De_gravin_van_Chinchón

Prompt: Hoe wordt de Voorstelling besproken in De_gravin_van_Chinchón?

Het portret van de gravin van Chinchón is vooral zo bijzonder door Goya's realisme en psychologisch inzicht. Hij weet het karakter van de gravin, dat hij goed kende, trefzeker en met een zekere tederheid op het doek vast te leggen. De gravin kijkt met een flauw glimlachje opzij en vermijdt daarmee oogcontact met de toeschouwer. Haar timide aard wordt nog onderstreept door haar handen die zij voorzichtig in haar schoot houdt. Aan een vinger prijkt een grote ring met een miniatuur, waarschijnlijk van haar echtgenoot. De notoire ontrouw van de vredesprins zal ongetwijfeld hebben bijgedragen aan haar onzekerheid.María Teresa gaat gekleed in een witte jurk met bloemetjes naar de laatste Franse mode. De hoge taille maakt haar zwangerschap duidelijk zichtbaar. Aan het zijden hoofddeksel dat haar rosse krullen bedekt, zijn korenaren bevestigd, een symbool van vruchtbaarheid. Goya, die zich rond 1800 op het toppunt van zijn technische kunnen bevond, heeft de doorzichtige stof van de jurk zo zorgvuldig weergegeven dat de beige achtergrond er nog doorheen schijnt.

Toledo
1800
Manuel de Godoy
Luigi Boccherini
Francisco Goya
Filips V van Spanje
Olieverfschilderij
Karel IV
Boccherini
koningin Maria Louisa
Chinchón
Frankrijk
Zijde (textiel)
Koren (graan)
Categorie:Schilderij in het Prado
Madrid (stad)
Karel IV van Spanje
Sueca
Madrid
Morganatisch huwelijk
Museo Nacional del Prado
korenaren
Spanje
Velada
Manuel Godoy y Álvarez de Faria
Maria Louisa van Parma
Categorie:Schilderij van Goya
zijden
Museo del Prado
Toledo (provincie)
Spaanse
huwelijk onder zijn stand
Franse
Spaans


De_gravin_van_Chinchón

Prompt: Focus op De_gravin_van_Chinchón en leg de Herkomst uit.

Tot het jaar 2000 bleef het schilderij in bezit van de hertogen van Sueca, de directe afstammelingen van María Teresa. Zij verkochten het schilderij voor 24 miljoen euro aan de Spaanse overheid.

Toledo
1800
Manuel de Godoy
Luigi Boccherini
Francisco Goya
Filips V van Spanje
Olieverfschilderij
Karel IV
Boccherini
koningin Maria Louisa
Chinchón
Frankrijk
Zijde (textiel)
Koren (graan)
Categorie:Schilderij in het Prado
Madrid (stad)
Karel IV van Spanje
Sueca
Madrid
Morganatisch huwelijk
Museo Nacional del Prado
korenaren
Spanje
Velada
Manuel Godoy y Álvarez de Faria
Maria Louisa van Parma
Categorie:Schilderij van Goya
zijden
Museo del Prado
Toledo (provincie)
Spaanse
huwelijk onder zijn stand
Franse
Spaans


De_gravin_van_Chinchón

Prompt: Verklaar de Herkomst van dit kunstwerk, De_gravin_van_Chinchón.

Tot het jaar 2000 bleef het schilderij in bezit van de hertogen van Sueca, de directe afstammelingen van María Teresa. Zij verkochten het schilderij voor 24 miljoen euro aan de Spaanse overheid.

Toledo
1800
Manuel de Godoy
Luigi Boccherini
Francisco Goya
Filips V van Spanje
Olieverfschilderij
Karel IV
Boccherini
koningin Maria Louisa
Chinchón
Frankrijk
Zijde (textiel)
Koren (graan)
Categorie:Schilderij in het Prado
Madrid (stad)
Karel IV van Spanje
Sueca
Madrid
Morganatisch huwelijk
Museo Nacional del Prado
korenaren
Spanje
Velada
Manuel Godoy y Álvarez de Faria
Maria Louisa van Parma
Categorie:Schilderij van Goya
zijden
Museo del Prado
Toledo (provincie)
Spaanse
huwelijk onder zijn stand
Franse
Spaans


De_gravin_van_Chinchón

Prompt: Hoe verklaart De_gravin_van_Chinchón zijn Herkomst?

Tot het jaar 2000 bleef het schilderij in bezit van de hertogen van Sueca, de directe afstammelingen van María Teresa. Zij verkochten het schilderij voor 24 miljoen euro aan de Spaanse overheid.

Toledo
1800
Manuel de Godoy
Luigi Boccherini
Francisco Goya
Filips V van Spanje
Olieverfschilderij
Karel IV
Boccherini
koningin Maria Louisa
Chinchón
Frankrijk
Zijde (textiel)
Koren (graan)
Categorie:Schilderij in het Prado
Madrid (stad)
Karel IV van Spanje
Sueca
Madrid
Morganatisch huwelijk
Museo Nacional del Prado
korenaren
Spanje
Velada
Manuel Godoy y Álvarez de Faria
Maria Louisa van Parma
Categorie:Schilderij van Goya
zijden
Museo del Prado
Toledo (provincie)
Spaanse
huwelijk onder zijn stand
Franse
Spaans


De_gravin_van_Chinchón

Prompt: Hoe wordt de Herkomst besproken in De_gravin_van_Chinchón?

Tot het jaar 2000 bleef het schilderij in bezit van de hertogen van Sueca, de directe afstammelingen van María Teresa. Zij verkochten het schilderij voor 24 miljoen euro aan de Spaanse overheid.

Toledo
1800
Manuel de Godoy
Luigi Boccherini
Francisco Goya
Filips V van Spanje
Olieverfschilderij
Karel IV
Boccherini
koningin Maria Louisa
Chinchón
Frankrijk
Zijde (textiel)
Koren (graan)
Categorie:Schilderij in het Prado
Madrid (stad)
Karel IV van Spanje
Sueca
Madrid
Morganatisch huwelijk
Museo Nacional del Prado
korenaren
Spanje
Velada
Manuel Godoy y Álvarez de Faria
Maria Louisa van Parma
Categorie:Schilderij van Goya
zijden
Museo del Prado
Toledo (provincie)
Spaanse
huwelijk onder zijn stand
Franse
Spaans


Christina_van_Denemarken

Prompt: Focus op Christina_van_Denemarken en leg de abstract uit.

Christina van Denemarken kan verwijzen naar:Christina van Denemarken (Noorwegen), Noors koningin-gemaalChristina van Denemarken (1521-1590), dochter van de koning van Denemarken

Christina van Denemarken (1521-1590)
Christina van Denemarken (Noorwegen)


Christina_van_Denemarken

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Christina_van_Denemarken.

Christina van Denemarken kan verwijzen naar:Christina van Denemarken (Noorwegen), Noors koningin-gemaalChristina van Denemarken (1521-1590), dochter van de koning van Denemarken

Christina van Denemarken (1521-1590)
Christina van Denemarken (Noorwegen)


Christina_van_Denemarken

Prompt: Hoe verklaart Christina_van_Denemarken zijn abstract?

Christina van Denemarken kan verwijzen naar:Christina van Denemarken (Noorwegen), Noors koningin-gemaalChristina van Denemarken (1521-1590), dochter van de koning van Denemarken

Christina van Denemarken (1521-1590)
Christina van Denemarken (Noorwegen)


Christina_van_Denemarken

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Christina_van_Denemarken?

Christina van Denemarken kan verwijzen naar:Christina van Denemarken (Noorwegen), Noors koningin-gemaalChristina van Denemarken (1521-1590), dochter van de koning van Denemarken

Christina van Denemarken (1521-1590)
Christina van Denemarken (Noorwegen)


Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden

Prompt: Focus op Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden en leg de abstract uit.

Gezicht op Haarlem met bleekvelden is een schilderij van de Nederlandse kunstschilder Jacob van Ruisdael, olieverf op doek, 114,9 x 87,6 centimeter groot, gemaakt tussen 1670 en 1675. In 1887 was het schilderij voor het eerst te traceren toen de verzameling van de Duitse graaf Kaspar Heinrich von Sierstorpff geveild werd te Berlijn. In 1949 werd het werk verworven door het Kunsthaus Zürich, waar het nog steeds te zien is.

Gezicht op Haarlem uit het noordwesten (Rijksmuseum)


Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden.

Gezicht op Haarlem met bleekvelden is een schilderij van de Nederlandse kunstschilder Jacob van Ruisdael, olieverf op doek, 114,9 x 87,6 centimeter groot, gemaakt tussen 1670 en 1675. In 1887 was het schilderij voor het eerst te traceren toen de verzameling van de Duitse graaf Kaspar Heinrich von Sierstorpff geveild werd te Berlijn. In 1949 werd het werk verworven door het Kunsthaus Zürich, waar het nog steeds te zien is.

Gezicht op Haarlem uit het noordwesten (Rijksmuseum)


Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden

Prompt: Hoe verklaart Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden zijn abstract?

Gezicht op Haarlem met bleekvelden is een schilderij van de Nederlandse kunstschilder Jacob van Ruisdael, olieverf op doek, 114,9 x 87,6 centimeter groot, gemaakt tussen 1670 en 1675. In 1887 was het schilderij voor het eerst te traceren toen de verzameling van de Duitse graaf Kaspar Heinrich von Sierstorpff geveild werd te Berlijn. In 1949 werd het werk verworven door het Kunsthaus Zürich, waar het nog steeds te zien is.

Gezicht op Haarlem uit het noordwesten (Rijksmuseum)


Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden?

Gezicht op Haarlem met bleekvelden is een schilderij van de Nederlandse kunstschilder Jacob van Ruisdael, olieverf op doek, 114,9 x 87,6 centimeter groot, gemaakt tussen 1670 en 1675. In 1887 was het schilderij voor het eerst te traceren toen de verzameling van de Duitse graaf Kaspar Heinrich von Sierstorpff geveild werd te Berlijn. In 1949 werd het werk verworven door het Kunsthaus Zürich, waar het nog steeds te zien is.

Gezicht op Haarlem uit het noordwesten (Rijksmuseum)


Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden

Prompt: Focus op Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden en leg de Context uit.

Het bleken van linnen was een economisch belangrijke bezigheid in het Haarlem van de zeventiende eeuw. Grote brede stroken werden buiten de stadspoorten op kort gemaaide weides gelegd om het zuurstof in de lucht zijn witmakende werking te laten doen: een proces dat vele maanden duurde. De aanblik zoals Ruisdael die verbeeldt in Bleekvelden bij Haarlem vormde voor de lokale bevolking uit die tijd dan ook een vertrouwde aanblik.De poëtische uitstraling van de bleekvelden verleidde in die tijd ook veel kunstschilders tot een integratie van deze natuurvreemde elementen in landschappen, vooral in de omgeving van Haarlem. In de tweede helft van de zeventiende eeuw werden er zelfs dusdanig veel van dit soort werken gemaakt, dat ze zelfs een eigen naam kregen en doorgaans Haarlempjes werden genoemd. Ruisdael zelf maakte er minimaal vijftien. De versie uit het Kunsthaus Zürich wordt daaruit beschouwd als een hoogtepunt.

Gezicht op Haarlem uit het noordwesten (Rijksmuseum)


Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden

Prompt: Verklaar de Context van dit kunstwerk, Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden.

Het bleken van linnen was een economisch belangrijke bezigheid in het Haarlem van de zeventiende eeuw. Grote brede stroken werden buiten de stadspoorten op kort gemaaide weides gelegd om het zuurstof in de lucht zijn witmakende werking te laten doen: een proces dat vele maanden duurde. De aanblik zoals Ruisdael die verbeeldt in Bleekvelden bij Haarlem vormde voor de lokale bevolking uit die tijd dan ook een vertrouwde aanblik.De poëtische uitstraling van de bleekvelden verleidde in die tijd ook veel kunstschilders tot een integratie van deze natuurvreemde elementen in landschappen, vooral in de omgeving van Haarlem. In de tweede helft van de zeventiende eeuw werden er zelfs dusdanig veel van dit soort werken gemaakt, dat ze zelfs een eigen naam kregen en doorgaans Haarlempjes werden genoemd. Ruisdael zelf maakte er minimaal vijftien. De versie uit het Kunsthaus Zürich wordt daaruit beschouwd als een hoogtepunt.

Gezicht op Haarlem uit het noordwesten (Rijksmuseum)


Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden

Prompt: Hoe verklaart Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden zijn Context?

Het bleken van linnen was een economisch belangrijke bezigheid in het Haarlem van de zeventiende eeuw. Grote brede stroken werden buiten de stadspoorten op kort gemaaide weides gelegd om het zuurstof in de lucht zijn witmakende werking te laten doen: een proces dat vele maanden duurde. De aanblik zoals Ruisdael die verbeeldt in Bleekvelden bij Haarlem vormde voor de lokale bevolking uit die tijd dan ook een vertrouwde aanblik.De poëtische uitstraling van de bleekvelden verleidde in die tijd ook veel kunstschilders tot een integratie van deze natuurvreemde elementen in landschappen, vooral in de omgeving van Haarlem. In de tweede helft van de zeventiende eeuw werden er zelfs dusdanig veel van dit soort werken gemaakt, dat ze zelfs een eigen naam kregen en doorgaans Haarlempjes werden genoemd. Ruisdael zelf maakte er minimaal vijftien. De versie uit het Kunsthaus Zürich wordt daaruit beschouwd als een hoogtepunt.

Gezicht op Haarlem uit het noordwesten (Rijksmuseum)


Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden

Prompt: Hoe wordt de Context besproken in Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden?

Het bleken van linnen was een economisch belangrijke bezigheid in het Haarlem van de zeventiende eeuw. Grote brede stroken werden buiten de stadspoorten op kort gemaaide weides gelegd om het zuurstof in de lucht zijn witmakende werking te laten doen: een proces dat vele maanden duurde. De aanblik zoals Ruisdael die verbeeldt in Bleekvelden bij Haarlem vormde voor de lokale bevolking uit die tijd dan ook een vertrouwde aanblik.De poëtische uitstraling van de bleekvelden verleidde in die tijd ook veel kunstschilders tot een integratie van deze natuurvreemde elementen in landschappen, vooral in de omgeving van Haarlem. In de tweede helft van de zeventiende eeuw werden er zelfs dusdanig veel van dit soort werken gemaakt, dat ze zelfs een eigen naam kregen en doorgaans Haarlempjes werden genoemd. Ruisdael zelf maakte er minimaal vijftien. De versie uit het Kunsthaus Zürich wordt daaruit beschouwd als een hoogtepunt.

Gezicht op Haarlem uit het noordwesten (Rijksmuseum)


Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden

Prompt: Focus op Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden en leg de Afbeelding uit.

Bleekvelden bij Haarlem toont een oer-Hollands landschap, met een imposante wolkenformatie, die twee derde van het werk beslaat. De weergave is sterk realistisch. De linnen doeken liggen in het water en op de bleekweides en lichten op in het zonlicht, dat selectief door de grote cumuluswolken schijnt. Op de achtergrond zien we de Haarlemse St.-Bavokerk, waar Ruisdael op 14 maart 1682 begraven zou worden. Ook het stadhuis is te herkennen. Het stadsbeeld is echter ver weg en nauwelijks meer dan een silhouet. Het perspectief is vanuit het zuidwesten, enigszins verhoogd vanaf de duinen van de Noordzee, nabij Overveen.De compositie is ogenschijnlijk eenvoudig van opbouw: twee vlakken gescheiden door een diepe kaarsrechte horizon, waarmee een bijna geometrisch afgemeten vlakverdeling wordt gecreëerd. Strakke diagonalen van het linnen doorkruisen het landschap. Anderzijds is er een levendige afwisseling te zien in licht en kleurgebruik, met een sterke contrasten, zowel binnen als tussen het wolkenvlak en het landschap. De opvallende eenvoud en de atmosferische lichtwerking vanuit de lucht, weerkaatst in de strak getrokken strepen van het blekende linnen, geven het werk een welhaast poëtische uitstraling.De nadruk van Ruisdael op eenvoud en sfeer werd later bewonderd door de schilders van de Haagse School, meer in het bijzonder door Jacob Maris. Diens Slatuintjes bij Den Haag (circa 1878) vertoont een opvallende gelijkenis met Ruisdaels "Haarlempjes". Maris kende zo'n versie vanuit het Rijksmuseum Amsterdam.

Gezicht op Haarlem uit het noordwesten (Rijksmuseum)


Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden

Prompt: Verklaar de Afbeelding van dit kunstwerk, Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden.

Bleekvelden bij Haarlem toont een oer-Hollands landschap, met een imposante wolkenformatie, die twee derde van het werk beslaat. De weergave is sterk realistisch. De linnen doeken liggen in het water en op de bleekweides en lichten op in het zonlicht, dat selectief door de grote cumuluswolken schijnt. Op de achtergrond zien we de Haarlemse St.-Bavokerk, waar Ruisdael op 14 maart 1682 begraven zou worden. Ook het stadhuis is te herkennen. Het stadsbeeld is echter ver weg en nauwelijks meer dan een silhouet. Het perspectief is vanuit het zuidwesten, enigszins verhoogd vanaf de duinen van de Noordzee, nabij Overveen.De compositie is ogenschijnlijk eenvoudig van opbouw: twee vlakken gescheiden door een diepe kaarsrechte horizon, waarmee een bijna geometrisch afgemeten vlakverdeling wordt gecreëerd. Strakke diagonalen van het linnen doorkruisen het landschap. Anderzijds is er een levendige afwisseling te zien in licht en kleurgebruik, met een sterke contrasten, zowel binnen als tussen het wolkenvlak en het landschap. De opvallende eenvoud en de atmosferische lichtwerking vanuit de lucht, weerkaatst in de strak getrokken strepen van het blekende linnen, geven het werk een welhaast poëtische uitstraling.De nadruk van Ruisdael op eenvoud en sfeer werd later bewonderd door de schilders van de Haagse School, meer in het bijzonder door Jacob Maris. Diens Slatuintjes bij Den Haag (circa 1878) vertoont een opvallende gelijkenis met Ruisdaels "Haarlempjes". Maris kende zo'n versie vanuit het Rijksmuseum Amsterdam.

Gezicht op Haarlem uit het noordwesten (Rijksmuseum)


Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden

Prompt: Hoe verklaart Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden zijn Afbeelding?

Bleekvelden bij Haarlem toont een oer-Hollands landschap, met een imposante wolkenformatie, die twee derde van het werk beslaat. De weergave is sterk realistisch. De linnen doeken liggen in het water en op de bleekweides en lichten op in het zonlicht, dat selectief door de grote cumuluswolken schijnt. Op de achtergrond zien we de Haarlemse St.-Bavokerk, waar Ruisdael op 14 maart 1682 begraven zou worden. Ook het stadhuis is te herkennen. Het stadsbeeld is echter ver weg en nauwelijks meer dan een silhouet. Het perspectief is vanuit het zuidwesten, enigszins verhoogd vanaf de duinen van de Noordzee, nabij Overveen.De compositie is ogenschijnlijk eenvoudig van opbouw: twee vlakken gescheiden door een diepe kaarsrechte horizon, waarmee een bijna geometrisch afgemeten vlakverdeling wordt gecreëerd. Strakke diagonalen van het linnen doorkruisen het landschap. Anderzijds is er een levendige afwisseling te zien in licht en kleurgebruik, met een sterke contrasten, zowel binnen als tussen het wolkenvlak en het landschap. De opvallende eenvoud en de atmosferische lichtwerking vanuit de lucht, weerkaatst in de strak getrokken strepen van het blekende linnen, geven het werk een welhaast poëtische uitstraling.De nadruk van Ruisdael op eenvoud en sfeer werd later bewonderd door de schilders van de Haagse School, meer in het bijzonder door Jacob Maris. Diens Slatuintjes bij Den Haag (circa 1878) vertoont een opvallende gelijkenis met Ruisdaels "Haarlempjes". Maris kende zo'n versie vanuit het Rijksmuseum Amsterdam.

Gezicht op Haarlem uit het noordwesten (Rijksmuseum)


Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden

Prompt: Hoe wordt de Afbeelding besproken in Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden?

Bleekvelden bij Haarlem toont een oer-Hollands landschap, met een imposante wolkenformatie, die twee derde van het werk beslaat. De weergave is sterk realistisch. De linnen doeken liggen in het water en op de bleekweides en lichten op in het zonlicht, dat selectief door de grote cumuluswolken schijnt. Op de achtergrond zien we de Haarlemse St.-Bavokerk, waar Ruisdael op 14 maart 1682 begraven zou worden. Ook het stadhuis is te herkennen. Het stadsbeeld is echter ver weg en nauwelijks meer dan een silhouet. Het perspectief is vanuit het zuidwesten, enigszins verhoogd vanaf de duinen van de Noordzee, nabij Overveen.De compositie is ogenschijnlijk eenvoudig van opbouw: twee vlakken gescheiden door een diepe kaarsrechte horizon, waarmee een bijna geometrisch afgemeten vlakverdeling wordt gecreëerd. Strakke diagonalen van het linnen doorkruisen het landschap. Anderzijds is er een levendige afwisseling te zien in licht en kleurgebruik, met een sterke contrasten, zowel binnen als tussen het wolkenvlak en het landschap. De opvallende eenvoud en de atmosferische lichtwerking vanuit de lucht, weerkaatst in de strak getrokken strepen van het blekende linnen, geven het werk een welhaast poëtische uitstraling.De nadruk van Ruisdael op eenvoud en sfeer werd later bewonderd door de schilders van de Haagse School, meer in het bijzonder door Jacob Maris. Diens Slatuintjes bij Den Haag (circa 1878) vertoont een opvallende gelijkenis met Ruisdaels "Haarlempjes". Maris kende zo'n versie vanuit het Rijksmuseum Amsterdam.

Gezicht op Haarlem uit het noordwesten (Rijksmuseum)


Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden

Prompt: Focus op Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden en leg de Literatuur en bron uit.

Judikje Kiers, Fieke Tissink: Der Glanz des Goldenen Jahrhunderts. Holländische Kunst des 17.Jahrhunderts. Gemälde, Bildhauerkunst und Kunstgewerbe. Waanders, Zwolle, 2000, blz. 224. ISBN 9040094365

Gezicht op Haarlem uit het noordwesten (Rijksmuseum)


Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden

Prompt: Verklaar de Literatuur en bron van dit kunstwerk, Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden.

Judikje Kiers, Fieke Tissink: Der Glanz des Goldenen Jahrhunderts. Holländische Kunst des 17.Jahrhunderts. Gemälde, Bildhauerkunst und Kunstgewerbe. Waanders, Zwolle, 2000, blz. 224. ISBN 9040094365

Gezicht op Haarlem uit het noordwesten (Rijksmuseum)


Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden

Prompt: Hoe verklaart Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden zijn Literatuur en bron?

Judikje Kiers, Fieke Tissink: Der Glanz des Goldenen Jahrhunderts. Holländische Kunst des 17.Jahrhunderts. Gemälde, Bildhauerkunst und Kunstgewerbe. Waanders, Zwolle, 2000, blz. 224. ISBN 9040094365

Gezicht op Haarlem uit het noordwesten (Rijksmuseum)


Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden

Prompt: Hoe wordt de Literatuur en bron besproken in Gezicht_op_Haarlem_met_bleekvelden?

Judikje Kiers, Fieke Tissink: Der Glanz des Goldenen Jahrhunderts. Holländische Kunst des 17.Jahrhunderts. Gemälde, Bildhauerkunst und Kunstgewerbe. Waanders, Zwolle, 2000, blz. 224. ISBN 9040094365

Gezicht op Haarlem uit het noordwesten (Rijksmuseum)


Lucretia

Prompt: Focus op Lucretia en leg de abstract uit.

Lucretia of Lucrezia kan verwijzen naar:LucretiaGens Lucretia, Romeinse familieLucretia (Romeinse geschiedenis), vrouw van Lucius Tarquinius CollatinusLucretia (Washington), schilderij van Rembrandt uit 1664Lucretia (Minneapolis), schilderij van Rembrandt uit 1666LucreziaLucrezia Borgia, vermeende dochter van paus Alexander VILucrezia (Couperus), verhaal van Louis CouperusOverigLucretia (planetoïde), planetoïdeLucretia van der Vloot, Nederlandse zangeres en actrice

Lucrezia (Couperus)
Gens Lucretia
Lucretia van der Vloot
Lucretia (Washington)
Lucretia (Romeinse overlevering)
Lucrezia Borgia
Lucretia (Romeinse geschiedenis)
Lucretia (Minneapolis)
Lucretia (planetoïde)


Lucretia

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Lucretia.

Lucretia of Lucrezia kan verwijzen naar:LucretiaGens Lucretia, Romeinse familieLucretia (Romeinse geschiedenis), vrouw van Lucius Tarquinius CollatinusLucretia (Washington), schilderij van Rembrandt uit 1664Lucretia (Minneapolis), schilderij van Rembrandt uit 1666LucreziaLucrezia Borgia, vermeende dochter van paus Alexander VILucrezia (Couperus), verhaal van Louis CouperusOverigLucretia (planetoïde), planetoïdeLucretia van der Vloot, Nederlandse zangeres en actrice

Lucrezia (Couperus)
Gens Lucretia
Lucretia van der Vloot
Lucretia (Washington)
Lucretia (Romeinse overlevering)
Lucrezia Borgia
Lucretia (Romeinse geschiedenis)
Lucretia (Minneapolis)
Lucretia (planetoïde)


Lucretia

Prompt: Hoe verklaart Lucretia zijn abstract?

Lucretia of Lucrezia kan verwijzen naar:LucretiaGens Lucretia, Romeinse familieLucretia (Romeinse geschiedenis), vrouw van Lucius Tarquinius CollatinusLucretia (Washington), schilderij van Rembrandt uit 1664Lucretia (Minneapolis), schilderij van Rembrandt uit 1666LucreziaLucrezia Borgia, vermeende dochter van paus Alexander VILucrezia (Couperus), verhaal van Louis CouperusOverigLucretia (planetoïde), planetoïdeLucretia van der Vloot, Nederlandse zangeres en actrice

Lucrezia (Couperus)
Gens Lucretia
Lucretia van der Vloot
Lucretia (Washington)
Lucretia (Romeinse overlevering)
Lucrezia Borgia
Lucretia (Romeinse geschiedenis)
Lucretia (Minneapolis)
Lucretia (planetoïde)


Lucretia

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Lucretia?

Lucretia of Lucrezia kan verwijzen naar:LucretiaGens Lucretia, Romeinse familieLucretia (Romeinse geschiedenis), vrouw van Lucius Tarquinius CollatinusLucretia (Washington), schilderij van Rembrandt uit 1664Lucretia (Minneapolis), schilderij van Rembrandt uit 1666LucreziaLucrezia Borgia, vermeende dochter van paus Alexander VILucrezia (Couperus), verhaal van Louis CouperusOverigLucretia (planetoïde), planetoïdeLucretia van der Vloot, Nederlandse zangeres en actrice

Lucrezia (Couperus)
Gens Lucretia
Lucretia van der Vloot
Lucretia (Washington)
Lucretia (Romeinse overlevering)
Lucrezia Borgia
Lucretia (Romeinse geschiedenis)
Lucretia (Minneapolis)
Lucretia (planetoïde)


Rozenkransmadonna

Prompt: Focus op Rozenkransmadonna en leg de abstract uit.

De Rozenkransmadonna (Italiaans: Madonna del Rosario) is een schilderij van Caravaggio uit de periode 1604-05. Het maakt deel uit van de collectie van het Kunsthistorisches Museum in Wenen.

Categorie:Schilderij in het Kunsthistorisches Museum


Rozenkransmadonna

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Rozenkransmadonna.

De Rozenkransmadonna (Italiaans: Madonna del Rosario) is een schilderij van Caravaggio uit de periode 1604-05. Het maakt deel uit van de collectie van het Kunsthistorisches Museum in Wenen.

Categorie:Schilderij in het Kunsthistorisches Museum


Rozenkransmadonna

Prompt: Hoe verklaart Rozenkransmadonna zijn abstract?

De Rozenkransmadonna (Italiaans: Madonna del Rosario) is een schilderij van Caravaggio uit de periode 1604-05. Het maakt deel uit van de collectie van het Kunsthistorisches Museum in Wenen.

Categorie:Schilderij in het Kunsthistorisches Museum


Rozenkransmadonna

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Rozenkransmadonna?

De Rozenkransmadonna (Italiaans: Madonna del Rosario) is een schilderij van Caravaggio uit de periode 1604-05. Het maakt deel uit van de collectie van het Kunsthistorisches Museum in Wenen.

Categorie:Schilderij in het Kunsthistorisches Museum


Rozenkransmadonna

Prompt: Focus op Rozenkransmadonna en leg de Voorstelling uit.

De Dominicaner monnik en theoloog Alanus de Rupe speelde een belangrijke rol in de verspreiding van het gebruik van de rozenkrans. In een van zijn werken schreef hij dat de heilige Dominicus, stichter van de Dominicaanse orde, de rozenkrans zou hebben ontvangen tijdens een Mariaverschijning in 1208 en deze vervolgens in zijn orde had geïntroduceerd. Volgens de legende gaf Maria de rozenkrans aan Dominicus als wapen in de strijd tegen de Katharen.De gecanneleerde zuil en het rode gordijn dat zich over de gehele breedte van de afbeelding uitstrekt, geven de compositie een omlijsting. Maria troont boven vier staande mannen die het habijt van de domincanen dragen. De man aan de linkerkant is de stichter van de orde. De man in het midden rechts is de heilige Petrus van Verona, ter herkennen aan de bloedende wond op zijn hoofd. Drie mannen op blote voeten in doeken gekleed dringen vanaf de voorgrond naar voren, evenals een vrouw met een klein kind. Tussen hen, aan de linkerrand van het schilderij, knielt een voorname heer in zwarte kleding met een witte plooikraag. Deze man, waarschijnlijk de opdrachtgever, kijkt over zijn rechterschouder het schilderij uit en trekt zo de aandacht van de toeschouwer.Jezus is afgebeeld terwijl hij op schoot staat, wat waarschijnlijk bedoeld is om zijn oorsprong uit de moederschoot te illustreren. Terwijl Maria Dominicus aanmoedigt om de rozenkransen uit te delen aan de armen, omhelst Jezus haar nek, pakt zijn uitpuilende buik in een kinderlijk gebaar vast en kijkt onschuldig naar de toeschouwer.

Categorie:Schilderij in het Kunsthistorisches Museum


Rozenkransmadonna

Prompt: Verklaar de Voorstelling van dit kunstwerk, Rozenkransmadonna.

De Dominicaner monnik en theoloog Alanus de Rupe speelde een belangrijke rol in de verspreiding van het gebruik van de rozenkrans. In een van zijn werken schreef hij dat de heilige Dominicus, stichter van de Dominicaanse orde, de rozenkrans zou hebben ontvangen tijdens een Mariaverschijning in 1208 en deze vervolgens in zijn orde had geïntroduceerd. Volgens de legende gaf Maria de rozenkrans aan Dominicus als wapen in de strijd tegen de Katharen.De gecanneleerde zuil en het rode gordijn dat zich over de gehele breedte van de afbeelding uitstrekt, geven de compositie een omlijsting. Maria troont boven vier staande mannen die het habijt van de domincanen dragen. De man aan de linkerkant is de stichter van de orde. De man in het midden rechts is de heilige Petrus van Verona, ter herkennen aan de bloedende wond op zijn hoofd. Drie mannen op blote voeten in doeken gekleed dringen vanaf de voorgrond naar voren, evenals een vrouw met een klein kind. Tussen hen, aan de linkerrand van het schilderij, knielt een voorname heer in zwarte kleding met een witte plooikraag. Deze man, waarschijnlijk de opdrachtgever, kijkt over zijn rechterschouder het schilderij uit en trekt zo de aandacht van de toeschouwer.Jezus is afgebeeld terwijl hij op schoot staat, wat waarschijnlijk bedoeld is om zijn oorsprong uit de moederschoot te illustreren. Terwijl Maria Dominicus aanmoedigt om de rozenkransen uit te delen aan de armen, omhelst Jezus haar nek, pakt zijn uitpuilende buik in een kinderlijk gebaar vast en kijkt onschuldig naar de toeschouwer.

Categorie:Schilderij in het Kunsthistorisches Museum


Rozenkransmadonna

Prompt: Hoe verklaart Rozenkransmadonna zijn Voorstelling?

De Dominicaner monnik en theoloog Alanus de Rupe speelde een belangrijke rol in de verspreiding van het gebruik van de rozenkrans. In een van zijn werken schreef hij dat de heilige Dominicus, stichter van de Dominicaanse orde, de rozenkrans zou hebben ontvangen tijdens een Mariaverschijning in 1208 en deze vervolgens in zijn orde had geïntroduceerd. Volgens de legende gaf Maria de rozenkrans aan Dominicus als wapen in de strijd tegen de Katharen.De gecanneleerde zuil en het rode gordijn dat zich over de gehele breedte van de afbeelding uitstrekt, geven de compositie een omlijsting. Maria troont boven vier staande mannen die het habijt van de domincanen dragen. De man aan de linkerkant is de stichter van de orde. De man in het midden rechts is de heilige Petrus van Verona, ter herkennen aan de bloedende wond op zijn hoofd. Drie mannen op blote voeten in doeken gekleed dringen vanaf de voorgrond naar voren, evenals een vrouw met een klein kind. Tussen hen, aan de linkerrand van het schilderij, knielt een voorname heer in zwarte kleding met een witte plooikraag. Deze man, waarschijnlijk de opdrachtgever, kijkt over zijn rechterschouder het schilderij uit en trekt zo de aandacht van de toeschouwer.Jezus is afgebeeld terwijl hij op schoot staat, wat waarschijnlijk bedoeld is om zijn oorsprong uit de moederschoot te illustreren. Terwijl Maria Dominicus aanmoedigt om de rozenkransen uit te delen aan de armen, omhelst Jezus haar nek, pakt zijn uitpuilende buik in een kinderlijk gebaar vast en kijkt onschuldig naar de toeschouwer.

Categorie:Schilderij in het Kunsthistorisches Museum


Rozenkransmadonna

Prompt: Hoe wordt de Voorstelling besproken in Rozenkransmadonna?

De Dominicaner monnik en theoloog Alanus de Rupe speelde een belangrijke rol in de verspreiding van het gebruik van de rozenkrans. In een van zijn werken schreef hij dat de heilige Dominicus, stichter van de Dominicaanse orde, de rozenkrans zou hebben ontvangen tijdens een Mariaverschijning in 1208 en deze vervolgens in zijn orde had geïntroduceerd. Volgens de legende gaf Maria de rozenkrans aan Dominicus als wapen in de strijd tegen de Katharen.De gecanneleerde zuil en het rode gordijn dat zich over de gehele breedte van de afbeelding uitstrekt, geven de compositie een omlijsting. Maria troont boven vier staande mannen die het habijt van de domincanen dragen. De man aan de linkerkant is de stichter van de orde. De man in het midden rechts is de heilige Petrus van Verona, ter herkennen aan de bloedende wond op zijn hoofd. Drie mannen op blote voeten in doeken gekleed dringen vanaf de voorgrond naar voren, evenals een vrouw met een klein kind. Tussen hen, aan de linkerrand van het schilderij, knielt een voorname heer in zwarte kleding met een witte plooikraag. Deze man, waarschijnlijk de opdrachtgever, kijkt over zijn rechterschouder het schilderij uit en trekt zo de aandacht van de toeschouwer.Jezus is afgebeeld terwijl hij op schoot staat, wat waarschijnlijk bedoeld is om zijn oorsprong uit de moederschoot te illustreren. Terwijl Maria Dominicus aanmoedigt om de rozenkransen uit te delen aan de armen, omhelst Jezus haar nek, pakt zijn uitpuilende buik in een kinderlijk gebaar vast en kijkt onschuldig naar de toeschouwer.

Categorie:Schilderij in het Kunsthistorisches Museum


Rozenkransmadonna

Prompt: Focus op Rozenkransmadonna en leg de Geschiedenis uit.

De opdrachtgever van de Rozenkransmadonna is onbekend, evenals de Dominicaanse kerk of klooster waarvoor het schilderij bedoeld was. Sommige kenners twijfelden er zelfs aan of Caravaggio wel verantwoordelijk was voor het hele werk. De kwaliteit van delen ervan, zoals het gordijn, de Madonna zelf en het portret van de schenker, waren hiervoor de aanleiding. Uit technisch onderzoek kwam naar voren het schilderij zeker waarschijnlijk is gemaakt in de Romeinse tijd van de schilder, rond 1604-05. In het algemeen wordt aangenomen dat het hele doek van Caravaggio's hand is.Het schilderij duikt voor het eerst op in schriftelijke bronnen in Napels. Van daaruit schreef de Brugse schilder Frans Pourbus op 25 september 1607 aan zijn meester, Vincenzo I Gonzaga, dat een rozenkransschilderij van Caravaggio voor 400 dukaten verkrijgbaar was. In dat jaar bevond Caravaggio zich ook in de stad, gevlucht uit Rome na de moord op Ranuccio Tomassoni. Toen de schilder op 14 juni 1607 Napels weer verliet, liet hij twee schilderijen achter, de Rozenkransmadonna en Judith onthoofde Holofernes, in het atelier dat werd gedeeld door de Vlaamse schilders Louis Finson en Abraham Vinck. Waarschijnlijk heeft Vinck de twee schilderijen meegenomen toen hij rond 1609 naar Amsterdam verhuisde. Finson verhuisde later ook naar Amsterdam. In het testament dat Finson op 19 september 1617 in Amsterdam maakte, liet hij zijn volledige aandeel in de twee Caravaggio-schilderijen na aan Vinck. Vinck stierf op zijn beurt in 1619 in Amsterdam en liet volgens zijn testament al zijn bezittingen na aan zijn weduwe. Zijn vrouw overleed twee jaar later en de erven verkochten de Rozenkransmadonna na 1619 voor 1.800 gulden aan een comité van Vlaamse schilders onder leiding van Peter Paul Rubens voor de Dominicaanse Sint-Pauluskerk in Antwerpen. Het schilderij arriveerde rond 1623 in Antwerpen en kreeg een ereplaats op het hoofdaltaar van de kerk. In 1786 claimde keizer Jozef II van Oostenrijk het schilderij van Caravaggio voor zijn kunstcollectie, nadat hij opdracht had gegeven tot de sluiting van alle kloosterorden in de Oostenrijkse Nederlanden.

Categorie:Schilderij in het Kunsthistorisches Museum


Rozenkransmadonna

Prompt: Verklaar de Geschiedenis van dit kunstwerk, Rozenkransmadonna.

De opdrachtgever van de Rozenkransmadonna is onbekend, evenals de Dominicaanse kerk of klooster waarvoor het schilderij bedoeld was. Sommige kenners twijfelden er zelfs aan of Caravaggio wel verantwoordelijk was voor het hele werk. De kwaliteit van delen ervan, zoals het gordijn, de Madonna zelf en het portret van de schenker, waren hiervoor de aanleiding. Uit technisch onderzoek kwam naar voren het schilderij zeker waarschijnlijk is gemaakt in de Romeinse tijd van de schilder, rond 1604-05. In het algemeen wordt aangenomen dat het hele doek van Caravaggio's hand is.Het schilderij duikt voor het eerst op in schriftelijke bronnen in Napels. Van daaruit schreef de Brugse schilder Frans Pourbus op 25 september 1607 aan zijn meester, Vincenzo I Gonzaga, dat een rozenkransschilderij van Caravaggio voor 400 dukaten verkrijgbaar was. In dat jaar bevond Caravaggio zich ook in de stad, gevlucht uit Rome na de moord op Ranuccio Tomassoni. Toen de schilder op 14 juni 1607 Napels weer verliet, liet hij twee schilderijen achter, de Rozenkransmadonna en Judith onthoofde Holofernes, in het atelier dat werd gedeeld door de Vlaamse schilders Louis Finson en Abraham Vinck. Waarschijnlijk heeft Vinck de twee schilderijen meegenomen toen hij rond 1609 naar Amsterdam verhuisde. Finson verhuisde later ook naar Amsterdam. In het testament dat Finson op 19 september 1617 in Amsterdam maakte, liet hij zijn volledige aandeel in de twee Caravaggio-schilderijen na aan Vinck. Vinck stierf op zijn beurt in 1619 in Amsterdam en liet volgens zijn testament al zijn bezittingen na aan zijn weduwe. Zijn vrouw overleed twee jaar later en de erven verkochten de Rozenkransmadonna na 1619 voor 1.800 gulden aan een comité van Vlaamse schilders onder leiding van Peter Paul Rubens voor de Dominicaanse Sint-Pauluskerk in Antwerpen. Het schilderij arriveerde rond 1623 in Antwerpen en kreeg een ereplaats op het hoofdaltaar van de kerk. In 1786 claimde keizer Jozef II van Oostenrijk het schilderij van Caravaggio voor zijn kunstcollectie, nadat hij opdracht had gegeven tot de sluiting van alle kloosterorden in de Oostenrijkse Nederlanden.

Categorie:Schilderij in het Kunsthistorisches Museum


Rozenkransmadonna

Prompt: Hoe verklaart Rozenkransmadonna zijn Geschiedenis?

De opdrachtgever van de Rozenkransmadonna is onbekend, evenals de Dominicaanse kerk of klooster waarvoor het schilderij bedoeld was. Sommige kenners twijfelden er zelfs aan of Caravaggio wel verantwoordelijk was voor het hele werk. De kwaliteit van delen ervan, zoals het gordijn, de Madonna zelf en het portret van de schenker, waren hiervoor de aanleiding. Uit technisch onderzoek kwam naar voren het schilderij zeker waarschijnlijk is gemaakt in de Romeinse tijd van de schilder, rond 1604-05. In het algemeen wordt aangenomen dat het hele doek van Caravaggio's hand is.Het schilderij duikt voor het eerst op in schriftelijke bronnen in Napels. Van daaruit schreef de Brugse schilder Frans Pourbus op 25 september 1607 aan zijn meester, Vincenzo I Gonzaga, dat een rozenkransschilderij van Caravaggio voor 400 dukaten verkrijgbaar was. In dat jaar bevond Caravaggio zich ook in de stad, gevlucht uit Rome na de moord op Ranuccio Tomassoni. Toen de schilder op 14 juni 1607 Napels weer verliet, liet hij twee schilderijen achter, de Rozenkransmadonna en Judith onthoofde Holofernes, in het atelier dat werd gedeeld door de Vlaamse schilders Louis Finson en Abraham Vinck. Waarschijnlijk heeft Vinck de twee schilderijen meegenomen toen hij rond 1609 naar Amsterdam verhuisde. Finson verhuisde later ook naar Amsterdam. In het testament dat Finson op 19 september 1617 in Amsterdam maakte, liet hij zijn volledige aandeel in de twee Caravaggio-schilderijen na aan Vinck. Vinck stierf op zijn beurt in 1619 in Amsterdam en liet volgens zijn testament al zijn bezittingen na aan zijn weduwe. Zijn vrouw overleed twee jaar later en de erven verkochten de Rozenkransmadonna na 1619 voor 1.800 gulden aan een comité van Vlaamse schilders onder leiding van Peter Paul Rubens voor de Dominicaanse Sint-Pauluskerk in Antwerpen. Het schilderij arriveerde rond 1623 in Antwerpen en kreeg een ereplaats op het hoofdaltaar van de kerk. In 1786 claimde keizer Jozef II van Oostenrijk het schilderij van Caravaggio voor zijn kunstcollectie, nadat hij opdracht had gegeven tot de sluiting van alle kloosterorden in de Oostenrijkse Nederlanden.

Categorie:Schilderij in het Kunsthistorisches Museum


Rozenkransmadonna

Prompt: Hoe wordt de Geschiedenis besproken in Rozenkransmadonna?

De opdrachtgever van de Rozenkransmadonna is onbekend, evenals de Dominicaanse kerk of klooster waarvoor het schilderij bedoeld was. Sommige kenners twijfelden er zelfs aan of Caravaggio wel verantwoordelijk was voor het hele werk. De kwaliteit van delen ervan, zoals het gordijn, de Madonna zelf en het portret van de schenker, waren hiervoor de aanleiding. Uit technisch onderzoek kwam naar voren het schilderij zeker waarschijnlijk is gemaakt in de Romeinse tijd van de schilder, rond 1604-05. In het algemeen wordt aangenomen dat het hele doek van Caravaggio's hand is.Het schilderij duikt voor het eerst op in schriftelijke bronnen in Napels. Van daaruit schreef de Brugse schilder Frans Pourbus op 25 september 1607 aan zijn meester, Vincenzo I Gonzaga, dat een rozenkransschilderij van Caravaggio voor 400 dukaten verkrijgbaar was. In dat jaar bevond Caravaggio zich ook in de stad, gevlucht uit Rome na de moord op Ranuccio Tomassoni. Toen de schilder op 14 juni 1607 Napels weer verliet, liet hij twee schilderijen achter, de Rozenkransmadonna en Judith onthoofde Holofernes, in het atelier dat werd gedeeld door de Vlaamse schilders Louis Finson en Abraham Vinck. Waarschijnlijk heeft Vinck de twee schilderijen meegenomen toen hij rond 1609 naar Amsterdam verhuisde. Finson verhuisde later ook naar Amsterdam. In het testament dat Finson op 19 september 1617 in Amsterdam maakte, liet hij zijn volledige aandeel in de twee Caravaggio-schilderijen na aan Vinck. Vinck stierf op zijn beurt in 1619 in Amsterdam en liet volgens zijn testament al zijn bezittingen na aan zijn weduwe. Zijn vrouw overleed twee jaar later en de erven verkochten de Rozenkransmadonna na 1619 voor 1.800 gulden aan een comité van Vlaamse schilders onder leiding van Peter Paul Rubens voor de Dominicaanse Sint-Pauluskerk in Antwerpen. Het schilderij arriveerde rond 1623 in Antwerpen en kreeg een ereplaats op het hoofdaltaar van de kerk. In 1786 claimde keizer Jozef II van Oostenrijk het schilderij van Caravaggio voor zijn kunstcollectie, nadat hij opdracht had gegeven tot de sluiting van alle kloosterorden in de Oostenrijkse Nederlanden.

Categorie:Schilderij in het Kunsthistorisches Museum


Wandtapijt_van_het_World_Trade_Center

Prompt: Focus op Wandtapijt_van_het_World_Trade_Center en leg de abstract uit.

Het wandtapijt van het World Trade Center (Engels: The World Trade Center Tapestry, Spaans: Gran Tapís del World Trade Center) was een 6,1 meter bij 11 meter groot wandtapijt gemaakt door de Spaanse kunstenaars Joan Miró en Josep Royo van wol en vezelhennep. Van 1974 tot de verwoesting van het World Trade Center in New York op 11 september 2001 hing het werk in de lobby van de South Tower.Miró en Royo creëerden een abstract werk met felle kleuren zoals daar zijn rood, groen, blauw en geel, met zwarte elementen en een lichtbruine achtergrond. Het hing aanvankelijk twee jaar in het Grand Palais (des Champs-Élysées) in Parijs voordat het werd overgebracht naar New York in 1974. Het ging compleet verloren door de instorting van de South Tower op 11 september 2001.

Port Authority of New York and New Jersey


Wandtapijt_van_het_World_Trade_Center

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Wandtapijt_van_het_World_Trade_Center.

Het wandtapijt van het World Trade Center (Engels: The World Trade Center Tapestry, Spaans: Gran Tapís del World Trade Center) was een 6,1 meter bij 11 meter groot wandtapijt gemaakt door de Spaanse kunstenaars Joan Miró en Josep Royo van wol en vezelhennep. Van 1974 tot de verwoesting van het World Trade Center in New York op 11 september 2001 hing het werk in de lobby van de South Tower.Miró en Royo creëerden een abstract werk met felle kleuren zoals daar zijn rood, groen, blauw en geel, met zwarte elementen en een lichtbruine achtergrond. Het hing aanvankelijk twee jaar in het Grand Palais (des Champs-Élysées) in Parijs voordat het werd overgebracht naar New York in 1974. Het ging compleet verloren door de instorting van de South Tower op 11 september 2001.

Port Authority of New York and New Jersey


Wandtapijt_van_het_World_Trade_Center

Prompt: Hoe verklaart Wandtapijt_van_het_World_Trade_Center zijn abstract?

Het wandtapijt van het World Trade Center (Engels: The World Trade Center Tapestry, Spaans: Gran Tapís del World Trade Center) was een 6,1 meter bij 11 meter groot wandtapijt gemaakt door de Spaanse kunstenaars Joan Miró en Josep Royo van wol en vezelhennep. Van 1974 tot de verwoesting van het World Trade Center in New York op 11 september 2001 hing het werk in de lobby van de South Tower.Miró en Royo creëerden een abstract werk met felle kleuren zoals daar zijn rood, groen, blauw en geel, met zwarte elementen en een lichtbruine achtergrond. Het hing aanvankelijk twee jaar in het Grand Palais (des Champs-Élysées) in Parijs voordat het werd overgebracht naar New York in 1974. Het ging compleet verloren door de instorting van de South Tower op 11 september 2001.

Port Authority of New York and New Jersey


Wandtapijt_van_het_World_Trade_Center

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Wandtapijt_van_het_World_Trade_Center?

Het wandtapijt van het World Trade Center (Engels: The World Trade Center Tapestry, Spaans: Gran Tapís del World Trade Center) was een 6,1 meter bij 11 meter groot wandtapijt gemaakt door de Spaanse kunstenaars Joan Miró en Josep Royo van wol en vezelhennep. Van 1974 tot de verwoesting van het World Trade Center in New York op 11 september 2001 hing het werk in de lobby van de South Tower.Miró en Royo creëerden een abstract werk met felle kleuren zoals daar zijn rood, groen, blauw en geel, met zwarte elementen en een lichtbruine achtergrond. Het hing aanvankelijk twee jaar in het Grand Palais (des Champs-Élysées) in Parijs voordat het werd overgebracht naar New York in 1974. Het ging compleet verloren door de instorting van de South Tower op 11 september 2001.

Port Authority of New York and New Jersey


Wandtapijt_van_het_World_Trade_Center

Prompt: Focus op Wandtapijt_van_het_World_Trade_Center en leg de Achtergrond uit.

Saul Wenegrat was kunstcurator van de Port Authority of New York and New Jersey en besloot welke kunst in het World Trade Center kwam te staan of hangen. Wenegrat had aan Joan Miró voorgesteld een wandtapijt te maken voor het World Trade Center, maar de kunstenaar weigerde omdat hij het werk met zijn eigen handen wilde maken doch hij had geen ervaring met het maken van een wandtapijt. Nadat zijn dochter echter hersteld was van een ongeluk in Spanje, stemde Miró ermee in een wandtapijt te maken voor het ziekenhuis dat haar had behandeld als een teken van dankbaarheid. Joan Miró had een leermeester in de persoon van Josep Royo, hoewel Miró veel ouder was dan Royo. Miró zelf was in de eerste plaats een kunstschilder en beeldhouwer, Royo had veel ervaring op het gebied van wandtapijten. De twee werkten sindsdien veelvuldig samen tot Miró's overlijden in 1983. De gezamenlijke werken zijn te bezichtigen in de Fundació Joan Miró in Barcelona.


Wandtapijt_van_het_World_Trade_Center

Prompt: Verklaar de Achtergrond van dit kunstwerk, Wandtapijt_van_het_World_Trade_Center.

Saul Wenegrat was kunstcurator van de Port Authority of New York and New Jersey en besloot welke kunst in het World Trade Center kwam te staan of hangen. Wenegrat had aan Joan Miró voorgesteld een wandtapijt te maken voor het World Trade Center, maar de kunstenaar weigerde omdat hij het werk met zijn eigen handen wilde maken doch hij had geen ervaring met het maken van een wandtapijt. Nadat zijn dochter echter hersteld was van een ongeluk in Spanje, stemde Miró ermee in een wandtapijt te maken voor het ziekenhuis dat haar had behandeld als een teken van dankbaarheid. Joan Miró had een leermeester in de persoon van Josep Royo, hoewel Miró veel ouder was dan Royo. Miró zelf was in de eerste plaats een kunstschilder en beeldhouwer, Royo had veel ervaring op het gebied van wandtapijten. De twee werkten sindsdien veelvuldig samen tot Miró's overlijden in 1983. De gezamenlijke werken zijn te bezichtigen in de Fundació Joan Miró in Barcelona.


Wandtapijt_van_het_World_Trade_Center

Prompt: Hoe verklaart Wandtapijt_van_het_World_Trade_Center zijn Achtergrond?

Saul Wenegrat was kunstcurator van de Port Authority of New York and New Jersey en besloot welke kunst in het World Trade Center kwam te staan of hangen. Wenegrat had aan Joan Miró voorgesteld een wandtapijt te maken voor het World Trade Center, maar de kunstenaar weigerde omdat hij het werk met zijn eigen handen wilde maken doch hij had geen ervaring met het maken van een wandtapijt. Nadat zijn dochter echter hersteld was van een ongeluk in Spanje, stemde Miró ermee in een wandtapijt te maken voor het ziekenhuis dat haar had behandeld als een teken van dankbaarheid. Joan Miró had een leermeester in de persoon van Josep Royo, hoewel Miró veel ouder was dan Royo. Miró zelf was in de eerste plaats een kunstschilder en beeldhouwer, Royo had veel ervaring op het gebied van wandtapijten. De twee werkten sindsdien veelvuldig samen tot Miró's overlijden in 1983. De gezamenlijke werken zijn te bezichtigen in de Fundació Joan Miró in Barcelona.


Wandtapijt_van_het_World_Trade_Center

Prompt: Hoe wordt de Achtergrond besproken in Wandtapijt_van_het_World_Trade_Center?

Saul Wenegrat was kunstcurator van de Port Authority of New York and New Jersey en besloot welke kunst in het World Trade Center kwam te staan of hangen. Wenegrat had aan Joan Miró voorgesteld een wandtapijt te maken voor het World Trade Center, maar de kunstenaar weigerde omdat hij het werk met zijn eigen handen wilde maken doch hij had geen ervaring met het maken van een wandtapijt. Nadat zijn dochter echter hersteld was van een ongeluk in Spanje, stemde Miró ermee in een wandtapijt te maken voor het ziekenhuis dat haar had behandeld als een teken van dankbaarheid. Joan Miró had een leermeester in de persoon van Josep Royo, hoewel Miró veel ouder was dan Royo. Miró zelf was in de eerste plaats een kunstschilder en beeldhouwer, Royo had veel ervaring op het gebied van wandtapijten. De twee werkten sindsdien veelvuldig samen tot Miró's overlijden in 1983. De gezamenlijke werken zijn te bezichtigen in de Fundació Joan Miró in Barcelona.


Wandtapijt_van_het_World_Trade_Center

Prompt: Focus op Wandtapijt_van_het_World_Trade_Center en leg de Externe link uit.

(en)  World Trade Center Tapestry – Joan Miró, Josep Royo op de website van Fundació Joan Miró (afbeelding)

Port Authority of New York and New Jersey


Wandtapijt_van_het_World_Trade_Center

Prompt: Verklaar de Externe link van dit kunstwerk, Wandtapijt_van_het_World_Trade_Center.

(en)  World Trade Center Tapestry – Joan Miró, Josep Royo op de website van Fundació Joan Miró (afbeelding)

Port Authority of New York and New Jersey


Wandtapijt_van_het_World_Trade_Center

Prompt: Hoe verklaart Wandtapijt_van_het_World_Trade_Center zijn Externe link?

(en)  World Trade Center Tapestry – Joan Miró, Josep Royo op de website van Fundació Joan Miró (afbeelding)

Port Authority of New York and New Jersey


Wandtapijt_van_het_World_Trade_Center

Prompt: Hoe wordt de Externe link besproken in Wandtapijt_van_het_World_Trade_Center?

(en)  World Trade Center Tapestry – Joan Miró, Josep Royo op de website van Fundació Joan Miró (afbeelding)

Port Authority of New York and New Jersey


Prompt: Focus op Cimabues_gevierde_Madonna_wordt_in_processie_door_de_straten_van_Florence_gedragen en leg de abstract uit.

Cimabues gevierde Madonna wordt in processie door de straten van Florence gedragen (Engels: Cimabue's Celebrated Madonna is Carried in Procession Through the Streets of Florence) is het schilderij waarmee de Britse kunstschilder Frederic Leighton op 25-jarige leeftijd doorbrak. Tijdens de jaarlijkse tentoonstelling van de Royal Academy in 1855 werd zijn werk geprezen door de kunstcriticus John Ruskin en prins-gemaal Albert was zo enthousiast over het schilderij dat hij het meteen liet aankopen door koningin Victoria voor 600 guineas.Leighton maakte het schilderij in Rome en is ervoor op studiereis naar Florence geweest, maar dat neemt niet weg dat het grotendeels fictie is. Het schilderij is namelijk gebaseerd op het vooral door Giorgio Vasari verbreide misverstand dat de Madonna Rucellai het meesterwerk was van de Florentijn Cimabue, die volgens Vasari de leermeester was van Giotto. In werkelijkheid was het Giotto's oudere collega Duccio di Buoninsegna uit Siena, die vanuit Florence de opdracht had gekregen voor het grote altaarstuk, zoals uit eigentijdse documenten is gebleken. Pas aan het eind van de 19e eeuw begon dit tot de kunsthistorici door te dringen.Leightons schilderij is een illustratie van het door Vasari verzonnen verslag van de processie waarin het schilderij van Cimabues atelier naar de Santa Maria Novella zou zijn gedragen. Vasari heeft zich hiervoor waarschijnlijk gebaseerd op de verhalen over de Maestà, het meesterwerk van Duccio, dat inderdaad in een soortgelijke processie naar de kathedraal van Siena werd vervoerd. Alleen werd de retabel toen niet omringd door kunstenaars, maar door notabelen van de stad.In het midden lopen Cimabue (in het wit) en de jonge Giotto voor het reusachtige altaarstuk dat enigszins ongeloofwaardig aan twee linten voorover hangt (het is vierenhalve meter hoog en moest in de kapel met negen kettingen verankerd worden). Het tweetal wordt gevolgd door een keur aan Italiaanse kunstenaars. Op de achtergrond is de San Miniato al Monte te zien. Uiterst rechts staat Dante toe te kijken. Leighton refereert hiermee aan de versregels in de Purgatorio XI, 94-96 waar Dante meldt: Credette Cimabue ne la pitturatener lo campo, ed ora ha Giotto il grido,si che la fama di colui è scuraCimabue dacht dat hij in de schilderkunsthet veld behield, maar nu is het Giotto die wordt toegejuichtzodat de roem van de ander is verduisterd.Hoewel Dante deze woorden in de mond legde van de miniatuurschilder Oderisi da Gubbio, die op de Louteringsberg boete deed voor zijn ijdelheid en trots, en hij hiermee de vergankelijkheid van de roem wilde aangeven, werd de opmerking in de eeuwen erna gebruikt voor de canonisering van Cimabue en Giotto als grondleggers van de moderne renaissancekunst, die hadden afgerekend met barbaarse, gotische middeleeuwen. De revolutionaire Duccio uit Siena kreeg van Vasari en andere Florentijnse schrijvers over kunst een marginale rol toebedeeld.

Categorie:Schilderij van Frederic Leighton

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)


Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Cimabues_gevierde_Madonna_wordt_in_processie_door_de_straten_van_Florence_gedragen.

Cimabues gevierde Madonna wordt in processie door de straten van Florence gedragen (Engels: Cimabue's Celebrated Madonna is Carried in Procession Through the Streets of Florence) is het schilderij waarmee de Britse kunstschilder Frederic Leighton op 25-jarige leeftijd doorbrak. Tijdens de jaarlijkse tentoonstelling van de Royal Academy in 1855 werd zijn werk geprezen door de kunstcriticus John Ruskin en prins-gemaal Albert was zo enthousiast over het schilderij dat hij het meteen liet aankopen door koningin Victoria voor 600 guineas.Leighton maakte het schilderij in Rome en is ervoor op studiereis naar Florence geweest, maar dat neemt niet weg dat het grotendeels fictie is. Het schilderij is namelijk gebaseerd op het vooral door Giorgio Vasari verbreide misverstand dat de Madonna Rucellai het meesterwerk was van de Florentijn Cimabue, die volgens Vasari de leermeester was van Giotto. In werkelijkheid was het Giotto's oudere collega Duccio di Buoninsegna uit Siena, die vanuit Florence de opdracht had gekregen voor het grote altaarstuk, zoals uit eigentijdse documenten is gebleken. Pas aan het eind van de 19e eeuw begon dit tot de kunsthistorici door te dringen.Leightons schilderij is een illustratie van het door Vasari verzonnen verslag van de processie waarin het schilderij van Cimabues atelier naar de Santa Maria Novella zou zijn gedragen. Vasari heeft zich hiervoor waarschijnlijk gebaseerd op de verhalen over de Maestà, het meesterwerk van Duccio, dat inderdaad in een soortgelijke processie naar de kathedraal van Siena werd vervoerd. Alleen werd de retabel toen niet omringd door kunstenaars, maar door notabelen van de stad.In het midden lopen Cimabue (in het wit) en de jonge Giotto voor het reusachtige altaarstuk dat enigszins ongeloofwaardig aan twee linten voorover hangt (het is vierenhalve meter hoog en moest in de kapel met negen kettingen verankerd worden). Het tweetal wordt gevolgd door een keur aan Italiaanse kunstenaars. Op de achtergrond is de San Miniato al Monte te zien. Uiterst rechts staat Dante toe te kijken. Leighton refereert hiermee aan de versregels in de Purgatorio XI, 94-96 waar Dante meldt: Credette Cimabue ne la pitturatener lo campo, ed ora ha Giotto il grido,si che la fama di colui è scuraCimabue dacht dat hij in de schilderkunsthet veld behield, maar nu is het Giotto die wordt toegejuichtzodat de roem van de ander is verduisterd.Hoewel Dante deze woorden in de mond legde van de miniatuurschilder Oderisi da Gubbio, die op de Louteringsberg boete deed voor zijn ijdelheid en trots, en hij hiermee de vergankelijkheid van de roem wilde aangeven, werd de opmerking in de eeuwen erna gebruikt voor de canonisering van Cimabue en Giotto als grondleggers van de moderne renaissancekunst, die hadden afgerekend met barbaarse, gotische middeleeuwen. De revolutionaire Duccio uit Siena kreeg van Vasari en andere Florentijnse schrijvers over kunst een marginale rol toebedeeld.

Categorie:Schilderij van Frederic Leighton

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)


Prompt: Hoe verklaart Cimabues_gevierde_Madonna_wordt_in_processie_door_de_straten_van_Florence_gedragen zijn abstract?

Cimabues gevierde Madonna wordt in processie door de straten van Florence gedragen (Engels: Cimabue's Celebrated Madonna is Carried in Procession Through the Streets of Florence) is het schilderij waarmee de Britse kunstschilder Frederic Leighton op 25-jarige leeftijd doorbrak. Tijdens de jaarlijkse tentoonstelling van de Royal Academy in 1855 werd zijn werk geprezen door de kunstcriticus John Ruskin en prins-gemaal Albert was zo enthousiast over het schilderij dat hij het meteen liet aankopen door koningin Victoria voor 600 guineas.Leighton maakte het schilderij in Rome en is ervoor op studiereis naar Florence geweest, maar dat neemt niet weg dat het grotendeels fictie is. Het schilderij is namelijk gebaseerd op het vooral door Giorgio Vasari verbreide misverstand dat de Madonna Rucellai het meesterwerk was van de Florentijn Cimabue, die volgens Vasari de leermeester was van Giotto. In werkelijkheid was het Giotto's oudere collega Duccio di Buoninsegna uit Siena, die vanuit Florence de opdracht had gekregen voor het grote altaarstuk, zoals uit eigentijdse documenten is gebleken. Pas aan het eind van de 19e eeuw begon dit tot de kunsthistorici door te dringen.Leightons schilderij is een illustratie van het door Vasari verzonnen verslag van de processie waarin het schilderij van Cimabues atelier naar de Santa Maria Novella zou zijn gedragen. Vasari heeft zich hiervoor waarschijnlijk gebaseerd op de verhalen over de Maestà, het meesterwerk van Duccio, dat inderdaad in een soortgelijke processie naar de kathedraal van Siena werd vervoerd. Alleen werd de retabel toen niet omringd door kunstenaars, maar door notabelen van de stad.In het midden lopen Cimabue (in het wit) en de jonge Giotto voor het reusachtige altaarstuk dat enigszins ongeloofwaardig aan twee linten voorover hangt (het is vierenhalve meter hoog en moest in de kapel met negen kettingen verankerd worden). Het tweetal wordt gevolgd door een keur aan Italiaanse kunstenaars. Op de achtergrond is de San Miniato al Monte te zien. Uiterst rechts staat Dante toe te kijken. Leighton refereert hiermee aan de versregels in de Purgatorio XI, 94-96 waar Dante meldt: Credette Cimabue ne la pitturatener lo campo, ed ora ha Giotto il grido,si che la fama di colui è scuraCimabue dacht dat hij in de schilderkunsthet veld behield, maar nu is het Giotto die wordt toegejuichtzodat de roem van de ander is verduisterd.Hoewel Dante deze woorden in de mond legde van de miniatuurschilder Oderisi da Gubbio, die op de Louteringsberg boete deed voor zijn ijdelheid en trots, en hij hiermee de vergankelijkheid van de roem wilde aangeven, werd de opmerking in de eeuwen erna gebruikt voor de canonisering van Cimabue en Giotto als grondleggers van de moderne renaissancekunst, die hadden afgerekend met barbaarse, gotische middeleeuwen. De revolutionaire Duccio uit Siena kreeg van Vasari en andere Florentijnse schrijvers over kunst een marginale rol toebedeeld.

Categorie:Schilderij van Frederic Leighton

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)


Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Cimabues_gevierde_Madonna_wordt_in_processie_door_de_straten_van_Florence_gedragen?

Cimabues gevierde Madonna wordt in processie door de straten van Florence gedragen (Engels: Cimabue's Celebrated Madonna is Carried in Procession Through the Streets of Florence) is het schilderij waarmee de Britse kunstschilder Frederic Leighton op 25-jarige leeftijd doorbrak. Tijdens de jaarlijkse tentoonstelling van de Royal Academy in 1855 werd zijn werk geprezen door de kunstcriticus John Ruskin en prins-gemaal Albert was zo enthousiast over het schilderij dat hij het meteen liet aankopen door koningin Victoria voor 600 guineas.Leighton maakte het schilderij in Rome en is ervoor op studiereis naar Florence geweest, maar dat neemt niet weg dat het grotendeels fictie is. Het schilderij is namelijk gebaseerd op het vooral door Giorgio Vasari verbreide misverstand dat de Madonna Rucellai het meesterwerk was van de Florentijn Cimabue, die volgens Vasari de leermeester was van Giotto. In werkelijkheid was het Giotto's oudere collega Duccio di Buoninsegna uit Siena, die vanuit Florence de opdracht had gekregen voor het grote altaarstuk, zoals uit eigentijdse documenten is gebleken. Pas aan het eind van de 19e eeuw begon dit tot de kunsthistorici door te dringen.Leightons schilderij is een illustratie van het door Vasari verzonnen verslag van de processie waarin het schilderij van Cimabues atelier naar de Santa Maria Novella zou zijn gedragen. Vasari heeft zich hiervoor waarschijnlijk gebaseerd op de verhalen over de Maestà, het meesterwerk van Duccio, dat inderdaad in een soortgelijke processie naar de kathedraal van Siena werd vervoerd. Alleen werd de retabel toen niet omringd door kunstenaars, maar door notabelen van de stad.In het midden lopen Cimabue (in het wit) en de jonge Giotto voor het reusachtige altaarstuk dat enigszins ongeloofwaardig aan twee linten voorover hangt (het is vierenhalve meter hoog en moest in de kapel met negen kettingen verankerd worden). Het tweetal wordt gevolgd door een keur aan Italiaanse kunstenaars. Op de achtergrond is de San Miniato al Monte te zien. Uiterst rechts staat Dante toe te kijken. Leighton refereert hiermee aan de versregels in de Purgatorio XI, 94-96 waar Dante meldt: Credette Cimabue ne la pitturatener lo campo, ed ora ha Giotto il grido,si che la fama di colui è scuraCimabue dacht dat hij in de schilderkunsthet veld behield, maar nu is het Giotto die wordt toegejuichtzodat de roem van de ander is verduisterd.Hoewel Dante deze woorden in de mond legde van de miniatuurschilder Oderisi da Gubbio, die op de Louteringsberg boete deed voor zijn ijdelheid en trots, en hij hiermee de vergankelijkheid van de roem wilde aangeven, werd de opmerking in de eeuwen erna gebruikt voor de canonisering van Cimabue en Giotto als grondleggers van de moderne renaissancekunst, die hadden afgerekend met barbaarse, gotische middeleeuwen. De revolutionaire Duccio uit Siena kreeg van Vasari en andere Florentijnse schrijvers over kunst een marginale rol toebedeeld.

Categorie:Schilderij van Frederic Leighton

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)


Prompt: Focus op Cimabues_gevierde_Madonna_wordt_in_processie_door_de_straten_van_Florence_gedragen en leg de Bronnen uit.

Keith Christiansen (2008): Duccio and the Origins of Western Painting, New Haven: Yale University Press. Eerder verschenen in The Metropolitan Museum of Art Bulletin 66, nr. 1 (zomer 2008). Te lezen op www.metmuseum.org

Categorie:Schilderij van Frederic Leighton

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)


Prompt: Verklaar de Bronnen van dit kunstwerk, Cimabues_gevierde_Madonna_wordt_in_processie_door_de_straten_van_Florence_gedragen.

Keith Christiansen (2008): Duccio and the Origins of Western Painting, New Haven: Yale University Press. Eerder verschenen in The Metropolitan Museum of Art Bulletin 66, nr. 1 (zomer 2008). Te lezen op www.metmuseum.org

Categorie:Schilderij van Frederic Leighton

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)


Prompt: Hoe verklaart Cimabues_gevierde_Madonna_wordt_in_processie_door_de_straten_van_Florence_gedragen zijn Bronnen?

Keith Christiansen (2008): Duccio and the Origins of Western Painting, New Haven: Yale University Press. Eerder verschenen in The Metropolitan Museum of Art Bulletin 66, nr. 1 (zomer 2008). Te lezen op www.metmuseum.org

Categorie:Schilderij van Frederic Leighton

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)


Prompt: Hoe wordt de Bronnen besproken in Cimabues_gevierde_Madonna_wordt_in_processie_door_de_straten_van_Florence_gedragen?

Keith Christiansen (2008): Duccio and the Origins of Western Painting, New Haven: Yale University Press. Eerder verschenen in The Metropolitan Museum of Art Bulletin 66, nr. 1 (zomer 2008). Te lezen op www.metmuseum.org

Categorie:Schilderij van Frederic Leighton

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)


Arii_Matamoe

Prompt: Focus op Arii_Matamoe en leg de abstract uit.


Arii_Matamoe

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Arii_Matamoe.


Arii_Matamoe

Prompt: Hoe verklaart Arii_Matamoe zijn abstract?


Arii_Matamoe

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Arii_Matamoe?


Zigeunermadonna

Prompt: Focus op Zigeunermadonna en leg de abstract uit.

De Zigeunermadonna (Italiaans: Madonna zingarella) is een schilderij van Titiaan dat hij omstreeks 1510 maakte. Het maakt deel uit van de collectie van het Kunsthistorisches Museum in Wenen.

Categorie:Schilderij in het Kunsthistorisches Museum


Zigeunermadonna

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Zigeunermadonna.

De Zigeunermadonna (Italiaans: Madonna zingarella) is een schilderij van Titiaan dat hij omstreeks 1510 maakte. Het maakt deel uit van de collectie van het Kunsthistorisches Museum in Wenen.

Categorie:Schilderij in het Kunsthistorisches Museum


Zigeunermadonna

Prompt: Hoe verklaart Zigeunermadonna zijn abstract?

De Zigeunermadonna (Italiaans: Madonna zingarella) is een schilderij van Titiaan dat hij omstreeks 1510 maakte. Het maakt deel uit van de collectie van het Kunsthistorisches Museum in Wenen.

Categorie:Schilderij in het Kunsthistorisches Museum


Zigeunermadonna

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Zigeunermadonna?

De Zigeunermadonna (Italiaans: Madonna zingarella) is een schilderij van Titiaan dat hij omstreeks 1510 maakte. Het maakt deel uit van de collectie van het Kunsthistorisches Museum in Wenen.

Categorie:Schilderij in het Kunsthistorisches Museum


Zigeunermadonna

Prompt: Focus op Zigeunermadonna en leg de Voorstelling uit.

De Zigeunermadonna vertoont gelijkenis met werken van Titiaans leermeester Giovanni Bellini. Weliswaar gespiegeld geldt dit in het bijzonder voor een Madonna met kind uit 1509 in de collectie van het Detroit Institute of Arts. De invloed van Giorgione op Titiaans stijl is ook duidelijk waarneembaar, vooral in de "harmonieuze volheid" van de figuur van Maria. Titiaan zou in zijn latere Madonna's dit type niet opnieuw gebruiken. Het schilderij werd in het begin van de twintigste eeuw daarom vaak aan Giorgione toegeschreven.    De Zigeunermadonna is een negentiende-eeuwse naam voor het schilderij, verwijzend naar het donkere haar en de gelaatstrekken van Maria. Ze lijkt jong, zelfs naar de maatstaven van Madonna's. De blikken van moeder en zoon zijn melancholisch naar beneden gericht, verwijzend naar werken van Giorgione. Anders dan op Bellini's schilderij, voelt Jezus aan de vingers van zijn moeder en aan haar jurk. De relatie tussen moeder en zoon is weergegeven met grote menselijkheid, een van de duidelijkste kenmerken van Titiaans stijl.   Het landschap is vrijwel identiek aan het meest linkse deel van de achtergrond van de Slapende Venus in Dresden, waarvan traditioneel wordt aangenomen dat het door Giorgione is begonnen, maar dat het landschap na zijn dood in 1510 door Titiaan is gemaakt. De kleuren van de hoofdpersonen keren iets lichter terug in het landschap, wat de eenheid van het schilderij versterkt. De rechterachtergrond wordt ingenomen door een kostbaar doek, weergegeven met zorgvuldige aandacht voor de plooien. Op veel schilderijen van de Madonna met kind zit Maria op een troon met daarachter zo'n doek. Net als bij het schilderij van Bellini in Detroit, wordt hier de indruk gewekt dat er net buiten het schilderij een lege troon staat. De compositie houdt daarom het midden tussen de oudere, formelere tronende Madonna's en nieuwere composities waarin Maria en haar zoon informeel worden afgebeeld in een landschap. De Madonna's van Bellini en zijn volgelingen lieten al eerder kleine glimpen van het landschap zien aan de zijkanten van het schilderij, meestal aan de onderkant afgesneden door een borstwering. Deze opzet wordt hier, door het gebruik van een horizontaal landschapsformaat, verder ontwikkeld. Uit technisch onderzoek blijkt dat de oorspronkelijke compositie nog dichter bij Bellini's werk in Detroit lag. Tijdens het schilderen zijn nog veel veranderingen aangebracht. Zo keek Jezus de toeschouwer oorspronkelijk aan. Waar Bellini gewoonlijk werkte met een zorgvuldige ondertekening, gebruikte Titiaan alleen enkele penseelstreken als richtlijn.

Categorie:Schilderij in het Kunsthistorisches Museum


Zigeunermadonna

Prompt: Verklaar de Voorstelling van dit kunstwerk, Zigeunermadonna.

De Zigeunermadonna vertoont gelijkenis met werken van Titiaans leermeester Giovanni Bellini. Weliswaar gespiegeld geldt dit in het bijzonder voor een Madonna met kind uit 1509 in de collectie van het Detroit Institute of Arts. De invloed van Giorgione op Titiaans stijl is ook duidelijk waarneembaar, vooral in de "harmonieuze volheid" van de figuur van Maria. Titiaan zou in zijn latere Madonna's dit type niet opnieuw gebruiken. Het schilderij werd in het begin van de twintigste eeuw daarom vaak aan Giorgione toegeschreven.    De Zigeunermadonna is een negentiende-eeuwse naam voor het schilderij, verwijzend naar het donkere haar en de gelaatstrekken van Maria. Ze lijkt jong, zelfs naar de maatstaven van Madonna's. De blikken van moeder en zoon zijn melancholisch naar beneden gericht, verwijzend naar werken van Giorgione. Anders dan op Bellini's schilderij, voelt Jezus aan de vingers van zijn moeder en aan haar jurk. De relatie tussen moeder en zoon is weergegeven met grote menselijkheid, een van de duidelijkste kenmerken van Titiaans stijl.   Het landschap is vrijwel identiek aan het meest linkse deel van de achtergrond van de Slapende Venus in Dresden, waarvan traditioneel wordt aangenomen dat het door Giorgione is begonnen, maar dat het landschap na zijn dood in 1510 door Titiaan is gemaakt. De kleuren van de hoofdpersonen keren iets lichter terug in het landschap, wat de eenheid van het schilderij versterkt. De rechterachtergrond wordt ingenomen door een kostbaar doek, weergegeven met zorgvuldige aandacht voor de plooien. Op veel schilderijen van de Madonna met kind zit Maria op een troon met daarachter zo'n doek. Net als bij het schilderij van Bellini in Detroit, wordt hier de indruk gewekt dat er net buiten het schilderij een lege troon staat. De compositie houdt daarom het midden tussen de oudere, formelere tronende Madonna's en nieuwere composities waarin Maria en haar zoon informeel worden afgebeeld in een landschap. De Madonna's van Bellini en zijn volgelingen lieten al eerder kleine glimpen van het landschap zien aan de zijkanten van het schilderij, meestal aan de onderkant afgesneden door een borstwering. Deze opzet wordt hier, door het gebruik van een horizontaal landschapsformaat, verder ontwikkeld. Uit technisch onderzoek blijkt dat de oorspronkelijke compositie nog dichter bij Bellini's werk in Detroit lag. Tijdens het schilderen zijn nog veel veranderingen aangebracht. Zo keek Jezus de toeschouwer oorspronkelijk aan. Waar Bellini gewoonlijk werkte met een zorgvuldige ondertekening, gebruikte Titiaan alleen enkele penseelstreken als richtlijn.

Categorie:Schilderij in het Kunsthistorisches Museum


Zigeunermadonna

Prompt: Hoe verklaart Zigeunermadonna zijn Voorstelling?

De Zigeunermadonna vertoont gelijkenis met werken van Titiaans leermeester Giovanni Bellini. Weliswaar gespiegeld geldt dit in het bijzonder voor een Madonna met kind uit 1509 in de collectie van het Detroit Institute of Arts. De invloed van Giorgione op Titiaans stijl is ook duidelijk waarneembaar, vooral in de "harmonieuze volheid" van de figuur van Maria. Titiaan zou in zijn latere Madonna's dit type niet opnieuw gebruiken. Het schilderij werd in het begin van de twintigste eeuw daarom vaak aan Giorgione toegeschreven.    De Zigeunermadonna is een negentiende-eeuwse naam voor het schilderij, verwijzend naar het donkere haar en de gelaatstrekken van Maria. Ze lijkt jong, zelfs naar de maatstaven van Madonna's. De blikken van moeder en zoon zijn melancholisch naar beneden gericht, verwijzend naar werken van Giorgione. Anders dan op Bellini's schilderij, voelt Jezus aan de vingers van zijn moeder en aan haar jurk. De relatie tussen moeder en zoon is weergegeven met grote menselijkheid, een van de duidelijkste kenmerken van Titiaans stijl.   Het landschap is vrijwel identiek aan het meest linkse deel van de achtergrond van de Slapende Venus in Dresden, waarvan traditioneel wordt aangenomen dat het door Giorgione is begonnen, maar dat het landschap na zijn dood in 1510 door Titiaan is gemaakt. De kleuren van de hoofdpersonen keren iets lichter terug in het landschap, wat de eenheid van het schilderij versterkt. De rechterachtergrond wordt ingenomen door een kostbaar doek, weergegeven met zorgvuldige aandacht voor de plooien. Op veel schilderijen van de Madonna met kind zit Maria op een troon met daarachter zo'n doek. Net als bij het schilderij van Bellini in Detroit, wordt hier de indruk gewekt dat er net buiten het schilderij een lege troon staat. De compositie houdt daarom het midden tussen de oudere, formelere tronende Madonna's en nieuwere composities waarin Maria en haar zoon informeel worden afgebeeld in een landschap. De Madonna's van Bellini en zijn volgelingen lieten al eerder kleine glimpen van het landschap zien aan de zijkanten van het schilderij, meestal aan de onderkant afgesneden door een borstwering. Deze opzet wordt hier, door het gebruik van een horizontaal landschapsformaat, verder ontwikkeld. Uit technisch onderzoek blijkt dat de oorspronkelijke compositie nog dichter bij Bellini's werk in Detroit lag. Tijdens het schilderen zijn nog veel veranderingen aangebracht. Zo keek Jezus de toeschouwer oorspronkelijk aan. Waar Bellini gewoonlijk werkte met een zorgvuldige ondertekening, gebruikte Titiaan alleen enkele penseelstreken als richtlijn.

Categorie:Schilderij in het Kunsthistorisches Museum


Zigeunermadonna

Prompt: Hoe wordt de Voorstelling besproken in Zigeunermadonna?

De Zigeunermadonna vertoont gelijkenis met werken van Titiaans leermeester Giovanni Bellini. Weliswaar gespiegeld geldt dit in het bijzonder voor een Madonna met kind uit 1509 in de collectie van het Detroit Institute of Arts. De invloed van Giorgione op Titiaans stijl is ook duidelijk waarneembaar, vooral in de "harmonieuze volheid" van de figuur van Maria. Titiaan zou in zijn latere Madonna's dit type niet opnieuw gebruiken. Het schilderij werd in het begin van de twintigste eeuw daarom vaak aan Giorgione toegeschreven.    De Zigeunermadonna is een negentiende-eeuwse naam voor het schilderij, verwijzend naar het donkere haar en de gelaatstrekken van Maria. Ze lijkt jong, zelfs naar de maatstaven van Madonna's. De blikken van moeder en zoon zijn melancholisch naar beneden gericht, verwijzend naar werken van Giorgione. Anders dan op Bellini's schilderij, voelt Jezus aan de vingers van zijn moeder en aan haar jurk. De relatie tussen moeder en zoon is weergegeven met grote menselijkheid, een van de duidelijkste kenmerken van Titiaans stijl.   Het landschap is vrijwel identiek aan het meest linkse deel van de achtergrond van de Slapende Venus in Dresden, waarvan traditioneel wordt aangenomen dat het door Giorgione is begonnen, maar dat het landschap na zijn dood in 1510 door Titiaan is gemaakt. De kleuren van de hoofdpersonen keren iets lichter terug in het landschap, wat de eenheid van het schilderij versterkt. De rechterachtergrond wordt ingenomen door een kostbaar doek, weergegeven met zorgvuldige aandacht voor de plooien. Op veel schilderijen van de Madonna met kind zit Maria op een troon met daarachter zo'n doek. Net als bij het schilderij van Bellini in Detroit, wordt hier de indruk gewekt dat er net buiten het schilderij een lege troon staat. De compositie houdt daarom het midden tussen de oudere, formelere tronende Madonna's en nieuwere composities waarin Maria en haar zoon informeel worden afgebeeld in een landschap. De Madonna's van Bellini en zijn volgelingen lieten al eerder kleine glimpen van het landschap zien aan de zijkanten van het schilderij, meestal aan de onderkant afgesneden door een borstwering. Deze opzet wordt hier, door het gebruik van een horizontaal landschapsformaat, verder ontwikkeld. Uit technisch onderzoek blijkt dat de oorspronkelijke compositie nog dichter bij Bellini's werk in Detroit lag. Tijdens het schilderen zijn nog veel veranderingen aangebracht. Zo keek Jezus de toeschouwer oorspronkelijk aan. Waar Bellini gewoonlijk werkte met een zorgvuldige ondertekening, gebruikte Titiaan alleen enkele penseelstreken als richtlijn.

Categorie:Schilderij in het Kunsthistorisches Museum


Zigeunermadonna

Prompt: Focus op Zigeunermadonna en leg de Herkomst uit.

Net als verschillende andere vroege Venetiaanse schilderijen in het Kunsthistorisches Museum, bevond het werk zich (zeer waarschijnlijk) in de collectie van Bartolomeo della Nave, een Venetiaanse koopman en kunstverzamelaar, en in 1636 verkocht aan de hertog van Hamilton, die het naar Londen bracht. In 1659, na de executie van Hamilton, werd het verworven door aartshertog Leopold Willem van Oostenrijk in Brussel, wiens collectie al snel overging naar de keizerlijke collectie in Wenen.

Categorie:Schilderij in het Kunsthistorisches Museum


Zigeunermadonna

Prompt: Verklaar de Herkomst van dit kunstwerk, Zigeunermadonna.

Net als verschillende andere vroege Venetiaanse schilderijen in het Kunsthistorisches Museum, bevond het werk zich (zeer waarschijnlijk) in de collectie van Bartolomeo della Nave, een Venetiaanse koopman en kunstverzamelaar, en in 1636 verkocht aan de hertog van Hamilton, die het naar Londen bracht. In 1659, na de executie van Hamilton, werd het verworven door aartshertog Leopold Willem van Oostenrijk in Brussel, wiens collectie al snel overging naar de keizerlijke collectie in Wenen.

Categorie:Schilderij in het Kunsthistorisches Museum


Zigeunermadonna

Prompt: Hoe verklaart Zigeunermadonna zijn Herkomst?

Net als verschillende andere vroege Venetiaanse schilderijen in het Kunsthistorisches Museum, bevond het werk zich (zeer waarschijnlijk) in de collectie van Bartolomeo della Nave, een Venetiaanse koopman en kunstverzamelaar, en in 1636 verkocht aan de hertog van Hamilton, die het naar Londen bracht. In 1659, na de executie van Hamilton, werd het verworven door aartshertog Leopold Willem van Oostenrijk in Brussel, wiens collectie al snel overging naar de keizerlijke collectie in Wenen.

Categorie:Schilderij in het Kunsthistorisches Museum


Zigeunermadonna

Prompt: Hoe wordt de Herkomst besproken in Zigeunermadonna?

Net als verschillende andere vroege Venetiaanse schilderijen in het Kunsthistorisches Museum, bevond het werk zich (zeer waarschijnlijk) in de collectie van Bartolomeo della Nave, een Venetiaanse koopman en kunstverzamelaar, en in 1636 verkocht aan de hertog van Hamilton, die het naar Londen bracht. In 1659, na de executie van Hamilton, werd het verworven door aartshertog Leopold Willem van Oostenrijk in Brussel, wiens collectie al snel overging naar de keizerlijke collectie in Wenen.

Categorie:Schilderij in het Kunsthistorisches Museum


De_droom_van_de_ridder

Prompt: Focus op De_droom_van_de_ridder en leg de abstract uit.

De droom van de ridder is een temperaschilderij van de Italiaanse schilder Rafaël Santi, geschilderd in circa 1504. Het hangt in de National Gallery te Londen.

Publius Cornelius Scipio Africanus maior

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)


De_droom_van_de_ridder

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, De_droom_van_de_ridder.

De droom van de ridder is een temperaschilderij van de Italiaanse schilder Rafaël Santi, geschilderd in circa 1504. Het hangt in de National Gallery te Londen.

Publius Cornelius Scipio Africanus maior

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)


De_droom_van_de_ridder

Prompt: Hoe verklaart De_droom_van_de_ridder zijn abstract?

De droom van de ridder is een temperaschilderij van de Italiaanse schilder Rafaël Santi, geschilderd in circa 1504. Het hangt in de National Gallery te Londen.

Publius Cornelius Scipio Africanus maior

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)


De_droom_van_de_ridder

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in De_droom_van_de_ridder?

De droom van de ridder is een temperaschilderij van de Italiaanse schilder Rafaël Santi, geschilderd in circa 1504. Het hangt in de National Gallery te Londen.

Publius Cornelius Scipio Africanus maior

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)


De_droom_van_de_ridder

Prompt: Focus op De_droom_van_de_ridder en leg de Thema uit.

Het thema van het schilderij is controversieel, sommige autoriteiten zeggen dat Publius Cornelius Scipio Africanus maior afgebeeld is op het doek die droomt tussen het kiezen van Deugd (degene bij het rotsachtig pad) of Plezier (in lossere gewaden). Echter zijn de twee vrouwelijke figuren niet gepresenteerd als concurrenten. Ze kunnen ook de ideale attributen van een ridder vertegenwoordigen. Het boek, zwaard en bloem die ze vasthoudt kan ook suggereren dat ze de idealen van een geleerde, soldaat en geliefde vertegenwoordigen.

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)


De_droom_van_de_ridder

Prompt: Verklaar de Thema van dit kunstwerk, De_droom_van_de_ridder.

Het thema van het schilderij is controversieel, sommige autoriteiten zeggen dat Publius Cornelius Scipio Africanus maior afgebeeld is op het doek die droomt tussen het kiezen van Deugd (degene bij het rotsachtig pad) of Plezier (in lossere gewaden). Echter zijn de twee vrouwelijke figuren niet gepresenteerd als concurrenten. Ze kunnen ook de ideale attributen van een ridder vertegenwoordigen. Het boek, zwaard en bloem die ze vasthoudt kan ook suggereren dat ze de idealen van een geleerde, soldaat en geliefde vertegenwoordigen.

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)


De_droom_van_de_ridder

Prompt: Hoe verklaart De_droom_van_de_ridder zijn Thema?

Het thema van het schilderij is controversieel, sommige autoriteiten zeggen dat Publius Cornelius Scipio Africanus maior afgebeeld is op het doek die droomt tussen het kiezen van Deugd (degene bij het rotsachtig pad) of Plezier (in lossere gewaden). Echter zijn de twee vrouwelijke figuren niet gepresenteerd als concurrenten. Ze kunnen ook de ideale attributen van een ridder vertegenwoordigen. Het boek, zwaard en bloem die ze vasthoudt kan ook suggereren dat ze de idealen van een geleerde, soldaat en geliefde vertegenwoordigen.

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)


De_droom_van_de_ridder

Prompt: Hoe wordt de Thema besproken in De_droom_van_de_ridder?

Het thema van het schilderij is controversieel, sommige autoriteiten zeggen dat Publius Cornelius Scipio Africanus maior afgebeeld is op het doek die droomt tussen het kiezen van Deugd (degene bij het rotsachtig pad) of Plezier (in lossere gewaden). Echter zijn de twee vrouwelijke figuren niet gepresenteerd als concurrenten. Ze kunnen ook de ideale attributen van een ridder vertegenwoordigen. Het boek, zwaard en bloem die ze vasthoudt kan ook suggereren dat ze de idealen van een geleerde, soldaat en geliefde vertegenwoordigen.

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)


De_droom_van_de_ridder

Prompt: Focus op De_droom_van_de_ridder en leg de Diptiek uit.

Volgens kunsthistoricus Erwin Panofsky is het werk mogelijk een diptiek samen met De drie gratiën, dat dezelfde maten heeft en dat nu in het kasteel van Chantilly hangt.

Publius Cornelius Scipio Africanus maior

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)


De_droom_van_de_ridder

Prompt: Verklaar de Diptiek van dit kunstwerk, De_droom_van_de_ridder.

Volgens kunsthistoricus Erwin Panofsky is het werk mogelijk een diptiek samen met De drie gratiën, dat dezelfde maten heeft en dat nu in het kasteel van Chantilly hangt.

Publius Cornelius Scipio Africanus maior

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)


De_droom_van_de_ridder

Prompt: Hoe verklaart De_droom_van_de_ridder zijn Diptiek?

Volgens kunsthistoricus Erwin Panofsky is het werk mogelijk een diptiek samen met De drie gratiën, dat dezelfde maten heeft en dat nu in het kasteel van Chantilly hangt.

Publius Cornelius Scipio Africanus maior

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)


De_droom_van_de_ridder

Prompt: Hoe wordt de Diptiek besproken in De_droom_van_de_ridder?

Volgens kunsthistoricus Erwin Panofsky is het werk mogelijk een diptiek samen met De drie gratiën, dat dezelfde maten heeft en dat nu in het kasteel van Chantilly hangt.

Publius Cornelius Scipio Africanus maior

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)


De_droom_van_de_ridder

Prompt: Focus op De_droom_van_de_ridder en leg de Externe link uit.

(en)  De droom van de ridder in de National Gallery

Publius Cornelius Scipio Africanus maior

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)


De_droom_van_de_ridder

Prompt: Verklaar de Externe link van dit kunstwerk, De_droom_van_de_ridder.

(en)  De droom van de ridder in de National Gallery

Publius Cornelius Scipio Africanus maior

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)


De_droom_van_de_ridder

Prompt: Hoe verklaart De_droom_van_de_ridder zijn Externe link?

(en)  De droom van de ridder in de National Gallery

Publius Cornelius Scipio Africanus maior

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)


De_droom_van_de_ridder

Prompt: Hoe wordt de Externe link besproken in De_droom_van_de_ridder?

(en)  De droom van de ridder in de National Gallery

Publius Cornelius Scipio Africanus maior

Categorie:Schilderij in de National Gallery (Londen)


Bloembedden_in_Holland

Prompt: Focus op Bloembedden_in_Holland en leg de abstract uit.

Bloembedden in Holland (Flower Beds in Holland) is een schilderij van de Nederlandse kunstschilder Vincent van Gogh, in olieverf op doek, 48,9 bij 66 centimeter groot. Het werd geschilderd begin 1883 te Den Haag en toont een veld met hyacinten in verschillende kleuren. Het werk bevindt zich in de National Gallery of Art te Washington.Het schilderij werd in 1905 gekocht door Jan Smit, die het in 1919 verkocht aan John Enthoven. Daarna ging het werk van de ene naar de andere kunsthandelaar. Uiteindelijk was het de Amerikaanse zakenman en filantroop Paul Mellon die het kocht in januari 1955 van de Knoedler Gallery te New York. In 1983 schonk hij het werk aan de National Gallery of Art.

Lijst van schilderijen van Vincent van Gogh


Bloembedden_in_Holland

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, Bloembedden_in_Holland.

Bloembedden in Holland (Flower Beds in Holland) is een schilderij van de Nederlandse kunstschilder Vincent van Gogh, in olieverf op doek, 48,9 bij 66 centimeter groot. Het werd geschilderd begin 1883 te Den Haag en toont een veld met hyacinten in verschillende kleuren. Het werk bevindt zich in de National Gallery of Art te Washington.Het schilderij werd in 1905 gekocht door Jan Smit, die het in 1919 verkocht aan John Enthoven. Daarna ging het werk van de ene naar de andere kunsthandelaar. Uiteindelijk was het de Amerikaanse zakenman en filantroop Paul Mellon die het kocht in januari 1955 van de Knoedler Gallery te New York. In 1983 schonk hij het werk aan de National Gallery of Art.

Lijst van schilderijen van Vincent van Gogh


Bloembedden_in_Holland

Prompt: Hoe verklaart Bloembedden_in_Holland zijn abstract?

Bloembedden in Holland (Flower Beds in Holland) is een schilderij van de Nederlandse kunstschilder Vincent van Gogh, in olieverf op doek, 48,9 bij 66 centimeter groot. Het werd geschilderd begin 1883 te Den Haag en toont een veld met hyacinten in verschillende kleuren. Het werk bevindt zich in de National Gallery of Art te Washington.Het schilderij werd in 1905 gekocht door Jan Smit, die het in 1919 verkocht aan John Enthoven. Daarna ging het werk van de ene naar de andere kunsthandelaar. Uiteindelijk was het de Amerikaanse zakenman en filantroop Paul Mellon die het kocht in januari 1955 van de Knoedler Gallery te New York. In 1983 schonk hij het werk aan de National Gallery of Art.

Lijst van schilderijen van Vincent van Gogh


Bloembedden_in_Holland

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in Bloembedden_in_Holland?

Bloembedden in Holland (Flower Beds in Holland) is een schilderij van de Nederlandse kunstschilder Vincent van Gogh, in olieverf op doek, 48,9 bij 66 centimeter groot. Het werd geschilderd begin 1883 te Den Haag en toont een veld met hyacinten in verschillende kleuren. Het werk bevindt zich in de National Gallery of Art te Washington.Het schilderij werd in 1905 gekocht door Jan Smit, die het in 1919 verkocht aan John Enthoven. Daarna ging het werk van de ene naar de andere kunsthandelaar. Uiteindelijk was het de Amerikaanse zakenman en filantroop Paul Mellon die het kocht in januari 1955 van de Knoedler Gallery te New York. In 1983 schonk hij het werk aan de National Gallery of Art.

Lijst van schilderijen van Vincent van Gogh


King_and_Queen_(beeldhouwwerk)

Prompt: Focus op King_and_Queen_(beeldhouwwerk) en leg de abstract uit.

King and Queen (LH 350) is een bronzen sculptuur van de Britse kunstenaar Henry Moore, ontworpen in 1952. Het toont twee figuren, een man en een vrouw, die naast elkaar op een bank zitten, beide een beetje naar links kijkend. Het is het enige beeld van Moore dat een paar volwassen figuren voorstelt. Moore's aantekeningen suggereren dat het oorspronkelijk bekend stond als Two Seated Figures .Tien bronzen afgietsels van de 27 centimeter hoge maquette werden gegoten in 1952. Vijf bronzen afgietsels van de 164 centimeter hoge sculptuur werden gemaakt in 1953, een zesde afgietsel in 1957 en een zevende in de jaren 1980. Daardoor werd een editie van "5+2" gecreëerd (vijf te koop en twee kunstenaarskopieën). De afgietsels worden bewaard in het Middelheimmuseum, het Glenkiln Sculpture Park (niet meer zichtbaar), het Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, het Norton Simon Museum, de Tate Gallery, het Japanse MOA Museum of Art en de Henry Moore Foundation.

''Koning en koningin'' in Middelheimmuseum, Antwerpen

Elizabeth II van het Verenigd Koninkrijk

Bestand:Koning en Koningin door Henry Moore.jpg


King_and_Queen_(beeldhouwwerk)

Prompt: Verklaar de abstract van dit kunstwerk, King_and_Queen_(beeldhouwwerk).

King and Queen (LH 350) is een bronzen sculptuur van de Britse kunstenaar Henry Moore, ontworpen in 1952. Het toont twee figuren, een man en een vrouw, die naast elkaar op een bank zitten, beide een beetje naar links kijkend. Het is het enige beeld van Moore dat een paar volwassen figuren voorstelt. Moore's aantekeningen suggereren dat het oorspronkelijk bekend stond als Two Seated Figures .Tien bronzen afgietsels van de 27 centimeter hoge maquette werden gegoten in 1952. Vijf bronzen afgietsels van de 164 centimeter hoge sculptuur werden gemaakt in 1953, een zesde afgietsel in 1957 en een zevende in de jaren 1980. Daardoor werd een editie van "5+2" gecreëerd (vijf te koop en twee kunstenaarskopieën). De afgietsels worden bewaard in het Middelheimmuseum, het Glenkiln Sculpture Park (niet meer zichtbaar), het Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, het Norton Simon Museum, de Tate Gallery, het Japanse MOA Museum of Art en de Henry Moore Foundation.

''Koning en koningin'' in Middelheimmuseum, Antwerpen

Elizabeth II van het Verenigd Koninkrijk

Bestand:Koning en Koningin door Henry Moore.jpg


King_and_Queen_(beeldhouwwerk)

Prompt: Hoe verklaart King_and_Queen_(beeldhouwwerk) zijn abstract?

King and Queen (LH 350) is een bronzen sculptuur van de Britse kunstenaar Henry Moore, ontworpen in 1952. Het toont twee figuren, een man en een vrouw, die naast elkaar op een bank zitten, beide een beetje naar links kijkend. Het is het enige beeld van Moore dat een paar volwassen figuren voorstelt. Moore's aantekeningen suggereren dat het oorspronkelijk bekend stond als Two Seated Figures .Tien bronzen afgietsels van de 27 centimeter hoge maquette werden gegoten in 1952. Vijf bronzen afgietsels van de 164 centimeter hoge sculptuur werden gemaakt in 1953, een zesde afgietsel in 1957 en een zevende in de jaren 1980. Daardoor werd een editie van "5+2" gecreëerd (vijf te koop en twee kunstenaarskopieën). De afgietsels worden bewaard in het Middelheimmuseum, het Glenkiln Sculpture Park (niet meer zichtbaar), het Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, het Norton Simon Museum, de Tate Gallery, het Japanse MOA Museum of Art en de Henry Moore Foundation.

''Koning en koningin'' in Middelheimmuseum, Antwerpen

Elizabeth II van het Verenigd Koninkrijk

Bestand:Koning en Koningin door Henry Moore.jpg


King_and_Queen_(beeldhouwwerk)

Prompt: Hoe wordt de abstract besproken in King_and_Queen_(beeldhouwwerk)?

King and Queen (LH 350) is een bronzen sculptuur van de Britse kunstenaar Henry Moore, ontworpen in 1952. Het toont twee figuren, een man en een vrouw, die naast elkaar op een bank zitten, beide een beetje naar links kijkend. Het is het enige beeld van Moore dat een paar volwassen figuren voorstelt. Moore's aantekeningen suggereren dat het oorspronkelijk bekend stond als Two Seated Figures .Tien bronzen afgietsels van de 27 centimeter hoge maquette werden gegoten in 1952. Vijf bronzen afgietsels van de 164 centimeter hoge sculptuur werden gemaakt in 1953, een zesde afgietsel in 1957 en een zevende in de jaren 1980. Daardoor werd een editie van "5+2" gecreëerd (vijf te koop en twee kunstenaarskopieën). De afgietsels worden bewaard in het Middelheimmuseum, het Glenkiln Sculpture Park (niet meer zichtbaar), het Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, het Norton Simon Museum, de Tate Gallery, het Japanse MOA Museum of Art en de Henry Moore Foundation.

''Koning en koningin'' in Middelheimmuseum, Antwerpen

Elizabeth II van het Verenigd Koninkrijk

Bestand:Koning en Koningin door Henry Moore.jpg


King_and_Queen_(beeldhouwwerk)

Prompt: Focus op King_and_Queen_(beeldhouwwerk) en leg de Maquettes uit.

Moore vertelde jaren na de creatie dat het werk geïnspireerd was door dubbele beelden van mannelijke en vrouwelijke figuren uit het oude Egypte en door sprookjes die hij zijn dochter Mary voorlas. Kunstcritici suggereerden banden met de aantreding van Elizabeth II in 1952 en vonden een opvallend vergelijkbare foto van Moore die naast zijn vrouw Irina zit. De foto dateert uit circa 1952 en toont Moore die één vuist op zijn schoot gebald heeft en de andere hand op de arm van de sofa houdt. Irina zit naast hem met haar vingers in elkaar gestrengeld.Het werk is gebaseerd op voorlopige tekeningen van zittende figuren uit de late jaren 1940. Moore raakte geïnspireerd door te spelen met stukken was. Dat leidde in 1952 tot een eerste maquette. Hij creëerde eerst een bebaard hoofd met een kroon die de "koning" werd, daarna de vrouwelijke "koningin" en de bank. De koning had een gebalde vuist en de voeten waren slechts vaag uitgewerkt. De maquette toonde een smal vierkanten frame achter de figuren, die de ruimte definieerde, en herinnerde aan soortgelijke frames die Alberto Giacometti bijvoorbeeld gebruikte in zijn The Nose and The Cage, en de frames die herhaaldelijk werden gebruikt in de schilderijen van Francis Bacon, zoals zijn Three Studies of the Male Back. De 27 centimetere hoge maquette werd later in een editie van tien bronzen gegoten (LH 348). Exemplaren werden bij Sotheby's in 2001 verkocht voor £ 531.500, bij Christie's in 2010 voor meer dan US $ 2,8 miljoen, en bij Sotheby's in 2016 voor £ 1,1 miljoen.Een kopie van de maquette werd gemaakt in gips, maar daarvan bestaan enkel nog fragmenten. Het werd gebruikt om het beeld op te schalen tot een volledig gipsen werkmodel, Maquette for King and Queen 1952–3. Anthony Caro maakte een terracottamodel van de koninginfiguur op schaal 3:4, die in een oplage van vijf in brons werd gegoten, zoals Seated Figure 1952–3 (LH 345).

''Koning en koningin'' in Middelheimmuseum, Antwerpen

Elizabeth II van het Verenigd Koninkrijk

Bestand:Koning en Koningin door Henry Moore.jpg


King_and_Queen_(beeldhouwwerk)

Prompt: Verklaar de Maquettes van dit kunstwerk, King_and_Queen_(beeldhouwwerk).

Moore vertelde jaren na de creatie dat het werk geïnspireerd was door dubbele beelden van mannelijke en vrouwelijke figuren uit het oude Egypte en door sprookjes die hij zijn dochter Mary voorlas. Kunstcritici suggereerden banden met de aantreding van Elizabeth II in 1952 en vonden een opvallend vergelijkbare foto van Moore die naast zijn vrouw Irina zit. De foto dateert uit circa 1952 en toont Moore die één vuist op zijn schoot gebald heeft en de andere hand op de arm van de sofa houdt. Irina zit naast hem met haar vingers in elkaar gestrengeld.Het werk is gebaseerd op voorlopige tekeningen van zittende figuren uit de late jaren 1940. Moore raakte geïnspireerd door te spelen met stukken was. Dat leidde in 1952 tot een eerste maquette. Hij creëerde eerst een bebaard hoofd met een kroon die de "koning" werd, daarna de vrouwelijke "koningin" en de bank. De koning had een gebalde vuist en de voeten waren slechts vaag uitgewerkt. De maquette toonde een smal vierkanten frame achter de figuren, die de ruimte definieerde, en herinnerde aan soortgelijke frames die Alberto Giacometti bijvoorbeeld gebruikte in zijn The Nose and The Cage, en de frames die herhaaldelijk werden gebruikt in de schilderijen van Francis Bacon, zoals zijn Three Studies of the Male Back. De 27 centimetere hoge maquette werd later in een editie van tien bronzen gegoten (LH 348). Exemplaren werden bij Sotheby's in 2001 verkocht voor £ 531.500, bij Christie's in 2010 voor meer dan US $ 2,8 miljoen, en bij Sotheby's in 2016 voor £ 1,1 miljoen.Een kopie van de maquette werd gemaakt in gips, maar daarvan bestaan enkel nog fragmenten. Het werd gebruikt om het beeld op te schalen tot een volledig gipsen werkmodel, Maquette for King and Queen 1952–3. Anthony Caro maakte een terracottamodel van de koninginfiguur op schaal 3:4, die in een oplage van vijf in brons werd gegoten, zoals Seated Figure 1952–3 (LH 345).

''Koning en koningin'' in Middelheimmuseum, Antwerpen

Elizabeth II van het Verenigd Koninkrijk

Bestand:Koning en Koningin door Henry Moore.jpg