit kunstwerk, De_kerk_van_Auvers.

De monochrome kleuren blauw en groen zorgen voor een koud contrast omdat ze allebei tot dezelfde kleurfamilie behoren. Door het gebruik van de complementaire kleuren oranje en blauw ontstaat er toch een gematigd effect. Ook in het kleurgebruik komt de expressiviteit terug. Door de lucht blauwer te maken en het gras groener wordt het schilderij veel intenser en wordt de expressie vergroot. Van Gogh maakt veelvuldig gebruik van dezelfde kleuren, toch is geen enkele streep van exact dezelfde kleur. Dit maakt de gevoelsexpressie van de kleur dynamisch. Bijna alle kleuren hebben als primaire kleur blauw wat het schilderij toch een droevige en sombere indruk geeft. Zelfs het relatief felle en opgewekte oranje kan geen verandering brengen in de overwegend droevige sfeer.

Lijst van schilderijen van Vincent van Gogh

Categorie:Schilderij in het Musée d'Orsay


De_kerk_van_Auvers

Prompt: Hoe verklaart De_kerk_van_Auvers zijn De kleur?

De monochrome kleuren blauw en groen zorgen voor een koud contrast omdat ze allebei tot dezelfde kleurfamilie behoren. Door het gebruik van de complementaire kleuren oranje en blauw ontstaat er toch een gematigd effect. Ook in het kleurgebruik komt de expressiviteit terug. Door de lucht blauwer te maken en het gras groener wordt het schilderij veel intenser en wordt de expressie vergroot. Van Gogh maakt veelvuldig gebruik van dezelfde kleuren, toch is geen enkele streep van exact dezelfde kleur. Dit maakt de gevoelsexpressie van de kleur dynamisch. Bijna alle kleuren hebben als primaire kleur blauw wat het schilderij toch een droevige en sombere indruk geeft. Zelfs het relatief felle en opgewekte oranje kan geen verandering brengen in de overwegend droevige sfeer.

Lijst van schilderijen van Vincent van Gogh

Categorie:Schilderij in het Musée d'Orsay


De_kerk_van_Auvers

Prompt: Hoe wordt de De kleur besproken in De_kerk_van_Auvers?

De monochrome kleuren blauw en groen zorgen voor een koud contrast omdat ze allebei tot dezelfde kleurfamilie behoren. Door het gebruik van de complementaire kleuren oranje en blauw ontstaat er toch een gematigd effect. Ook in het kleurgebruik komt de expressiviteit terug. Door de lucht blauwer te maken en het gras groener wordt het schilderij veel intenser en wordt de expressie vergroot. Van Gogh maakt veelvuldig gebruik van dezelfde kleuren, toch is geen enkele streep van exact dezelfde kleur. Dit maakt de gevoelsexpressie van de kleur dynamisch. Bijna alle kleuren hebben als primaire kleur blauw wat het schilderij toch een droevige en sombere indruk geeft. Zelfs het relatief felle en opgewekte oranje kan geen verandering brengen in de overwegend droevige sfeer.

Lijst van schilderijen van Vincent van Gogh

Categorie:Schilderij in het Musée d'Orsay


De_kerk_van_Auvers

Prompt: Focus op De_kerk_van_Auvers en leg de De compositie uit.

Om de kerk te kunnen centreren in het schilderij, heeft Van Gogh gebruikgemaakt van de gulden snede. Deze loopt van links naar rechts langs de basis van de kerk. De aandacht gaat hierdoor naar de kerk.Een minder belangrijke compositiesamenstelling is de ruimte-indeling. Door de overwegend horizontale lijnen, straalt het kunstwerk rust uit. De verticale lijnen zorgen voor een eerder statisch gevoel. Ook de asymmetrische ruimte-indeling komt hier in voor. Dit maakt het schilderij dynamisch en onrustig.Van Gogh schilderde dit kerkje vlak voor zijn dood. In deze periode van zijn leven was hij erg rustig doordat Auvers een rustgevende invloed op hem had. Zo schreef hij in een van zijn brieven: 'Ik weet bijna zeker dat ik in die doeken datgene heb verwoord wat ik niet in woorden kan uitdrukken, nl. hoe gezond en hartversterkend ik het platteland vind.' Een vriend uit dit dorp, dokter Gachet, had hem aangeraden zich niet zozeer op zijn ziekte te concentreren maar zich vooral op de schilderkunst te richten. Hierdoor produceerde hij bijna iedere dag een nieuw schilderij. Na zijn zelfmoord werd Van Gogh ook begraven bij dit kerkje.

Lijst van schilderijen van Vincent van Gogh

Categorie:Schilderij in het Musée d'Orsay


De_kerk_van_Auvers

Prompt: Verklaar de De compositie van dit kunstwerk, De_kerk_van_Auvers.

Om de kerk te kunnen centreren in het schilderij, heeft Van Gogh gebruikgemaakt van de gulden snede. Deze loopt van links naar rechts langs de basis van de kerk. De aandacht gaat hierdoor naar de kerk.Een minder belangrijke compositiesamenstelling is de ruimte-indeling. Door de overwegend horizontale lijnen, straalt het kunstwerk rust uit. De verticale lijnen zorgen voor een eerder statisch gevoel. Ook de asymmetrische ruimte-indeling komt hier in voor. Dit maakt het schilderij dynamisch en onrustig.Van Gogh schilderde dit kerkje vlak voor zijn dood. In deze periode van zijn leven was hij erg rustig doordat Auvers een rustgevende invloed op hem had. Zo schreef hij in een van zijn brieven: 'Ik weet bijna zeker dat ik in die doeken datgene heb verwoord wat ik niet in woorden kan uitdrukken, nl. hoe gezond en hartversterkend ik het platteland vind.' Een vriend uit dit dorp, dokter Gachet, had hem aangeraden zich niet zozeer op zijn ziekte te concentreren maar zich vooral op de schilderkunst te richten. Hierdoor produceerde hij bijna iedere dag een nieuw schilderij. Na zijn zelfmoord werd Van Gogh ook begraven bij dit kerkje.

Lijst van schilderijen van Vincent van Gogh

Categorie:Schilderij in het Musée d'Orsay


De_kerk_van_Auvers

Prompt: Hoe verklaart De_kerk_van_Auvers zijn De compositie?

Om de kerk te kunnen centreren in het schilderij, heeft Van Gogh gebruikgemaakt van de gulden snede. Deze loopt van links naar rechts langs de basis van de kerk. De aandacht gaat hierdoor naar de kerk.Een minder belangrijke compositiesamenstelling is de ruimte-indeling. Door de overwegend horizontale lijnen, straalt het kunstwerk rust uit. De verticale lijnen zorgen voor een eerder statisch gevoel. Ook de asymmetrische ruimte-indeling komt hier in voor. Dit maakt het schilderij dynamisch en onrustig.Van Gogh schilderde dit kerkje vlak voor zijn dood. In deze periode van zijn leven was hij erg rustig doordat Auvers een rustgevende invloed op hem had. Zo schreef hij in een van zijn brieven: 'Ik weet bijna zeker dat ik in die doeken datgene heb verwoord wat ik niet in woorden kan uitdrukken, nl. hoe gezond en hartversterkend ik het platteland vind.' Een vriend uit dit dorp, dokter Gachet, had hem aangeraden zich niet zozeer op zijn ziekte te concentreren maar zich vooral op de schilderkunst te richten. Hierdoor produceerde hij bijna iedere dag een nieuw schilderij. Na zijn zelfmoord werd Van Gogh ook begraven bij dit kerkje.

Lijst van schilderijen van Vincent van Gogh

Categorie:Schilderij in het Musée d'Orsay


De_kerk_van_Auvers

Prompt: Hoe wordt de De compositie besproken in De_kerk_van_Auvers?

Om de kerk te kunnen centreren in het schilderij, heeft Van Gogh gebruikgemaakt van de gulden snede. Deze loopt van links naar rechts langs de basis van de kerk. De aandacht gaat hierdoor naar de kerk.Een minder belangrijke compositiesamenstelling is de ruimte-indeling. Door de overwegend horizontale lijnen, straalt het kunstwerk rust uit. De verticale lijnen zorgen voor een eerder statisch gevoel. Ook de asymmetrische ruimte-indeling komt hier in voor. Dit maakt het schilderij dynamisch en onrustig.Van Gogh schilderde dit kerkje vlak voor zijn dood. In deze periode van zijn leven was hij erg rustig doordat Auvers een rustgevende invloed op hem had. Zo schreef hij in een van zijn brieven: 'Ik weet bijna zeker dat ik in die doeken datgene heb verwoord wat ik niet in woorden kan uitdrukken, nl. hoe gezond en hartversterkend ik het platteland vind.' Een vriend uit dit dorp, dokter Gachet, had hem aangeraden zich niet zozeer op zijn ziekte te concentreren maar zich vooral op de schilderkunst te richten. Hierdoor produceerde hij bijna iedere dag een nieuw schilderij. Na zijn zelfmoord werd Van Gogh ook begraven bij dit kerkje.

Lijst van schilderijen van Vincent van Gogh

Categorie:Schilderij in het Musée d'Orsay


Panorama_van_Racławice

Prompt: Focus op Panorama_van_Racławice en leg de abstract uit.

Het Panorama van Racławice (Pools: Panorama Racławicka) is een schilderij, dat zich in de Poolse stad Wrocław bevindt. Het geheel ronde schilderij meet 15 x 120 meter, en stelt de slag bij Racławice voor. In deze slag, die op 4 april 1794 werd gestreden, stonden Poolse opstandelingen (soldaten en boeren) onder leiding van Tadeusz Kościuszko tegenover een Russisch leger onder leiding van generaal Aleksandr Tormasov.

Rotunda voor het Panorama van Racławice, [[Wrocław


Panorama_van_Racławice

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Panorama_van_Racławice.

Het Panorama van Racławice (Pools: Panorama Racławicka) is een schilderij, dat zich in de Poolse stad Wrocław bevindt. Het geheel ronde schilderij meet 15 x 120 meter, en stelt de slag bij Racławice voor. In deze slag, die op 4 april 1794 werd gestreden, stonden Poolse opstandelingen (soldaten en boeren) onder leiding van Tadeusz Kościuszko tegenover een Russisch leger onder leiding van generaal Aleksandr Tormasov.

Rotunda voor het Panorama van Racławice, [[Wrocław


Panorama_van_Racławice

Prompt: Hoe verklaart Panorama_van_Racławice zijn abstract?

Het Panorama van Racławice (Pools: Panorama Racławicka) is een schilderij, dat zich in de Poolse stad Wrocław bevindt. Het geheel ronde schilderij meet 15 x 120 meter, en stelt de slag bij Racławice voor. In deze slag, die op 4 april 1794 werd gestreden, stonden Poolse opstandelingen (soldaten en boeren) onder leiding van Tadeusz Kościuszko tegenover een Russisch leger onder leiding van generaal Aleksandr Tormasov.

Rotunda voor het Panorama van Racławice, [[Wrocław


Panorama_van_Racławice

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Panorama_van_Racławice?

Het Panorama van Racławice (Pools: Panorama Racławicka) is een schilderij, dat zich in de Poolse stad Wrocław bevindt. Het geheel ronde schilderij meet 15 x 120 meter, en stelt de slag bij Racławice voor. In deze slag, die op 4 april 1794 werd gestreden, stonden Poolse opstandelingen (soldaten en boeren) onder leiding van Tadeusz Kościuszko tegenover een Russisch leger onder leiding van generaal Aleksandr Tormasov.

Rotunda voor het Panorama van Racławice, [[Wrocław


Panorama_van_Racławice

Prompt: Focus op Panorama_van_Racławice en leg de De makers van het Panorama uit.

De bedenker van het schilderij was Jan Styka (Lviv, 8 april 1858 – Rome, 11 april 1925), die in zijn leven nog meer van dit type omvangrijke schilderijen zou produceren. Bij het maken van het Panorama van Racławice liet Styka zich assisteren door Wojciech Kossak, Teodor Axentowicz en verschillende andere Poolse schilders.

Rotunda voor het Panorama van Racławice, [[Wrocław


Panorama_van_Racławice

Prompt: Verklaar de De makers van het Panorama van dit kunstwerk, Panorama_van_Racławice.

De bedenker van het schilderij was Jan Styka (Lviv, 8 april 1858 – Rome, 11 april 1925), die in zijn leven nog meer van dit type omvangrijke schilderijen zou produceren. Bij het maken van het Panorama van Racławice liet Styka zich assisteren door Wojciech Kossak, Teodor Axentowicz en verschillende andere Poolse schilders.

Rotunda voor het Panorama van Racławice, [[Wrocław


Panorama_van_Racławice

Prompt: Hoe verklaart Panorama_van_Racławice zijn De makers van het Panorama?

De bedenker van het schilderij was Jan Styka (Lviv, 8 april 1858 – Rome, 11 april 1925), die in zijn leven nog meer van dit type omvangrijke schilderijen zou produceren. Bij het maken van het Panorama van Racławice liet Styka zich assisteren door Wojciech Kossak, Teodor Axentowicz en verschillende andere Poolse schilders.

Rotunda voor het Panorama van Racławice, [[Wrocław


Panorama_van_Racławice

Prompt: Hoe wordt de De makers van het Panorama besproken in Panorama_van_Racławice?

De bedenker van het schilderij was Jan Styka (Lviv, 8 april 1858 – Rome, 11 april 1925), die in zijn leven nog meer van dit type omvangrijke schilderijen zou produceren. Bij het maken van het Panorama van Racławice liet Styka zich assisteren door Wojciech Kossak, Teodor Axentowicz en verschillende andere Poolse schilders.

Rotunda voor het Panorama van Racławice, [[Wrocław


Panorama_van_Racławice

Prompt: Focus op Panorama_van_Racławice en leg de De eerste opstelling in Lviv uit.

Hoewel de Slag bij Racławice uiteindelijk niet resulteerde in een vrij en onafhankelijk Polen, waren de Polen zelf bijzonder geïmponeerd door de felheid en de dapperheid waarmee de Poolse strijders van weleer de Russen tegemoet waren getreden. Daarom ook viel het idee van Styka om ter gelegenheid van de Nationale Tentoonstelling van 1894, die in het toen nog Poolse Lviv werd gehouden, een schilderij van dit heldenstuk te maken, in goede aarde. De tentoonstellingsorganisatie gaf opdracht tot het ontwerpen van een rotunda, die in het Strysski-park te Lviv werd gebouwd met speciaal in Wenen besteld staal. Het canvas voor de schildering zelf kwam uit Brussel. Nadat de rotunda in juli 1893 gereed gekomen was begonnen Styka en zijn assistenten te schilderen. In negen maanden tijd werd deze klus geklaard, en zo kon op 5 juni 1894 het panorama worden onthuld.  Meteen was het een groot succes: uit heel Polen en de rest van Europa kwamen er mensen naar Lviv om dit bijzondere schilderij te kunnen zien.

Rotunda voor het Panorama van Racławice, [[Wrocław


Panorama_van_Racławice

Prompt: Verklaar de De eerste opstelling in Lviv van dit kunstwerk, Panorama_van_Racławice.

Hoewel de Slag bij Racławice uiteindelijk niet resulteerde in een vrij en onafhankelijk Polen, waren de Polen zelf bijzonder geïmponeerd door de felheid en de dapperheid waarmee de Poolse strijders van weleer de Russen tegemoet waren getreden. Daarom ook viel het idee van Styka om ter gelegenheid van de Nationale Tentoonstelling van 1894, die in het toen nog Poolse Lviv werd gehouden, een schilderij van dit heldenstuk te maken, in goede aarde. De tentoonstellingsorganisatie gaf opdracht tot het ontwerpen van een rotunda, die in het Strysski-park te Lviv werd gebouwd met speciaal in Wenen besteld staal. Het canvas voor de schildering zelf kwam uit Brussel. Nadat de rotunda in juli 1893 gereed gekomen was begonnen Styka en zijn assistenten te schilderen. In negen maanden tijd werd deze klus geklaard, en zo kon op 5 juni 1894 het panorama worden onthuld.  Meteen was het een groot succes: uit heel Polen en de rest van Europa kwamen er mensen naar Lviv om dit bijzondere schilderij te kunnen zien.

Rotunda voor het Panorama van Racławice, [[Wrocław


Panorama_van_Racławice

Prompt: Hoe verklaart Panorama_van_Racławice zijn De eerste opstelling in Lviv?

Hoewel de Slag bij Racławice uiteindelijk niet resulteerde in een vrij en onafhankelijk Polen, waren de Polen zelf bijzonder geïmponeerd door de felheid en de dapperheid waarmee de Poolse strijders van weleer de Russen tegemoet waren getreden. Daarom ook viel het idee van Styka om ter gelegenheid van de Nationale Tentoonstelling van 1894, die in het toen nog Poolse Lviv werd gehouden, een schilderij van dit heldenstuk te maken, in goede aarde. De tentoonstellingsorganisatie gaf opdracht tot het ontwerpen van een rotunda, die in het Strysski-park te Lviv werd gebouwd met speciaal in Wenen besteld staal. Het canvas voor de schildering zelf kwam uit Brussel. Nadat de rotunda in juli 1893 gereed gekomen was begonnen Styka en zijn assistenten te schilderen. In negen maanden tijd werd deze klus geklaard, en zo kon op 5 juni 1894 het panorama worden onthuld.  Meteen was het een groot succes: uit heel Polen en de rest van Europa kwamen er mensen naar Lviv om dit bijzondere schilderij te kunnen zien.

Rotunda voor het Panorama van Racławice, [[Wrocław


Panorama_van_Racławice

Prompt: Hoe wordt de De eerste opstelling in Lviv besproken in Panorama_van_Racławice?

Hoewel de Slag bij Racławice uiteindelijk niet resulteerde in een vrij en onafhankelijk Polen, waren de Polen zelf bijzonder geïmponeerd door de felheid en de dapperheid waarmee de Poolse strijders van weleer de Russen tegemoet waren getreden. Daarom ook viel het idee van Styka om ter gelegenheid van de Nationale Tentoonstelling van 1894, die in het toen nog Poolse Lviv werd gehouden, een schilderij van dit heldenstuk te maken, in goede aarde. De tentoonstellingsorganisatie gaf opdracht tot het ontwerpen van een rotunda, die in het Strysski-park te Lviv werd gebouwd met speciaal in Wenen besteld staal. Het canvas voor de schildering zelf kwam uit Brussel. Nadat de rotunda in juli 1893 gereed gekomen was begonnen Styka en zijn assistenten te schilderen. In negen maanden tijd werd deze klus geklaard, en zo kon op 5 juni 1894 het panorama worden onthuld.  Meteen was het een groot succes: uit heel Polen en de rest van Europa kwamen er mensen naar Lviv om dit bijzondere schilderij te kunnen zien.

Rotunda voor het Panorama van Racławice, [[Wrocław


Panorama_van_Racławice

Prompt: Focus op Panorama_van_Racławice en leg de Verhuizing naar Wrocław uit.

Polen schoof na afloop van de Tweede Wereldoorlog een eind naar het westen op, en de voorheen Duitse stad Breslau werd in 1945 Pools Wrocław. Het voorheen Poolse Lwów viel vanaf 1945 onder de Oekraïne, onder de naam Lviv. De grotendeels Poolse bevolking van Lviv verhuisde ook naar (nieuw) Pools grondgebied, en velen kwamen terecht in het meest westelijke deel van Polen, in de omgeving van Wrocław. Ook werd  de collectie van het Ossolineum (een academische bibliotheek en uitgeverij te Lviv) voor een deel naar Wrocław overgebracht, samen met het Panorama van Racławice. Omdat het Panorama een overwinning van Polen op Russen voorstelde, was het in de communistische periode niet echt populair: restauratie van het schilderij, laat staan tentoonstellen van het werk, liet dan ook jaren op zich wachten.  Pas op 14 juni 1985 werd het inmiddels gerestaureerde Panorama weer voor het publiek zichtbaar gemaakt, in een betonnen rotunda vlak bij het Nationaal Museum van Wrocław. Het vormt sindsdien een van de belangrijkste toeristische attracties van Wrocław.

Rotunda voor het Panorama van Racławice, [[Wrocław


Panorama_van_Racławice

Prompt: Verklaar de Verhuizing naar Wrocław van dit kunstwerk, Panorama_van_Racławice.

Polen schoof na afloop van de Tweede Wereldoorlog een eind naar het westen op, en de voorheen Duitse stad Breslau werd in 1945 Pools Wrocław. Het voorheen Poolse Lwów viel vanaf 1945 onder de Oekraïne, onder de naam Lviv. De grotendeels Poolse bevolking van Lviv verhuisde ook naar (nieuw) Pools grondgebied, en velen kwamen terecht in het meest westelijke deel van Polen, in de omgeving van Wrocław. Ook werd  de collectie van het Ossolineum (een academische bibliotheek en uitgeverij te Lviv) voor een deel naar Wrocław overgebracht, samen met het Panorama van Racławice. Omdat het Panorama een overwinning van Polen op Russen voorstelde, was het in de communistische periode niet echt populair: restauratie van het schilderij, laat staan tentoonstellen van het werk, liet dan ook jaren op zich wachten.  Pas op 14 juni 1985 werd het inmiddels gerestaureerde Panorama weer voor het publiek zichtbaar gemaakt, in een betonnen rotunda vlak bij het Nationaal Museum van Wrocław. Het vormt sindsdien een van de belangrijkste toeristische attracties van Wrocław.

Rotunda voor het Panorama van Racławice, [[Wrocław


Panorama_van_Racławice

Prompt: Hoe verklaart Panorama_van_Racławice zijn Verhuizing naar Wrocław?

Polen schoof na afloop van de Tweede Wereldoorlog een eind naar het westen op, en de voorheen Duitse stad Breslau werd in 1945 Pools Wrocław. Het voorheen Poolse Lwów viel vanaf 1945 onder de Oekraïne, onder de naam Lviv. De grotendeels Poolse bevolking van Lviv verhuisde ook naar (nieuw) Pools grondgebied, en velen kwamen terecht in het meest westelijke deel van Polen, in de omgeving van Wrocław. Ook werd  de collectie van het Ossolineum (een academische bibliotheek en uitgeverij te Lviv) voor een deel naar Wrocław overgebracht, samen met het Panorama van Racławice. Omdat het Panorama een overwinning van Polen op Russen voorstelde, was het in de communistische periode niet echt populair: restauratie van het schilderij, laat staan tentoonstellen van het werk, liet dan ook jaren op zich wachten.  Pas op 14 juni 1985 werd het inmiddels gerestaureerde Panorama weer voor het publiek zichtbaar gemaakt, in een betonnen rotunda vlak bij het Nationaal Museum van Wrocław. Het vormt sindsdien een van de belangrijkste toeristische attracties van Wrocław.

Rotunda voor het Panorama van Racławice, [[Wrocław


Panorama_van_Racławice

Prompt: Hoe wordt de Verhuizing naar Wrocław besproken in Panorama_van_Racławice?

Polen schoof na afloop van de Tweede Wereldoorlog een eind naar het westen op, en de voorheen Duitse stad Breslau werd in 1945 Pools Wrocław. Het voorheen Poolse Lwów viel vanaf 1945 onder de Oekraïne, onder de naam Lviv. De grotendeels Poolse bevolking van Lviv verhuisde ook naar (nieuw) Pools grondgebied, en velen kwamen terecht in het meest westelijke deel van Polen, in de omgeving van Wrocław. Ook werd  de collectie van het Ossolineum (een academische bibliotheek en uitgeverij te Lviv) voor een deel naar Wrocław overgebracht, samen met het Panorama van Racławice. Omdat het Panorama een overwinning van Polen op Russen voorstelde, was het in de communistische periode niet echt populair: restauratie van het schilderij, laat staan tentoonstellen van het werk, liet dan ook jaren op zich wachten.  Pas op 14 juni 1985 werd het inmiddels gerestaureerde Panorama weer voor het publiek zichtbaar gemaakt, in een betonnen rotunda vlak bij het Nationaal Museum van Wrocław. Het vormt sindsdien een van de belangrijkste toeristische attracties van Wrocław.

Rotunda voor het Panorama van Racławice, [[Wrocław


Panorama_van_Racławice

Prompt: Focus op Panorama_van_Racławice en leg de De voorstelling zelf uit.

Op ingenieuze wijze hebben de schilders en de bouwers van de voorgrond van het panorama de illusie weten te wekken dat de toeschouwer als het ware aanwezig is in het midden van het slagveld. De toeschouwer staat zelf op een heuvel, en kijkt naar diverse onderdelen van de slag zelf. Soldaten en boeren treden aan, kruipen door nauwe kloven om een verrassingsaanval uit te voeren, Russische artillerie wordt in stelling gebracht en door Poolse tegenstanders buitgemaakt. Boerinnen bidden onder leiding van een priester bij een groot kruis, een Poolse boer sterft voor zijn armzalige woning. Dit en nog veel meer maakt alles bijeen een grote indruk op de beschouwer.

Rotunda voor het Panorama van Racławice, [[Wrocław


Panorama_van_Racławice

Prompt: Verklaar de De voorstelling zelf van dit kunstwerk, Panorama_van_Racławice.

Op ingenieuze wijze hebben de schilders en de bouwers van de voorgrond van het panorama de illusie weten te wekken dat de toeschouwer als het ware aanwezig is in het midden van het slagveld. De toeschouwer staat zelf op een heuvel, en kijkt naar diverse onderdelen van de slag zelf. Soldaten en boeren treden aan, kruipen door nauwe kloven om een verrassingsaanval uit te voeren, Russische artillerie wordt in stelling gebracht en door Poolse tegenstanders buitgemaakt. Boerinnen bidden onder leiding van een priester bij een groot kruis, een Poolse boer sterft voor zijn armzalige woning. Dit en nog veel meer maakt alles bijeen een grote indruk op de beschouwer.

Rotunda voor het Panorama van Racławice, [[Wrocław


Panorama_van_Racławice

Prompt: Hoe verklaart Panorama_van_Racławice zijn De voorstelling zelf?

Op ingenieuze wijze hebben de schilders en de bouwers van de voorgrond van het panorama de illusie weten te wekken dat de toeschouwer als het ware aanwezig is in het midden van het slagveld. De toeschouwer staat zelf op een heuvel, en kijkt naar diverse onderdelen van de slag zelf. Soldaten en boeren treden aan, kruipen door nauwe kloven om een verrassingsaanval uit te voeren, Russische artillerie wordt in stelling gebracht en door Poolse tegenstanders buitgemaakt. Boerinnen bidden onder leiding van een priester bij een groot kruis, een Poolse boer sterft voor zijn armzalige woning. Dit en nog veel meer maakt alles bijeen een grote indruk op de beschouwer.

Rotunda voor het Panorama van Racławice, [[Wrocław


Panorama_van_Racławice

Prompt: Hoe wordt de De voorstelling zelf besproken in Panorama_van_Racławice?

Op ingenieuze wijze hebben de schilders en de bouwers van de voorgrond van het panorama de illusie weten te wekken dat de toeschouwer als het ware aanwezig is in het midden van het slagveld. De toeschouwer staat zelf op een heuvel, en kijkt naar diverse onderdelen van de slag zelf. Soldaten en boeren treden aan, kruipen door nauwe kloven om een verrassingsaanval uit te voeren, Russische artillerie wordt in stelling gebracht en door Poolse tegenstanders buitgemaakt. Boerinnen bidden onder leiding van een priester bij een groot kruis, een Poolse boer sterft voor zijn armzalige woning. Dit en nog veel meer maakt alles bijeen een grote indruk op de beschouwer.

Rotunda voor het Panorama van Racławice, [[Wrocław


Panorama_van_Racławice

Prompt: Focus op Panorama_van_Racławice en leg de Vergelijking uit.

Het Nederlandse Panorama Mesdag is ongeveer even groot: 120 meter lang en 14 meter hoog tegenover 114 bij 15 meter voor het Poolse panorama.

Rotunda voor het Panorama van Racławice, [[Wrocław


Panorama_van_Racławice

Prompt: Verklaar de Vergelijking van dit kunstwerk, Panorama_van_Racławice.

Het Nederlandse Panorama Mesdag is ongeveer even groot: 120 meter lang en 14 meter hoog tegenover 114 bij 15 meter voor het Poolse panorama.

Rotunda voor het Panorama van Racławice, [[Wrocław


Panorama_van_Racławice

Prompt: Hoe verklaart Panorama_van_Racławice zijn Vergelijking?

Het Nederlandse Panorama Mesdag is ongeveer even groot: 120 meter lang en 14 meter hoog tegenover 114 bij 15 meter voor het Poolse panorama.

Rotunda voor het Panorama van Racławice, [[Wrocław


Panorama_van_Racławice

Prompt: Hoe wordt de Vergelijking besproken in Panorama_van_Racławice?

Het Nederlandse Panorama Mesdag is ongeveer even groot: 120 meter lang en 14 meter hoog tegenover 114 bij 15 meter voor het Poolse panorama.

Rotunda voor het Panorama van Racławice, [[Wrocław


Dos_de_Mayo

Prompt: Focus op Dos_de_Mayo en leg de abstract uit.

Dos de Mayo kan verwijzen naar:Dos de Mayo (opstand), mensen van Madrid kwamen in opstand tegen de bezetting van de stad door Franse troepenDos de Mayo (provincie), provincie in de regio Huánuco in Peru

Dos de Mayo (provincie)
Dos de Mayo (opstand)


Dos_de_Mayo

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Dos_de_Mayo.

Dos de Mayo kan verwijzen naar:Dos de Mayo (opstand), mensen van Madrid kwamen in opstand tegen de bezetting van de stad door Franse troepenDos de Mayo (provincie), provincie in de regio Huánuco in Peru

Dos de Mayo (provincie)
Dos de Mayo (opstand)


Dos_de_Mayo

Prompt: Hoe verklaart Dos_de_Mayo zijn abstract?

Dos de Mayo kan verwijzen naar:Dos de Mayo (opstand), mensen van Madrid kwamen in opstand tegen de bezetting van de stad door Franse troepenDos de Mayo (provincie), provincie in de regio Huánuco in Peru

Dos de Mayo (provincie)
Dos de Mayo (opstand)


Dos_de_Mayo

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Dos_de_Mayo?

Dos de Mayo kan verwijzen naar:Dos de Mayo (opstand), mensen van Madrid kwamen in opstand tegen de bezetting van de stad door Franse troepenDos de Mayo (provincie), provincie in de regio Huánuco in Peru

Dos de Mayo (provincie)
Dos de Mayo (opstand)


Muziek_in_de_Tuilerieën

Prompt: Focus op Muziek_in_de_Tuilerieën en leg de abstract uit.

Muziek in de Tuilerieën (Frans: La Musique aux Tuileries) is de titel van een schilderij van Édouard Manet. Dit schilderij uit 1862 is een van de bekendste werken van Manet, onder meer omdat veel beroemde Franse kunstenaars uit die tijd erop afgebeeld staan. Het werk is tegenwoordig gemeenschappelijk bezit van de National Gallery en de Dublin City Gallery The Hugh Lane. Het wordt afwisselend in Londen en Dublin tentoongesteld.

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)


Muziek_in_de_Tuilerieën

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Muziek_in_de_Tuilerieën.

Muziek in de Tuilerieën (Frans: La Musique aux Tuileries) is de titel van een schilderij van Édouard Manet. Dit schilderij uit 1862 is een van de bekendste werken van Manet, onder meer omdat veel beroemde Franse kunstenaars uit die tijd erop afgebeeld staan. Het werk is tegenwoordig gemeenschappelijk bezit van de National Gallery en de Dublin City Gallery The Hugh Lane. Het wordt afwisselend in Londen en Dublin tentoongesteld.

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)


Muziek_in_de_Tuilerieën

Prompt: Hoe verklaart Muziek_in_de_Tuilerieën zijn abstract?

Muziek in de Tuilerieën (Frans: La Musique aux Tuileries) is de titel van een schilderij van Édouard Manet. Dit schilderij uit 1862 is een van de bekendste werken van Manet, onder meer omdat veel beroemde Franse kunstenaars uit die tijd erop afgebeeld staan. Het werk is tegenwoordig gemeenschappelijk bezit van de National Gallery en de Dublin City Gallery The Hugh Lane. Het wordt afwisselend in Londen en Dublin tentoongesteld.

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)


Muziek_in_de_Tuilerieën

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Muziek_in_de_Tuilerieën?

Muziek in de Tuilerieën (Frans: La Musique aux Tuileries) is de titel van een schilderij van Édouard Manet. Dit schilderij uit 1862 is een van de bekendste werken van Manet, onder meer omdat veel beroemde Franse kunstenaars uit die tijd erop afgebeeld staan. Het werk is tegenwoordig gemeenschappelijk bezit van de National Gallery en de Dublin City Gallery The Hugh Lane. Het wordt afwisselend in Londen en Dublin tentoongesteld.

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)


Muziek_in_de_Tuilerieën

Prompt: Focus op Muziek_in_de_Tuilerieën en leg de Voorstelling uit.

De Tuilerieën zijn de tuinen die het Louvre verbinden met de Place de la Concorde in Parijs. In dit park werden op zonnige middagen concerten gegeven waar veel Parijzenaars samenkwamen om naar muziek te luisteren of te kletsen. De titel van het schilderij verwijst naar zo'n concert, hoewel geen muzikanten zijn afgebeeld. De ijzeren stoelen die op de voorgrond te zien zijn, werden in de zomer van 1862 in het park geplaatst ter vervanging van houten exemplaren. Ook Manet ging zeer vaak naar de Tuilerieën en bij sommige gelegenheden maakte hij daar schetsen die hij later in zijn atelier tot dit schilderij uitwerkte.Manet heeft een groot aantal bekende kunstenaars en critici afgebeeld. De belangrijkste zijn:Eugène Manet, broer van de schilder, op de voorgrond in het midden van het schilderij, met witte broek.De componist Jacques Offenbach, rechts naast Eugène Manet, gezeten tegen een boom, met bril en snor. De rechter van de twee vrouwen in het geel is zijn echtgenote.Naast haar Valentine Lejosne, echtgenote van de legercommandant Hippolyte Lejosne in wiens huis Manet kennis had gemaakt met Baudelaire en Bazille.De schrijver en criticus Théophile Gautier, achter mevrouw Lejosne, tegen een boom staand, in bruin pak en met volle baard.De dichter Charles Baudelaire, links naast Gautier, zeer vaag afgebeeld.De schilder Henri Fantin-Latour, nog verder naar links, met baard, de toeschouwer recht aankijkend.De persoon uiterst links is de schilder zelf.De schilder Albert de Balleroy, gedeeltelijk voor Manet staand, met wandelstok. Manet deelde een studio met hem in de beginjaren van zijn carrière.Dit schilderij was het eerste grote werk dat Manet wijdde aan het moderne leven in Parijs. Dat onderwerp was tot dan toe enkel voorbehouden aan goedkope illustraties in tijdschriften. Daarnaast hanteerde Manet een schetsmatige schilderstijl, die de vluchtigheid van het moment benadrukt, maar ook veel details verloren laat gaan. Een voorbeeld hiervan is het gezicht van Baudelaire dat nauwelijks te herkennen is. Tijdens de eerste expositie deed het werk dan ook veel stof opwaaien. De criticus Hippolyte Babou sprak van "de manie van Manet om in vlekken te zien (...) de vlek Baudelaire, de vlek Gautier, de vlek Manet."Muziek in de Tuilerieën heeft grote invloed uitgeoefend op Manets tijdgenoten. Schilders als Monet, Renoir en Bazille zouden in de jaren erna verschillende schilderijen maken van grote groepen mensen in de buitenlucht die duidelijk terugwijzen op dit werk.

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)